Continuamos com o melhor da música mexicana, e agora continuamos com as contribuições de Callenep imerso no mundo do jazz, durante esta curta semana estivemos muito jazzísticos, mas jazzísticos experimentais. Em algum lugar da cidade de Puebla onde se apresentaram apresentou-os assim: “Canção, poesia, improvisação e introspecção se unem neste trio que homenageia a música contemporânea”. E no sólo rende homenajem, sino que desparrama su amor a través de um álbum delicioso de jazz experimental (desde o melodioso y lo armónico, que también pode ser vanguardista´) Artista: LIJ Trio Álbum: In the Forest Ano: 2015 Gênero: Jazz fusion, música Duração: 1:01:28 Nacionalidade: México
Em paralelo à aventura com o Trio Blanch-Cupich-Nandayapa , e com o nascimento de sua Groovy Band (um projeto fabuloso que ainda está em ação e que em breve traremos para o blog Cabezón), Iraida Noriega , imparável, passou para o próximo projeto. No final de 2014, ano intenso de atividade da artista (só nesse ano ela lançou três discos: Frágil , Nueva Estación e Iraida Noriega y la Groovy Band ), iniciou-se uma série de recitais em trio, mas não mais no formato clássico do jazz, mas assumindo uma sonoridade mais experimental, com uma aparente simplicidade colocada na presença de um antigo colaborador seu (e um velho conhecido nosso pelo seu papel na Banda Elástica e em projectos anteriores de Iraida como Cuicanitl ): o percussionista Luis Miguel Costero. Pode parecer que mantiveram a abordagem acústica do conjunto de percussão “menor” de Luis Miguel (com eixo no cajon peruano e na tabla indiana, e com o brilho de uma saborosa coleção de pratos), mas esse esqueleto rítmico permaneceu no centro de um som eléctrico, entre os loops e efeitos (instrumento e voz) que Iraida vinha experimentando na Groovy Band, e que agora alimentavam a sua performance vocal, e a brilhante guitarra eléctrica de Juan Jo López Ruvalcaba, notável guitarrista, compositor e arranjador que até hoje é cúmplice de Iraida (membro central da mesma Groovy Band).
O projeto, denominado LIJ Trio (após as iniciais de cada integrante), começou a percorrer diversos fóruns na Cidade do México e em 2015 foi planejada a gravação e lançamento do álbum. O sistema de produção, que deu certo, foi o crowdfunding , financiamento coletivo pela internet conhecido no México como "fondeo" - também apoiado por outras instituições culturais independentes - e o produto final iria além da música porque Iraida enfrentou o desafio de lançar álbuns em o mercado na era do iTunes e do Spotify, colocando também arte no objeto discográfico. É um lindo livrinho de fotografias (obra do estúdio Luz y Plata, desenhado por Melissa Ávila e Rogelio López) em formato redondo, composto por quinze discos de papelão (30 páginas) que são montados com um parafuso e em vez disso folheando-os, suas páginas viram; Em um deles há alguns slots recortados que acomodam o CD. E no verso estão impressas as cartas e agradecimentos. Lotes de graças.
In the Forest é um trabalho para agradecer e mostrar o amor desses três artistas por todas aquelas pessoas que cercaram seus caminhos na música e na vida. Os músicos sempre agradecem a alguém, é obrigatório; Mas não é comum que dediquem uma produção inteira para expressar seu amor e gratidão. Numa das páginas circulares, Iraida diz:
Saber que você não está sozinho nas profundezas da floresta... e que dia após dia, como a grande árvore, um sentimento crescente de gratidão também se enraizou irreversivelmente em meu peito... pela grande matilha que somos. .. aquela que acompanha... aquela que incentiva... aquela que inspira... aquela que observa seus passos... da semente ao florescimento mais elevado... é isso que me faz entrar a floresta... eles sabem que têm nome e são amados... Obrigado... do fundo... Música, obrigado Arte!
Cada uma das onze músicas que o álbum inclui é carinhosamente dedicada a alguém e cada uma das músicas selecionadas é em si também um agradecimento aos autores, entre os quais estão os argentinos Lisandro Aristimuño e León Gieco, a universal chilena Violeta Parra e a surpreendente O compositor cubano Yusa, ao lado de compositores mexicanos menos conhecidos (porque Iraida também realiza constantemente um trabalho de divulgação de criações de qualidade que não encontram eco em supermercados estúpidos) como Laura Murcia, Geo Equihua, Pedro Cervera, David Aguilar, Miguel Insunza e Mauricio Díaz “El Hueso”. (Nossa, até meu nome aparece naquelas falas que o carinho ditou a Iraida, Luis Miguel e Juan Jo; o álbum abre com uma música que escrevi, “Mal tiempo”, e que Iraida, mais uma vez, transformou em beleza) .
Quanto à música, é uma seleção muito cuidada de grandes canções, arranjadas com o espírito experimental que Iraida tem e que se caracteriza por não se repetir, por se aventurar em novos estilos e sonoridades a cada vez. Como é então que a artista é reconhecida? alguém poderia perguntar, e a resposta é simples e imediata: pela voz deste génio musical, por esse timbre exato e pela dedicação que se sente em cada projeto que empreendeu ao longo de… mais de um quarto de século de crescimento e produção imparáveis contra todas as probabilidades, desde a independência e a solidariedade.
Entre os temas destaca-se o que dá nome ao projeto e ao conceito visual: “Na floresta” de Laura Murcia; também “Casa Silenciosa” de Pedro Cervera; o divertido “Arrítmico” de Miguel Insunza (feito com palavras esdrújulas, como a brilhante “Mazúrquica modérnica” de Violeta Parra), a versão mais doce de “Vos” de Lisandro Aristimuño, o maravilhoso “Y te apares” de Yusa (a nuance! , o grande Luis Miguel Costero no seu melhor), o arranjo espacial e progressivo de “Canto en la rama” de Gieco e, mais especialmente, a homenagem e agradecimento a Violeta Parra na melhor versão que se pode encontrar do clássico “Volver at 17”: uma reinvenção que aproveita a monotonia do original para improvisar harmonias e sentimentos capazes de levar às lágrimas.
Luis Miguel é o mestre das nuances, um dos melhores percussionistas mexicanos, um tablaista que estudou a fundo a música clássica do norte da Índia, que encontrou no cajon peruano o coração de um conjunto impressionante que toca diretamente com as mãos. Juan Jo é um guitarrista excepcional, um jazzista totalmente formado que sabe alimentar seu som com o melhor da distorção do rock, fazendo da guitarra um instrumento versátil que parece ultrapassar seus limites; Você tem que ouvir isso também na Groovy Band. E Iraida, o que mais dizer? Apenas ouça-os. Não são muitos os músicos com essa visão de composição e, sobretudo, de arranjo, de liberdade para reinventar o que escolhem recriar. E fazê-lo a partir do amor ao próximo que decide expressar-se em gratidão.
Lista de temas: 1. Mal tiempo (C. Maza) 2. En el bosque (Laura Murcia) 3. Ojos de luna (Geo Equihua) 4. Canto en la rama (León Gieco) 5. Casa tranquila (Pedro Cervera) 6. La de la libélula (David Aguilar) 7. Arrítmico (Miguel Insunza) 8. El mar en cadena (Mauricio Díaz “El Hueso”) 9. Vos (Lisandro Aristimuño) 10. Y te apareces (Yusa) 11. Volver a los 17 (Violeta Parra)
Formação: - Iraida Noriega / voz, teclados, produção - Juan Jo López Ruvalcaba / guitarras, voz - Luis Miguel Costero / tabla, cajon, pratos, voz Com: - Pedro Cervera / voz em 5 - Miguel Insunza / guitarra e vocais em 7 - Chuck Rodríguez / baixo em 8 e 10
E este é o álbum escolhido para fechar uma semana curtíssima mas com sua eterna cota musical , e para esse toque final escolhemos o último trabalho dos Chilean Aisles, uma grande banda que existe há muito mais de Há uma década eles lutam contra um som marcante que é uma mistura entre rock sinfônico com toques de metal e tons neoprogressivos. E agora apresentamos “Beyond Drama”, um álbum ambicioso e eclético com o qual dão mais um passo em frente, sendo mais um dos álbuns pós-pandemia que desembarcam no nosso espaço, já que este trabalho foi gravado entre janeiro de 2019 e outubro de 2021 e reflete os momentos dolorosos que passamos nesses anos, tanto pela pandemia quanto pela agitação política inacabada no Chile, pelas mortes e por uma longa crise interna que quase acabou com a banda, por isso também é autobiográfico. “Beyond Drama” é a fotografia de um momento particularmente difícil para todos nós, que serviu para lançar luz sobre a sua persistência no seu projecto e fechou um capítulo profundo da sua história com um trabalho notável que recomendamos vivamente que ouça. Altamente recomendado!
Artista: Aisles Álbum: Beyond Drama Ano: 2023 Gênero: Neo-progressivo Duração: 55:46 Referência: Link para Discogs, Bandcamp, Youtube, Wikipedia, Progarchives ou qualquer outro. Nacionalidade: Chile
Após 7 anos sem material de estudo, os chilenos nos surpreendem com este novo lançamento, que está à altura das melhores produções musicais do gênero em um 2023 repleto de excelentes trabalhos.
Desta vez os chilenos conseguiram uma produção excepcional não só pela sonoridade incrivelmente clara da obra, mas também pela sua sofisticada qualidade instrumental e narrativa, na qual não faltam referências ao pop e à electrónica.
Um álbum repleto de nove músicas muito melodiosas, sombrias e emocionais.
E vamos com o primeiro comentário de terceiros... aqui vamos nós com uma descrição tópico por tópico.
“Beyond Drama” começa com “Fast”, com uma sonoridade mais contemporânea, se comparada às suas composições anteriores, saindo um pouco do prog rock e entrando (talvez sutilmente) no prog metal, mas com melodias e passagens que mantêm a essência da banda. , um começo que desperta todos os sentidos. “Megalomania” diminui um pouco a potência em relação à primeira música, mas com não menos virtuosismo, com sintetizadores, guitarras e percussão marcada, um início chocante, que entrega melodias e vocalizações que sustentam aquele ar fresco do novo prog global, e com um final instrumental de mais de um minuto, com ritmos subdivididos que não deixam os pés parados “Thanks to Kafka” é uma música mid-tempo, que nos lembra as melodias de seus primeiros trabalhos e reminiscências de suas notórias influências clássicas, mas isso surpreende novamente com um final instrumental fabuloso. “Disobedience” é mais uma música que gradativamente vai mudando do rock para o prog metal de uma forma bem gradual e “elegante”, com uma entrega de mais de 7 minutos de excelente música, a metade perfeita do álbum que já nos deixa claro que Estamos diante de um material maravilhoso. “Time”, seu último single, volta a baixar o ritmo e a sonoridade, é melancólico, com a tranquilidade que “conversar com seu terapeuta” merece, falar dos seus altos e baixos, mas sem falta de precisão ou bom gosto. “A Peste”… a pandemia chegou, e resta inicialmente enfrentá-la com calma, mas mutando, como o próprio vírus, num crescendo subtil, nesta, a canção mais extensa desta edição, talvez demonstrando quão prolongada foi o processo pandêmico (e de composição) da banda. “Surrender” e “Needsun”, um mashup musical, novamente com passagens clássicas, subtilezas e sonoridades refrescantes, que fazem “ceder” às suas harmonias. “Game Over” despede-se de nós com poliritmos e subdivisões numa última música complexa e instrumental, um excelente termo, com o virtuosismo brotando de todos os MÚSICOS... embora seja o final deste novo álbum, é claramente uma nova começando, com novos integrantes e novas passagens musicais deste “novo Corredor”. Sin duda alguna “Beyond Drama” no pasará desapercibido en los lanzamientos del Rock y Metal Prog del 2023, que de seguro hará girar nuevamente a la banda por todo el globo, demostrando que en Chile hay un consolidado representante de este estilo musical que está a nível mundial.
E felizmente este é um daqueles álbuns que se destacam por ser cheio de comentários e que aparentemente não só gostei, mas tem muita gente que dá a sua opinião sobre ele, e o fazem escrevendo grandes elogios... como a revisão que se segue.
A crise como força criativa A técnica e a experimentação são dois aspectos fundamentais para a música progressiva, que inevitavelmente definem os projectos enquadrados neste género. Porém, existem nomes que também dão consistência a parâmetros além do som. Nesse sentido, “Além do Drama” é uma obra que leva em consideração a construção de um conceito integral; onde, juntamente com o valor na complexidade e execução das composições, a história se volta para a crise como um aspecto da vida e uma potencial força criativa. Sete anos depois de “Hawaii” (2016), o quinto álbum de Aisles apresenta uma reviravolta acentuada e refrescante na sua proposta. Ao contrário da elegância e bombástica do seu antecessor imediato, “Beyond Drama” posiciona-se como uma obra visceral, onde as emoções são um condutor relevante ao longo dos seus 55 minutos de duração. Uma decisão artística coerente e que reflete o contexto que atravessa o sexteto, que soube ultrapassar as dificuldades a nível pessoal, bem como o complexo quotidiano que a pandemia provocou. Por mais angustiante que esse cenário possa ser, a banda local consegue canalizar essa energia por meio de nove faixas, que foram reveladas gradativamente em seis singles anteriores. Sendo um hit direto e eficaz, “Fast” abre o álbum de uma perspectiva enérgica e interessante; onde o jogo rítmico entre a bateria de Felipe Candia, os riffs de guitarra e os arranjos de Juan Pablo Gaete constroem uma música cujo conteúdo pode ser interpretado como uma metáfora da sociedade do imediatismo e da obsessão humana pela velocidade. Voltando-se para uma proposta mais introspectiva, “Megalomania” reflete sobre o vício do poder e da acumulação, através de uma base instrumental que consegue brincar com a tensão ao longo dos trechos desta segunda faixa. Numa demonstração da versatilidade presente nesta obra, “Graças a Kafka” é a primeira abordagem direta às abordagens conceituais de “Além do Drama”, onde um narrador exausto ilustra honestamente os sentimentos de melancolia e arrependimento que emergem em episódios de crise. funcionários; aproximando-se da marca que costuma ser associada ao escritor boêmio. Dentro de uma obra que se caracteriza pela visita a diferentes motivos musicais, a secção intermédia funciona como a parte central deste quinto álbum. Com sutileza suave, “Time (A Conversation with My Therapist)” é uma música que consegue reunir plenamente as emoções intensas após uma perda, mas também reflete o momento de catarse que surge com a aceitação desse sentimento. Para além da correta condução instrumental, o sexto single tem a virtude de tratar de um tema que pode ser replicado no dia a dia, posicionando-se como uma das composições mais bem conseguidas. Abordando outro espaço comum, “A Peste” estrutura-se a partir do contexto global associado à pandemia. Na composição mais longa do álbum, Aisles conduz gradativamente ao clímax, cujo trecho mais notável é o contraponto sonoro que se gera entre a história distópica e o otimismo da melodia vocal. Depois da suavidade de “Surrender”, que se conecta com a luminosa “Needsun”, o sexteto encerra com “Game Over”, uma faixa instrumental onde a contribuição dos sintetizadores reitera aquela aura futurista e pós-apocalíptica, dando uma última demonstração do força e abordagem mais pesada que “Beyond Drama” apresenta. O álbum já está disponível pela Presagio Records
'Beyond Drama' é o novo álbum de Aisles e chega sete anos depois de 'Hawaii', seu trabalho anterior, que agora é composto por Germán Vergara (guitarra), Juan Pablo Gaete (teclados) e Daniel Concha (baixo), após as recentes notícias sobre sua formação. O álbum vem carregado de referências e experiências pessoais que o tornam um trabalho bastante maduro e tecnicamente impecável. La placa comienza con “Fast”, haciéndole honor a su nombre, ya que es un corte bastante frenético e interesante, pero que se desmarca bastante del resto del disco, ya que no oiremos mucho en los minutos que siguen a no ser que lleguemos hasta o final. Por sua vez, “Megalomanía” é facilmente uma das melhores faixas do álbum, pois é intrigante e se forma e cresce a partir de muitos detalhes instrumentais, lembrando Muse, mas claramente mais progressivo, principalmente graças às guitarras, focadas no minimalismo e isso só no final acrescenta um peso mais considerável, pois nos levará mais para sons dos últimos álbuns do Animals As Leaders, referências que a banda reconheceu publicamente e que contribuem para grande parte da música. “Thanks to Kafka” é uma composição bastante especial que muitas vezes parece um poema recitado acompanhado de música; Por isso parece algo simples que se torna mais experimental no final. “Disobedience” começa como um clássico do rock progressivo que logo para para seguir um caminho mais tradicional, onde a voz de Israel Gil é responsável por dar o tom de mistério, e que depois desestabiliza tudo com trechos mais caóticos, relacionando-se diretamente com o nome do tema . Notáveis são aqueles trechos onde as harmonias vocais lentas tomam o corte, sem forçar nada. “Time (A Conversation With My Therapist)” é o momento lento do álbum, bem no meio do álbum, e não deixa dúvidas sobre as influências de Marillion e Steven Wilson (principalmente deste último), algo que dissemos na época . Anúncio. Role para baixo para continuar lendo “The Plague” é a música mais longa do álbum, com 11:07 minutos e é claramente a mais conceitual. Claramente influenciado pela pandemia, é um corte que também cresce depois de muitos detalhes para terminar num dos melhores riffs do álbum e que é muito apreciado. “Surrender” se tornou uma das minhas favoritas porque parece tão concisa, sentimental e emocional que às vezes soa como uma música de Riverside com Steve Rothery na guitarra. Nada parece forçado ou exagerado, ao mesmo tempo que registra muito bem a atmosfera mais progressiva de Aisles. Depois “Needsun”, embora seja outra música, parece ser o final da anterior. E como dissemos na época de sua publicação, o álbum fecha com “Game Over”, um corte instrumental intenso e pesado influenciado por Animals As Leaders, caracterizado por resgatar sons de fusão e metal, com toques retrofuturistas, que deixam claro que Aisles sabe se mover no amplo espectro de tudo o que é chamado de progressista. Beyond Drama: olhando para um futuro com profissionalismo e incertezas Sobre 'Beyond Drama', devo dizer talvez algo mais diretamente do que outras vezes: gosto do que a banda conquistou, considero que eles estão se aprimorando a cada vez e esse trabalho é amostra disso. No entanto, as atuais mudanças na formação da banda dão a oportunidade de abordar algo que parece nunca ter dado certo e que é a componente vocal. Não estou dizendo que a performance seja ruim ou algo parecido, mas os tons agudos sempre pareceram forçados e talvez nunca tenham se encaixado totalmente na proposta instrumental da banda. Aisles é, na minha opinião, uma das melhores bandas de rock progressivo nacional, principalmente na parte técnica e instrumental. O som é profissional, as performances são precisas, limpas e emocionantes, algo que é demonstrado ao vivo da mesma forma e que ‘Beyond Drama’ deixa mais que claro, já que a trajetória do grupo passa a fazer parte da evolução do gênero sem isso. parece uma decisão de marketing. Tenho a certeza que o percurso dos Aisles continua além do horizonte e dadas as mudanças recentes, talvez seja altura de abordar alguns pontos e desta forma dar mais um impulso a uma banda que tem muitos elementos e criações a destacar e que os posiciona fortemente no Cena chilena.
E como eu disse antes, há muitos comentários sobre esse álbum então publicamos apenas alguns, mas também tem muitos vídeos, acho que com a maioria das músicas desse trabalho, então se você quiser saber mais sobre ele, tudo que você precisa o que fazer é pesquisar um pouco na rede, que encontrarão bastante. Vamos ao último comentário...
Aisles apresenta 'Beyond Drama' Um álbum autobiográfico e introspectivo As histórias das músicas e o conceito sonoro da banda chilena de rock progressivo surgiram a partir das vivências e vivências pessoais de seus integrantes. Originários de Santiago do Chile, e com quatro álbuns de estúdio, Aisles se tornou uma das bandas progressivas mais importantes da América do Sul das últimas duas décadas. Suas melodias intrincadas e abertura sonora refletem sua abordagem musical incomparável. O grupo já se apresentou na América do Norte, América do Sul e Europa, e tocou ao vivo no Chile abrindo para bandas icônicas como Marillion, Focus e Riverside. Em 2005 publicaram o álbum de estreia 'The Yearning', reconhecido pelo seu trabalho melódico elegante e delicado; Em 2009 lançaram seu segundo álbum 'In Sudden Walks', inspirado na literatura existencialista e no teatro, foi indicado para Melhor Álbum Estrangeiro no Prog Awards na Itália. O terceiro trabalho '4:45 AM', lançado em 2013, explora a solidão do ser humano e recebeu críticas positivas, ficando entre os melhores álbuns de rock progressivo deste ano. 'Hawaii' (2016) é um álbum duplo conceitual que narra a vida da humanidade no espaço após a destruição da Terra. Em 2018, para fechar o ciclo de ‘Hawaii’, Aisles lançou o EP ‘Live from Estudio del Sur’, complementado por quatro vídeos gravados ao vivo. O quinto trabalho musical da banda chilena chega em 2023 com o nome de ‘Beyond Drama’. 'Beyond Drama' de Aisles é um álbum que mostra crise a cada momento. É um álbum autobiográfico sem querer conscientemente, as histórias das músicas surgiram a partir das vivências e vivências pessoais de seus integrantes. “Nosso maior desafio foi tentar fazer com que isso não fosse uma demonstração de virtuosismo, porque isso é muito frio para nós, mas sim queríamos dar muita atenção às melodias, e isso tem sido uma característica do Aisles desde o início,” diz a banda sobre sua nova produção. Beyond Drama é uma virada para o grupo que passou por diferentes estados de espírito durante sua composição. A perda de alguns integrantes históricos marcou este novo trabalho da banda chilena. “É um álbum de crise, mas também de momentos inspirados. Crise devido a todo o contexto, mas não porque tivéssemos estado numa situação má durante o processo, mas sim porque estávamos a interpretar uma dificuldade de polarização, de uma pandemia, de uma certa desolação devido ao confinamento. Não foi uma afetação de gangue porque sempre houve muito carinho, amizade e respeito”, completa. Aquela crise de que fala Aisles acabou criando um terremoto que não enterrou a banda, mas sim deu-lhe um novo começo, uma trégua com novas expectativas e objetivos. Esta nova etapa do grupo é uma transformação, uma reestruturação para que a sua solidez e proposta perdurem no tempo assentes em bases sólidas e objectivos claros. O novo trabalho de Aisles busca se conectar mais com o público e conquistar novos públicos na América Latina através de letras sinceras e músicas de qualidade.
E é isso, fechamos a semana com isso e nos vemos na próxima semana, com mais música, surpresas e vontade de encher o saco. Enquanto isso, acho que vocês já têm o suficiente para ouvir neste feriado prolongado... Até segunda-feira, querubins!
Lista de Temas: 1. Fast (4:38) 2. Megalomania (6:25) 3. Thanks to Kafka (4:18) 4. Disobedience (7:18) 5. Time (A Conversation with My Therapist) (6:40) 6. The Plague (11:06) 7. Surrender (6:44) 8. Needsun (2:09) 9. Game Over (6:28)
Escalação: - Israel Gil / vocal - Rodrigo Sepulveda / guitarras - German Vergara / guitarra, voz - Juan Pablo Gaete / teclados - Daniel Concha / baixo - Felipe Candia / bateria
O grupo surgiu em Novembro de 1985 na cidade do Porto. Começaram por se chamar A Moral dos Idiotas mas rapidamente mudaram de nome para Os Cães, A Morte e O Desejo. A primeira formação incluía Carlos Moura (voz), Guilherme Lucas (guitarra ritmo), Vítor Guedes (guitarra solo), Pedro Duarte (baixo) e Pi (bateria). Já com Calheiros na bateria gravam, em Dezembro desse ano, o tema "Elvis - Swing de Uma Noite de Verão" para o duplo LP "Divergências" da Ama Romanta. O grupo inseria-se no movimento Rockabilly/Psychobilly. Calheiros e Pedro Duarte saem do grupo e Carlos Moura passa para a bateria. Para o lugar de vocalista entrou Rodrigo Gramacho. Os primeiros concertos da banda realizam-se no Solar da Cruz Vermelha, em Massarelos, Porto, nos dias 12 de Julho e 2 de Agosto de 1986. Em Setembro desse ano mudam o nome para Cães Vadios. No início de 1987, a Ama Romanta lançou um single, produzido por Nuno Rebelo, com os temas "Cães Vadios", "Bêbado" e "Marcianos". O lado A toca a 45 RPM e o B, com dois temas, a 33 RPM. A cassete "Bem Fundo", de 1991, é editada em França pela indie "Eat Rekords" e distribuída na Alemanha com o fanzine "Urbem". Nesta altura a banda já estava virada para o hardcore e na nova formação militavam David Dano (voz), o ex-Cagalhões Óscar Q. (baixo), Guilherme Lucas (guitarra) e Carlos Moura (bateria). O tema "Bem Fundo" é incluído na compilação "Distorção Caleidoscópica" com o teledisco a ser divulgado no programa Pop-Off. Em Outubro de 1992 fizeram a primeira parte dos três concertos que os Young Gods deram em Lisboa, Coimbra e Porto. Em 1993 mudam de baterista com a entrada de Zé Borges (ex-Alucina Eugénio). Gravam uma nova maqueta com os temas "Sou Único", "Mental City" e "Só". "Mental City" é incluído na compilação "Portugal Rebelde Vol.1" e " Sou Único " aparece na primeira colectânea da revista "Ritual Rock". O último concerto da banda ocorreu na 4ª edição das Noites Ritual Rock, em 28/10/1995. O grupo chegou a gravar um álbum mas que depois decidiram não editar. [A Magia dos Anos 80]
José Domingos de Morais, ou como o mundo o conhecia, Dominguinhos (1941-2013), foi uma peça fundamental na construção do que se pode chamar de tríade sagrada da sanfona nordestina, ao lado de Luiz Gonzaga (1912-1989) e Sivuca (1930-2006). Seus acordes não só moldaram gerações de sanfoneiros, mas também delinearam um padrão único de tocar acordeom no Brasil, rivalizando até mesmo com a escola gaúcha.
Apesar de ser um dos principais expoentes do forró, Dominguinhos foi muito além desse gênero. Sua música era uma mescla de influências que transitavam do choro ao jazz, do blues ao forró tradicional. Essa versatilidade o tornou um músico requisitado, tanto em turnês quanto em estúdios de gravação, acompanhando uma gama diversificada de artistas, incluindo Gilberto Gil, Gal Costa (1945-2022), Elba Ramalho, Maria Bethânia, Chico Buarque e Roberto Carlos.
Todo esse caldeirão musical transbordou em seus discos, e um exemplo marcante é Quem Me Levará Sou Eu, lançado em 1980, que marcou a sua estreia na gravadora RCA, após uma longa trajetória pela Fontana.
Composto por 12 faixas que passam pelo xote, baião, marchinha junina, choro e até bolero, Quem Me Levará Sou Eu conta com participações especiais de Gilberto Gil e Luiz Gonzaga. Além de faixas cantadas, o álbum traz faixas instrumentais que são uma oportunidade do ouvinte conferir a capacidade de Dominguinhos como músico.
O álbum abre com “Abri A Porta”, que traz Dominguinhos em dueto com Gilberto Gil. Embora composta por ambos, a canção foi gravada pela primeira vez pela banda A Cor do Som, em 1979. Porém, enquanto a versão da banda é uma linda balada pop romântica, a versão de “Abri A Porta” presente em Quem Me Levará Sou Eu é um irresistível e sedutor xote. Na letra, o eu lírico, ao abrir uma porta, encontra uma mulher com um lindo sorriso estampado no rosto, no qual o homem vê que o bom da vida prosseguirá.
Após a faixa instrumental “Forró em Rolândia”, vem o forró romântico “Fulô de Araçá”, que expressa a decepção e frustração de um homem apaixonado que, após caminhar por léguas montado no seu cavalo, não consegue encontrar a mulher que ele tanto ama ao chegar ao seu destino. Ele descobre que seu grande amor foi embora sem esperá-lo, o que o faz amargar uma profunda tristeza.
Na sequência, mais uma faixa instrumental, a animada e divertida “Te Cuida Jacaré”. A animação prossegue com “Sete Meninas”, que trata sobre uma festa animada num sábado à noite regada a muito forró, onde o eu lírico se vê encantado com a presença de sete garotas, donas de uma beleza e graciosidade sedutoras.
O primeiro lado do álbum Quem Me Levará Sou Eu termina com “Tudo É São João”, uma típica marchinha junina, de versos simples e singelos sobre um homem apaixonado que deseja passar a noite numa festa de São João ao lado da mulher amada, uma “linda loira e cintilante”, de olhos que parecem “duas fogueiras” que o fazem arder de paixão.
“Quando Chega o Verão” abre o segundo lado do disco, um xote em que Dominguinhos conta com a participação especial de ninguém menos que seu mestre, Luiz Gonzaga. De autoria de Dominguinhos e Abel Silva, “Quando Chega O Verão” trata sobre a inquietação que a chegada do verão pode trazer para o coração das pessoas, sugerindo que tanto quem ama quanto quem não ama, acabam sofrendo. Para ilustrar esse sofrimento, a letra faz analogia ao canário, que muda de penas para retratar a transformação da dor de amor.
“Chorinho Pra Guadalupe” é uma faixa instrumental composta por Dominguinhos, um choro dedicado por ele à sua então esposa Guadalupe Mendonça, que mostra que o músico pernambucano não se limitava apenas ao forró.
A próxima faixa é “Quem Me Levará Sou Eu”, uma linda canção, porém dotada de melancolia nos seus versos e na sua linha melódica. Composta por Manduka e Dominguinhos, essa canção foi inscrita no Festival 79 de Música Popular, promovido pela TV Tupi, defendida pelo cantor Raimundo Fagner e que alcançou o primeiro lugar.
Na sequência, mais uma faixa instrumental, a alegre e animada “Homenagem A Mestre Chicão”, seguida pelo xote “O Cortador de Cana”, que versa sobre a dura rotina de um cortador de cana. O álbum termina com outra faixa instrumental, “Cabaré de Bandido”.
Dominguinhos deixou um legado amplo e diversificado na música brasileira, destacando-se pela sua notável versatilidade em transitar por uma ampla gama de estilos musicais. Sua habilidade em inovar e incorporar elementos diversos em suas composições o consagrou como uma figura central na cena musical do Brasil. O álbum Quem Me Levará Sou Eu é um reflexo fiel dessa diversidade e brilhantismo artístico, mantendo viva as tradições musicais e deixando uma marca indelével na cultura musical do país, continuando a inspirar músicos e apreciadores da música em todo o mundo.
Faixas
Lado 1
“Abri A Porta” (Gilberto Gil – Dominguinhos)
“Forró Em Rolândia” (Dominguinhos)
“Fulô De Aracá (Dominguinhos – Guadalupe)
“Te Cuida Jacaré” (Dominguinhos)
"Sete Meninas” (Toinho – Dominguinhos)
“Tudo É São João” (Dominguinhos – Guadalupe)
Lado 2
“Quando Chega O Verão” (Dominguinhos – Abel Silva)
“Chorinho Pra Guadalupe” (Dominguinhos)
“Quem Me Levará Sou Eu” (Manduka – Dominguinhos)
“Homenagem A Mestre Chicão” (Dominguinhos)
“O Cortador De Cana” (Dominguinhos – Tarcisio Acioli)
Continuamos com o melhor da música mexicana, e agora continuamos com as contribuições de Callenep imerso no mundo do jazz, durante esta curta semana estivemos muito jazzísticos, mas jazzísticos experimentais. Em algum lugar da cidade de Puebla onde se apresentaram apresentou-os assim: “Canção, poesia, improvisação e introspecção se unem neste trio que homenageia a música contemporânea”. E no sólo rende homenajem, sino que desparrama su amor a través de um álbum delicioso de jazz experimental (desde o melodioso y lo armónico, que también pode ser vanguardista´) 
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