CRONICA - LITTLE RIVER BAND | Get Lucky (1990)

 

Apesar de um álbum um tanto sem brilho, o retorno de Glenn Shorrock ao Monsoon foi recebido na Austrália com um honroso nono lugar nas paradas de sucesso. Embora relançado nos Estados Unidos por Irving Azoff, ex-técnico dos Eagles que se tornou presidente da MCA, a recepção do público americano foi mais morna. No entanto, os australianos ganharam uma nova chance com um título oferecido de bandeja pela dupla de compositores formada por Tom Kelly e Billy Steinberg, com a soberba "Listen To Your Heart", uma peça AOR com um refrão ardente, gravada para as necessidades da terceira parte do filme Karate Kid em 1989. A música foi incluída no décimo primeiro álbum de estúdio do grupo, lançado alguns meses depois, e para o qual o grupo havia optado por certas mudanças em seus hábitos.

Em seus quinze anos de existência, a Little River Band sempre gravou suas próprias composições, com raríssimas exceções. Aqui, a banda contou com mais frequência com compositores de sucesso, incluindo o produtor Dennis Lambert, que havia obtido sucesso comercial com Starship alguns anos antes.

A faixa-título, num estilo country rock que combina bem com as influências passadas do grupo, é uma dessas composições externas, assinada aqui pelo compatriota do grupo Mike Chapman (Blondie, Pat Benatar, etc.). Como de costume, o guitarrista Graham Goble continua sendo o principal fornecedor de melodias da banda, com quatro faixas, incluindo uma surpreendente colaboração com os irmãos Gunnar e Matthew Nelson (a balada com o refrão enfático "As Long As I'm Alive"). Goble é notavelmente o autor da notável "There's Not Another You", uma peça progressiva que começa com um começo bastante sombrio e evolui para um refrão mais quente, carregado pelos ricos refrões que LRB sempre teve o segredo de criar. Essas harmonias vocais também estão muito presentes - e desde a introdução cantadas a capella - em "Second Wind", título co-assinado por Dennis Lambert que não traiu a identidade do grupo. É novamente o produtor que encontramos em "Every Time I Turn Around", na companhia do antigo integrante do Player: Peter Beckett. Uma balada com um estilo menos marcado, um AOR mais convencional, mas que Glenn Shorrock embeleza com sua voz quente e sua presença. Este último é autor, com o baterista Derek Pellicci, de apenas um título: o dulcíssimo “I Dream Alone”. Goble dá um pequeno impulso ao álbum com duas belas faixas: "Time And Eternity" poderia ter sido adequado para Crosby Stills & Nash nos anos 80; e “Two Emotions”, um título dinâmico e refrescante com seu refrão arejado, mais uma vez bem nutrido com harmonias vocais; Este último título é um dos três títulos interpretados pelo baixista Wayne Nelson.

Mais claramente que o álbum anterior, Get Lucky surge como um disco coerente, sem nenhuma falha de gosto, e que soube se adaptar ao seu tempo sem abrir mão da forte identidade da Little River Band. É lamentável que este álbum nunca tenha tido um sucessor de verdade, já que o grupo caiu em uma confusão que resultou na saída dos membros fundadores (Shorrock, Goble e Birtles) pelo guitarrista Stephen Housden, que assumiu o nome LRB e também proibiu seus criadores de se apresentarem com esse nome. Desde então, a Little River Band não passa de uma casca vazia...

Faixas:
01. If I Get Lucky
02. There's Not Another You
03. Second Wind
04. Every Time I Turn Around
05. I Dream Alone
06. Time & Eternity
07. Two Emotions*
08. As Long As I'm Alive*
09. The One That Got Away*
10. Listen To Your Heart

Músicos:
Glenn Shorrock: vocais
Graham Goble: guitarra, backing vocals
Derek Pellicci: bateria
Stephen Housden: guitarra
Wayne Nelson: baixo, vocais (*), backing vocals
_______
Jamie Paddle: teclado, programação
Claude Gaudette: teclado, programação
Dennis Lambert: teclado, programação
John Robinson: bateria

Produção: Dennis Lambert

Etiqueta: MCA

CRONICA - SOUTHERN SONS | Southern Sons (1990)

 

Quando os anos 90 começaram, o SOUTHERN SONS estava entre as esperanças de seguir na cena musical australiana e até internacional. Fundado em 1989, o SOUTHERN SONS é originário de Melbourne e foi sob a liderança do cantor/guitarrista Jack Jones que o grupo decolou.

Notado por várias gravadoras, foi com a Wheatley Records que o SOUTHERN SONS acabou assinando. O grupo gravou seu primeiro álbum com o produtor Ross Fraser. O álbum em questão, sem título, foi finalmente lançado em 1990.

Este primeiro álbum do SOUTHERN SONS tem uma conotação Pop-Rock/AOR com muitas passagens roots e blues. No gênero, "Always And Ever" é um clássico do gênero por ser focada na melodia, arranjos finos e acaba sendo bem feita, principalmente porque os músicos têm uma maestria real, um senso de melodia que acerta em cheio. Além disso, este título foi um sucesso honroso na Austrália, onde alcançou o 16º lugar. A música de andamento médio "Which Way" também é clássica no gênero, com todos os ingredientes no lugar, e funciona bem, assim como a cativante "Waiting For That Train" e a bem executada "More Than Enough". O aspecto mais roots do grupo australiano aparece mais pronunciado em "Heart In Danger", uma composição animada e dinâmica de Heartland-Rock/Pop-Rock, que se revela terrivelmente contagiante, viciante graças a um ritmo alerta, um baixo retumbante, melodias brilhantes, um refrão eficaz e que continua até hoje como o maior sucesso do grupo (5º na Austrália); "Living This Way", uma música de andamento médio também com toques de Heartland-Rock, mas com um toque de AOR, que foi composta com delicadeza, entrelaçando guitarras elétricas e acústicas, um refrão cativante que tem seus encantos e poderia ter sido um grande hit internacional. Num estilo mais Blues-Rock FM, “The World Is Mine” é uma composição quente com guitarras suculentas, cheia de sentimento, um solo muito agradável e cativante. Menos interessante é “Something More”, uma composição AOR leve e bastante convencional. 2 baladas também estão presentes neste álbum. “What I See” é uma balada de blues simples e despojada, fácil de ouvir. Quanto a "Hold Me In Your Arms", é o próprio arquétipo da balada telegrafada, um pouco chata e, ainda assim, essa música ficou em 9º lugar na Austrália.

No geral, este primeiro álbum do SOUTHERN SONS é bastante clássico, sem surpresas e se não é perfeito na sua concepção, continua muito agradável, prazeroso, com algumas composições que se destacam pela eficácia. Após seu lançamento, o álbum foi um grande sucesso na Austrália, chegando ao número 5 na parada de álbuns australiana (onde permaneceu por 31 semanas) e foi certificado 2x platina.

Lista de faixas:
1. Always And Ever
2. Which Way
3. Living This Way
4. Heart In Danger
5. Hold Me In Your Arms
6. Something More
7. Waiting For That Train
8. More Than Enough
9. Hold On To The Memory
10. The World Is Mine
11. What I See

Formação:
Jack Jones (vocal, guitarra)
Phil Buckle (guitarra)
Peter Bowman (guitarra)
Geoff Cain (baixo)
Virgil Donati (bateria)

Gravadora : Wheatley Records

Produtor : Ross Fraser

Car Seat Headrest - Twin Fantasy (2018)

Twin Fantasy (2018)

Car Seat Headrest

Twin Fantasy, a versão lo-fi original de 2011 é possivelmente meu álbum favorito de todos os tempos, ou pelo menos algo próximo do topo. O álbum, gravado inteiramente pelo próprio Will Toledo com equipamento mínimo e barato, contém algumas das melhores composições de rock deste milênio, enquanto a produção lo-fi realmente funciona a favor do álbum, criando uma estética atmosférica e caótica. Foi uma obra-prima hiperletrada de um adolescente angustiado e a melhor coisa que o gênero rock viu em algum tempo. Além disso, eu simplesmente não posso negar o quão relacionável e emocionalmente impactante o álbum foi para minha própria mente adolescente hiperletrada e fetichista pela melancolia.

Avançando para 2018, Will anuncia uma nova versão regravada do álbum. Não é sempre que você consegue ouvir seu álbum favorito duas vezes, hein. Tenho que admitir, quando ouvi a notícia pela primeira vez, fiquei severamente cético e descartei o novo álbum por um tempo - como limpar um álbum que encontra alguns de seus maiores pontos fortes em suas imperfeições o torna melhor? Bem, na verdade não. Ok, não exatamente isso. Mas deixe-me esclarecer isso - Twin Fantasy (Face to Face) não é superior à versão original (agora apelidada de "Mirror to Mirror"). É, no entanto, uma atualização fantástica (ha) para trazer uma base de fãs totalmente nova para o que o próprio Will considera sua obra-prima pessoal.

A produção deste álbum não é nem tão polida quanto seria de se esperar de tal empreendimento. É mais impactante, é mais imediato; contém instrumentos e sintetizadores adicionais e algumas passagens foram alteradas (com resultados mistos). Mas o mais importante, é distinto, mas familiar o suficiente para funcionar como sua própria experiência auditiva sem se afastar muito da gloriosa explosão emocional do original. Os dois épicos de fim de livro ainda estão lá; e eles são cobertos com novos tipos de ruído. A faixa High to Death realmente soa melhor aqui, pois a versão original era um pouco reverberada e carregada de delay para seu próprio bem.

Uma das coisas mais interessantes sobre Twin Fantasy é, na verdade, muito meta. Há uma razão pela qual esta versão é chamada Face to Face - ela fica cara a cara com a versão original, o compositor mais maduro Will está olhando para seu próprio eu angustiado de 19 anos; soando mais confiante, menos misantrópico, mas no final das contas Will é Will, mesmo que ele não seja exatamente a mesma pessoa que era antes. O Twin Fantasy original se torna um reflexo, um lugar onde Will (e seu amante real/imaginário) ficaram presos por um tempo, uma câmara de eco (afinal, é chamado de espelho a espelho).

Da mesma forma, não sou mais aquele herói ansioso e melancólico de bildungsroman de uma criança nervosa. E, assim como Will, olho para trás para aquela época da minha vida com olhos um tanto distantes, mas amorosos; uma época em que um desejo vago ou alguma fantasia superemocional de carência era toda a euforia emocional necessária. Relacionamentos abusivos ou autoabusivos, factuais ou fictícios; amores e perdas, reais ou fantásticos - a adolescência é uma época ridícula e ridiculamente feliz.

Este álbum me coloca em uma situação estranha. Ele tem um lugar na minha lista dos melhores álbuns de 2018 porque é uma versão do meu álbum favorito, mas não está em primeiro lugar porque não é meu álbum favorito. Um estranho paradoxo, que reflete muito bem o(s) álbum(s) em si e, por extensão, a propensão da humanidade para o irracional e o inexplicável. Bem, ele está aqui e você deve ouvi-lo. Qualquer um deles.

Sharon Van Etten & The Attachment Theory - Sharon Van Etten & The Attachment Theory (2025)

Sharon Van Etten & The Attachment Theory (2025)

Sharon Van Etten & The Attachment Theory

Sharon Van Etten tem uma carreira solo histórica há mais de uma década. Saltando do folk ao indie pop, cantor e compositor, pop rock e outros estilos, seu álbum mais recente é o primeiro com uma banda de apoio. The Attachment Theory estrela ao lado dela em seu álbum autointitulado. Por mais que pareça muito maior do que a vida em alguns momentos, acho que a melhor maneira de descrever Sharon Van Etten & The Attachment Theory é temperamental. Adotando uma abordagem decididamente melancólica para interpretações muito contagiantes de dance rock. Se você separasse a instrumentação dos vocais, este projeto soaria como uma modernização tranquila e descontraída de new wave e synth-pop. Algumas músicas desviam desse caminho, como Indio indo direto para um bom e velho revivalismo pós-punk, ou as duas últimas músicas se entregando a baladas ambientais. Ainda assim, este projeto é sucinto em seu som, um que eu gostei muito do começo ao fim.

Os vocais de Sharon estão na vanguarda das coisas, e eles fazem muito para recaracterizar este projeto em uma experiência tão temperamental. Mas isso não significa que ela telefona em seu canto; é poderoso e vívido, colocando para frente essa imensa gravidade que parece inescapável. Funciona em todo o disco, em seu mais punk em Indio e I Can't Imagine , e seu mais operístico com Fading Beauty e I Want You Here . Onde seu canto é enfatizado pela música, como em Fading Beauty ou na abertura Live Forever , está no seu mais forte. Mas, mesmo em seus momentos mais fracos, como parte de sua entrega monótona de Southern Life , é pelo menos adequado. Seja discreto ou grandioso, a música está sempre lá para ela, e The Attachment Theory (junto com Sharon, já que ela fez algumas partes de guitarra para essa coisa) fez um trabalho incrível. Eu tenho minhas preferências; Gosto das faixas mais minimalistas aqui em comparação com as músicas de rock mais agressivamente alternativas no meio do álbum, mas é bem consistente, e os altos superam os negativos para mim. É sucinto, mas cheio de nuances, equilibrando muito bem o canto, a atmosfera e a instrumentação.

Squid - Cowards (2025)

Cowards (2025)

Squid

Um retorno estrondoso do Squid ao estúdio apresenta seus próximos passos de forma tão sutil. Experiências no exterior, nas profundezas das ruas que parecem magníficas para os turistas, mas usuais para os moradores, só são possíveis com O Monolith, seu sensacional segundo álbum. O Squid não poupa esforços com Cowards, uma peça espinhosa de uma banda de rock que vai até onde pode. O single principal Crispy Skin continua sendo um álbum de ideias contidas em uma música gigante, enquanto o sucessor Building 650 agarra essas terras estrangeiras e a experiência de uma nova identidade em um lugar novo. O Squid está em ótima forma, isso é esperado. O que não pôde ser avaliado, não até algumas audições de Cowards depois, são os sentimentos inabaláveis ​​e indefesos encontrados por toda parte. Alguém, qualquer um, mostre o lugar a Ollie Judge. O vocalista principal anseia por uma conexão nas ruas de uma terra distante, e Cowards às vezes é ameaçador, mas nunca um horror.

O lento Blood on the Boulders rasteja para dentro da vista, suas notas de guitarra tímidas e lideradas pelo baixo se juntam de uma forma tão agonizante e interessante. Build it faz. Não em uma explosão de raiva energética ou violenta, mas naquele som de rock artístico único e escaldante que começa a parecer uma boa definição do Squid como um grupo. Uma faixa nada menos que gloriosa, Blood on the Boulders não depende das imagens provocativas e sua sugestão de violência, mas da harmonização entre instrumentais bem em camadas, as cordas causando caos enquanto Judge e a banda alcançam aquela euforia sempre fora de alcance. Mas o que fazer quando você chega lá? É um momento há muito evitado na música, a precipitação pós-alta e o que fazer depois de experimentar uma sensação de nirvana. Cowards não se intimida. É um dos poucos álbuns por aí a articular, orgulhosa e abertamente, o que resta após o momento decisivo.

O medo é o que substitui a euforia. O que vem a seguir? Onde está o próximo hit e como você chega lá? Fieldworks I é uma peça maravilhosa que não questiona tanto isso, mas mostra o que pode impedi-lo de obtê-lo. Medos do divino, as vozes em sua cabeça se tornando mais altas do que o cravo exuberante que abre a música, outro exemplo fino e fresco de Cowards trabalhando como um álbum suavemente sinistro. Em nosso desejo por euforia vem o lado negativo, os rostos ensanguentados e o estalo distorcido de crânios rachados e ossos quebrados, como ouvido em Fieldworks II. O contraste é crucial aqui e Cowards o oferece em uma faixa dupla onde o borrão vem de alguma mixagem nítida e profundidades instrumentais avassaladoras.

Um trabalho semelhante aparece em Cro-Magnon Man, o trabalho de guitarra forte e liberado é um verdadeiro deleite enquanto Squid avança por outra faixa coletiva de qualidade. Uma faixa-título onde observações de uma cidade indefinida fornecem aparências tão sem charme. E então nos retiramos para o barulho bem-vindo. Até Squid se esconde atrás das persianas, eles admitem isso em Showtime!, uma peça musical suavemente violenta e libertadora que novamente incorpora essas seções de cordas em uma banda que cresce em estilo. Seu escopo vem à tona em Cowards, um álbum tão sincero quanto doentio. Mais ousado, o ruído de metais de Well Met (Fingers Through the Fence) une um álbum brilhante de Squid. Muitos momentos estão abertos para interpretação, mas rígidos em sua vibração criativa, nas sugestões espetaculares e no desejo por mais depois de experimentar uma alta tão grande. Todos nós queremos mais. Mais. Cowards é mais. Mais do que ainda está para ser compreendido.

Darkthrone - Under a Funeral Moon (1993)

Under a Funeral Moon (1993)

Darkthrone

Darkthrone teve uma das carreiras mais interessantes da história do metal. Para a banda indiscutivelmente mais intimamente associada ao clichê do black metal (junto com Immortal ), eles permanecem enganosamente únicos e estranhos, mesmo na esteira de inúmeros possíveis sucessores. Com cada álbum que explorei deles, isso me forçou a reconsiderar minhas opiniões sobre os álbuns ao redor dele. O desleixo do porão de A Blaze in the Northern Sky parece muito mais um distintivo de honra quando você considera a sutileza técnica que os garotos do Darkthrone demonstraram em Soulside Journey no ano anterior. Levou algumas horas de atenção ouvindo Under a Funeral Moon para perceber o quão enganosamente sofisticados eles realmente eram em A Blaze in the Northern Sky . Darkthrone se envolveu em uma névoa lo-fi obscura com isso, mas riffs progressivos e estruturas de músicas ambiciosas ainda estavam presentes para aqueles com ouvidos e paciência para cavar um pouco mais fundo.

Agora penso no segundo álbum do Darkthrone como complexo por causa do novo padrão que o Under a Funeral Moon estabeleceu para termos de minimalismo e crueza. A Blaze in the Northern Sky era estranho e diverso. Isso é black metal de verdade. Esse é o arquétipo das legiões frias e congeladas que vieram depois. O terceiro álbum do Darkthrone é áspero e completamente desprovido de profissionalismo. Claro, isso não é porque o Darkthrone não possuía uma musicalidade de primeira linha; em vez disso, eles sabiam que bugigangas e móveis extras serviriam apenas para tirar a essência de sua atmosfera. O mesmo já foi dito do Under a Funeral Moon dez mil vezes antes, mas foda-se, vou dizer de novo: este álbum é tão maligno e soa tão frígido quanto qualquer coisa derivada do cânone norueguês. O que quer que falte em momentos individualmente memoráveis ​​ou frases de efeito distintas, ele compensa totalmente com relação à sua atmosfera monocromática e inflexível.

Uma vez que você está sob a lua funerária, você está preso. A maioria dos Darkthrone citou este álbum como o único álbum de black metal verdadeiro de toda a sua carreira; enquanto a maioria de seu material pós- Soulside , pré-crust, revela uma aura de consagração enegrecida, eu estaria inclinado a concordar que este é o álbum que mais se assemelha ao arquétipo do black metal que eles são tão frequentemente creditados por imaginar. Darkthronerealmente são um dos últimos entre os verdadeiros essenciais que eu cheguei a verificar-- Eu acho que não estava tão animado puramente pelos méritos que eu pensei que sabia exatamente o que esperar. Afinal, tantos outros fizeram o que eles fizeram... mas isso é realmente verdade? Estruturas de música minimalistas, riffs repetitivos e frios, uma produção de fetiche por agudos e vocais vagamente animalescos são todos extremamente familiares e provavelmente exagerados a esta altura. Eu não acho que estou sendo controverso quando digo que Under a Funeral Moon não funcionaria , se não fosse pela compreensão da atmosfera da banda. Quanto a como Darkthrone conseguiu aperfeiçoar a atmosfera através dos meios mais imperfeitos está além da minha compreensão. Ao contrário de alguns dos outros clássicos do black metal, no entanto, não há nada supostamente irônico sobre o tom da música. Fenriz e Nocturno Culto podem ser caras divertidos na maioria das vezes, mas você não adivinharia pela música em si. Os vocais deste último aqui realmente soam possuídos, e o onipresente tinny fuzz faz coisas estranhas à psique, particularmente se você ouvir o álbum mais de uma vez em uma sessão. Os dotes musicais do

Darkthrone ficam em segundo plano para a atmosfera aqui, embora eu suponha que a atmosfera seja em si um produto de boa musicalidade. O que eu acho que muitas pessoas tendem a ignorar aqui é o quão interessantes (se não convencionalmente sólidas) as performances da banda aqui são. Na próxima vez que você estiver tocando Under a Funeral Moon , tente penetrar na atmosfera e preste atenção na maneira como eles estruturam as músicas e escrevem riffs. Há algo tão contraintuitivo sobre a maneira como eles mudam abruptamente os ritmos e ideias em suas músicas, com muito pouco para sugerir muito pensamento ou intenção por trás disso. O Darkthrone certamente foi inspirado na criação deste álbum, mas é uma maravilha o quanto da magia foi realmente intencional. Acho que isso é uma grande parte do apelo por trás deste álbum em comparação com outros álbuns mais fortes em sua discografia. Darkthrone tocou em algo Otherly aqui. Um certo fator x que não pode ser canalizado em palavras, mas sentido pelo ouvinte atento o suficiente para se entregar à atmosfera. É isso que distingue Darkthrone das hordas de soundalikes depois deles; enquanto a maioria dos outros estava fazendo música baseada somente em suas influências musicais, Darkthrone estava obtendo parte disso de outro lugar completamente.

Low Roar - House in the Woods (2025)

House in the Woods (2025)

Low Roar

Quantos artistas que ganharam fama ao compor trilhas sonoras de videogames se tornaram realmente incríveis? O único que consigo lembrar é o falecido fundador e vocalista do Low Roar, Ryan Karazija, que ganhou sua reputação como um gênio musical primeiro por seu trabalho em Death Stranding , de Hideo Kojima . Seu trabalho no projeto também foi um golpe de sorte: Kojima tropeçou em um álbum de Karazija em uma loja de discos, comprou-o por impulso e decidiu que o estilo de Ryan combinava perfeitamente com a natureza melancólica e tristemente pacífica do jogo que ele estava projetando. Após a morte de Karazija aos 40 anos, Kojima diria que Death Stranding nunca teria existido sem Ryan.

A mesma energia pacífica e sombria que Karazija trouxe para Death Stranding marcaria seu sucesso como um artista de pleno direito. Ao longo da discografia do Low Roar (que tem seus altos e baixos, mas nunca dá um passo em falso sério), atmosferas belas e meditativas atraem o ouvinte o suficiente para ficar hipnotizado pelos vocais de Ryan e pelas letras brilhantes de construção de mundo. Ambas essas atmosferas e essas performances vocais atingem seu pico para a banda com seu álbum final com contribuições de Ryan, House In The Woods .

Embora eu não diria que a música de câmara minimalista e ambiente do Low Roar é consistentemente cativante em HitW , de alguma forma sinto que essa é a intenção do disco. A experiência auditiva é frequentemente efêmera, como a sensação que se pode ter ao olhar para um objeto que é comum, mas tem valor sentimental extremo. O peso desse sentimento é profundamente impactante: as letras de Ryan transmitem imensa dor enquanto ele luta com temas de mortalidade e autorreflexão. Às vezes, Ryan se dirige a seus entes queridos diretamente com palavras que doem com a paz que vem no fim do pavor.

Muito parecido com a capa do álbum, HITW evoca a sensação de voltar para casa após um dia longo e árduo. A instrumentação quente e etérea que complementa os vocais de Ryan os transforma em uma bela antologia de poemas explorando a vida, a morte, a lembrança e a aceitação.

Este projeto é realmente excepcional, e admiro todos aqueles que contribuíram para este projeto por lançar um disco que não posso deixar de pensar que Ryan ficaria muito feliz em ser lembrado. O álbum exala beleza e serve como um reflexo da experiência humana: dolorosa, mas apenas porque também podemos sentir felicidade. É verdade que há momentos em que pode parecer um pouco subdesenvolvido, mas a profundidade emocional compensa quaisquer pequenas deficiências em seu impacto geral.