RETROSPECTIVA:STILL LIFE DO OPETH, ÀS PORTAS DO CÉU

 

Os alarmes disparam, porque neste dia, 19 de outubro, mas há 23 anos, foi publicada a Natureza Morta do Opeth . Uma obra de arte, uma criação sacrossanta, de uma banda que começava a bater às portas do paraíso musical.

Não podemos negar que o seu nome estava na lista de grupos a ter em conta, especialmente graças a "Morningrise", mas seria a partir de 1999, como resultado do álbum em questão, que os suecos dariam o salto definitivo de qualidade 

Em Still Life quase não há vestígios do black metal inicial, eles continuam a fantasiar num terreno agressivo mas mais suave com o death metal. Ou seja, o metal extremo continua como base composicional, algo inegociável até agora. No contraponto, tão característico do Opeth , as seções acústicas e os vocais limpos são o substrato efetivo em cada uma das sete músicas de Still Life . Suas doses sempre estiveram presentes em seus trabalhos anteriores, mas agora é levada a um patamar mais sofisticado e com peso muito maior nas composições.

Quanto à formação, o pensador e líder Mikael Åkerfeldt é acompanhado por Peter Lindgren na guitarra, Martín López (futuro fundador do Soen ) nas baquetas e Martín Méndez no baixo. É interessante a presença dos dois Martines, dois uruguaios em terras escandinavas.

Still Life , assim como o trabalho anterior "My Arms, Your Hearse", é um álbum conceitual, neste caso uma história de amor com forte caráter anticristão. Assim, é contada a história do retorno de um homem, exilado de sua cidade natal por motivos religiosos, em busca de Melinda, sua amada. Um desenvolvimento vital que terminará num drama fatídico. 

A capa, a primeira em que aparece o logotipo da banda, mostra-nos a imagem de Melinda, totalmente angustiada e coberta por um manto. Uma cruz ao fundo e um lago e a combinação do vermelho e do preto são os elementos que dão o drama final a uma capa memorável.

Natureza morta: combinação perfeita de agressividade e melancolia

Atmosfera densa e nostálgica no The Moor . Uma introdução que se completa com arpejos e riffs complexos e técnicos. Sem tempo para se preparar, a distorção é a porta de entrada para o rosnado do Sr. Åkerfeldt . Grito de raiva, do além-túmulo, que reflete o desespero do nosso personagem principal, que, banido por não ser suficientemente fiel, tem que deixar sua comunidade, mas não antes de sofrer todo tipo de ataques e humilhações públicas.

A calma, vinda das vozes limpas e nostálgicas, é complementada por belos dedilhados de guitarra. Uma ponte com outro desenvolvimento de cordas nos conecta novamente com os guturais, combinando raiva com lamentos nos minutos seguintes. Podemos sentir profundamente os infortúnios do próprio personagem. Mais arpejos que norteiam diferentes seções de guitarra e refrões, brigam pelo destaque final com outros gritos de Åkerfeld . Com mais de 11 minutos, é a música mais longa do álbum. Que carta de apresentação!

Sem tempo para assimilar tal exibição, o Lamento do Supremo surge como um rolo compressor. Riffs complexos e cortantes, bumbos duplos fortes e guturais a todo vapor. Depois desta tremenda descarga, a instrumentação abranda, podemos até apreciar melodias de fundo, enquanto Åkerfeldt continua a deliciar-se com o seu requintado domínio das vozes. Seguindo a trama, agora o protagonista está determinado a retornar à sua cidade, apesar do risco que isso possa acarretar, para se reunir com Melinda. Algum descanso ao longo do caminho.

Algumas belas arrancadas iniciam uma mudança de rumo onde as vozes limpas e cheias de sentimento nos fazem entrar em um clima melancólico. Secção de enorme beleza musical. Como esperado, guitarras afiadas e riffs fortes entram novamente com a fera liberada de raiva, enquanto nossa personagem descobre que Melinda se tornou freira. A história se desenrola ao som da música. Final incrível, adicionando coros e vozes limpas à estrutura selvagem predominante.

Benighted está ausente da agressividade exibida até agora. Guitarras acústicas e vocais limpos fornecem o conteúdo musical para representar um dos momentos mais tranquilos do álbum. Os arpejos são incrivelmente lindos criando uma atmosfera totalmente triste, mas cativante com a voz de Mikael. Um tema encantador, com uma beleza extremamente comovente. O conteúdo lírico nos fala de uma carta escrita para Melinda com o intuito de convencê-la a abandonar as cadeias da religião para escapar com ele para um destino melhor. Um solo elegante é a cereja do bolo desta linda faixa.

Moonslape Vertigo começa com uma longa seção instrumental. Mais calmo, mais sensível. Agora o cara lembra que se os moradores da cidade o descobrirem vão matá-lo, então ele tem pouco tempo para se encontrar com Melinda e tentar convencê-la. A raiva ainda está presente no protagonista, a rejeição de posições religiosas aos infelizes e aos pobres é uma injustiça que ele não consegue compreender. Uma sensação que, por outro lado, o Opeth sabe colocar em acção através dos contrastes da sua música. As seções instrumentais, acústicas e outras de jazz fusion e estilo experimental são combinadas com as seções pesadas e extremas. Em termos de composição é mais uma joia carregada de inúmeras nuances.

Face of Melinda , que se tornou uma canção cult ao longo dos anos, trata do desejado reencontro entre os protagonistas, não sem complicações, para acabar reconhecendo que ainda o ama, terminando em um encontro sexual. Arpejos encantadores servem de ligação à bela e suave voz de Åkerfeldt que parece fazer o ouvinte se apaixonar por ele. Um belo disco que sabe explorar perfeitamente. Os decibéis sobem ligeiramente assim como a voz, mas sem abandonar a beleza que a rodeia. Tema de cabeçalho para todos os fãs minimamente preciosos.

Com Serenity Painted Death atingimos o clímax composicional, a catarse criativa, bem como a parte mais intensa da história. Nele, múltiplas seções de guitarra combinam perfeitamente arpejos, dedilhados complexos e acordes incomuns, além de solos incríveis. Estes últimos são numerosos e da mais alta qualidade. O poder bruto das vozes não foge à regra aqui, quando nosso protagonista descobre que Melinda é decapitada por um soldado por ser infiel à Igreja. Num acesso de dor e raiva, ele mata vilmente tantos soldados quanto pode.

Martín López ajuda a representar magistralmente essa raiva com seus cílios e sua força. Além disso, oferece padrões rítmicos com groove marcado nas partes pesadas e bases complexas de jazz fusion quando as passagens acústicas assim o exigem. Dotado de excelente elegância e enorme linguagem musical, o baixo pretende ser a peça definitiva na engrenagem desta maquinaria musical perfeita. Essa é a essência do Opeth, seu som pessoal, compilado nos quase 10 minutos que dura a música. Uma verdadeira maravilha.

White Cluster é uma explosão de ódio com momentos de saudade. Åkerfeldt , personificado como protagonista, libera veneno de sua boca sob instrumentação agressiva e caótica. Não à toa, o personagem é capturado e levado à forca. Somente o arrependimento pode salvá-lo da morte, caminho que ele se recusa a seguir. Retorno à melancolia, últimos desejos de reencontro com sua amada após a morte e belo lirismo cheio de pureza do bigodudo Åkerfeldt . Pausa e silêncio quase absoluto até que a instrumentação inicial retorne ao caminho do ódio para nos devolver a calma novamente. Penúltima passagem, desenvolvendo um solo de guitarra que desaparece lentamente. Quando tudo parece estar acabando, algumas últimas batidas lentas, à distância, avisam-nos que pouco antes de ser enforcado, uma mão repousa sobre ele. É a Melinda, pronta para te acompanhar.

 

 

Opeth, referências do death metal progressivo

Embora com "Orchid", "Morningrise" e "My Arms, Your Hearse" tenham ganhado nome na cena, é com Still Life que ocorre o salto qualitativo decisivo no Opeth . Um trabalho incrível, uma grande simbiose que culmina na perfeição a brutalidade e a agressividade com passagens acústicas e vozes limpas. Experimentando dinâmicas que vão desde o melhor do metal extremo com Morbid Angel ou Entombed como referências até o melhor do rock progressivo com bandas como Camel ou King Crimson . Em suma, uma obra-prima de referência do death metal progressivo . 

CRÍTICA: "FROM SILENCE TO SOMEWHERE", DE WOBBLER

 

Após a turnê Rites at Dawn , vieram mudanças para os noruegueses Wobbler . Seu guitarrista original, Morten Eriksen , deixa a banda e é substituído em 2014 por Marius Halleland , um velho conhecido do grupo. Assim, Wobbler aos poucos deu forma ao seu quarto álbum de estúdio: From Silence to Somewhere . Seis anos se passaram desde o último trabalho, mas a espera seria mais que compensada, graças a um excelente novo álbum. Para muitos, o melhor do quinteto.

E em From Silence to Somewhere encontramos um Wobbler maduro e refinado , encontrando uma sonoridade e selo mais pessoais, sem deixar de lado as referências à época de ouro do prog no início dos anos 70.

 

As músicas de From Silence to Somewhere

O álbum abre com From Silence to Somewhere , uma música épica no estilo "Close to the Edge" ou "Supper's Ready". Em seguida, uma introdução com um dueto de guitarra e um excelente solo de teclado acompanhado por toda a banda, por volta do minuto 3 uma linha moog nos dá a melodia principal, junto com arpejos de guitarra e mellotron. Mais tarde entra a voz, cantando a mesma melodia, acompanhada de percussão e pedais de baixo. Mais instrumentos são adicionados ao verso seguinte, e aos 5:27 a música ganha um giro com ponte, com dueto de flautas, que continua com vozes carregadas pelo ritmo da bateria.

Posteriormente, uma parte delicada com mellotron, flautas que nos dão um pouco de introspecção em relação à etapa da jornada de realização do protagonista (o herói da narrativa na letra), que luta para encontrar a luz. A música retorna com a bateria, um refrão vocal cantarolado e em seguida a letra dos dois versos anteriores é repetida. 

Às 9h30 a música toma um rumo dramático, com um teclado criando uma atmosfera tensa, como se prenunciasse uma batalha, à qual se somam notas discordantes dos demais instrumentos. Depois de um riff de baixo com wah-wah, começa a batalha entre o órgão hammond e o moog, com baterias frenéticas, flautas que aparecem e vão, até que às 11h45 as guitarras carregam a música com um riff marcado e após um solo eficaz, a música retorna para um interlúdio eclético com baixo e guitarra com wah-wah. Esta parte instrumental termina com o retorno da melodia principal, desta vez com toda a banda criando uma verdadeira sinfonia épica entre teclados, pedais de baixo e dueto de guitarras.

Um magnífico encerramento que culmina com o som de um gongo... Mas a música não acabou! É a calma depois da batalha. Um coro de vozes surge das cinzas e, após alguns arpejos de guitarra, a música retorna de forma semelhante às 3h. Após um verso cantado, a música chega ao seu clímax, repetindo a letra de "From the mould, the mother womb..." mas desta vez com Andreas WS Prestmo cantando em uníssono com duas vozes completas, enquanto a banda acompanha com toda sua energia .

From Silence to Somewhere encerra com uma delicada coda a partir das 18h35, em que o herói da epopeia atingiu a sua realização.

A segunda faixa do álbum, Rendered in Shades of Green , serve como uma pausa. Um interlúdio instrumental suave de piano, cordas e glockenspiel. Em seguida vem Fermented Hours , que começa com uma introdução frenética, semelhante a "Sound Chaser" do Yes . Após o anúncio das vozes, cai um riff que dá lugar a um solo de guitarra dissonante, seguido de um ataque de notas de Hammond. A voz entra nessa atmosfera caótica de guitarras e bateria, até que uma linha de baixo faz uma pausa para uma estranha história em italiano. Segue-se a banda galopando ao ritmo da bateria e dos riffs, até que tudo muda e a calma chega às 2h20, com o órgão Hammond marcando uma melodia percussiva, e o baixo alternando entre notas altas e baixas.

A voz canta a receita do feitiço que o feiticeiro está preparando, até que às 4h28 o teclado dá outro giro à música, com a banda entrando lentamente, enquanto o feiticeiro recita uma fórmula em italiano para sua poção. Continua um breve interlúdio instrumental, um verso cantado em que mencionam pela primeira e única vez "Fermented hours" , até que um riff, em uníssono entre o baixo e a guitarra, guia a voz para um final tenso, com teclados e sonoridades góticas. .de sinos.

Após uma ponte de descidas de guitarras e teclados, a música retorna ao riff principal, com toda a energia da banda. A voz e os instrumentos seguem, levando a um clímax ascendente que termina em um E em uníssono, no estilo "A Day in the Life". 10 minutos de excelente execução, onde a banda mostra toda a sua capacidade de criar tensão e sonoridades diferenciadas.

Foxlight é a última música do álbum e é uma das melhores da banda. Começa com um suave conjunto de violões, flauta e mellotron. Ouve-se uma voz cantando “veja o nascer do sol” e depois se transforma em vozes que vão e vêm, além de flautas, piano e xilofone, que desenham notas altas. Tudo muito sutil, dando um toque pastoral à música. Às 2h03 entra o pedal do baixo e, após um interlúdio, a flauta desaparece e começa um solo de piano elétrico, acompanhado pelos violões. Nesta parte é impossível não lembrar de “A Ceia Pronta”.

Aos 3h44 tudo muda e começa uma forte apresentação de cravo seguida de toda a banda carregando riffs, alternando entre teclado e cravo. Finalmente, às 4h40, a voz chega dizendo algo como “Aqui estou, nesta encruzilhada, lutando com as opções para o meu epitáfio . ” É mais uma canção de busca, realização e transcendência espiritual. Como em todo o álbum, dando um certo ar conceitual às letras. 

Foxlight continua entre inúmeras, breves e poderosas mudanças de ritmos e tons, até que um solo de cravo traz calma e a música se torna cada vez mais suave, até que restam praticamente apenas um par de guitarras, voz, mellotron e depois flauta. Quando parece que a música termina, uma voz irrompe com força e traz-nos a última parte, com um alegre ar medieval, onde se alternam moog, Kalamazoo, solo de guitarra e coros, dando um final positivo à peregrinação do herói da história 

Resumindo, um álbum redondo, executado com solidez, energia e grande sentido musical por toda a banda. Um dos melhores da última década.

«TRESPASS» (1970): O AMANHECER PROGRESSIVO DO GENESIS

 

 

Falar de uma banda como o Genesis é falar de um grupo que, no seu início, se considerava mais como compositor do que como intérprete ao vivo. Vendo que não encontravam ninguém para interpretar suas músicas, decidiram embarcar na grande aventura que os levaria, ao longo dos anos, a se tornarem uma das bandas mais importantes da música.

Temos que voltar a 1967, quando membros de duas bandas da escola particular Chaterhouse uniram forças para iniciar a história do Genesis . Um deles era Anon (onde estavam Mike Rutherford e Anthony Phillips ). O outro, Garden Wall (onde atuaram Peter Gabriel , Tony Banks e Chris Stewart ). O resultado dessa união foi a gravação de uma demo de seis músicas que chegou às mãos de um ex- aluno de Chaterhouse . Jônatas Rei . King havia alcançado algum sucesso dois anos antes, com a música "Everyone's Gone to The Moon", que ele escreveu, tornando-se produtor

Isto foi seguido pelo lançamento do primeiro single da banda, pelo selo Decca , chamado The Silent Sun , em 1968. O single incluía a música "That's Me" em seu lado B. Um segundo single se seguiria, intitulado A Winter's Tale . , com "One-Eyed Hound" como acompanhamento. Eles, infelizmente, não tiveram boas vendas. Neste ponto da história ocorre a primeira mudança na banda, pois Stewart deixa o Genesis e é substituído pelo baterista John Silver .

Seria com Silver que o Genesis gravaria seu primeiro álbum: From Genesis to Revelation , em março de 1969, o que daria certos vislumbres do som futuro da banda, mas longe do que estava por vir. Embora com o passar do tempo esta obra tenha sido "redescoberta" pelos seguidores do grupo, na época não foi muito bem recebida e teve vendas muito baixas (649 exemplares, segundo Banks). O álbum foi até colocado nas prateleiras de álbuns religiosos!

Após um período de reflexão sobre qual direção seguir, e após romper relações com a Decca , ocorreu a segunda mudança na banda. Silver decide ir estudar nos Estados Unidos, e seu substituto seria John Mayhew , com quem o Genesis gravaria Trespass , álbum do qual falaremos.

É assim que Trespass começaria sua história. Primeiro na casa de Anthony Phillips, e depois mudou-se para uma cabana pertencente aos pais de Richard Macphail (ex-amigo da banda e que havia sido vocalista da banda Anon), localizada perto da cidade de Dorking , no condado de Surrey . , para o sul de Londres. Neste local ensaiaram arduamente, não só novas composições, mas também a sua encenação. Tiveram a oportunidade de tocar em pequenos clubes por toda a Inglaterra, e até foram convidados a actuar no festival Atomic Sunrise (do qual algumas imagens saíram há algum tempo, e espera-se que saiam mais em breve) e na BBC , em o programa « "Passeio Noturno".

 

Enquanto continuavam tocando e buscando um novo contrato de gravação, foram recomendados por membros da banda de rock progressivo Rare Bird ( o Genesis os havia apoiado anteriormente) ao produtor e responsável pela busca de novos talentos musicais para o selo independente Charisma , João Antônio . O selo Charisma havia sido fundado em 1969 por Tony Stratton-Smith , por onde passaram bandas como The Nice, The Alan Parsons Project, Hawkwind, Brand X, The Residents e Peter Gabriel e passariam junto com Steve Hackett como solistas. Anthony convenceu Stratton-Smith a ver a banda se apresentar ao vivo e, depois disso, ofereceu-lhes um contrato de gravação para que pudessem começar a trabalhar na gravação de um álbum.

Com bastante material já ensaiado na cabine de Richard, o Genesis começou a gravar Trespass , em junho de 1970, nos estúdios Trident de Londres , com Anthony como produtor. Como engenheiro assistente foi o futuro produtor de quatro álbuns do Genesis (de A Trick of the Tail a Duke ), David Hentschel . Eles usaram um multitrack de 16 faixas, longe da faixa de quatro faixas que usaram em seu primeiro álbum.

 

A capa de Trespass foi feita pelo pintor inglês Paul Whitehead e, embora nos mostre uma imagem de tranquilidade quase pastoral, é quebrada pela faca que nos dá a entender que a banda pode facilmente coexistir no mundo da luz e da luz. as sombras.

Canções de invasão

O álbum começa com a voz de Peter e o teclado de Banks na música Looking For Someone . Com um toque de soul, já começava a nos mostrar o que estava por vir, em estado evoluído, mais tarde na sonoridade da banda. Nesta música encontramos o grupo totalmente integrado, com um ótimo arranjo graças aos excelentes teclados de Banks. Soma-se a isso o maravilhoso trabalho de guitarra de quem, para muitos, foi a alma do Genesis : Anthony Phillips. Acrescentou-se o brilhante trabalho de articulação das doze cordas de Rutherford, uma interessante percussão de Mayhew e a voz incomparável, penetrante, misteriosa e profunda de Peter Gabriel. Uma faixa que nos envolve na nova sonoridade que o grupo desenvolveu durante os ensaios, e que dá início ao verdadeiro espírito musical do Genesis .

Embora ainda fossem um tanto inexperientes e com tendência a "pressionar" bastante as músicas, conseguiram criar melodias bastante interessantes, como é o caso da segunda música: White Mountain . Esta é uma bela peça de conjunto, entre Phillips e Rutherford nas guitarras. Com uma sonoridade que veríamos fortalecida em álbuns futuros, mostra-nos aquela sensação que é semelhante a quando uma congregação é abençoada com uma luz de melodias. Se ouvirmos atentamente a parte final, quando Banks faz acordes acompanhados pelos assobios de Gabriel, podemos encontrar uma melodia que, por um motivo misterioso, precede uma seção de "Supper's Ready". Pouco antes de Gabriel dizer "uma Flor... vagando no caos que a batalha deixou" (9:44).

Visions of Angels começa com um belo piano de Banks, e era principalmente um tema da Philips que havia sido originalmente composto para From Genesis to Revelation . É um tema delicado, que flutua com uma bela melodia que vai em crescendo para se transformar numa explosão de sons e luz, graças ao mellotron.

Segundo Banks, a próxima música, Stagnation , é a melhor faixa do álbum, pois mostra o caminho de evolução que a banda está trilhando. Banks gosta que não haja muita repetição nesta música, mas sim que trabalhem com uma seção, desenvolvam-na e depois passem para outra, que se tornaria um elemento característico da banda. Algo como contar uma história com música. Neste ponto, Tony faz seu primeiro solo de teclado que não é improvisado, mas totalmente estruturado, o que seria mais uma das chaves do futuro Genesis . Gabriel descreveu a música como uma viagem, à qual foram acrescentadas muitas guitarras, e que teve uma duração bem maior, mas que foi reduzida para nove minutos na mixagem final. Vale dizer que aos 6:55 minutos, Gabriel começa com uma melodia na flauta que a banda usaria anos depois, como parte da música "I Know What I Like" do Selling England do The Pound .

Dusk é mais um belo jogo alquímico entre Rutherford e Phillips, em que encontramos um som etéreo, quase uma melodia que anda na ponta dos pés e passa delicadamente pelo álbum. É um momento de quietude em que não há tambores e cujas medidas se desenrolam como um turbilhão de tranquilidade. Uma pausa necessária para o choque sonoro que viria depois. 

Chegamos ao final, com o enorme The Knife . Originalmente chamavam-na de "The Nice", por lembrar o som do órgão daquela banda, e foi inspirada na peça "Rondo" da banda de Keith Emerson , música que fascinou Peter. É uma música que se afasta completamente do ritmo e do tempo lento que percorre o álbum (que em algumas partes é quebrado por certos elementos sonoros), o que é uma agradável surpresa pelo quão inesperado é esse som na banda.

A primeira parte da música é selvagem, com o grupo em estado de êxtase, e onde Gabriel canta para nós sobre se levantar, quebrar as correntes e lutar contra a opressão para espalhar gentileza e amor. Já na parte intermediária, e com muito trabalho na flauta, ouve-se o mantra: “só estamos querendo liberdade ” . Depois disso, um grande clímax continua, com ótimo trabalho de Phillips criando múltiplos riffs, levando a música a um momento de glória. Quase como um apelo à acção e à saída de tudo o que está salvo, o final atira-nos para o abismo e o caos com aquela frase final: « alguns de vocês vão morrer, mártires claro da liberdade que eu darei» .

Um grande final para Trespass , dando início ao novo e excitante som do Genesis . Embora, infelizmente, ele não teria mais a Philips, e em seu lugar chegaria o tremendo Steve Hackett . O mesmo aconteceria com Mayhew, que seria substituído por um garoto de uma banda chamada Flaming Youth : Phil Collins.

Mas isso é uma outra história.

ALBUM DE ROCK PROGRESSIVO

Pink Floyd - Embryo San Diego, 1971 (1988 - 1990)

 Esta maravilha do nosso querido Floyd, com versões especialmente divertidas de "Atom Heart Mother" (onde a guitarra de Gilmour soa quase metálica), " Embryo" e "Cymbaline", entre outros. Mais uma das pequenas surpresas.

Artista: Pink Floyd
Álbum: Embryo San Diego, 1971
Ano: 1988 - 1990
Gênero: ----
Duração: 78:44
Referência: Discogs
Nacionalidade: Inglaterra

Aqui na turnê pelos EUA no outono de 1971 em San Diego, amplamente conhecida graças à boa, mas infelizmente incompleta, gravação do público. Esta versão foi reformulada e ajustada para ter a melhor qualidade de som possível. A masterização do som fonte é muito bem feita. A performance da banda é excelente mas incompleta, com um bom som resultante onde apenas a bateria não estava completamente bem definida.

Como sempre nessas apresentações, não há muito a acrescentar aqui, todos já sabem do que estamos falando, só falta vocês ouvirem essas versões...

E continuaremos tentando deixar muito mais música boa para entretê-los neste fim de semana prolongado... aproveitem com o blog head!

Você pode ouvi-lo aqui:
https://open.spotify.com/album/5vzPS6ZTCSeIkmA1kw6Nyb

Lista de faixas:
1 Careful With That Axe, Eugene - Embryo, San Diego, Live 17 de outubro de 1971
2 Fat Old Sun - Embryo, San Diego, Live 17 de outubro de 1971
3 Atom Heart Mother - Embryo, San Diego, Live 17 de outubro, 1971
4 Embryo - Embryo, San Diego, Live 17 de outubro de 1971
5 Defina os controles para o Coração do Sol - Embryo, San Diego, Live 17 de outubro de 1971
6 Cymbaline - Embryo, San Diego, Live 17 de outubro de 1971
7 Blues Jam - Embryo , San Diego, Live 17 Out 1971

Escalação:
- Roger Waters / baixo, voz
- Nick Mason / bateria
- David Gilmour / guitarra, voz
- Richard Wright / teclado, voz