Duas demos pelo preço de uma de pura insanidade black/doom. Bateria arrastada, guitarras distorcidas, vocais psicóticos, órgão monótono, sinos fúnebres e um cover do Twisted Sister.
● Michel Taillet: Eminent sintetizador, órgão, clavinete, vibrações, percussão e vocais
● Christian Beya: violino
● Jean-Luc Thillot: baixo e vocais
● Alain Gozzo: bateria e percussão
Com:
● Laurent Gianez: sax (faixa 5)
● Bruno Géhin: piano, Fender electric piano, Mellotron e Mini-Moog
O ATOLL foi uma das estrelas mais brilhantes na constelação de bandas clássicas francesas dos anos 70 e poderia ser mais lembrada hoje se tivesse sido um pouco mais produtiva. Do jeito que está, sua reputação repousa em apenas dois álbuns produzidos em um período de cinco anos, o primeiro dos quais foi este lançamento de 1975, em retrospecto um dos pináculos do Rock Progressivo francês e um destaque da carreira muito breve do grupo.
Certamente L'Araignée-Mal é uma melhoria dramática em relação ao seu debut de 1974 "Musiciens- Magiciens", com momentos de poder emocional e urgência instrumental. A produção pode parecer primitiva para os padrões de hoje, mas a música é inegável e ambiciosa, variando da grandeza romântica de "Le Voleur d 'Extase" à arrepiante abertura de nove minutos "Le Photographe Exorciste, em que o sussurro sedutor do cantor Andre Balzer é gradualmente tomado por um pânico sobrenatural que sugere as aparições mais grotescas de uma história de HP Lovecraft. Depois, há a suíte do título em quatro partes, uma mini-maravilha de mudanças de humor passivas/agressivas, de cores orquestrais a um pandemônio quase demoníaco e vice-versa, a faixa nunca perde o ímpeto ao longo de sua duração épica de 21 minutos. Mas o que realmente eleva este LP acima do pacote é a adição de Richard Aubert no violino elétrico, dando à música um sabor único de Jazz-Rock ausente em outros lugares na discografia do ATOLL. Muito calor é gerado em seus duelos com o guitarrista Christian Beya, mas não se engane: isso não é Jazz-Rock genuíno, por mais próximo que às vezes possa flertar com um vocabulário de Fusion. A faixa "Cazotten No. 1", é uma jam semi-improvisada na qual a seção rítmica em particular não soa totalmente "confortável", embora possa ter sido uma questão de inibição do estúdio. O CD da "Musea" oferece como faixa bônus uma versão anterior ao vivo da música, com um saxofonista convidado substituindo o violinista (que só entrou na banda algumas semanas antes do álbum ser gravado). A versão ao vivo é duas vezes mais longa e tocada com um entusiasmo que aparentemente não foi transportado para o estúdio.
A impressão deixada pelas notas exaustivas no livreto do CD é de uma jovem banda de Rock Progressivo em dificuldades tentando encontrar sua voz em meio às frustrações usuais do show biz de shows cancelados, déficits financeiros e uma lista de pessoal instável. Este deveria ter sido seu álbum inovador: o grupo até gravou uma versão em inglês vários anos depois (tradução rápida: The Evil Spider), em uma tentativa tardia de ampliar seu apelo. Ele nunca foi lançado. Mas depois de quase três décadas, o original imaculado ainda pode ser apreciado em toda a sua glória criativa.
Faixas: 01. Le Photographe Exorciste (9:10) 02. Cazotte N°1 (6:00) 03. Le Voleur D'Extase (7:30) - L'Araignée-Mal (21:20) : 04. Imaginez Le Temps (6:40) 05. L'Araignée-Mal (5:05) 06. Les Robots Débiles (3:35) 07. Le Cimetière De Plastique (6:00)
● Rodolfo Maltese: guitarras, trompete e backing vocals
Aqui temos, o que deve ser considerado mais uma compilação do que um verdadeiro novo disco do BANCO. Existem dois números totalmente instrumentais: "Chorale (From Traccia Theme)" e "Traccia II", uma música inédita: "L'Albergo Del Pane" cantada em italiano, e quatro faixas cantadas presentes em discos anteriores, mas que foram re-gravadas com vocais em inglês.
A escolha das músicas desse álbum é um pouco estranha. De qualquer forma, o grande destaque é "Metamorfosi", presente no primeiro disco da banda e que aqui foi renomeada para "Metamorphosis" e está muito mais Progressiva que antes. A introdução (e a parte instrumental longa, mais de treze minutos!) É totalmente ELP (este é o primeiro álbum deles pelo selo Manticore, poderia ser isso uma influência?). É uma fantástica peça de piano que mostra toda a métrica do BANCO para integrar passagens clássicas em seus números. Sem dúvida é o destaque deste álbum. Alguns toques de Jazz, alguns momentos de Space Music, algumas belas notas de guitarra na parte final. Uma grandiosa peça musical. Quase totalmente instrumental. Francesco entra em cena aos 13'08 e termina aos 14'03.
Faixas:
Nº
Título
Duração
01
Chorale (From Traccia Theme)
02:30
02
L'Albero Del Pane (The Bread Tree)
04:45
03
Metamorphosis
14:54
04
Outside
07:42
05
Leave Me Alone
05:20
06
Nothing's The Same
09:58
07
Traccia II
02:42
Nota: Seleção de faixas regravadas do 1º e 3º álbuns originais da banda. Faixas 3-6 com letras traduzidas para o inglês. Faixa 2 inédita com letra em italiano.
Lançado em outubro de 1975 pela Polydor Records, "Time Honoured Ghosts" é um dos marcos fundamentais na trajetória do BARCLAY JAMES HARVEST. Gravado nos Estados Unidos, especificamente em San Francisco, o disco contou com a produção do renomado Elliot Mazer, conhecido por seu trabalho com Neil Young. Essa mudança de cenário e a escolha de um produtor norte-americano resultaram em uma sonoridade nitidamente mais limpa e focada, distanciando-se ligeiramente das orquestrações densas dos primeiros anos da banda para abraçar arranjos de Rock Progressivo mais melódicos e acessíveis. O sucesso do álbum foi expressivo na Europa, especialmente na Alemanha e no Reino Unido, consolidando o grupo como um dos pilares do Rock Sinfônico da década de 1970.
O contexto de criação de "Time Honoured Ghosts" reflete o amadurecimento do quarteto e sua habilidade em fundir harmonias vocais refinadas com texturas de teclados atmosféricos. O álbum é é frequentemente comparado ao estilo de grupos como THE MOODY BLUES, embora o BARCLAY JAMES HARVEST tenha desenvolvido uma identidade própria baseada na alternância criativa entre as composições de John Lees e Les Holroyd. A recepção da crítica na época destacou a elegância das melodias e a precisão técnica da execução, características que permitiram ao álbum envelhecer como um clássico do Art Rock. A obra simboliza o equilíbrio perfeito entre a sofisticação europeia e a clareza de produção americana, elevando o status da banda para além do circuito cult britânico.
O álbum inicia com a vibrante "In My Life", seguida pela reflexiva "Sweet Jesus" e pela melancólica "Titles", que utiliza títulos de músicas dos BEATLES em sua letra como uma homenagem criativa. "Jonathan" e "Beyond the Grave" apresentam as texturas suaves de Melotron de Woolly Wolstenholme. Outros destaques incluem a lírica "Moongirl" e a épica "Song for You", culminando no encerramento com "One Night", que demonstra a capacidade do grupo em criar atmosferas grandiosas e emocionantes. A variedade das faixas revela um entrosamento único, onde cada instrumento serve à melodia principal sem excessos desnecessários.
A produção de Elliot Mazer conferiu uma qualidade atemporal às gravações, permitindo que as nuances das guitarras de John Lees e as camadas de sintetizadores brilhassem de forma inédita. "Time Honoured Ghosts" permanece como um testemunho da era de ouro do gênero, provando que era possível unir complexidade estrutural com um apelo emocional direto.
Gêneros: Heavy Prog, Eclectic Prog, Symphonic Prog
Álbum: Plastic People
Ano: 1975
Duração: 45:10
Músicos:
● Bruno Frenzel: guitarras, arranjos de cordas (faixa 3) e vocais de apoio
● Peter Föller: baixo, vibrafone (faixa 3), vocais principais (faixas 1,2,4-6)
● Bernd Noske: bateria, percussão, efeitos sonoros e vocais principais (faixas 2,3,5)
● Zeus B. Held: teclados, saxofone tenor (faixas 2,4), trompete (faixa 2), arranjos de cordas e metais (faixa 6), vocais de apoio
Com:
● Christoph Noppeney: viola (faixas 3,6)
● Jochen von Grumbkow: violoncelo (faixas 3,6)
● Friedmann Leinert: flauta (faixa 6)
● Robby: saxofone (faixa 6)
● Otto: trombone (faixa 6)
● Harry: trompete (faixa 6)
● Ulla: vocais de coro (faixa 6)
● Hanne: vocais de coro (faixa 6)
● Brigitte: vocais de coro (faixa 6)
● Robert Camis De Fonseca: Fx (faixa 1)
Este deve ser realmente o primeiro álbum Progressivo do BIRTH CONTROL e um grande afastamento de seus álbuns anteriores. Muitos perguntarão se é a mesma banda que fez álbuns como "Hoodoo Man" ou "Operation". O BIRTH CONTROL certamente era uma banda que gostava de se rebelar contra o sistema, dêem uma olhada em algumas das capas de seus álbuns. De qualquer forma, a ideia é que as pessoas que vão com o fluxo como milhões de outras pessoas (veja a capa do álbum) são "pessoas de plástico".
Lançado em 1975, "Plastic People" soa tão bem quando começa a funcionar. Os teclados e guitarra, especialmente. O ritmo aumenta antes de 1 minuto e meio, conforme os sintetizadores e a bateria lideram o caminho. A guitarra vai e vem. Vocais pela primeira vez 3 minutos depois e o órgão segue. Uma calma após 7 minutos e vocais reservados juntam-se antes de voltar. Melodia incrível! "Tiny Flashlights" abre com sons de guitarra e vocais, então obtemos um som completo antes de um minuto e os vocais se juntam. Isso parece incrível. Apenas uma boa melodia. As duas primeiras faixas estão entre as três melhores neste álbum. Ele se torna espacial antes de 4 minutos, soa como cordas. Bela guitarra e bateria um minuto depois, de volta à melodia original. O sax chega tarde. "My Mind" abre com o som do vento soprando em um campo vazio. Os vocais processados chegam antes de um minuto. Violino após 2 minutos e meio. Uma explosão um minuto depois, o violino faz algum barulho. O ritmo começa a aumentar com notas e bateria liderando o caminho.
Segue-se "Rockin 'Rollin' Roller". Alguns bons contrastes nesta também. "Trial Trip" abre com sintetizadores e palavras profundas antes de entrar em ação após um minuto com os vocais. Guitarra e órgão também entram na briga. Ele se torna espacial antes de 4 minutos, então a guitarra começa a acendê-lo. Som incrível! "This Song Is Just For You" tem um verdadeiro sabor de BLOOD SWEAT & TEARS com a seção de sopros (sax, trombone e trompete) e aqueles vocais ásperos. Um pouco de violino, flauta e backing vocals femininos também.
Um dos melhores álbuns de Rock Progressivo de meados dos anos 70 em geral, mas um tanto injustamente despercebido em comparação com outros nomes e álbuns desse período, com certeza o BIRTH CONTROL estabelece novos padrões em seu próprio som e chama a atenção de todos os amantes do progressivo.
Faixas: 01. Plastic people (10:54) 02. Tiny flashlights (7:33) 03. My mind (6:49) 04. Rockin' rollin' roller (5:43) 05. Trial trip (6:43) 06. This song is just for you (7:28)
Finalmente está aqui, a reedição em CD do LP de BLÅKULLA de 1975. Mais uma vez é a APM que nos deu um velho clássico sinfônico sueco. Para quem não conhece a banda, sua música é Hard Rock sinfônico/Progressivo que se destaca na competição com outros primeiros álbuns escandinavos. As letras são escritas por Gustav Fröding, entre outros, e, assim como a música, são de alta qualidade. O guitarrista Mats Öhberg merece uma menção especial.
O CD é composto pelas 9 faixas do LP original + 3 faixas bônus gravadas em 1974, antes do LP. A parte principal das faixas é incomumente curta por ser Rock sinfônico, mas é igualmente boa. Às vezes soa como uma versão mais pesada de KAIPA, às vezes como o também sueco ATLAS, que será postado brevemente aqui no blog.
Os destaques vão para a longa faixa "Erinran" (10:35), "Sirenernas sång", "Maskinsång", "I solnedgången" e a instrumental "Mars". Se você gosta do Rock sinfônico dos anos 70, esta é uma obrigação. A APM está sempre fazendo lindos encartes em seus CDs, muitas vezes com muita informação extra. Mas felizmente eles estão mantendo a capa do LP original até no CD.
Estamos de volta com nossos álbuns menos conhecidos e recomendados, e desta vez vamos mergulhar no álbum homônimo do jovem multi-instrumentista e compositor francês Tom Penaguin. É uma obra fantástica com sonoridades da cena de Canterbury e eclética o suficiente para evocar também o próprio Frank Zappa. É mais um dos melhores álbuns de 2024, uma coletânea do melhor dos clássicos de Canterbury, criando uma obra-prima moderna desse antigo movimento musical. É um álbum fantástico do começo ao fim, ostentando um som magnífico, com arranjos complexos que pendem para o estilo de Hatfield and the North, National Health e Egg, demonstrando uma "tolerância zero para a autocensura experimental", ao mesmo tempo que revela um excelente bom gosto em sua abordagem. Aqui está um homem sozinho, confrontando a si mesmo e todo o seu talento, acompanhado por um grupo de músicos que contribuem com um pouco mais do que ele poderia ter feito sozinho, para moldar uma obra notável que convido você a descobrir. Se tivesse sido lançado na Inglaterra nos anos 70, certamente seria um clássico, mas, além de qualquer reflexão que possamos fazer sobre isso, é algo que nos convida a relaxar e aproveitar. E aproveitar ao máximo.
Artista: Tom Penaguin Álbum: Tom Penaguin Ano: 2024 Gênero: Canterbury Scene Duração: 37:29 Referência: Discogs Nacionalidade: França
A Rockarte já fez sua própria animação sobre este álbum... aqui . Dissemos que traríamos este álbum e agora cumprimos uma de nossas muitas promessas vazias.
Tom é francês e começou a tocar guitarra aos seis anos, passando depois para outros instrumentos até que, aos 15, já tocava guitarra, órgão, piano e bateria profissionalmente. Ele é guitarrista em uma banda de metal e tecladista em um grupo de stoner rock psicodélico. Lançou um álbum de bateria e sintetizador em 2020, mas afirma que este é seu verdadeiro álbum de estreia. Embora quisesse gravar este álbum aos 17 anos, não tinha o equipamento, os instrumentos e a experiência necessários. Aqui, o jovem Tom compõe, toca, mixa e produz tudo, embora a faixa de abertura, "The Stove Viewpoint Introduction", conte com músicos convidados que adicionam seus próprios sons a esta colagem de três minutos.
E como imagino que você já tenha ouvido o álbum na resenha do Rockarte, não vou me alongar muito sobre ele (mas não se preocupe, se você ainda não o ouviu, pode facilmente remediar esse erro), exceto para dizer que é uma joia moderna da música progressiva que, por sua vez, tem suas raízes nos clássicos dos anos setenta de Canterbury.
Esclarecido isso, e seguindo minha recomendação para que você não perca esta obra, vamos passar para um comentário de terceiros que dirá a mesma coisa, mas com palavras mais belas.
O lançamento do primeiro álbum oficial de Tom Penaguin gerou bastante burburinho este ano nos círculos de nicho do rock progressivo. Some-se a isso o mérito considerável de lançá-lo por uma gravadora espanhola consagrada e exigente. Já falamos sobre este francês de Rennes algumas semanas atrás, em sua verdadeira estreia (embora não em formato físico), "Soundtrack for Places I've Never Been Vol. I" (2022). Uma obra soberba de prog-tronica descritiva. Uma mudança estilística para seu primeiro álbum físico. Um pintor hiper-realista da cena boêmia-hippie-intelectual do início dos anos 70 em Canterbury, Tom Penaguin toca baixo, bateria, guitarras e teclados. Muitos deles. Rhodes MK2, Cembalet, Yamaha YC20, Hohner Planet T, Hohner String Melody, Moog Matriarch... Ele geralmente é o guitarrista da banda Djin e o tecladista do Orgone. Ele poderia estar envolvido em mais projetos, porque ele tem talento de sobra. Tem sido como uma terapia, uma pausa bem-vinda na rotina. E ele abraçou isso com euforia, respeito, admiração e um profundo amor pelo estilo. É fácil perceber. A faixa de abertura, "The Stove Viewpoint Introduction" (2:44), demonstra zero tolerância à autocensura experimental. Exatamente como antigamente. Se você não gosta, não ouça. Esse era o lema que transformava obras em obras-primas. Na época em que os músicos estavam no comando de sua arte, e não o rebanho ditando "o que precisa ser feito". Foi assim que tudo deu errado. A faixa apresenta uma estranha sensação bucólica de campo com um "National Health" perfeito. Que se transforma em uma maravilhosa regressão temporal chamada "Housefly Leg" (14:25). De fato, os vapores porosos de Hatfield & the North / National Health ganham vida surreal novamente em um cenário idílico de autêntica magia estilística. Isso é real. Sem recriação, sem gaitas de fole retrô. Penaguin realmente acredita que está no interior de Kent, perseguindo Barbara Gaskin (e a mim) como Benny Hill. Não foi gravado na mansão Manor da Virgin Records, mas em seu estúdio caseiro analógico. Totalmente vintage. É assim que soa. E isso é um ponto positivo. Refinado e elegante, com guitarras elétricas, tanto Gibson SGs quanto Les Paul Goldtops. Coerente, maduro e completo em seu arranjo instrumental estilizado. Baixo e bateria transbordando virtuosismo técnico. Soa como uma banda coesa. Você jamais imaginaria que é apenas um cara. Dedicação absoluta a uma causa que desafiaria um computador com inteligência artificial para um exame de Canterbury, e ele perderia por falta de alma, sentimento e coração. Façam suas apostas. Desenvolvimentos imaginativos, porém otimistas, buscando a felicidade nas coisas simples: uma salsicha, um bom vinho de Canterbury, terroir e zona de conforto, sempre. Não se engane. Tudo isso é alcançado aqui. É um sonho realizado, uma realidade, mesmo que dentro da nossa própria Matrix progressiva. O baixo é robusto, mais Hugh Hopper do que Richard Sinclair. A percussão é impecável, puro Pip Pyle. E a guitarra e os teclados são telas fiéis dos mestres Phil Miller e Dave Stewart. Se isso não te emocionar, vá ao pronto-socorro. "Aborted Long Piece #2" (3:35), no entanto, captura o som cubista clássico de Egg. Ou seja, barroco em sua essência, mas com uma qualidade fluida e peculiar. É tão Scarlatti quanto Thelonious. O trabalho com órgão vintage também carrega as marcas de Arzachel, e assim tudo permanece dentro da família. A julgar pelo título, pode-se dizer que foi uma tentativa inacabada de algo mais extenso e ambicioso, algo que nunca se concretizou. Isso acontece. Até com os maiores. A faixa transita para "Arrival of the Great Hedgehog" (9:16). Outra maravilha de pureza cristalina de Canterbury. Uma designação de origem, sim, e um vintage excepcional. Talvez meu favorito. Pode muito bem ser. Aqui, as influências usuais se fundem com Khan, Gilgamesh ou Gowen-Miller-Sinclair-Tomkins. O violão inflama paixões e boinas. Este álbum se destaca entre o Latimer mais devotado e possuído e o Gary Boyle em plena fúria berserker. Ele te reconcilia com o mundo, de verdade. Termina com "The Stove Packed Up and Left" (7:29), e finalmente nos rendemos ao fato inegável de que este álbum é tudo menos um acaso. Estamos testemunhando um jovem gênio que domina instrumentos e estilos com uma facilidade impressionante. Como aquela vez em que um desconhecido Miguel Campoviejo nos falou sobre suas "Bolas Tubulares". É sobre ser tocado pelo divino. Um dos álbuns mais claros do ano.
Lista de faixas: 1. The Stove Viewpoint Introduction (2:44) 2. Housefly Leg (14:25) 3. Aborted Long Piece No. 2 (3:35) 4. Arrival of the Great Hedgehog (9:16) 5. The Stove Packed Up and Left (7:29)
Formação: - Tom Penaguin / piano elétrico, sintetizador, sintetizador de cordas, baixo, bateria, guitarra elétrica, fitas Com: Brillant Rodrich / copos em câmera lenta Marie Le Pohon / risadas Ki / flauta com eco Inkus / sons de cachorro
Mais uma vez, apresentamos alguns dos melhores nomes do rock peruano, e desta vez, o segundo álbum do Supay, que personifica a nova onda do rock progressivo tipicamente latino-americano. Eles criaram uma fórmula perfeita que combina rock sinfônico, sonoridades andinas e nuances psicodélicas. É um álbum alegre, poderoso, original e até profundo, caracterizado por um forte ecletismo, demonstrando grande versatilidade de ritmos, texturas sonoras e ideias musicais, onde os metais são, sem dúvida, a alma do som, imbuindo a banda com uma forte sensibilidade andina. Enquanto isso, a guitarra elétrica e os teclados contribuem com passagens delirantes e lisérgicas. Estamos, sem dúvida, diante de uma obra de grande espírito, uma fusão precisa e admirável. Seriam eles os novos Wara? Carregariam a alma de Los Jaivas? Seriam os herdeiros do Contraluz? Não sei dizer. Tudo o que sei é que o álbum é fantástico e que todos precisam conhecer as maravilhas que estão sendo criadas nessas partes do mundo meridional. É por isso que... que melhor maneira de continuar divulgando os álbuns de Supay?
Artista: Supay Álbum: El viaje Ano: 2007 Gênero: Folk progressivo Nacionalidade: Peru Duração: 43:55
Fiquei muito impressionado na primeira vez que ouvi Supay; sinceramente, acho que eles são a banda de prog andino mais autêntica. Adoro Los Jaivas , mas eles são menos prog que Supay e mais próximos do folk e do folk-rock. Nunca tinha ouvido uma banda peruana criar uma fusão tão perfeita entre o prog psicodélico e a música andina, embora Kharmina Burana, que é mais sinfônica, também seja muito boa.
Mais uma vez, estou deixando uma resenha de alguém que escreve melhor do que eu, estou me referindo ao nosso sempre presente e involuntário comentarista:
Outra excelente contribuição para o rock progressivo no cenário peruano é o segundo álbum do SUPAY, "El Viaje" (A Viagem). Lançado oficialmente no mercado fonográfico local no final de maio [de 2007], foi precedido por um EP de edição limitada com o mesmo nome, que continha cinco das dez faixas presentes neste CD completo. O trabalho do SUPAY se enquadra claramente nos parâmetros do rock progressivo sinfônico com influências psicodélicas, em conjunto com uma fusão de raízes folclóricas andinas. Seu álbum de estreia, "Confusión" (uma joia ainda a ser devidamente descoberta pelo público mais amplo do rock progressivo), apresentou uma fusão coesa de rock complexo e música andina; a principal tendência da jornada musical contida em "El Viaje" é aguçar as especificidades de cada uma dessas duas fontes, a fim de dar à sua união uma direção mais focada nos contrastes. Observe que a harmonização de ambos os elementos principais permanece bem-sucedida; ela é simplesmente abordada com um foco ligeiramente diferente. O resultado é igualmente excelente porque, em última análise, o SUPAY é um grupo com uma visão clara de suas explorações instrumentais – o conjunto sabe exatamente o que esperar, tanto nos momentos de improvisação quanto nas passagens mais distintamente líricas. Comparado ao seu álbum de estreia, há uma exaltação mais pronunciada na guitarra, intimamente ligada às influências de Blackmore e Jeff Beck, bem como de David Gilmour e Steve Hackett. Enquanto isso, os ventos andinos combinam uma inegável mistura de magia ancestral e o charme irreverente de Jethro Tull. O álbum começa com um belo prelúdio telúrico intitulado "Ancestro" (com cadência semelhante à abertura da lendária "Alturas de Machu Picchu", de Los Jaivas), que transita quase instantaneamente para "Alma", uma faixa melancólica que logo incorpora variações ligeiramente mais extrovertidas, sem, no entanto, perturbar a atmosfera geral. O guitarrista Luis Proaño aproveita ao máximo seu papel principal sem se tornar dominante. Até aqui, temos uma continuação do estilo estabelecido em "Confusión". É com "Supay" que o conjunto começa a revelar sua nova abordagem: os riffs pesados, dobrados pelas flautas de pã, e a versatilidade da seção rítmica emergem como um raio de luz por trás das montanhas, enquanto requintados ornamentos de teclado filtram-se com eficácia sob os sucessivos solos de guitarra e sopro. Mais tarde, com "Lejanía" e "Resurrección", temos mais exemplos dessa mesma estratégia, dando ainda mais espaço para improvisações e enfatizando ainda mais o poder inerente do conjunto. Essas duas faixas talvez contenham as contribuições mais notáveis do tecladista Gustavo Valverde, dada a variedade de recursos sonoros que ele emprega nas orquestrações, harmonias e fraseado, em diálogo fluido com a guitarra solo e os instrumentos de sopro.Outros momentos específicos que gostaria de destacar são os trechos lúdicos de flauta quena flutuando sobre os riffs pesados de guitarra no clímax prolongado de 'Lejanía' e as cores majestosas concentradas no tema épico de abertura de 'Resurrección'. SUPAY também sabe se entregar com sinceridade ao lirismo suave dos Andes, como em 'Karnavaloide', um exercício leve de carnaval andino em estilo world music, e também nos interlúdios 'Ñan Quiska' (uma reprise de 'Ancetro' com flautas de pã) e 'Guerrero', ambos solos do instrumentista de sopro Williams León. 'Avanzando II' é um interlúdio de blues-rock que gradualmente se torna mais ornamentado até chegar ao tema inicial de 'Avanzando', uma faixa do álbum "Confusión" — mais um prólogo do que uma sequência. O álbum termina com a faixa-título. 'El Viaje' possui duas seções distintas: uma abertura etérea com base de bossa nova, na qual a flauta e a flauta de pã flutuam de forma onírica, até que a seção final emerge — uma torrente de hard rock psicodélico, habilmente adornada com sons de sintetizador cósmicos, como algo sinistro nos aguardando no fim da estrada. Com 'El Viaje', o SUPAY consegue se restabelecer como uma força significativa na cena do rock progressivo. É um álbum muito sólido, apesar do cronograma de gravação inconsistente e do processo de produção fragmentado. De fato, o baixista Renzo Danuser não está mais na banda (com o veterano Felipe Asmat retornando como um substituto à altura), Gustavo Valverde saiu antes do lançamento do EP anterior, e a seção de metais se tornou uma entidade monolítica. Esperamos que o grupo tenha a sorte de capitalizar o impulso gerado pelo relançamento de seu álbum 'Confusión' pela Mylodon. A verdade é que sua proposta merece mais atenção do público amante do rock, seja ele progressivo ou não.Com "El Viaje" (A Viagem), o SUPAY se reafirmou como uma força significativa na cena do rock progressivo. É um álbum notavelmente sólido, apesar do cronograma de gravações inconsistente e do processo de produção fragmentado. O baixista Renzo Danuser não está mais na banda (com o veterano Felipe Asmat retornando e se mostrando um substituto à altura), Gustavo Valverde saiu antes do lançamento do EP anterior e a seção de metais praticamente desapareceu. Esperamos que o grupo se beneficie do impulso gerado pelo relançamento do álbum "Confusión" (Confusão) pela Mylodon. Sua música realmente merece mais atenção dos fãs de rock, sejam eles fãs de rock progressivo ou não.Com "El Viaje" (A Viagem), o SUPAY se reafirmou como uma força significativa na cena do rock progressivo. É um álbum notavelmente sólido, apesar do cronograma de gravações inconsistente e do processo de produção fragmentado. O baixista Renzo Danuser não está mais na banda (com o veterano Felipe Asmat retornando e se mostrando um substituto à altura), Gustavo Valverde saiu antes do lançamento do EP anterior e a seção de metais praticamente desapareceu. Esperamos que o grupo se beneficie do impulso gerado pelo relançamento do álbum "Confusión" (Confusão) pela Mylodon. Sua música realmente merece mais atenção dos fãs de rock, sejam eles fãs de rock progressivo ou não.
César Inca
Aliás, o melhor é você ouvir, porque um som vale mais que mil palavras...
E aqui está a história da banda, para quem tiver interesse:
O Supay foi oficialmente formado em Lima, em outubro de 2000. O nome é uma palavra quéchua que simboliza a dualidade que governa a natureza, referindo-se a um deus malévolo que, com o tempo, tornou-se benevolente, tendo piedade de suas antigas vítimas e protegendo-as de ameaças ainda maiores. O grupo começou como um trio até abril de 2001, quando se consolidou como um quinteto. Em 2004, a banda gravou seu primeiro álbum, "Confusión", no qual os músicos exploraram o estilo nacional de seu gênero, expressando e fundindo suas experiências espirituais. O som do sexteto de Lima é caracterizado por um notável rock progressivo instrumental ao estilo dos anos 70, magistralmente infundido com elementos folclóricos andinos através da inclusão de instrumentos tradicionais como quenas, zampoñas e tarcas, entre outros. Seu espírito musical segue os passos de grupos como Jethro Tull, Los Jaivas, Pink Floyd e até mesmo de sua banda contemporânea dos anos 70, El Polen, ao mesmo tempo que exibe uma clara influência do Krautrock à la Agitation Free, o que lhes confere um toque psicodélico. Em julho de 2005, o Supay assinou com a Mylodon Records para o relançamento de "Confusión" e o lançamento de seu novo álbum, gravado em maio de 2005.
www.mylodonrecords.com
Com este álbum, esses músicos peruanos se reafirmam como uma força significativa na cena do rock progressivo. "El viaje" é um álbum notavelmente sólido, apesar do cronograma de gravação inconsistente e do processo de produção fragmentado. Altamente recomendado.
A banda peruana Supay está viva e bem, e, aliás, está prestes a lançar a versão final de seu segundo álbum completo. Enquanto isso, no início de março, a Supay lançou este EP intitulado "El Viaje" (A Viagem), que foi apresentado oficialmente em um show. Esta gravação contém cinco faixas, totalizando pouco menos de 25 minutos de excelente rock progressivo baseado em sons andinos, cujas nuances rock bebem fortemente da psicodelia old-school e do hard rock. Como o guitarrista Luis Proaño me disse em uma conversa há seis meses, o fio condutor deste novo material é enfatizar a intensidade das passagens rock e a vibração das passagens andinas, a fim de explorar seu contraste mútuo. É como se a banda tivesse se dedicado a destacar e refinar as nuances de ambos os lados da moeda para dar ao conjunto um brilho renovado. Após o prelúdio terroso "Ancestro", uma bela e breve demonstração de sopros e cadências suaves de percussão, vem "Alma", uma peça que se encaixa perfeitamente na descrição dada no início deste parágrafo. O motivo introdutório blues e as expansões temáticas, impulsionadas em conjunto pela guitarra e pelo teclado, entrelaçam-se lindamente com as passagens folclóricas. 'Karnavaloide' oferece um momento de repouso com sua atmosfera serena e suave, muito no estilo da world music. 'Supay' é uma peça muito interessante em sua vibração explosiva, centrada nas influências do lado mais roqueiro do Jethro Tull e do Pink Floyd de 1973-1975: promete ser um dos destaques do próximo álbum, e o mesmo pode ser dito de 'El Viaje'. Esta faixa de encerramento começa com um motivo hipnótico de bossa nova, com os sopros conferindo uma cadência flutuante à peça. Quando a seção rock chega, a música cresce até um clímax soberbo. A intensidade deste final deixa uma impressão duradoura no ouvinte empático – a espera pelo segundo CD parecerá muito longa.
Continuamos com o melhor que o Peru já produziu, pelo menos musicalmente falando. Apresento a vocês o maravilhoso álbum de estreia desta excepcional banda peruana que combina o espírito ancestral dos Andes com a inspiração lisérgica da melhor psicodelia, graças a arranjos diversos com teclados, instrumentos de sopro e uma guitarra muito versátil que, por vezes, emula o som do charango e, em outros momentos, entrega riffs poderosos. Se você ainda não os conhece, descobrirá uma banda notavelmente criativa, aventureira e sólida, que não tem medo de continuar abrindo portas para novas expressões da música progressiva (e observe que estou falando de "música" e não apenas de rock progressivo).
Artista: Supay Álbum: Confusión Ano: 2004 Gênero: Folk progressivo Nacionalidade: Peru Duração: 41:28
Estamos de volta com o folk, mas desta vez é um folk com rock progressivo. Supay , um grupo peruano que funde rock progressivo com influências musicais andinas, também é o nome de um ser mitológico das antigas civilizações Inca e Aymara, uma espécie de deus e demônio. O vento desempenha um papel fundamental neste álbum, representado pela flauta de pã (zampoña), a quena e a tarka, dando à mistura seu toque folclórico. O álbum é inteiramente instrumental, apresentando tanto passagens tranquilas onde os vários instrumentos andinos tocam melodias alegres em harmonia, quanto seções mais enérgicas com solos de guitarra e teclado.
Mas vamos ao comentário do nosso sempre presente e involuntário comentarista, que nos diz o seguinte sobre este álbum:
SUPAY é uma banda instrumental peruana muito interessante, cujo álbum de estreia, "Confusión", foi uma revelação na cena do rock progressivo com raízes andinas. Lançado originalmente em 2004 exclusivamente em vídeo, "Confusión" foi relançado dois anos depois (com capa diferente) pela gravadora chilena Mylodon. O álbum apresenta uma gama atraente de ideias melódicas traduzidas em uma mistura harmoniosa de rock progressivo e os sons característicos do folclore andino, com certas nuances "espaciais" facilmente discerníveis: algo como um híbrido de PINK FLOYD, JETHRO TULL, CAMEL, FOCUS, EL POLEN e LOS JAIVAS. Os instrumentos mais proeminentes são a guitarra solo e os instrumentos de sopro andinos: a primeira sustenta o componente hard rock do som do SUPAY, com suas alusões a BLACKMORE, SATRIANI e ao David GILMOUR mais incisivo, enquanto o segundo garante plenamente o vibrato andino. A dupla rítmica oferece um suporte firme para o desenvolvimento dessas ideias, em paralelo com seus floreios eficazes; enquanto isso, as texturas e os solos ocasionais de teclado preenchem os espaços de forma envolvente. A cativante faixa de abertura, "Pueblo mío", serve como uma introdução perfeita ao universo musical do SUPAY, especialmente considerando que as três faixas seguintes formam o núcleo do álbum. "Pueblo mío" estabelece motivos bem definidos através de instrumentos de sopro andinos, abrindo caminho para o papel de destaque da guitarra e uma explosão de frenesi rock, enquanto os sopros mantêm o equilíbrio com o elemento fusion até o clímax final. "Avanzando" e "La Nueva" são as faixas mais longas do álbum, com quase nove minutos cada. Esse amplo espaço instrumental permite que a banda explore profundamente certas ideias musicais fundamentais e as delicie com jams bem articuladas. A primeira adota uma atitude decididamente exuberante, exibindo o que talvez seja a estrutura composicional mais ambiciosa do álbum: o tecladista Gustavo Valverde demonstra habilidade suficiente para criar os grooves estilizados que impulsionam a música. A segunda faixa, que começa com uma introdução nitidamente terrena apresentando três instrumentos de sopro (além dos dois instrumentos de sopro usuais, o guitarrista adiciona uma quena), tem um corpo principal com uma atmosfera mais meditativa, algo entre Pink Floyd e Focus — uma menção especial para o fraseado flutuante que Luis Proaño constantemente despeja nas seis cordas. Entre essas duas peças, a faixa-título combina a vibração graciosa das duas primeiras com o espírito lânguido da quarta: sinto que essa faixa merecia mais desenvolvimento do que os 3 minutos e meio que lhe foram concedidos. 'En el viento' e 'Imperio' são as faixas mais liricamente lúdicas do álbum, verdadeiras releituras andinas do legado do Jethro Tull, embora as características estilísticas particulares da banda sempre transpareçam com inegável clareza. Ambas as faixas exibem, como nenhuma outra no álbum, a proeza técnica do baixista Renzo Danuser e a fluidez rítmica do baterista Neto Pérez. 'Chicago Chico' (apelido do bairro de Surquillo, em Lima, base urbana da banda) encerra o álbum com um toque de jazz-rock dentro de uma sonoridade que já reconhecemos como típica. Em suma, "Confusión" é um poderoso testemunho da fonte de criatividade que emerge quando o rock estende seu alcance para assimilar o folclore andino e se enriquecer através da interação com ele, criando assim uma oferta progressiva de altíssima qualidade musical. O SUPAY certamente merece atenção especial do público do rock progressivo.
César Inca
Este álbum merece mais de uma audição; é verdadeiramente diverso em termos de ritmos e melodias. Todas as faixas são, em geral, muito cativantes, alcançando uma mistura única, melódica e variada. Vale a pena ouvir, não apenas para fãs de rock progressivo, flautas ou música folclórica andina.
Quase sempre que ouço uma banda sul-americana de folk progressivo, acabo ficando parcialmente decepcionado, porque em vez de uma verdadeira fusão progressiva entre rock e sons andinos, acabo ouvindo algumas músicas folk diluídas com muito rock e muito pouco prog. Bem, pessoal, esse não é o caso do álbum de estreia do SUPAY, “Confusion”. A essência andina está presente em cada música e o componente progressivo é mais do que evidente. Na minha opinião, estamos falando da banda mais promissora para seguir os passos de LOS JAIVAS, desta vez do Peru, o coração e centro do Império Inca. Mas, novamente, encontro um grande problema na categorização dessas bandas como folk rock. As pessoas esperam ouvir algo semelhante a Jethro Tull ou Strawbs, a ponto de eu já ter lido resenhas falando sobre a conexão com o Tull. Por favor, pessoal, se vocês esperam isso, provavelmente ficarão decepcionados. Não há semelhança alguma com a música celta ou pastoral britânica; esta é música étnica andina pura, radicalmente diferente, embora igualmente bela. O álbum começa com “Pueblo Mio” (Minha Cidade), uma canção que desde o início nos apresenta uma atmosfera andina autêntica, com quenas (flauta pentafônica ancestral peruana) e zampoñas (flauta de pã peruana), além da percussão folclórica, executando uma melodia nativa magistralmente combinada com o violão e os teclados. O contraste mágico entre a melodia andina e as mudanças radicais revela que estamos diante de uma banda progressiva extremamente talentosa. “Avanzando” (Avançando) inicia com outra clara introdução andina, com violão e quena, remetendo à música da serrania peruana, mas quase imediatamente os teclados transformam a atmosfera onírica em um solo sinfônico, seguido por outra passagem autóctone, desta vez mais rápida e alegre. As mudanças se sucedem, comprovando a versatilidade da banda. Segue-se um excelente solo de guitarra com um som que lembra vagamente o Metal, mas não é tudo: vocoders, trechos jazzísticos e mais música indígena, executada com piano e quena, sucedem-se em nove minutos de puro Rock Progressivo. “Confusion” marca uma mudança radical; desta vez, começa com uma guitarra Rock clássica, mas SUPAY nunca se esquece das suas raízes e retorna repetidamente à música nativa, transitando do Andino ao Hard Rock com uma habilidade incrível que permite que a música flua perfeitamente, como se essa mistura fosse algo natural. “La Nueva” (A Nova) começa com uma introdução extremamente bela de quena, à qual se junta uma segunda e, mais tarde, zampoñas com a percussão única que só se ouve em Cuzco ou Puno. Todos os instrumentos de sopro nativos iniciam uma seção contrapontística que conduz a uma seção melódica de piano e sopros de incrível beleza, enquanto uma guitarra rock solitária no estilo de Carlos Santana dá o suporte necessário à música, sem jamais perder o tom melancólico. Mais uma vez, diversas mudanças tornam esta faixa inesquecível. É possível haver jazz andino? Bem, “En el Viento” (Ao Vento) responde a essa pergunta com um enfático sim, primeiro com uma espécie de jam bem estruturada e depois com uma clara base de rock, mas sempre com os sopros nos lembrando que estamos diante de uma banda folk. “Imperio” (Império) é uma faixa muito mais pomposa, com guitarras fortes e potentes, teclados exuberantes que se transformam em uma música Metal e depois retornam às raízes indígenas, que desta vez vêm para ficar. Diversas variações sobre o mesmo tema reforçam a impressão de que o SUPAY domina o Rock, o Jazz e o Jazz Fusion com perfeição. Uma música muito interessante. O álbum se encerra com “Chicago Chico” (Pequena Chicago), uma referência a um bairro de Lima que representa a fusão entre o povo das montanhas e a parte moderna do Peru. Da mesma forma, a música é uma mistura perfeita de sons nativos e Rock, descrevendo perfeitamente a natureza crioula dessa parte do país, enquanto recapitula as faixas anteriores. Da última vez que avaliei um álbum peruano, para evitar chauvinismo, decidi dar apenas quatro estrelas, apesar de acreditar que ele poderia facilmente alcançar a nota máxima. Mas desta vez não serei injusto: “Confusion”, do SUPAY, merece no mínimo cinco estrelas, pois é a expressão essencial e perfeita do Rock Étnico Progressivo Andino no século XXI.
Ivan Melgar M.
Preciso dizer que recomendo este álbum e esta banda de todo o coração?
Resumindo, esta é uma coisa maravilhosa que você deveria saber se não quiser se sentir como se estivesse perdendo algo. E o pior é que você estará perdendo algo bom, muito bom mesmo.
Lista de faixas: 1. Pueblo Mío (5:48) 2. Avanzando (8:52) 3. Confusión (3:36) 4. La Nueva (8:56 ) 5. En el Viento (4:53) 6. Imperio (3:36) 7. Chicago Chico (5:47)
Formação: - Luis Proaño / guitarra, quena - Williams León / quena, zampoña, quenacho, outros instrumentos de sopro andinos, percussão - Gustavo Valverde / teclados - Neto Pérez / bateria - Renzo Danuser / baixo - Alex Valenzuela / quena, zampoña e outros instrumentos de sopro andinos
