Christian Gaubert, Part 1: 1975 Une Ville, Une Vie, 1977 The Little Girl Who Lives down the Lane OST

 

Três posts sobre este maravilhoso e desconhecido (presumivelmente fora de seu país de origem) compositor francês de trilhas sonoras para filmes.

Christian Gaubert:

Compositor, pianista, arranjador e líder de banda francês. As colaborações incluem Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Gilbert Bécaud, Johnny Hallyday, Serge Gainsbourg, Pascal Auriat e Gérard Lenorman, entre outros.

Note que ele lança álbuns desde 1969, mas os primeiros não me pareceram tão interessantes. Alguns são LPs de versões cover, presumivelmente de fácil audição, como este álbum de 1972 .

Por outro lado, no álbum de 1975, Une Ville... Une Vie , a composição é simplesmente genial. Lembra meus antigos favoritos, Dromadaire e Le Loup des Steppes, de Pisani, ou o maravilhoso Xavier Gernet . Em outras palavras, composição pop francesa dos anos 70 (não exatamente chanson) com melodias originais, acordes e refrões cativantes. Além disso, conta com a participação do guitarrista Claude Engel e do baterista do Magma, Jannick Top, embora esses caras permaneçam em segundo plano, tocando de forma discreta, sem exageros.

A faixa-título dá uma ideia clara do que quero dizer em termos de mudanças de acordes originais e melodias interessantes:

E o restante do álbum mantém o alto nível de composição, com pouquíssimas, ou nenhuma, faixa descartável.

Mudando completamente de gênero, a trilha sonora do filme franco-canadense de 1976,  "A Menina que Mora no Fim da Rua"  , estrelado por Jodie Foster, apresenta músicas maravilhosas. Temos aqui uma mistura de temas orquestrais delicados de Francis Lai e Morricone, no estilo eurodance típico dos anos 70, com padrões melancólicos e passagens de fusão. O tema do filme traz ecos de Francis Lai, Nina Rota, etc., e então, repentinamente, acelera para um ritmo de 16 tempos na seção rítmica, com um solo de flauta.

Aqueles que, na infância, foram expostos a esses filmes e temas antigos sentirão uma intensa nostalgia ao ouvir essas melodias clássicas.

Por outro lado, Mystery of the Basement , com seu elemento de fusão, mais uma vez, o piano elétrico mais as cordas, é tão clássico:

Para quem se interessa, como eu, a história é perturbadora, bem típica daqueles tempos remotos, e como sempre, você pode ler sobre ela na Wikipédia . Observe o seguinte:

A produção tornou-se posteriormente alvo de controvérsia devido a relatos de que Jodie Foster [então com 13 anos] teria tido conflitos com os produtores sobre as filmagens e a inclusão de uma cena de nudez, mas uma dublê de corpo de 21 anos (irmã de Foster) foi utilizada. Após uma exibição no Festival de Cannes de 1976, uma ação judicial foi movida em relação à distribuição, e o filme foi lançado comercialmente em 1977.

Tenho duas versões desta trilha sonora e incluí ambas (CD e LP). Gostei muito e espero que você também goste. É como a maravilhosa fusão de temas delicados com partes funky de Yuji Ohno , quase como seu belíssimo Jimmy Dean.

MUSICA&SOM ☝

Nº1 Anthology 1 — The Beatles, Dezembro 9, 1995

 Producer: George Martin

Track listing: Free as a Bird / Speech: John Lennon / That’ll Be the Day / In Spite of All the Danger / Speech: Paul McCartney / Hallelujah, I Love Her So / You’ll Be Mine / Cayenne / Speech: Paul / My Bonnie / Ain’t She Sweet / Cry for a Shadow / Speech: John / Speech: Brian Epstein / Searchin’ / Three Cool Cats / The Sheik of Araby / Like Dreamers Do / Hello Little Girl / Speech: Brian Epstein / Beasame Mucho / Love Me Do / How Do You Do It / Please Please Me / One After 909 (False Starts) / One After 909 / Lend Me Your Comb / I’ll Get You / Speech: John / I Saw Her Standing There / From Me to You / Money (That’s What I Want) / You Really Got a Hold of Me / Roll Over Beethoven / She Loves You / Till There Was You / Twist and Shout / This Boy / I Want to Hold Your Hand / Speech: Eric Morecambe and Ernie Wise / Moonlight Boy / Can’t Buy Me Love / All My Loving / You Can’t Do That / And I Love Her / A Hard Day’s Night / I Wanna Be Your Man / Long Tall Sally / Boys / Shout / I’ll Be Back (Complete) / You Know What to Do / No Reply (Demo) / Eight Days a Week (False Starts) / Eight Days a Week / Kansas City / Hey-Hey-Hey-Hey!

Muito antes de a Anthology 1 dos Beatles chegar ao topo da Billboard 200, uma série de reuniões entre os principais executivos da Capitol, EMI e Apple Corps foram realizadas para pavimentar o longo e sinuoso caminho para os novos lançamentos dos Beatles.

Antes do lançamento do álbum duplo Live at the BBC em 1994 , que alcançou o terceiro lugar na Billboard 200, não havia sido lançada uma nova coletânea dos Beatles nos Estados Unidos desde os CDs Past Masters de 1988 , que incluíam singles e lados B não presentes nas versões britânicas dos álbuns dos Beatles, lançadas em CD nos EUA. Quando Gary Gersh assumiu a presidência/CEO da Capitol Records em julho de 1993, ele avaliou a situação.

“Quando cheguei à Capitol, a relação entre os Beatles e a EMI tinha chegado a um ponto em que estava constantemente sendo prejudicada em termos de lançamento de novos produtos, fechamento de novos contratos ou tentativa de avançar com o potencial de lançamento de novos materiais dos Beatles”, diz Gersh.

Gersh levou suas preocupações a Charles Koppelman, presidente/CEO do EMI-Capitol Music Group, e sugeriu que os executivos e seus homólogos no Reino Unido examinassem o futuro dos Beatles.

"Eu disse: 'Deveríamos analisar seriamente a situação dos Beatles com a EMI em todo o mundo. Deveríamos abrir os olhos para o que o futuro pode reservar'", diz Gersh.

Em vez de se contentar com as vendas de catálogo dos álbuns dos Beatles já disponíveis no mercado, Gersh sugeriu alterar a estrutura do acordo da EMI-Capitol com os Beatles e a Apple Corps, na esperança de gerar novos produtos. Embora Gersh não revele detalhes específicos do novo acordo, ele afirma que "é extremamente benéfico tanto para os Beatles quanto para a EMI e, da perspectiva dos Beatles, acredito que eles diriam que nunca foi tão justo quanto é hoje".

Foram essas negociações secretas que abriram caminho para Anthology 1 , o primeiro de três CDs duplos com raridades dos Beatles, vinculado a um documentário televisivo de três partes e seis horas de duração, exibido na ABC-TV em novembro de 1995.

A expectativa para a Anthology 1 e o documentário para a TV foi alimentada pelo lançamento de “Free as a Bird”, a primeira música inédita dos Beatles em 25 anos. A canção foi construída a partir de uma demo caseira de John Lennon, gravada em mono em 1977. Em março de 1994, Paul McCartney, George Harrison e Ringo Starr finalizaram a faixa com o produtor Jeff Lynne no estúdio caseiro de McCartney em Sussex, Inglaterra.

“Foi estranho porque eu avisei o Ringo que ele deveria ter um lenço à mão quando ouvisse a gravação pela primeira vez, porque ele é um cara muito emotivo, e eu sei que chorei um pouco”, disse McCartney a Robert Hilburn, do Los Angeles Times . “É algo poderoso ouvir seu amigo em uma música tão bonita. Quando entramos no estúdio, porém, parecia que o John estava lá. Era como se ele tivesse gravado a parte vocal e talvez ido ao banheiro ou algo assim enquanto o resto de nós trabalhava na faixa.”

O sucesso de “Free as a Bird” e da Anthology 1 rendeu aos Beatles mais algumas conquistas históricas. As duas primeiras horas do documentário foram assistidas por cerca de 27,3 milhões de espectadores, o maior número em seu horário de exibição. Enquanto isso, o álbum estreou em primeiro lugar na Billboard 200, com vendas de mais de 855.000 unidades, tornando-se o álbum duplo mais vendido e a estreia de álbum com maior bilheteria (arrecadando mais de US$ 22 milhões, segundo a Capitol) da história.

Anthology 1 deu aos Beatles seu 16º álbum número um e estabeleceu a marca de maior intervalo de tempo entre álbuns número um na era do rock – foram 31 anos e 10 meses entre Anthology 1 e Meet the Beatles! O álbum anterior dos Fab Four a alcançar o topo das paradas, The Beatles 1967-1970 , havia chegado ao primeiro lugar 22 anos e sete meses antes de Anthology 1 assumir o topo – outro recorde.

OS CINCO MELHORES
Semana de 9 de dezembro de 1995

1. Anthology 1 , The Beatles
2. Fresh Horses , Garth Brooks
3. Daydream , Mariah Carey
4. Christmas in the Aire , Mannheim Steamroller
5. Waiting to Exhale , Trilha Sonora

England "Garden Shed" (1977)

 Um detalhe curioso: apesar da cidadania britânica da maioria dos membros do quarteto, seu encontro memorável ocorreu na França em 1974, quando membros de uma comuna juvenil londrina, os amigos íntimos Martin 

Henderson (baixo, vocal) e Robert Webb (teclados, vocal), decidiram passar férias por lá. O destino quis que eles conhecessem o guitarrista/vocalista Frank Holland e o baterista Jody Leitch (ex- Time ). O resultado final de suas jams foi a formação de uma banda com um nome pretensioso e uma história relativamente curta. Mas para os anais do rock progressivo, o tempo dedicado à Inglaterra provou ser mais do que suficiente.
E assim nasceu "Garden Shed". A paleta musical do álbum de estreia do quarteto parece ter absorvido o melhor do que as principais bandas de prog sinfônico da Foggy Albion conseguiram alcançar. A faixa de abertura, "Midnight Madness", se desenvolve por caminhos já conhecidos: figuras rítmicas características e uma boa dose de virtuosismo vocal, emprestado do Genesis ; Harmonias corais que lembram o Yes ; interlúdios pseudoclássicos com sintetizador. Em conjunto, formam um panorama composicional notável, percebido, no mínimo, com interesse. A breve introdução, "All Alone", para voz e piano, aludindo indiretamente aos tempos áureos do Queen , precede a épica "Three Piece Suite". É aqui que nossos heróis revelam toda a extensão de seus talentos multifacetados. Comparações com os gigantes mencionados são inevitáveis: os ritmos são claramente emprestados de Jon Anderson e companhia; os densos solos de guitarra que invadem a fantasmagórica fortaleza do Mellotron são expressivos o suficiente para rivalizar com o som magistral do maestro Brian May . Os elementos originais incluem batidas de baixo funky sobre um fundo de teclado analógico, combinadas com linhas melódicas exclusivas da Inglaterra . Some-se a isso os pomposos exercícios vocais em falsete na segunda parte da suíte e o soberbo som polifônico; é pura beleza. O estudo percussivo "Paraffinalea" é praticamente uma cópia fiel do mesmo Gênesis . A obra elegíaca "Yellow", que se segue, também carece de qualquer senso de inovação. No entanto, é difícil culpar os músicos ingleses.Não há qualquer intenção de copiar cegamente, pois eles aplicam as técnicas pioneiras da banda aos seus próprios estilos únicos com grande habilidade e precisão cirúrgica. Prova disso é a rapsódia de 16 minutos "Poisoned Youth", com sua atmosfera teatral peculiar, nuances dramáticas poderosas e execução virtuosa. Essa peça marcante encerra o delicioso banquete sob a placa "Garden Shed". Faixas bônus a acompanham: a sinfonia instrumental "Nanagram" e a edição de 1976 de "Three Piece Suite", gravada em uma única tomada.
Em resumo: um exemplo perfeito da grandeza duradoura do rock progressivo inglês clássico. Não recomendo pular este álbum.

MUSICA&SOM ☝

Marco Antônio Araújo "Influências" (1982)

 

Gênios tendem a viver pouco. O brasileiro Marco Antonio Araujo estava destinado a viver apenas até os trinta e seis anos. Mas mesmo nesse curto período, esse artista notável realizou o suficiente para se tornar uma lenda do rock progressivo sul-americano.
Araujo iniciou sua carreira solo como profissional. Na época, havia estudado na Escola de Música da Universidade Estadual do Rio de Janeiro, onde dominou o violão clássico e o violoncelo, e posteriormente trabalhou com a Orquestra Sinfônica do Estado de Minas Gerais. No entanto, o jovem não tinha a intenção de se limitar a interpretar obras de outros compositores. Ele desejava ardentemente apresentar seu próprio repertório. E assim que a oportunidade surgiu, abdicou de sua posição consolidada como membro da orquestra sem qualquer remorso. Marco e seu irmão, Alejandro, começaram a buscar ativamente músicos com a mesma visão. Logo encontraram essa pessoa na figura de um grupo com o misterioso nome de Mantra ...
O ano de 1982 marcou o lançamento do álbum de estreia do nosso herói. "Influências" foi gravado com a seguinte formação: o próprio maestro - guitarras elétrica, acústica e slide, percussão; Alejandro Araujo - guitarras, percussão; Eduardo Delgado - flauta; Antonio Viola - violino; Ivan Corriea - baixo; Mario Castelo - bateria. Absolutamente original e extremamente interessante do ponto de vista da instrumentação, o lançamento demonstrou o potencial de um músico acadêmico que se converteu à fé do rock. Telas extensas sem palavras (Araujo deliberadamente recusou os vocais), "Influências" são, acima de tudo, um mosaico sonoro pitoresco, uma síntese intrincada de partículas díspares. A visão artística única do líder é particularmente evidente em peças extensas como "Panorâmica", onde elementos culturais do folclore europeu e influências étnicas locais coexistem em igualdade, com escapadas percussivas características, partes virtuosas de guitarra elétrica e passagens de flauta igualmente complexas. A faixa-título também demonstra uma fusão harmoniosa de extremos: sons sinfônicos em tom maior e pastorais acústicas sutis, blues-rock potente impulsionado pela guitarra e uma base folk sólida. A conexão temática entre "Bailado" e "Abertura No. 2" permite que Marco, juntamente com uma polifonia magistralmente construída, mostre seu lado lírico (os diálogos motívicos entre cordas e sopros na segunda parte da "abertura" são verdadeiramente tocantes). A faixa "Cantares", de cunho filarmônico, encanta com a perfeição de seus movimentos composicionais, e a épica "Folk Song" evoca, em alguns momentos, as maravilhas artísticas dos renomados menestréis ingleses Gryphon . O álbum é complementado por duas faixas bônus: o estudo puramente camerístico "Entr' Act I & II" e a hipnotizante obra "Floydiana II", inspirada na obra-prima do Pink Floyd, "Atom Heart Mother".
Em resumo: magnífico.Um programa vibrante e profundo que inaugurou uma série de experiências artísticas bem-sucedidas de Marco Antonio Araújo.Eu recomendo.

MUSICA&SOM ☝

The Stranglers "Greatest Hits - 1977-1990"

Meu pai me aparece em casa um dia com uma fita cassete de uma banda de rock e me dá. Como se só por ser banda de rock eu fosse gostar assim, sem mais. Ele costumava comprar umas tralhas de um bêbado, maltrapilho quase mendigo que arranjava relógios, bijuterias baratas, ervas para chás e desta vez uma fita cassete. Me deu a fita. Li “The Stranglers”. Nunca ouvira falar. Fui ouvir... Até que era bom. E foi melhorando. Cara, é muito bom!
Vim ouvindo hoje no caminho para o trabalho o mesmo Stranglers que ganhei e ouvi naquela época cheio de desconfiança, “The Greatest Hits- 1977-1990”. Depois vim a descobrir que os caras foram parte importante do movimento punk e foram grande influência de uma série de bandas dos anos 80, em especial de uma da qual gosto muitíssimo, o Cure.
“Greatest Hists” mostra esta linha de evolução sonora. O início com a ótima “Peaches” é bem reflexo do punk com uma bateria seca, um baixo cru e um vocal rasgado e agressivo. “No More Heroes” mantém a linha mas com um trabalho de teclado mais bem acabado. O ponto alto da coletânea vem com a versão para a música multi-regravada de Burt Bacharach, “Walk on By”, um épico de uns sete minutos com um baixo agressivo e incendiário permeado pelo teclado característico da banda, que a faz lembrar muito The Doors. A influência do pessoal do Jim Morrison mostra-se evidente pela característica do timbre do teclado e de como ele é colocado nas músicas. Confirma essa fonte de inspiração principalmente a regravação do hit dos Kinks “All Day and All of the Nght” que, a propósito, é parecidíssima com “Hello, I Love You” dos Doors tendo gerado inclusive uma suspeita de plágio na época de seu lançamento. Gravar “All Day...”, no fim das contas era como tocar Doors sem estar tocando “Doors”. “96 Tears’ e “No Mercy” que fecham a coletânea já demonstram uma inserção nos anos 80 com uma ar bem mais pop e acessível.
A obra-prima dos caras na verdade é o álbum “Black and White” de 1978, que tem a doida “Nice’n’ Sleazy” e a punkíssima “Enough Time”. Li também que o primeiro disco “Ratus Norvegicus” é excelente mas não ouvi ainda. O que tenho em casa e que devo ao fato de meu pai comprar “porcarias” por aí é este ótimo “Greatest Hists- 1977-1990”.

**********************************

FAIXAS:

1. "Peaches"
2. "Something Better Change"
3. "No More Heroes"
4. "Walk On By"
5. "Duchess"
6. "Golden Brown"
7. "Strange Little Girl"
8. "European Female"
9. "Skin Deep"
10. "Nice in Nice"
11. "Always the Sun"
12. "Big in America"
13. "All Day and All of the Night"
14. "96 Tears"
15. "No Mercy"

*********************************

Ouça:
The Stranglers Greatest Hits 1977-1990

The Stooges - "The Stooges" (1969)

 

"Então pensei: o lance é tocar

meu próprio blues simples (...)

Me apropriei de um monte de formas vocais deles
[os negros] e das linhas melódicas também

- ouvidas, ou mal ouvidas,

ou deturpadas, das canções de blues.

Assim, "I Wanna be Your Dog"

provavelmente é resultado da minha má interpretação

de "Baby Please Don't Go".

Iggy Pop

No embalo do lançamento do material raro dos Stooges, o duplo "Dirty Power", é bom não deixar passar o ensejo sem falar de um álbum verdadeiramente fundamental na história do rock. Estou falando do primeiro do “The Stooges", de 1969, e que leva o mesmo nome da banda que, aliás, proporcionou o aparecimento de Iggy Pop para o mundo do rock.
Disco importantíssimo para a formação do punk e para as gerações seguintes do rock dali para a frente. Com sua sonoridade crua, suja e barulhenta contribuiu grandemente para a identidade sonora daquele momento. Bandas como Velvet Underground, Doors, Television, artistas como David Bowie já vinham trilhando um caminho que levaria ao que se caracterizou depois como o punk rock, mas parece que com os Stooges o passo final da evolução do conceito tinha finalmente acontecido. Provas desta linhagem são os fatos, por exemplo de Iggy ter se estimulado a ter uma banda depois de ter visto um show do Doors, de John Cale ex-integrante do Velvet ter produzido o primeiro disco dos Stooges ou mesmo de Bowie ter sido parceiro e produtor de Iggy depois em carreira solo. Os Stooges traziam o minimalismo, a sujeira, a agressividade que faltava para que a coisa tomasse forma e a partir dali o caminho estava pavimentado para nomes como Ramones, e Sex Pistols aparecerem alguns anos depois.
Mas falando propriamente do disco, o negócio já começa detonando com a grande “1969”, um daqueles clássicos eternos do rock; na seqüência, sem sair de cima, já vem outra das fantásticas, “I Wanna Be Your Dog”, básica, ‘burra’, simples e matadora. Quatro acordes incansavelemente repetidos o tempo inteiro e um piano insistente ao fundo numa nota só. Cru e genial. “No Fun”, que viria a ser gravada depois pelos Pistols, é outra das grandes do disco, igualmente com uma concepção simplérrima e acordes muito básicos; destaque também para “Not Right” e para a excelente “Little Doll” que passa a régua e fecha a conta.
Na época o disco foi praticamente ignorado, vendeu mal até por conta dos problemas que teve antes do lançamento quando já concluído teve que voltar para a mesa de mixagem uma vez que a gravadora desaprovou o resultado da produção de John Cale atrasando o lançamento e então já saindo com um certo descrédito e desconfiança. Como muitas grandes obras, este álbum acabou só sendo reconhecido alguns anos depois de seu lançamento e só então se percebeu o quanto ele havia sido realmente ousado e pioneiro.
**************************

FAIXAS:
1."1969" – 4:05
2."I Wanna Be Your Dog" – 3:09
3."We Will Fall" – 10:18
4."No Fun" – 5:15
5."Real Cool Time" – 2:32
6."Ann" – 2:59
7."Not Right" – 2:51
8."Little Doll" – 3:20

The Stooges – “Fun House” (1970)

"Em Fun House, tentamos fazer um som mais 

parecido com a banda original antes do primeiro 

álbum – uma coisa mais livre, improvisada.” 

Scott Asheton

“Os Stooges são originais. Eles têm espírito.” 

Miles Davis

O script da carreira de qualquer artista da música pop é o de, à medida que sua obra avança, a sonoridade e o estilo irem se aperfeiçoando. Embora depois possa fazer incorrer numa amenização ou até perda do viço inicial, isso acontece porque uma banda ou cantor do rock faz muitas vezes do jeito que dá o primeiro disco. O debut, por conta disso, acaba ou deixando a desejar em relação ao que ainda se virá a produzir ou, pela falta de recurso, não consegue expressar com completude as qualidades que já se tem – o que caberá, aí, aos discos seguintes mostrarem. Afinal de contas, todos querem melhorar com o tempo, certo? Errado em se tratando de The Stooges.

A avassaladora estreia no disco homônimo, de 1969, trazia a secura e a energia do punk, porém encapsulado pela minuciosa produção do craque John Cale. O ex-Velvet Underground conseguira tornar consideravelmente pop – mas sem perder o vigor – o baixo feroz de Dave Alexander, as guitarras barulhentas de Ron Asheton e a bateria alta de seu irmão Scott Asheton. Isso, claro, sem falar na intensidade irrefreável do vocalista e líder Iggy Pop, o mais alucinado front band do rock norte-americano à época. Uma banda normal chegaria à lógica conclusão: “Galera, deu certo a receita do nosso primeiro trabalho. Vamos melhorar no nosso próximo disco?”. Bem, como disse, não se trata de um grupo comum. Oriundos da cena underground de Detroit, os Stooges encarnavam uma massa de jovens deslocados, sem emprego e desvalorizados. Eram verdadeiros transgressores vindos de baixo para lutar contra o sistema. Então, por melhor que tenha sido a experiência com Cale, eles eram mais toscos que aquilo. Tanto que propositadamente deram um “passo atrás” em seu segundo e, para muitos, melhor álbum: “Fun House”, de 1970.

“Fun House” é daqueles acontecimentos em que se confundem vida e arte. A contestação típica do rock ‘n’ roll toma a forma mais punk que poderia: com niilismo e sarcasmo. Disponibilizando um orçamento mais modesto do que da primeira vez, a gravadora Elektra chamou para dar um jeito naquela gurizada outro tarimbado produtor Don Galucci (lendário, aos 14 anos tocara órgão na versão de "Louie, Louie", da garage band Kingsmen, sucesso em 1963). Afinal, o primeiro disco, mesmo cultuado, vendera mal e a turma só queria saber mesmo era de se chapar e de putaria. A genial resolução veio da cabeça de Galucci: por que não registrar, então, EXATAMENTE isso? “Se é de sexo, drogas e rock ‘n’ roll que os Stooges entendem, vamos colocá-los a fazer o que sabem”. 

Reproduzindo a atmosfera selvagem e performática dos shows da banda e da própria Fun House – a casa em que todos viviam entre picos de heroína, sexo, confusões e muita música –, eles entraram no estúdio em Los Angeles para tocar ao vivo. E de forma a se sentirem totalmente ambientados, com o aparato usado durante os shows. Iggy se pintando de tinta, trocando roupas, esfarrapando outras ou se lambuzando com cobertura de bolo, cujo branco se misturava ao vermelho do sangue que tirava de si mesmo cortando-se com cacos de vidro. Para completar, depois das sessões de gravação, a “Casa dos Prazeres” se transformava num motel onde orgias e drogas, em looping, geravam o conteúdo musical e conceitual que compõe o disco.

O resultado é uma sonoridade consideravelmente mais tosca do que a do primeiro disco, com a cara de som de garagem que queriam, onde prevalecem a guitarra em altíssimo volume; um baixo grave e permanentemente presente; uma bateria que parece uma lata sendo socada; e... Iggy. Ah! Iggy estava mais junkie e ensandecido do que nunca, o que se nota tanto nos vocais quanto nas letras. Perceptível isso na estupenda faixa de abertura, “Down on the Street”. Um cartão de visitas furioso, cru, liricamente violento. “Descendo a rua onde os rostos brilham/ Flutuando ao redor dela cabisbaixo/ Visualizando coisas bonitas/ Sem muros!/ Sem muros! Sem muros!...” Um dos melhores riffs de todo o cancioneiro punk-rock.

“Loose” segue no embalo “from hell”, mandando ver noutro riff matador da guitarra de Ron, enquanto ele mesmo executa noutra guitarra distorções que emporcalham o fundo. “Eu levei uma gravação de músicas lindas/ Agora as mostro pra você direto do inferno”, dizem os versos. O início da faixa, clássico, com a virada de Scott e os gritos de Iggy, virou sample da Chico Science & Nação Zumbi na faixa "Manguetown", de “Afrociberdelia” (1997).

Uma das músicas que melhor traduzem o clima de “Fun House” é a pogueda "T.V. Eye", gíria inventada pela irmã de Ron e Scott, Kathy, que significa algo como “Interesse sexual”. Um reflexo direto das noitadas da banda e do conhecido sex appeal de Iggy, àquelas alturas um símbolo sexual da cena. Scott parece que vai furar a caixa tamanha força das batidas, repetidas energicamente. O baixo de Dave está destacado sobre todo o resto, fazendo evoluções inteligentes sobre a base. A guitarra rasga o ar, mais rosnando do que outra coisa, haja vista que é do baixo que se percebe o riff. Iggy, por sua vez, é um caso à parte. Que performance! O número não começa: irrompe! O Iguana solta um grito literalmente animalesco, que chega a dar um susto em quem escuta. Sexo. Drogas. Rock ‘n’ roll. Na veia! “Vê aquela gata?/ Sim, eu a quero/ Você vê aquela gata?/ Sim eu quero você/ Ela está com um T.V. Eye sobre mim...” Importante não só para aqueles que viam nos Stooges uma referência, como Richard Hell, Ramones, Suicide, Dead Boys e outros, mas também dentro do repertório da banda, “T.V. Eye” inspiraria pelo menos duas canções de cunho altamente apimentado do disco seguinte da banda, “Raw Power”: “Penetration” e “Shake Appeal”.

“Dirt”, conforme o próprio Scott define, “é um exemplo perfeito de como era nossa atitude: ‘Foda-se toda essa merda! Somos lixo e não nos importamos.’” São 7 min lisérgicos sobre uma base 1x5 cuja batida cadenciada e a linha do baixo abrem campo para a guitarra literalmente sujar o ambiente com distorções de wah wah e muita viagem sonora. Isso sobre as frases soltas, gritadas, destroçadas de Iggy, que dizem a certa altura: “Ooh, eu estive sujo/ E eu não me importo/ Porque eu estou queimando por dentro/ Eu sou apenas um anseio interior/ E eu sou o fogo da vida”. 

Se o pessimismo de “Dirt” dizia que os sentimentos eram todos suplantados diante da realidade irremediavelmente imunda daquele início de década (Guerra do Vietnã, ditaduras nas Américas, reflexos de 1968, crise do petróleo, desemprego, inflação), o que salvava era extravasar por meio das emoções mais instintivas. “1970”, outro petardo punk – cuja métrica propositadamente lembra a de “1969”, do disco anterior –, fala que os loucos sábados à noite daquela época eram, afinal, a escapatória: o prazer carnal: “Linda gata/ Alimente o meu amor a noite toda/ Até eu explodir/ Toda a noite até que eu exploda/ Eu me sinto bem/ Baby, oh baby, queime meu coração”. Para completar a sonoridade de uma das grandes faixas do disco e de todo o repertório da banda, o sax de Steve Mackay, tão enlouquecido que, dissonante e estridente, lembra o dos “loucões” do free-jazz Ornette Coleman e Albert Ayler.

A faixa-título, um blues ruidoso e quebrado, tem uma bateria martelada e a guitarra solando desde o início junto com o sax – e claro, também dos gemidos e urros de Iggy. O baixo, que de início segura a base, passa a ter o acompanhamento de Ron e Mackay por um tempo, mas logo em seguida estes desvirtuam novamente e passam a solar cada um para um lado. O vocal de Iggy é extraordinário, capaz de impor seu belo timbre a serviço da mais assustadora insanidade. “Iggy era perigoso”, declarou certa vez o amigo e empresário da banda à época Danny Fields.

Fechando esse soco sonoro que é “Fun House”, "L.A. Blues", como não poderia deixar de ser, mais um soco. Quase 5 min de gritos lancinantes, improvisos, distorções, microfonias, dissonâncias. O blues mais sórdido que se pode ter notícia. É possível enxergar a performance de Iggy e Cia. somente ouvindo-os. Conforme conta Alan Vega, do Suicide, no livro “Mate-me, Por Favor – A História sem Censura do Punk”, Iggy Pop “não era teatral, era teatro. Alice Cooper era teatral, ele tinha todo o aparato, mas com Iggy não era encenação. Era a coisa real”. Neste sentido, “Fun House” soa tão honesto que não pode ser considerado um retrocesso, mas, sim, uma obra genuína. Ao contrário da maioria, os Stooges precisavam regressar para serem eles mesmos. Tamanha originalidade faz com que o disco, presente entre os primeiros em qualquer lista de melhores da história do rock e dos anos 70, seja cultuado por toda a geração desde que foi lançado – e não apenas de roqueiros, haja vista que o jazzista Miles Davis, pai do cool jazz, era fã declarado da banda.

Se “Fun House” já representava uma devolução, os Stooges conseguiram se superar em “Raw Power”, de 1973, em que as músicas eram ainda mais furiosas e a produção foi relegada a segundo plano, tornando-o (saudavelmente!) inaudível em alguns momentos. Mais um passo em direção ao depauperamento deliberado que Iggy Pop e Stooges promoviam na indústria fonográfica, provando aquilo que os punks entenderam muito bem: no rock, menos pode muito bem ser mais.

............................

FAIXAS

1. "Down on the Street" – 3:43

2. "Loose" – 3:34

3. "T.V. Eye" – 4:17

4. "Dirt" – 7:03

5. "1970" ("I Feel Alright") – 5:15

6. "Fun House" – 7:47

7. "L.A. Blues" – 4:57