ROCK ART

 

Liturgy: “AESTHETHICA”

 

O black metal é um gênero em constante evolução, baseado em um núcleo forte enraizado nas diversas formas de escuridão (seja o mal, o ódio, o diabo, a natureza obscura, o esoterismo, etc.), mas capaz de se expandir e se transfigurar em direções muito diferentes ao longo do tempo. Nesse panorama amplo e variado, "Aesthetica" , o mais recente álbum da banda nova-iorquina Liturgy, se destaca. Só pela capa, já se percebe que este
O álbum representa algo completamente novo: duas cruzes pretas sobre um fundo branco, uma cruz (presumivelmente) cristã na posição vertical e uma anticristã na posição invertida, dispostas em uma composição quadrilátera, quase um módulo decorativo básico. É precisamente essa natureza ornamental que impõe o lado irreverente do Liturgy, que, apesar do nome, ironicamente zomba e desconstrói a própria essência da religião, seja ela baseada no culto sombrio (que sempre inspirou o black metal) ou no culto tradicional. A desconstrução ocorre através da dessacralização do ritual e da liturgia (ouça "True Will "), que reduz a religião a uma forma completamente vazia, um elemento puramente decorativo e estético.

Hunter Hunt-Hendrix, vocalista da banda nova-iorquina Liturgy, fala explicitamente sobre "Black Metal Transcendental" e "aniquilação extática", citando Deleuze entre suas influências "filosóficas", que teorizou a criação de construções rizomáticas, abertas e não lineares através da desconstrução das estruturas e formas normalmente mantidas unidas pelo poder reacionário (incluindo a religião). " Generation" constitui o verdadeiro manifesto do "Black Metal Transcendental", uma canção que se desenvolve através da repetição exagerada de um módulo sonoro que varia imperceptivelmente ao longo do tempo (a referência a "Diferença e Repetição" de Deleuze não parece ser coincidência). As geometrias desconstrutivas de canções como " Returner" são o ponto sem retorno, começando com a exaltação da escuridão e do negativo e culminando na exaltação do barroco e do poder expressivo e afirmativo. "Aesthetica" se desdobra, portanto, como um álbum de transição, passando das formas ritualísticas e, de certa forma, canônicas do black metal para as formas fractais mais minimalistas e experimentais.
As melhores faixas são certamente os experimentos instrumentais, incluindo, além da já mencionada "Generation", " Red Crown" e "Veins of God ", esta última inspirada no minimalismo sludge, e " Harmonia ", inspirada no naturalismo rural de Wolves In The Throne Room. Este álbum do Liturgy é uma obra importante, e os fãs devotos do black metal certamente o verão com desconfiança por sua postura antirreacionária que mina a natureza ritualística e devocional do gênero. No entanto, deve ser visto com particular interesse por sua enorme onda de "abertura" e secularização que tipicamente emerge após longos períodos de obscurantismo.

The Drift: “Blue Hour”

 

“Blue Hour ”, o terceiro álbum completo da banda californiana Drift, é um disco marcado de forma indelével pela perda do trompetista e amigo Jeff Jacobs. A presença de Jeff é sentida em quase todas as faixas do álbum, naquelas que se destacam pela ausência do groove envolvente que caracterizou seus trabalhos anteriores (quem se esqueceu da atmosfera de “Memory Drawings” ?), e naquelas dedicadas expressamente ao seu amigo falecido. Sem Jeff Jacobs,
O som de “Blue Hour” se desenvolve necessariamente por meio da subtração. Tendo praticamente abandonado os sons do dub e do jazz, Danny Grody (guitarra/teclados), Rich Douthit (bateria) e Trevor Montgomery (baixo) acentuam a natureza hipnótica de seu som através de ritmos obsessivos e dilatações exageradas. O álbum começa com a batida pulsante e repetitiva de Dark Passage , que evoca as imagens noir em preto e branco do filme homônimo estrelado por Humphrey Bogart e Lauren Bacall, enquanto Bardo I (e posteriormente Bardo II ) desenvolvem um som ambiente minimalista e ascético, uma espécie de experiência intermediária entre duas vidas terrenas. As imagens cinematográficas e os ritmos pulsantes são reprisados ​​em Horizon e, posteriormente, em Continuum , enquanto The Skull Hand Smiles/May You Fare Well e a faixa de encerramento Fountain desenvolvem sons diluídos e espaciais que parecem flutuar indefinidamente. Um álbum que não decepciona.

DIAMONDS - Red House Painters: “Down Colorful Hill”

 

Seis faixas, seis músicas, seis suspiros. E não se poderia pedir mais. Mark Kozelek e seus Red House Painters entregaram uma das maiores obras-primas do folk-(pós)-rock minimalista de todos os tempos. Poderíamos citar o já conhecido Codeine para descrever a atmosfera rarefeita e os clubes de música americanos mais intimistas, e ainda assim não captaríamos totalmente a grandeza deste álbum. "24" é a primeira faixa do álbum, extremamente expansiva, com alguns acordes de guitarra suaves e batidas de baixo sonolentas. A bateria pulsa...
Podem ser contados nos dedos de uma mão. Acima de tudo isso, destaca-se a voz esplêndida de Kozelek, quase desprovida de emoção, mas dramaticamente melancólica e desesperada. Um desespero tão total que se transforma em um modo de ser. Resignação ainda não é a palavra certa. "Medicine Bottle ", a segunda faixa, é a mais longa do álbum. As batidas secas e precisas da bateria são impecáveis. O baixo é muito sombrio e a voz, mais uma vez, entoa quase um mantra de desolação. Uma jornada pela solidão mais profunda e angustiante. Kozelek parece caminhar como um equilibrista sobre o abismo; ele pode cair a qualquer momento, mas parece não se importar. Ele fala abertamente sobre o suicídio como uma possibilidade. Mas ele está cansado, tão cansado que tirar a própria vida se torna desprovido de qualquer sentido. A terceira faixa, a faixa-título para ser preciso, segue o ritmo de uma marcha que quase contrasta com a dor presente nas outras canções, tornando-a uma das mais ternas e comoventes de todo o álbum. "Japanese to English" é talvez a obra-prima absoluta da nossa banda. Certamente possui o arranjo mais complexo. Vale a pena ouvir repetidas vezes. O tema de abertura se espalha pela paisagem desolada de sempre, depois se ilumina na metade da música e, em seguida, retorna ao ponto de partida.

A música do Red House Painters pode ser definida como "simplesmente complicada". O minimalismo não deve enganar, pois estamos lidando com composições folk-rock que são certamente refinadas, mas soberbas. " Lord Kill the Pain" é a faixa mais rítmica, tocada quase alegremente. Um interlúdio que desorienta o ouvinte, que neste ponto está completamente imerso na atmosfera melancólica de "Down Colorful Hill ". Finalmente, é Michael quem encerra o álbum com uma simplicidade comovente, assim como começou. Uma canção desarmante dedicada a um amigo ( "meu melhor amigo" , como Kozelek o chama) que faleceu, que mais uma vez atinge, naturalmente, o coração e a alma do ouvinte. A música dos Red House Painters, nunca exagerada, é perfeita. Requer muita força de vontade e concentração.Para tocar assim sem perder a coragem. A mesma intensidade e envolvimento são exigidos do ouvinte. Perdemos o hábito de ouvir música sozinhos, em nosso próprio quarto, nos fundindo com ela. Não vejo outra maneira de ouvir e absorver um disco como este. Podemos reagir de duas maneiras. Podemos achar que é "demais" e, dominados pelo medo, declarar que Kozelek é apenas um viado deprimido e que essa música é para viados deprimidos, e então colocar um CD antigo do Metallica ou do Slayer no aparelho e correr para uma academia de boxe para nos sentirmos homens "de verdade". Ou, corajosamente, aceitar nossas fraquezas sem meias medidas e contemplar o abismo que Kozelek e seus amigos nos mostram.

Bootlegs de Neil Young: 'Dorothy Chandler Pavilion 1971; Royce Hall, 1971; Citizen Kane Jr. Blues '74'

 

Não deixa de ser irônico que Neil Young tenha iniciado um projeto de arquivo que ele chama de "Official Bootleg Series". Afinal, este é o homem filmado anos atrás, confrontando o dono/gerente de uma loja de discos por vender cópias não autorizadas de suas gravações. Mas o ícone do rock canadense é um homem propenso a se contradizer (aparentemente) sem pensar duas vezes, desde suas idas e vindas com o Buffalo Springfield até, mais recentemente, o início e a continuidade deste projeto de arquivo. 

Young iniciou a série de lançamentos de arquivo com  Carnegie Hall 1970 , uma duplicação virtual do título independente anterior,  Young Shakespeare,  de 2021. Este, por sua vez, é praticamente um espelho de  Live at Massey Hall,  de 2007 , e Neil agora lançou mais duas gravações de concerto semelhantes, juntamente com outra de mérito possivelmente maior, todas em CD e digital, com vinil a ser lançado posteriormente.

Royce Hall, 1971  é um show solo acústico, gravado em janeiro daquele ano no campus da UCLA, enquanto  Dorothy Chandler Pavilion, 1971  é uma performance executada de forma semelhante, com Young nos vocais, guitarra, piano e gaita, no último show nos EUA de sua turnê solo. Embora esses dois primeiros possam parecer redundantes após os lançamentos anteriores mencionados, eles também são um testemunho do alto nível consistente das performances de Young (sem mencionar um estado de espírito otimista, tanto naquela época quanto agora, ao qual ele alude nas notas abreviadas do encarte de  Chandler ). 

Uma uniformidade facilmente perceptível prevalece na seleção das músicas, cujas inclusões padrão aparecem na forma de “The Needle and the Damage Done”, “Ohio” e “See the Sky About to Rain”. A ordem das faixas muda entre 30/01/71 e 01/02/71, sendo que nesta última data, “Down by the River” aparece além de “Cowgirl In the Sand”, outra faixa do primeiro álbum de 1969 com o Crazy Horse. Ambas as músicas frequentemente funcionaram como improvisações certeiras em um contexto elétrico, então é notável a eficácia com que Young as executa sozinho neste contexto acústico: sua voz enganosamente frágil confere um ar sombrio a essas interpretações em particular.

Paradoxalmente, os amantes da música mais leais a este artista peculiar são os que mais provavelmente desejam manter suas coleções completas, mas também consideram os títulos de 1971 um exagero. Não há dúvida, porém, de que esses mesmos aficionados são também os mais propensos a serem objetivos e a reconhecer as virtudes relativas de  Citizen Kane Jr. Blues 1974. Live at The Bottom Line  in  New York City nada mais é do que uma rápida espiada acima da borda do lendário fosso ao qual Young se referia nessa época ao falar de  Tonight's The Night  e  Time Fades Away , além de  On The Beach , de onde vem um conjunto de músicas presentes nestas  onze faixas.

De acordo com as anotações de Neil na contracapa, esta apresentação de quase cinquenta e cinco minutos foi gravada com um gravador de cassete de mesa, diretamente da plateia. Abrindo com o que pode ser uma ode à sua colaboração com aqueles três amigos famosos, “Pushed It Over the End” é uma canção um tanto lânguida, mas sinistra, que prenuncia a inclusão de quatro faixas do já mencionado álbum (na época ainda inédito) que seria lançado ainda naquele ano (não por coincidência, lançado na mesma época de sua turnê em estádios com o CSN). Em um exercício já facilmente reconhecível da predileção habitual de Young por contrariar expectativas, a faixa-título, “Ambulance Blues”, “Revolution Blues” e “Motion Pictures” aparecem intercaladas com material decididamente mais acessível e descontraído.

Ainda assim, “Long May You Run” também era inédita na época deste concerto, assim como “Pardon My Heart”, que só apareceria no álbum  Zuma , lançado no ano seguinte com o Crazy Horse . “Helpless.” é uma faixa bem mais conhecida, vinda do álbum  Deja Vu do CSNY , enquanto “Dance Dance Dance”, incluída apenas alguns meses antes no álbum de estreia homônimo do The Horse, surge como o encerramento decididamente animado; presença constante nos repertórios desse período, a música vem completa com a introdução afável do autor e serve como um golpe de misericórdia apropriado para essa aparição surpresa. 

Young faz parecer fácil misturar material de várias fases de sua carreira, mas, na prática, é tão corajoso quanto ambicioso apresentar tantas composições desconhecidas a um público desavisado. Isso não nega, porém, o fato de que os presentes pertencem ao público-alvo que o ícone do rock canadense sem dúvida almeja (como é o caso, por extensão, da 'Official Bootleg Series'). Os presentes na pequena sala parecem bastante receptivos, mesmo ao ouvirem uma versão curta e angustiada de "Greensleeves".

Na contracapa deste CD, Neil também relata que tomou a decisão improvisada de tocar o set noturno em maio de 1974, após assistir a um show de Ry Cooder. E embora a replicação do que presumivelmente é o mesmo design gráfico do LP de vinil seja uma decisão compreensível para reduzir custos, o texto é difícil de discernir, tanto pelo esquema de cores quanto pelo tamanho da fonte, uma falha que levanta a questão de por que esse conteúdo não foi adicionado ao verso do encarte que anunciava "The Neil Young Archives": será que uma maior quantidade de cópias impressas representaria um risco financeiro potencialmente maior do que a tão alardeada garantia de uma qualidade de som impecável para este lançamento e seus dois complementos?  

Apesar do design da embalagem um tanto peculiar — e, para alguns ouvintes, da interpretação da conversa antes de “Roll Another Number (For The Road)” soar simultaneamente bajuladora e condescendente —, Citizen Kane Jr. Blues é um excelente exemplo do tipo de criatividade heterodoxa que tornou esse homem uma figura tão fascinante e (na maioria das vezes) reverenciada por mais de cinquenta anos. Esperamos que o álbum tenha sucesso comercial suficiente para justificar mais lançamentos incomuns como este, tornando a 'Official Bootleg Series' tão iconoclasta quanto o próprio Neil Young. 

Steve Winwood – Back in the High Life (1986)

 

O rock clássico é sobre refrões marcantes, acordes poderosos e harmonias impecáveis. Mas também é sobre se soltar e curtir os bons momentos. E não há melhor momento para isso do que sexta-feira à noite, quando recebemos nosso salário, saímos do trabalho e aproveitamos alguns dias de descanso e relaxamento tão necessários.

Uma das coisas mais complicadas sobre esses bons momentos é que muitas vezes não damos valor a eles até que se vão — algo que tende a nos afetar mais à medida que envelhecemos e começamos a entender como tudo é efêmero e como o tempo passa rápido, por mais que tentemos desacelerá-lo. Ironicamente, muitos de nós passamos a juventude desejando que as coisas acontecessem mais rápido, tentando afastar tudo o que está à nossa frente para que possamos seguir em frente para a próxima aventura, numa série aparentemente infinita de eventos.

Acontece com todos nós, e não há como evitar, então não adianta ficar se lamentando — algo que Steve Winwood entendia muito bem em 1985 e 1986, quando estava compondo as faixas para o que se tornaria seu quarto álbum solo, "Back in the High Life". Embora tivesse apenas 38 anos na época, Winwood estava perto de completar um quarto de século como músico profissional, e sua carreira já havia passado por muitos altos e baixos. Mais do que a maioria, ele sabia que esses altos e baixos eram cíclicos, e quando as coisas estão difíceis, você só precisa esperar que elas melhorem novamente.

Embora não tivesse como saber na época, 'High Life' estava preparando Winwood para um dos maiores sucessos de sua carreira e um retorno triunfal que lhe rendeu um Grammy, levando-o de volta às paradas de sucesso após um período relativamente fraco depois do sucesso mediano do álbum 'Talking Back to the Night', de 1982. Assim como em seu antecessor, o muito mais popular 'Arc of a Diver', de 1980, Winwood tocou a maioria dos instrumentos em 'Night', gravando em seu estúdio caseiro — uma configuração que, embora certamente conveniente, acabou se mostrando um pouco sufocante e levou a uma grande mudança de local, do Reino Unido para Nova York.

“Fui para Nova York simplesmente para reacender a minha criatividade”, recordou mais tarde. “Corria o risco de me tornar um artista isolado e sentia muita falta de tocar com outros músicos. Passava todo o meu tempo lendo manuais de computador e teclando em vez de sair e entreter o público, que é o meu trabalho.”

Para isso, 'High Life' conta com uma série de músicos, desde músicos de estúdio como Jimmy Bralower e John Robinson até nomes famosos como Joe Walsh, James Taylor e Chaka Khan. A produção resultante, embora certamente sofisticada o suficiente para as playlists de rádio de meados dos anos 80, era mais expansiva e variada do que os trabalhos solo recentes de Winwood. Um exemplo disso é a faixa-título, que emprega um bandolim vibrante como instrumento principal e se apoia em um acordeão monótono ao fundo — uma das únicas vezes em que qualquer um desses instrumentos apareceria no Top 40 da década.

Mas "Back in the High Life Again" quase não entrou no disco. Como Will Jennings, coautor de Winwood, contou mais tarde ao Songfacts: "Um dia liguei para Russ Titelman, que estava produzindo o álbum. Eles estavam gravando em Nova York. Perguntei como estavam as coisas, e ele disse: 'Ah, está indo muito bem'. Ele disse que 'Higher Love' e 'The Finer Things' ficaram ótimas. Perguntei como 'Back in the High Life' ficaria. Houve uma pequena pausa, e ele disse: 'Steve ainda não me mostrou essa música'."

Segundo Jennings, ele havia deixado a letra com Winwood durante uma sessão de composição em 1984, mas, por algum motivo, Winwood nunca chegou a musicá-la. Acontece que o destino estava apenas esperando para intervir. “Naquela época, [Winwood] estava se divorciando”, explicou Jennings. “E por causa do divórcio, sua esposa ficou com tudo na casa, uma mansão na Inglaterra. Então ele veio de Londres e foi até essa casa — onde ele ainda mora e já morava há anos, antes de se casar — ​​e tudo havia sumido, exceto um bandolim em um canto da sala de estar. Era inverno e o tempo estava sombrio. Ele foi até lá, pegou o bandolim e já tinha a letra na cabeça. E foi aí que ele compôs a melodia.”

Essa melodia se tornaria a base de um sucesso no Top 20 para Winwood — um dos quatro do álbum, que impulsionou um renascimento em sua carreira solo que continuou nos anos 90. E embora seu estilo de soul de olhos azuis com produção impecável tenha se tornado rapidamente sinônimo de comerciais de cerveja e rádios adultas contemporâneas, as emoções que alimentaram "Back in the High Life Again" permanecem tão fortes quanto sempre. (Confira a versão acústica de Warren Zevon para comprovar.)

“'Back in the High Life' não foi escrito para prever o que eu faria, mas sim por causa do que eu realmente  estava  fazendo”, refletiu Winwood mais tarde. “Eu sabia que 'Back in the High Life' seria meu último álbum sob contrato, e eu havia pensado por muito tempo em me dedicar à produção e coisas do tipo. Finalmente decidi: 'Não, é melhor eu seguir minha carreira como artista solo e me dedicar totalmente a ela'. Acho que provavelmente nunca me dediquei totalmente a isso, porque sempre senti que estava acima de ser apenas um artista de entretenimento.”

Então, se você está precisando de um pouco de animação neste fim de semana que se aproxima, não se preocupe; como Steve Winwood diz na música, todos nós voltaremos a isso eventualmente. Mas você não precisa esperar para ouvir aquele bandolim melancólico — basta rolar para cima até o vídeo acima, clicar em reproduzir, aumentar o volume e deixar o fim de semana começar…  agora .

Quicksilver Messenger Service’s Shining Debut (1968)

 Foto promocional antiga da Quicksilver Messenger Service (da esquerda para a direita): Gary Duncan, John Cipollina, Greg Elmore, David Freiberg.

Às vezes, a espera é a parte mais difícil.  O Quicksilver Messenger Service , formado originalmente em 1964 para acompanhar o cantor e compositor Dino Valenti, foi uma das bandas psicodélicas pioneiras de São Francisco, mas os fãs mais dedicados e os meramente curiosos só receberam um álbum do grupo em maio de 1968. Em parte, isso se devia, como o guitarrista e vocalista Gary Duncan contou a um entrevistador, ao fato de que “não tínhamos ambição de gravar discos. Só queríamos nos divertir, tocar música e ganhar dinheiro suficiente para poder fumar maconha”.

Para benefício de todos, essa falta de ambição e preferência por uma vida mais tranquila, combinadas com anos de prática e profissionalismo, produziram um dos melhores discos da época, cuja musicalidade brilha tão intensamente hoje quanto há mais de meio século.

Inicialmente uma banda de cinco integrantes, em 1968, quando assinaram com a Capitol Records — uma das últimas bandas clássicas de São Francisco a fechar contrato com uma grande gravadora — o QMS era um quarteto coeso, com seu som definido pelas guitarras gêmeas de Duncan e John Cipollina, os vocais do baixista David Freiberg (e de Duncan) e a bateria de Greg Elmore. (Valenti, preso por acusações de drogas, só retornaria à banda após sua libertação em 1970. Outro membro original, o guitarrista Jim Murray, havia saído antes da gravação do álbum de estreia.)

Mas a eterna fraqueza da banda persistiu: seus membros quase não compunham. O que, curiosamente, se tornou um de seus pontos fortes, pois os obrigava a transformar e personalizar covers em interpretações que eles mesmos viriam a considerar suas (veja a vívida releitura de Bo Diddley ao longo de seu segundo álbum,  Happy Trails ).

Aqui, a canção folk de protesto de Hamilton Camp, "Pride of Man", se transforma em um rock apocalíptico arrepiante.

"Gold and Silver", que começou como uma jam em "Take Five" de Dave Brubeck, se transforma em uma troca de riffs de guitarra dupla ferozmente swingada que prenuncia trabalhos posteriores de Allman-Betts.

Entre as grandes revelações do álbum: ele apresenta uma banda de rock 'n' roll que não só domina o jazz, como também se sente à vontade — e domina — a música pop. "Dino's Song", de Valenti, melódica, perfeitamente elaborada e irresistivelmente efervescente, quase chegou ao Top 40.

Em “It's Been Too Long” (creditada ao empresário da QMS, Ron Polte), Cipollina dispara um solo vigoroso e espiralado, e Freiberg atravessa o fade out com “whoa-whoa-whoa” vibrantes, à la Del Shannon (sua “Runaway” fazia parte do repertório inicial da banda).

Não surpreendentemente, as duas músicas compostas pela banda no álbum são predominantemente instrumentais. "Light Your Windows" lembra em parte a leveza de "Coconut Grove", de Fred Neil, embora seu verdadeiro atrativo seja a incisiva filigrana elétrica que Cipollina aplica ao longo da faixa.

A faixa de encerramento de 12 minutos, "The Fool", é a música longa obrigatória que todas as bandas de São Francisco incluem em seus shows, mas está longe de ser uma divagação sem rumo. Em vez disso, é uma coleção impecável de mini-suítes que percorrem com maestria diversos espaços musicais, desde interlúdios acústicos bucólicos até vertiginosos ataques góticos — intercalados com letras "místicas" que remetem diretamente à filosofia hippie.

Se o objetivo de um álbum de estreia é mostrar do que você é capaz,  Quicksilver Messenger Service  é um sucesso absoluto. Ele mostra um grupo aproveitando ao máximo o que tinha para forjar um estilo que permanece totalmente único. Harvey Brooks e Pete Welding produziram o álbum, juntamente com Nick Gravenites (aqueles metais do Electric Flag que você ouve em "Pride of Man").

Van Morrison - Somebody Tried To Sell Me A Bridge 2026

 

1. Kidney Stew Blues (3:45)
2. King For A Day Blues (3:46)
3. Snatch It Back And Hold It (3:58)
4. Deep Blue Sea (Feat. Elvin Bishop) (4:18)
5. Ain't That A Shame (3:27)
6. Madame Butterfly Blues (Feat. Elvin Bishop) (5:47)
7. Can't Help Myself (Feat. Taj Mahal) (3:42)
8. Betty And Dupree (Feat. Taj Mahal) (4:59)
9. Delia's Gone (3:20)
10. On A Monday (3:21)
11. Monte Carlo Blues (2:54)
12. When It's Love Time (Feat. Elvin Bishop) (2:58)
13. Loving Memories (Feat. Elvin Bishop) (4:31)
14. Play The Honky Tonk (Feat. Elvin Bishop) (3:50)
15. (Go To The) High Place In Your Mind (Feat. John Allair) (3:53)
16. Social Climbing Scene (3:43)
17. Somebody Tried To Sell Me A Bridge (4:01)
18. You're The One (Feat. Elvin Bishop) (4:25)
19. I'm Ready (Feat. Buddy Guy) (3:29)
20. Rock Me Baby (Feat. Buddy Guy) (5:32)

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spotify

MUSICA&SOM ☝

Van Morrison Volta às Raízes Blues com "Somebody Tried To Sell Me A Bridge"
Van Morrison está de volta com um álbum que pulsa com a essência do blues clássico! Lançado em 2026, Somebody Tried To Sell Me A Bridge é uma homenagem vibrante às lendas do gênero, reinterpretando hits de B.B. King, Buddy Guy e Leadbelly com o grit e a lirismo inconfundíveis de Morrison. O disco mistura emoção crua e sons atemporais, criando uma experiência feroz e viva que vai cativar fãs de blues autêntico.
Destaques: incluem faixas como "Deep Blue Sea" e "Madame Butterfly Blues", com Elvin Bishop adicionando camadas de guitarra hipnóticas, e "I'm Ready" e "Rock Me Baby", onde Buddy Guy traz fogo elétrico. Participações estelares de Taj Mahal, John Allair e outros veteranos como David Hayes e Larry Vann enriquecem o som com autenticidade.
Curiosidade: Gravado no icônico Studio D em Sausalito, Califórnia, sob a engenharia de Jim Stern, o álbum captura sessões espontâneas que ecoam as raízes do blues dos anos 50 e 60. Um detalhe fascinante é a inclusão de colaboradores de longa data, como Mitch Woods, reforçando o legado de Morrison como ponte entre gerações musicais.