O italiano Pierre com o delicioso sobrenome Caramel convida você para uma celebração do prog instrumental. No papel de artistas de massa - um trio musical da Lombardia: o próprio Pierre (teclados, flauta), Daniele Mentasti (baixo, trombone) e Sergio Iannella (bateria, percussão). Na verdade, isso é o Ego . Não muito ambicioso, mas bastante artístico. Formada em 2005, a formação lançou de forma privada um EP sem título. Alguns anos depois, nasceu o álbum “Suppurtatio Annorum Mundi”, porém poucas pessoas fora dos Apeninos o ouviram. Somente após o lançamento do álbum "MCM Egofuturismo" (2008) pelo selo Mellow Records a situação saiu do ponto morto. Um cruzamento não muito distorcido entre arte sinfônica, jazz e brass rock com estudos de paisagem sonora amorfa despertou interesse moderado entre o público internacional. Percebendo que não corriam o risco de um período de desintegração num futuro próximo, o trio de companheiros alegres começou a criar novas “pinturas de humor”. Abençoados com as palavras de despedida de Mauro Moroni , os caras passaram para a proteção do escritório Ma.Ra.Cash Records, onde em 2011 venderam o disco “Evoluzione Delle Forme” - assunto da nossa conversa de hoje. Obviamente, Caramel and Co. se inspirou tanto no progressismo anglo-flamengo ( ELP , Trace , Solution , Focus ) quanto na herança de seus colegas veteranos ( Goblin , Le Orme , Area ). Além disso, o aspecto técnico não é de forma alguma primário aqui: os membros do Ego dificilmente podem ser censurados pela virtuosidade ostentosa. No entanto, os membros da banda lidam muito bem com as suas obrigações voluntárias. Na peça de abertura "Expo'", o Hammond dos anos setenta, uma seção rítmica pesada e uma flauta arrogante atuam como isca. A mudança no mid-tempo marca um salto aventureiro da esfera progressiva retrospectiva para o reino do rock de fusão de sintetizadores. E no final da faixa, ambas as tendências se fundem sutilmente. O número "Rivoluzione Estetica" é uma tentativa de equalizar o status da disco-eletrônica cósmica do início dos anos 1980 ( Space , Zodiac ) com progressivo lúdico em uma poderosa base R'n'B com intervenção ocasional de cordas (parte de violino - Chiara Bottelli ) . Para crédito dos lombardos, a sua aliança maluca é implementada com competência (embora seja pouco provável que os “puristas” gostem disto). A peça-título é baseada na diferença de planos emocionais: da reflexão quase jazzística, os caras heróicos precipitam-se no turbilhão das paixões do rock de teclado. E embora a adrenalina prevaleça claramente sobre a habilidade aqui, o objetivo definido pelo Egodefinitivamente alcançar. O curto esboço de sopro de órgão "Contemplazione Dell'Opera" é percebido como um prelúdio gótico ao tema sinistro de "Meditatio Mortis" (uma variedade de messianismo de terror semelhante ao Goblin , amostras de sintéticos e manobras sinfônicas de bravura). Mas em “I misteri Di Milano” só os preguiçosos não perceberão a influência do Focus (quase ao ponto da citação direta) com o apito característico da flauta e os acordes phono empinados. O final épico de "Stato Multiforme" é uma fusão melódica conservadora, excelentes ângulos polifônicos e chamados de trombone justificadamente patéticos. Resumindo: um panorama artístico multinível que gravita em torno do ecletismo, que, apesar do rebuscamento dos episódios individuais, arriscaria recomendar aos fãs do art-rock soft-jazz.
“Quando estávamos trabalhando no segundo disco, o desejo principal era enriquecer a paleta sonora do material. Queríamos conseguir mais cor”, confessou Frantisek Grygliak em entrevista à revista Melodie. O líder da Fermáta ficou satisfeito com o resultado. E acho que ele não é o único. Após o lançamento do disco de estreia, o conjunto estava em constante busca. Os instrumentistas buscaram se livrar do rótulo unidimensional de "jazz-rock" que a imprensa lhes concedeu. A perspectiva de se tornar um clone do Leste Europeu dos mesmos caras da Marca X não era nada agradável e, portanto, a ideia estava madura para voltar às raízes - o eterno folclore eslovaco. Foi nele que a equipe de profissionais planejou se inspirar. Os ajustes na estratégia refletiram-se na ampliação dos meios visuais (o maestro Griglyak, além da guitarra, passou a ter piano elétrico, sintetizador e voz) e influenciaram mudanças na composição ( Kiril Zelenyak assumiu o lugar do baterista Peter Zapu + violinista/harpista Milan Tedla juntou-se à equipe ). Em suma, o longa "Pieseň Z Hôľ" ("Mountain Chant") marcou o próximo passo na evolução do grupo. E devo dizer que foi um grande sucesso. Na peça de abertura do Sr. Frantisek, prevalece a fusão estrita do estilo Canterbury. Os pontos de referência deste tipo de música são sem dúvida familiares a quem tem uma ideia do trabalho de National Health , Gilgamesh , Isotope , etc. Claro que Fermáta conseguiu mostrar aqui o seu virtuosismo técnico e soluções sonoras inventivas. No entanto, não é apropriado falar de quaisquer tendências inovadoras no contexto do referido panorama de 11 minutos. A continuação do épico introdutório é “Svadba Na Medvedej Lúke” – fruto da imaginação do baixista Anton Jaro , do baterista Zelenyak e do tecladista Tomas Berka . Através das progressões jazzísticas da secção rítmica, por vezes, surgem amplos traços sintéticos de guitarra, herdando a tónica das antiguidades, épicos e contos da aldeia. A partir de encontros diretos com o povo, os membros da Fermáta abster-se. O que, considerando o rumo geral do lançamento, parece bastante correto. O afresco “Posledný Jarmok v Radvani”, típico do compositor Griglyak, está subordinado a uma vertical puramente lúdica: o equilíbrio das cordas emprestado dos anglo-saxões é acompanhado por um astuto estrabismo eslavo, razão pela qual o processo em si não parece muito sério. O destaque do programa é a peça “Priadky”. As escapadas emocionais (da contemplação pastoral à desenfreada “folia”) são construídas em uma imagem complexa do mundo com uma fusão característica dominante. Não há do que reclamar: as proporções são mantidas como deveriam, o clima é consistente, a lógica não é violada em lugar nenhum. O breve estudo "Dolu Váhom" com sua ornamentação importante e um tanto descolada é bom. E o resultado de uma jornada tão intrincada é resumido na extensa obra “Vo Zvolene Zvony Zvonia”. E aqui surgem finalmente os signos nacionais da Fermáta , cujo expoente é a violinista Tedla. Coragem, sabor de aventura, euforia lírica na forma de cantos corais no final da cortina estão intimamente entrelaçados em um baile elegante - original, contrastante, mas ainda surpreendentemente sólido, marcado por uma energia radiante e vivificante sem um pingo de mecanicidade . Resumindo: uma maravilhosa apresentação de jazz progressivo, projetada para um público específico. Mesmo assim, eu recomendo.
Só os preguiçosos não se inspiram nos anos setenta. Para o rock progressivo, a tendência é estável. E o público especializado espera implicitamente que qualquer neófito adore ícones de estilo universalmente reconhecidos. O trio alemão Argos retribui esses caprichos. Afinal, o comandante da formação Thomas Klarman (baixo, teclado, guitarra, flauta, voz) iniciou sua carreira musical exatamente nessa época. É verdade que seus interesses pessoais foram então delineados na esfera do jazz. E o maestro se apaixonou diretamente pelo progressivo já nos anos noventa, sucumbindo ao charme retrô épico de conjuntos como The Flower Kings e Spock's Beard . O quarteto Superdrama tornou-se um refúgio para Klarman . No entanto, no âmbito deste projeto, foi difícil para Thomas realizar manobras ideológicas completas. E em 2005 começou a compor material para um hipotético programa solo. Uma tentativa de expandir as fronteiras do subgênero encontrou apoio do colega de Klarman no Superdrama , Robert Gotzon (vocal, teclados, guitarra). Mais tarde, outro amante da música progressiva, o baterista Ulf Jacobs, se juntou aos caras . Foi assim que surgiu um triunvirato chamado Argos , que proclamou o movimento às origens como o modelo vetorial geral. A complexa abertura sem título dos Teutões lembra um jogo de pistas. Consideremos os títulos dos ciclos temáticos em que o disco está dividido: “Nursed by Giants”, “Canterbury Souls”, “From Liverpool to Outer Space”. Aqui você inevitavelmente entrará em sintonia com a onda “vintage”. No entanto, Klarman e seus camaradas estão menos ansiosos para consolar o ouvinte com criatividade baseada em motivos. O legado da era das lendas limita-se às reminiscências das rendas. Argos navega no mar espumoso do art-rock com estrita dignidade, sem pedalar nem ir longe demais com atos de reencarnação artística. Por exemplo, na faixa “Killer” (assim como em “A Name in the Sand”) há uma abordagem modernista à composição. E mesmo com uma paleta instrumental analógica, há uma afinidade maior com o mesmo TFK do que com qualquer um dos gigantes do passado. Mas o próximo “The King of Ghosts” faz pensar em Procol Harum , e os graciosos acenos para “Black Cat” são inspirados em Gentle Giant (deixe-me lembrá-lo, eles têm uma música com o mesmo nome) ao meio com Genesis . E "Core Images" (na parte vocal) sugere claramente Van der Graaf Generator . Tetralogia "Canterbury" ("The Hat Goes North", "Young Persons Guide to ARGOS", "Ten Fingers Overboard","Norwegian Stone Shortage") empresta seu som inteligente do Caravan como uma fortaleza, mas Thomas constrói o padrão melódico de acordo com seus próprios cânones. O mesmo pode ser dito do panorama de 5 fases "From Liverpool to Outer Space", onde o esboço da música não depende dos padrões dos Beatles . E em termos de som, nem tudo é tão simples: Argos está experimentando psicodelia, diluindo o fundo Mellotron com sequências eletrônicas (“Meet the Humans”), extinguindo o pathos orquestral com eco sintético (“Elektro-Wagner”), ou mesmo forçando romantismo pop obsessivo para dançar ao som do tubo de rock espacial astral ("Passing Through"). Em geral, um lançamento bastante divertido, agradável e bem tecido, com o qual não é pecado se familiarizarem os representantes da heterogênea classe dos amantes da música.
No verão de 1988, o telefone tocou na casa de Richard Stephen Sinclair . Na linha estava Andy Ward , um ex-colega do Camel e apenas um bom amigo. Durante sua residência permanente em Freiburg, na Alemanha, o luminar da bateria sugeriu um encontro, relembrando sua juventude e provocando algo interessante. Richard apoiou a aventura com entusiasmo. Foi assim que surgiu o projeto Caravan of Dreams : Sinclair (voz, guitarra, baixo), Ward (bateria, percussão), Jimmy Hastings (flauta, saxofone, flautim), Dave Sinclair (sintetizador). Durante seis semanas (junho a dezembro de 1991), veteranos da cena art-jazz se reuniram no Astra Studios (South Downs, Kent), onde trabalharam em um material que lhes era caro. No mesmo horário, Caravan of Dreams, com Rick Boudulph no baixo, fez um concerto sob os arcos do intimista Wilde Theatre (South Hills Park Arts Centre, Bracknell). E o conteúdo desta performance, juntamente com as sessões de estúdio, acabaram por ser colocados num CD, sobre o qual vale a pena especular.
Medição, delicadeza, total ausência de pompa e ambiente instrumental bastante modesto. Não procure aqui o turbilhão de acontecimentos, ataques agressivos, brilho de textura chamativa... A beleza de “Caravana dos Sonhos” está no presente único do cantor e contador de histórias Richard. O longplay é tentador para ser apelidado de Canterbury Stories of Jazz-Rock. O ambiente é especialmente cativante - familiar, cheio de aconchego caseiro, conforto, ironia sutil e confiança absoluta no interlocutor. Novas composições se misturam com coisas comprovadas, quase clássicas. O programa inicia com a melódica "Going for a Song", extraída dos arquivos do lendário Hatfield and the North . A faixa, escrita por Mastermind em colaboração com Pip Pyle , emana o patriarcado inglês, a nostalgia dos felizes anos setenta e a carícia insinuante do sol de outono. "Cruising (the Eastern Sky)" junto com "Only the Brave" foram ouvidos pela primeira vez no álbum de Hugh Hopper / Richard Sinclair Somewhere in France (1983) . Uma nova leitura foi enriquecida pela gaita de Alan Clarke e por uma abordagem de entonação madura à própria maneira de contar histórias. O pathos humanístico é refletido na peça "Plan It Earth", com seu sabor étnico de fundo e as delicadas partes da flauta de Hastings. "Heather" com participação do trompista Michael Hipel, transforma-se numa experiência interessante de introdução de microcromáticas puramente orientais na carne da característica arte de fusão britânica. O lirismo suave de "Keep on Caring" é como um espectro de arco-íris deslizando pela superfície do vidro veneziano, e o belo ritmo jazzístico de "Emily" demonstra o talento de Richard para criar motivos discretamente expressivos. Quanto aos números “ao vivo” do lançamento, estes centram-se principalmente na chamada semi-improvisada dos músicos. A exceção é a balada final "It Didn't Matter Anyway". Nele, o gênio criativo de Sinclair é claramente visível. Esboços tão comoventes sobre encontros/separações de pessoas apaixonadas raramente aparecem no art rock. Um esboço surpreendentemente terno e sensual, cuja fragilidade é maravilhosamente enfatizada por graciosas passagens de flauta. Resumindo: um ato artístico elegante, cuja profundidade é revelada após repetidas escutas. Fãs do destino ‘Canterbury’ – tomem nota.
Em 1980, o guitarrista australiano Kevin Peake (1946 - 2013) era visto pelo público como bastante monótono. Um suporte eletroacústico confiável para os sinfonistas Sky , nada mais. Foi uma pena perceber isso. Ainda assim, as atividades em grupo não refletiam totalmente as capacidades criativas de Kevin. E queria abrir-se mais, ultrapassar os limites do papel imposto. A única saída era trabalhar solo. Foi assim que surgiu o disco “A Touch of Class” (1980), em cuja capa estava orgulhosamente escrito: o compositor Kevin Peek . Sem interromper seu trabalho na Sky , o músico trabalhador tentou encontrar tempo para novas experiências independentes. Peak rejeitou antecipadamente a ideia de recrutar seus colegas de conjunto como aliados. E ele começou a recrutar pessoas com ideias semelhantes. Logo a equipe de acompanhantes foi reabastecida com o saxofonista Ron Espery , o organista Nick Glennie-Smith (ex- Wally ), o baterista Tom Nichol , bem como o vocalista, arranjador e produtor David Reilly . A propósito, este último apoiou ativamente Kevin em seus experimentos com formação eletrônica (em 1978 o disco “Guitar Junction - The Exciting Sounds of Kevin Peek and His Synthesizer Guitar” foi lançado, mas não recebeu muita ressonância). Como resultado, além dos subtipos usuais de guitarras e baixos, o iniciador do projeto se armou com um sintetizador de cordas. Afinal, a era da 'new wave' estava se aproximando, e Peak queria pelo menos capturar algumas das tendências da moda passageira... A peça-título do lançamento pode agradar apenas a um amante de instrumentais eletro-pop. Não, a melodia não pode ser negada ao autor. Acontece que as descobertas motivacionais estão envoltas no ritmo escasso e extremamente emasculado de uma bateria eletrônica à la “todas as coisas vivas morrem”. Mas na romântica pastoral "Cidade sobre as Águas" o maestro é expressivo e preciso: linhas suaves, fraseado profundo, voz de guitarra sonhadora... Um puro conto de fadas. O afresco "Sidewinder" poderia ser considerado uma obra do gênero fusion, se não fosse pelo abundante sabor pop e maneirismo deliberado das partes do saxofone. As deficiências desta obra são compensadas pelo estudo de câmara "Spanish Blues", intoxicado pelo lirismo comovente de Kevin. A mistura brilhante chamada "Manitou" é apenas mais um simples tijolo na parede do pop-rock comercial. O desenho é cativante, embora sem intriga ou desenvolvimento; não há nada para o progressor capturar aqui. A pacífica peça acústica "Sailplane" com seus arpejos neoclássicos, familiares a qualquer fã de Sky , adoça a pílula.. As quatro últimas posições são ocupadas pela “Starship Suite” de 20 minutos, cujo espectro é tecido a partir de uma série de nuances (muitas vezes muito controversas). A principal reclamação é sobre o timbre do Sr. Reilly. Os hábitos discotecas deste senhor reduzem automaticamente o valor do ensaio. Uma coisa é revigorante: o canto é esporádico. Se abstrairmos de um fator tão malfadado, é impossível não notar: 1) na introdução de “Faster Than Light” o heroísmo do art rock é combinado de forma competente com a simplicidade da eletrônica de sintetizadores; 2) o interlúdio “Infinite Dreams” equaliza perfeitamente o astralismo kraut com delicadas passagens de guitarra; 3) a seção final “Para aqueles que deixamos para trás” incorpora um exemplo perfeito de uma elegia onírica, digna de críticas excepcionalmente calorosas. O resultado final é que temos um conteúdo irregular e, ainda assim, uma excursão sonora sólida, sem pathos conceitual e intelectual e pretensões de genialidade.
(22 de julho de 2024, Huamaca Brothers Records/Madre Mine Records & Tapes)
Hoje temos o prazer de revisar e comentar a segunda exibição do bestiário progressivo do THE CIRCLE PROJECT , coletivo espanhol de rock progressivo moderno que acaba de publicar o álbum “ Bestiario II ”, continuação do conceito iniciado por “ Bestiario ” no já mês relativamente distante de outubro de 2016.
Agora “Bestiario II” está presente desde 22 de julho para estabelecer um importante enclave da Espanha para o ideal perpétuo do rock artístico em tom progressivo. O músico Rafael Pacha foi o responsável pela supervisão, produção e direção musical de “Bestiario II”, álbum que traz 13 perfis musicais progressivos de duas feras que são descritas alternadamente por Alexandro Baldassarini e María José Vaquero Pichu ; Os desenhos das feras imaginárias são de Ángel G. Lajarín . Pacha tocou diversos instrumentos em algumas músicas do álbum; Germán Fafian colaborou estreitamente com Pacha na organização das gravações e, ocasionalmente, na realização de alguns trabalhos de mixagem. A trama conceitual de “Bestiario II” é apresentada da seguinte forma: “Ao viajar pelas redes, Ángel descobre o desenho de um mapa do final do século XVI de Urbano Monte, um planisfério dividido em sessenta folhas e recentemente montado em formato digital por David Rumsey para a coleção de mapas das bibliotecas de Stanford. “É um mapa misterioso, muito preciso para a época, que descreve áreas e animais nunca vistos em nosso planeta, por isso parece ideal como capa do álbum.” A produção executiva do álbum que hoje nos interessa é a Huamaca Brothers Records (sub-selo da Madre Mine Records & Tapes), composta nesta ocasião por Paco Asensi, Paco Barroso, Carlos Duro, Pedro Enrique Esteban, Patricia García, Ángel Gómez, Rafael Pacha, Miguel Rodríguez e Alfonso Romero .
A lista de músicos envolvidos neste extenso repertório de mais de 74 minutos é, por si só, bastante longa: Rafael Pacha [guitarras, teclados, saltério, flautas, flautas doces, baixo fretless, hulusi, cítara, violino, viola da gamba, melódica, cuatro e tabla], Germán Fafian [guitarras, cuatro, teclados, síntese modular], José Carballido [guitarra elétrica, teclados e voz], Carlos Aguilera [sintetizadores], Paco Asensi [teclados e bateria], Alessandro di Benedetti [teclados]* , Mario Bocanegra [teclados[, Pablo Canalís [teclados, baixo, concha, waterphone, flauta nativa americana e samples de sons aquáticos], José Cifuentes [flauta e sax], Raúl Díaz [teclados], Noné Easter [guitarra elétrica], Chus Gancedo [bateria], Oscar García [bateria e percussão]. Alberto Mateos [baixo, guitarra, teclado e bandolim], Alfonso Romero [Chapman Stick e baixo], Joaquín Sáinz [guitarra elétrica], Manuel Soto Noly [violão, teclados e programação rítmica] e Cochè Vil [guitarra elétrica]. Há também as cantoras Alicia Pacha e Claudia Zurdo. Vamos agora aos detalhes do repertório. A breve locução de 'Manual de Criptozoologia - Continuação' inicia as coisas de forma cerimoniosa para abrir caminho para que a dupla de 'Capítulo 9: Manticore' e 'Capítulo 10: Diaemus Gravida' seja forjada com um lirismo sistemático que aponta, simultaneamente, ao mágico e ao evocativo. A primeira das canções mencionadas estabelece uma confluência evocativa dos paradigmas HAPPY THE MAN e STICK MEN com a adição de certos elementos oldfieldianos que são muito eficazes em realçar as nuances do folk-rock. Quanto ao segundo, é um exercício suave de sinfonismo que se move graciosamente pela engenharia rítmica razoavelmente sofisticada e pela diversidade de ambientes. O que soa nos remete a MAGENTA e BIG BIG TRAIN em relação à convivência das estilizações do rock com o pastoral. 'Capítulo 11: Architeutis Dux -Kraken-' é uma peça totalmente alheia ao anterior: sombria, languidamente sinistra, atravessada por uma aura minimalista que, em algum momento, acolhe a candura de uma flauta étnica. 'Capítulo 12: Pardus Alatus Nero' começa com ares bucólicos e etéreos capturados na delicada associação entre guitarras e sintetizadores. Num segundo momento, há uma viragem para uma exploração enérgica dos sons sinfónicos com a guitarra eléctrica no papel principal.
Agora chega a vez do item mais longo do repertório, 'Capítulo 13: Homo Narcissus -Leno Litore, Assinus Facies-', que dura quase 9 minutos. O seu dinamismo direto encontra um contrapeso perfeito no requinte extremamente precioso com que se monta o emaranhado instrumental bem estruturado. O canto é explicitamente energético, algo que sustenta consistentemente a extroversão essencial da música. Logo após o quinto minuto, surge um interlúdio pastoral que acrescenta variedade à estrutura melódica. O que parece aqui é uma encruzilhada entre THE ALAN PARSONS PROJECT, PENDRAGON e GENESIS. 'Chapter 14: Meiga' é uma música comovente que se delineia pelo canto teatral enquanto a geminação das bases harmônicas do teclado e do violão emerge como uma agitada névoa emocional. 'Capítulo 15: Rainbow Leprechaun' começa com deslumbrantes caminhos sinfônicos onde o flutuante e o misterioso coexistem, e o encantador desenvolvimento temático se instala com vibrações um tanto perturbadoras. Uma vez evidente todo o bloco sonoro, a aura sonora adquire um esplendor vivo que, aos poucos, se desenha num equilíbrio entre o sinfónico e o folk-progressivo. Quando chega a vez do 'Capítulo 16: Grifelino Coloris', surgem ares fusionescos filtrados por ares palacianos renascentistas. Há um exotismo estranho, mas magnético, nas síncopes 6/8 usadas no esquema rítmico. 'Chapter 17: Tardo' agita o ninho de vespas com um vitalismo sonoro eletrizante onde a sinfonia e o prog-metal se unem com uma espiritualidade augusta e uma luminosidade épica. 'Chapter 18: Narvalus Transeo' entra em cena para abraçar vários dos ecos de magnificência sofisticada da peça anterior, mas desta vez com uma abordagem neo-progressiva que é eficientemente adornada com enclaves de rock espacial fornecidos por algumas sequências sintetizadas. A sequência do 'Capítulo 19: Papilio Evanescens' e do 'Capítulo 20: Draculis Scarabus' conquista novos patamares de brilho expressivo e diversidade musical para o repertório aqui contido. O primeiro dos temas mencionados está enquadrado numa onda ambiente que é preparada por delicadas camadas cósmicas; Mais tarde, alguns ornamentos de sopro e percussão acrescentam tons étnicos ao caso e, no processo, também aumentam a coloração sonora contínua.
A outra música que acabamos de mencionar muda de registro para se dirigir a áreas vanguardistas onde o Crimsonismo e o pós-rock estabelecem uma sugestiva hibridização, a mesma que se elabora sob uma roupagem eletrônica relacionada ao TANGERINE DREAM e aos OZRIC TENTACLES do novo milênio. Tudo é muito cinematográfico: as próprias atmosferas deixam-se emergir como foco composicional para que, dado o momento, a guitarra imponha um solo musculado e neurótico em prol de uma ascensão expressionista. 'Chapter 21: Auxia' estabelece conexões estilísticas com 'Chapter 18', incorporando a novidade particular de usar vibrações jazzísticas no groove geral da jam. Desta forma, a composição goza de uma frescura bastante marcante. No fundo do fraseado do violão solo e das orquestrações envolventes dos teclados, as linhas de baixo brilham, precisas e com sua parcela adequada de imersão no esquema melódico. O epílogo é marcado pela fala do ‘15 Manual de Criptozoologia – Final’, concluindo esta nova jornada do coletivo THE CIRCLE PROJECT. “Bestiário II” é uma obra extremamente meticulosa e diversificada; Como tal, destaca-se pela livre expansão das cores musicais que permite que cada peça exiba a sua personalidade enquanto o conjunto funciona como um todo inteligentemente policromado. Totalmente recomendado e, claro, comovente a associação de mentes e corações que tornou este álbum possível.
O grupo está atualmente inativo como uma unidade de apresentação e gravação, tendo interrompido todas as turnês e gravações em 2018 após a revelação de que Lewis tinha a doença de Ménière , um distúrbio do ouvido interno. [ 5 ] Em 2020, eles lançaram Weather , [ 6 ] que contém canções que a banda gravou antes da perda auditiva de Lewis.
Formação
Em 1972, o cantor/tocador de gaita Huey Lewis e o tecladista Sean Hopper se juntaram à banda de jazz-funk da Bay Area Clover . Clover gravou vários álbuns na década de 1970 e, no meio da década, se transplantaram para a Grã-Bretanha para se tornarem parte da cena de pub rock do Reino Unido .
Sem Lewis, eles eventualmente se tornaram a banda de apoio do primeiro álbum de Elvis Costello , My Aim Is True . Lewis também trabalhou com a banda irlandesa Thin Lizzy , contribuindo com gaita para a música "Baby Drives Me Crazy", gravada no palco para o álbum Live and Dangerous . O baixista/vocalista do Thin Lizzy, Phil Lynott, apresenta Lewis pelo nome durante a música. A banda retornou à Bay Area no final da década de 1970.
A principal competição de Clover na cena jazz-funk da Bay Area era uma banda chamada Soundhole, cujos membros incluíam o baterista Bill Gibson , o saxofonista/guitarrista rítmico Johnny Colla e o baixista Mario Cipollina (irmão de John Cipollina do Quicksilver Messenger Service ). Assim como Clover, Soundhole passou um tempo apoiando o vocalista Van Morrison . Depois de conseguir um contrato de singles com a Phonogram Records em 1978, Huey Lewis se juntou aos veteranos do Soundhole Hopper, Gibson, Colla e Cipollina para formar um novo grupo, Huey Lewis & The American Express.
Embora eles tenham feito shows com esse nome, em 1979, eles gravaram e lançaram um single simplesmente como "American Express". O single, "Exodisco" (uma versão disco do tema do filme Exodus ) foi amplamente ignorado. O lado B deste disco, "Kick Back", era uma música que já havia sido tocada ao vivo por Lewis e sua antiga banda, Clover. Em 1979, a banda foi acompanhada pelo guitarrista Chris Hayes e mudou-se para a Chrysalis Records , o que ocorreu depois que sua fita demo foi ouvida pelo empresário de Pablo Cruise, Bob Brown, que os ajudou a fechar um contrato com a gravadora. Chrysalis não gostou do nome American Express , temendo acusações de violação de marca registrada da empresa de cartão de crédito , então a banda mudou seu nome. [ 9 ]
Mais tarde, em 1980, a banda lançou seu primeiro álbum de estúdio, um LP autointitulado, Huey Lewis and the News . Passou despercebido. Em 1982, a banda lançou seu segundo álbum de estúdio, o Picture This , produzido por ela mesma . O álbum virou ouro, impulsionado pelo sucesso do single " Do You Believe in Love ", escrito pelo ex-produtor do Clover "Mutt" Lange . Em grande parte por causa do single, o álbum permaneceu na parada de álbuns da Billboard 200 por 35 semanas e alcançou a posição 13. Os singles seguintes do Picture This , "Hope You Love Me Like You Say You Do" e " Workin' for a Livin' ", seguiram, com sucesso limitado. [ citação necessária ]
Sucesso mainstream
Devido a atrasos da gravadora no lançamento de seu terceiro álbum de estúdio, Sports , Huey Lewis and the News retornou no final de 1983 para fazer turnês em pequenos clubes em um ônibus para promover o disco (eventualmente conhecido como turnê "Workin' for a Livin'"). O novo álbum inicialmente atingiu o número seis nos EUA quando foi lançado. No entanto, Sports lentamente se tornou um hit número um em 1984 e foi multi-platina em 1985, graças às turnês frequentes da banda e uma série de vídeos que receberam grande exibição na MTV. Quatro singles do álbum alcançaram o top 10 da Billboard Hot 100 : " Heart and Soul " alcançou o número oito, enquanto " I Want a New Drug ", " The Heart of Rock & Roll " e " If This Is It " alcançaram o número seis. O álbum vendeu mais de 10 milhões de cópias somente nos EUA.
No início de 1985, a banda participou do single beneficente " We Are the World " do USA for Africa, com Lewis fazendo um vocal solo. A música liderou as paradas musicais em todo o mundo e se tornou o single pop americano mais vendido da história. Eles iriam tocar na parte da Filadélfia do show beneficente do Live Aid em julho, mas desistiram duas semanas antes do show devido a preocupações de que o dinheiro arrecadado pelo single e outros esforços não tivesse sido gasto para beneficiar as vítimas da fome na Etiópia , o que lhes rendeu críticas veementes do organizador do USA for Africa, Harry Belafonte . [ 10 ] Um ano depois, um artigo da Spin sugeriu que grande parte do dinheiro arrecadado com o single e o show havia sido mal gasto.
A música deles " The Power of Love " foi um hit número um nos EUA e apareceu no filme de 1985 De Volta para o Futuro , para o qual eles também gravaram a música " Back in Time ". Lewis tem uma aparição especial no filme como um membro do corpo docente que rejeita a audição da banda de Marty McFly para o concurso "Battle of the Bands" da escola. Como uma piada interna, a peça que a banda toca é uma versão instrumental de hard rock de "The Power of Love" (resposta de Lewis: "Esperem, rapazes... Tenho medo de que vocês sejam muito barulhentos"). "The Power of Love" foi indicada ao Oscar.
Após o sucesso de "The Power of Love" e Back to the Future , Huey Lewis and the News lançou seu quarto álbum de estúdio, Fore!, em 1986. Fore! seguiu o sucesso de Sports e alcançou o número um na Billboard 200. O álbum gerou os singles número um, " Stuck with You " e " Jacob's Ladder ", bem como o hit de rock mainstream " Hip to Be Square ". No total, o álbum teve cinco singles no top dez da Billboard Hot 100 e foi certificado como tripla platina.
A banda continuou em turnê ao longo de 1987 e lançou Small World em 1988. Após os dois álbuns multi-platina anteriores, Small World foi considerado "visivelmente mais fraco", chegando ao número 11 e apenas chegando à platina. [ 13 ] O álbum teve um single no top dez, "Perfect World", que alcançou o número três na parada pop. [ 14 ]
No final da turnê Small World em 1989, a banda fez uma pausa nas gravações e turnês pesadas, e se separou da Chrysalis Records. Em 1991, eles lançaram Hard at Play pela gravadora EMI nos EUA e Chrysalis no Reino Unido, [ 15 ] que voltou ao som R&B/rock de seus álbuns anteriores, e lançou os singles de sucesso " Couple Days Off " (número 11) e "It Hit Me Like a Hammer" (número 21).
No início de 1996, a banda lançou o álbum de grandes sucessos Time Flies , focado principalmente nos lançamentos de Picture This , Sports e Fore!, e incluía quatro novas faixas.
A formação da banda mudou moderadamente desde seu apogeu. O baixista Mario Cipollina deixou a banda em 1995 e foi substituído por John Pierce. A Tower of Power , que frequentemente servia como a seção de metais da banda em turnê na década de 1980, encerrou seu trabalho com a banda em 1994. Os trompistas Marvin McFadden, Ron Stallings e Rob Sudduth se juntaram ao grupo em seu lugar como "The Sports Section". Em 2001, Chris Hayes se aposentou para passar mais tempo com sua família após se apresentar no álbum Plan B. O guitarrista Stef Burns se tornou o sucessor de Hayes, enquanto James Harrah substituiu Burns ocasionalmente. Em 13 de abril de 2009, o saxofonista em turnê Ron Stallings morreu de mieloma múltiplo . [ 16 ]
Em 2001, o News lançou seu primeiro álbum em sete anos, Plan B , pela Jive Records . Ele só chegou brevemente às paradas, com o single principal, "Let Her Go & Start Over", se tornando um hit adulto contemporâneo menor. Em dezembro de 2004, Huey Lewis e o News gravaram seu primeiro álbum ao vivo , Live at 25 , na Sierra Nevada Brewing Company em Chico, Califórnia , comemorando o 25º aniversário da banda. Em 2008, eles gravaram a música tema do filme de comédia de ação Pineapple Express a pedido de Seth Rogen . [ 17 ] A música é tocada nos créditos finais do filme e aparece no álbum da trilha sonora do filme.
A banda retornou ao estúdio em 2010, gravando seu primeiro álbum em quase uma década. O álbum, intitulado Soulsville , é um álbum tributo à Stax Records gravado no lendário Ardent Studios . [ 18 ] [ 19 ] Eles continuaram a fazer turnês regularmente, tocando cerca de 70 datas por ano, até 2018, quando a banda interrompeu todas as turnês depois que foi revelado que Lewis tinha a doença de Ménière , um distúrbio do ouvido interno. [ 5 ] Em janeiro de 2019, Huey Lewis and the News assinou com a BMG Rights Management . Em 14 de fevereiro de 2020, quando Harrah se tornou um membro oficial, eles lançaram Weather (seu primeiro álbum de estúdio de novas músicas desde Plan B ), [ 6 ] que contém músicas que a banda gravou antes da perda auditiva de Lewis. [ 20 ] [ 21 ]
Em 1984, Ray Parker Jr. foi contratado pelos produtores de Ghostbusters para desenvolver a canção-título do filme . Mais tarde naquele ano, Huey Lewis and the News processou Parker, citando as semelhanças entre a canção "Ghostbusters" e seu hit anterior " I Want a New Drug ". De acordo com Huey Lewis and the News, isso foi especialmente prejudicial para eles, já que "Ghostbusters" era muito popular (subiu para o número um nas paradas por três semanas). A disputa foi finalmente resolvida fora do tribunal. [ 23 ] Lewis afirmou que suas experiências com os produtores de Ghostbusters foram indiretamente responsáveis por ele se envolver no filme De Volta para o Futuro (1985).
Mais tarde, Parker entrou com uma ação contra Lewis, alegando violação do acordo de não discutir o acordo publicamente.
Lewis quebrou seu silêncio ao menosprezar Parker em um episódio do " Behind the Music " da VH1, [em 2001] o que levou Parker a processá-lo. "A parte ofensiva não foi tanto que Ray Parker Jr. tenha roubado essa música", diz Lewis, que continua culpando a arrogância dos executivos da indústria musical que pensaram que poderiam simplesmente pagar a ele para roubar sua melodia. "No final, suponho que eles estavam certos. Suponho que estava à venda, porque, basicamente, eles compraram." [ 24 ]
A revista Premiere em 2004 apresentou um artigo de aniversário sobre o filme Ghostbusters no qual os cineastas da Columbia Pictures admitiram usar a música "I Want a New Drug" como música de fundo temporária em muitas cenas. Eles também notaram que se ofereceram para contratar Huey Lewis and the News para escrever o tema principal, mas a banda recusou. Lewis, no especial Behind the Music de 2001 , disse que a banda recusou a oferta dos cineastas porque uma próxima turnê de shows para promover seu álbum Sports de enorme sucesso não deixou tempo para escrever um tema principal para um filme. Os cineastas então deram a filmagem - com a música de Huey Lewis no fundo - para Ray Parker Jr., para ajudar Parker a escrever a música tema. [ 25 ]
Trilha sonora de psicopata americano
A banda é mencionada inúmeras vezes no romance American Psycho de Bret Easton Ellis de 1991 , e sua subsequente adaptação cinematográfica . O capítulo do romance é intitulado "Huey Lewis & the News", e consiste em um ensaio estendido sobre a produção gravada e a carreira da banda. Durante a cena do filme em que o protagonista principal, Patrick Bateman , mata seu colega, Paul Allen, com um machado, Bateman toca a música " Hip to Be Square " e fala liricamente sobre a banda:
"Você gosta de Huey Lewis & The News? O trabalho inicial deles era um pouco ' new-wave ' demais para o meu gosto, mas quando 'Sports' saiu em 83, acho que eles realmente se destacaram — tanto comercialmente quanto artisticamente. O álbum inteiro tem um som claro e nítido, e um novo brilho de profissionalismo consumado que realmente dá às músicas um grande impulso. Ele foi comparado a Elvis Costello , mas acho que Huey tem um senso de humor muito mais amargo e cínico. Em 87, Huey lançou este, 'Fore', seu álbum mais bem-sucedido. Acho que sua obra-prima indiscutível é 'Hip to Be Square', uma música tão cativante que a maioria das pessoas provavelmente não ouve a letra — mas deveriam! Porque não se trata apenas dos prazeres da conformidade e da importância das tendências, é também uma declaração pessoal sobre a banda em si!"
" Hip to Be Square " foi inicialmente planejado para estar no álbum da trilha sonora, mas foi removido do álbum devido à falta de direitos de publicação. [ 26 ] Como resultado, a Koch Records foi forçada a recolher e destruir aproximadamente 100.000 cópias do álbum. O presidente da Koch Records, Bob Frank, disse: "Como resultado da natureza violenta do filme, a gerência de Huey Lewis decidiu não dar autorização para a trilha sonora." [ 26 ] O empresário de Lewis, Bob Brown, afirmou que o músico não tinha visto o filme e que "não sabíamos nada sobre um álbum de trilha sonora. Eles simplesmente foram em frente e colocaram o corte lá. Acho que o que eles estão tentando fazer é angariar publicidade para si mesmos." [ 26 ]
A banda vendeu mais de 30 milhões de discos em todo o mundo, de acordo com uma entrevista com Johnny Colla em 2006. [ 28 ] [ 29 ]
O álbum de 1983, Sports, vendeu 10 milhões de cópias nos Estados Unidos, de acordo com o programa Behind the Music da VH1no Huey Lewis and the News (embora tenha sido certificado apenas sete vezes como Platina pela RIAA).
"The Power of Love" (do filme De Volta para o Futuro ) rendeu a Chris Hayes, Johnny Colla e Huey Lewis (os compositores das músicas) uma indicação ao Oscar de Melhor Canção Original em 1986.
A banda recebeu o prêmio de Melhor Grupo Internacional no Brit Awards de 1986 .
Os dois maiores sucessos de vendas da banda, "The Power of Love" e "I Want a New Drug", foram ambos singles que venderam milhões de cópias nos EUA, certificados como Ouro pela RIAA. [ 30 ]
Huey Lewis and the News recebeu 30 prêmios Californian (antigo Bay Area Music).
Todos os cinco álbuns lançados pela banda entre 1982 e 1991 alcançaram o Top 30 na parada de álbuns Billboard 200 e foram certificados como Ouro, Platina ou Multiplatina.
O italiano Pierre com o delicioso sobrenome Caramel convida você para uma celebração do prog instrumental. No papel de artistas de massa - um trio musical da Lombardia: o próprio Pierre (teclados, flauta), Daniele Mentasti (baixo, trombone) e Sergio Iannella (bateria, percussão). Na verdade, isso é o Ego . Não muito ambicioso, mas bastante artístico. Formada em 2005, a formação lançou de forma privada um EP sem título. Alguns anos depois, nasceu o álbum “Suppurtatio Annorum Mundi”, porém poucas pessoas fora dos Apeninos o ouviram. Somente após o lançamento do álbum "MCM Egofuturismo" (2008) pelo selo Mellow Records a situação saiu do ponto morto. Um cruzamento não muito distorcido entre arte sinfônica, jazz e brass rock com estudos de paisagem sonora amorfa despertou interesse moderado entre o público internacional. Percebendo que não corriam o risco de um período de desintegração num futuro próximo, o trio de companheiros alegres começou a criar novas “pinturas de humor”. Abençoados com as palavras de despedida de Mauro Moroni , os caras passaram para a proteção do escritório Ma.Ra.Cash Records, onde em 2011 venderam o disco “Evoluzione Delle Forme” - assunto da nossa conversa de hoje.
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