O grupo Totó la Momposina y Sus Tambores é um processo constante de aprendizado e observação, interpretando o espírito da música e dos sons transmitidos pelo povo da Colômbia. La Bodega é o nono álbum desta cantora colombiana aclamada internacionalmente (Sonia Bazanta). Assim como a saborosa culinária da Colômbia, este álbum foi elaborado com paciência, cuidado, ingredientes de qualidade e tempo ao longo de três anos de produção, e foi lançado por sua própria gravadora, Astar. As chamadas bodegas na Colômbia eram grandes armazéns onde os comerciantes descarregavam suas mercadorias diretamente dos navios, e onde nasceram as primeiras bandas do Caribe colombiano. Ali, gaitas e millos indígenas se misturavam com os tambores, maracas, marímbulas e guacharacas de africanos escravizados, bem como com o violão espanhol (que na Colômbia evoluiu para o tiple e a bandola), o acordeão alemão e clarinetes, trompetes, eufônios e outros instrumentos de sopro da Europa. La Bodega , portanto, é uma obra na qual Totó resgatou os sons herdados de um legado popular tão rico. Ele viajou no tempo para mergulhar completamente nos lugares que testemunharam o nascimento da música popular colombiana.
Cumbia, zambapalo, merengue, abozao, chocó, porro palitiao e ritmos afro-colombianos ressoam ao longo das nove faixas deste álbum, exibindo as diversas expressões do vasto universo musical e cultural da Colômbia. La Bodega é um álbum que não perde nada de sua identidade e tradição, mas, como em quase toda a obra da cantora colombiana, explora as possibilidades e a amplitude da música tradicional. Uma nova adição ao álbum é a canção "Dueña de los Jardines", escrita pela própria Totó. As demais composições foram escritas por Abel Antonio Villa, Toño Fernández, Mañe Mendoza, Adriano Salas, Mario Gareña, Antonio María Peñaloza, Pablo Florez C. e Paulino Salgado. Mais uma vez, Totó La Momposina entrega um álbum completo e saboroso (como uma refeição requintada), tão grandioso quanto sua merecida reputação.
lista de faixas : 01. Manita Uribe (cumbia) 02. Margarita (zambapalo) 03. Sueño Español (merengue) 04. Yo Me Llamo Cumbia (cumbia) 05. Tembandumba (afro) 06. Fidelina (abozao) 07. Cosas Pa´Pensar (cumbia) 08. Dueña de los Jardines (sexteto palenquero) 09. Fiesta Vieja (porro palitiao)
"Cinema". É a estreia deles, embora já viessem aprimorando seu talento, e soa como um divisor de águas; um dos melhores álbuns daquele ano em todo o mundo. Começamos a semana com um daqueles discos menos conhecidos, mas altamente recomendados, porque se você está procurando uma viagem no tempo com Wi-Fi, a banda espanhola Regna entregou uma obra-prima absoluta com este álbum. Esses caras de Barcelona realmente elevaram o nível e criaram uma experiência sonora cinematográfica que não tem medo de um toque vintage; é um álbum que cheira a vinil recém-aberto e sintetizadores envolventes, enquanto simultaneamente bebe das fontes mais puras do rock progressivo sinfônico dos anos 70. Não é uma imitação barata, é uma homenagem com muita personalidade. Além disso, é um álbum com um som nítido e limpo e uma produção excelente. Talvez se este álbum tivesse sido lançado em 1974, seria um clássico indiscutível hoje ao lado de "Foxtrot", mas como isso permanece puramente hipotético, tudo o que podemos fazer é começar a semana apreciando esta grande obra que estamos analisando hoje. Altamente recomendado! Sinfônico, emotivo e de um requinte excepcional.
Artista: Regna Álbum: Cinema Ano: 2023 Gênero: Heavy Metal Progressivo Sinfônico Duração: 46:24 Referência: Discogs Nacionalidade: Espanha
É como fechar os olhos e se imaginar em um cinema antigo assistindo a um filme que ainda nem foi feito. Mas vamos à análise propriamente dita do álbum, para que você tenha uma boa ideia do que se trata...
Não tínhamos notícias do Regna desde 2015. Naquela época, a banda de Barcelona lançou um EP magnífico e verdadeiramente promissor, com uma certa tensão estilística entre o prog clássico e o contemporâneo. Agora, a mesma formação (e isso é uma grande conquista!) nos oferece seu primeiro álbum completo, "Cinema". São eles: Alejandro Domínguez e Xavier Martínez (guitarras), Arturo García (baixo), Miquel González (teclados), Eric Lavado (bateria) e Marc Illa (vocal principal). Oito anos se passaram, tempo suficiente para repensar sua abordagem e aprender coisas novas. Seu filme sonoro único começa com "Opening Credits", um instrumental de quase um minuto em um estilo de filme B que remete aos anos 70, como Jess Franco. Esqueçam as "plataformas". Vamos voltar ao cinema. Em seguida, vem "Return to..." (6:30), que eu encerraria com "os anos 70". É pura energia prog nórdica do final dos anos 90. Como aquelas bandas esquecidas como Black Bonzo, Kerrs Pink, Ageness, Galleon ou Manticore. Claro, esses grupos já tinham uma forte influência britânica dos anos 70, sem a melancolia típica daquela região. Sabe, um dia cinzento e chuvoso, mas aconchegante visto do pub. Exatamente o que "Spyglass" (8:16) sugere, com um trabalho de órgão louvável ao estilo de Hugh Banton e uma certa emoção à la Genesis que até lembra os tempos de "Trespass". A seção instrumental, com um solo de sintetizador memorável sobre uma base melotrônica e arpejos ao estilo de Anthony Phillips, é simplesmente irresistível. Não deve haver um fã de prog que se preze no planeta que não goste disso. "Tangent" (8:38) começa com uma introdução ao estilo Gentle Giant, completa com ritmos sincopados e guitarras plangentes. Marc Illa transmite emoção sem a necessidade de floreios operísticos ou timbres castratos. Imagine-os no som britânico dos anos 70 de bandas como Camel, Gnidrolog, Public Foot the Roman, England, ARC ou Van Der Graaf Generator. Outro belo interlúdio de Mellotron, "Dramatis Personae" (1:31), abre as portas para o tesouro sonoro que é "Accolade" (20:27). O som deste álbum é um deleite. A masterização de José Luis Cattaneo (engenheiro e mixador) e Pete Maher em Londres é um bônus adicional, um pacote luxuoso que não deve ser ignorado. Nesta macro-suíte, Regna se solta ainda mais, oferecendo uma aula magistral de prog clássico (que eu estenderia ao início dos anos 80) em termos de influências e atmosfera. Tudo está perfeitamente no lugar. Eles compõem com a organização estratégica de músicos experientes em Risk. E não perdem tempo com exibições hipertécnicas e circenses. Eles se concentram no tema, na composição e em sua harmonia, e na sensação que ela pode evocar no ouvinte. Eles fazem o difícil parecer natural. Isso se chama ser bom, ponto final. E "Cinema" é uma maravilha que recria o prog dos anos 70 com o respeito e a devoção que essa música sagrada exige.
E bem, não há nada melhor do que ouvir o que está sendo dito...
Este é o álbum perfeito para quem diz que não se faz mais música como antigamente. Toque este álbum para essa pessoa e diga para ela guardar o RG na carteira. É ideal para ouvir enquanto você toma um drinque relaxante e tenta decifrar todas as referências a bandas clássicas. E vamos encerrar este post com outra opinião que ecoa esse sentimento sobre o álbum...
Sinceramente, achei que eles tivessem desaparecido. Depois de me chamarem a atenção com o EP Meridian em 2015, não ouvi mais nada dessa banda de Barcelona até dezembro passado, quando soube que haviam lançado seu primeiro álbum completo. E a espera, embora involuntária, definitivamente valeu a pena; Cinema é um magnífico álbum de rock progressivo que mistura uma gama de influências — clássicas e contemporâneas — para, em última análise, revelar sua própria identidade distinta e bem definida. As influências já evidentes no EP mencionado — Riverside, Spock's Beard, Landberk e grande parte do prog britânico dos anos 70 — ainda estão presentes, mas há um claro avanço em termos de som e personalidade. O órgão Hammond que domina "Return To…", os tons acústicos na primeira metade de "Spyglass" e a interação harmônica em "Tangent" (os irmãos Shulman unindo forças com Andrew Latimer) se desdobram com doses iguais de lógica e emoção, guiando o álbum até os vinte minutos finais de "Accolade", um ponto alto em que toda a banda assume o protagonismo, tanto individual quanto coletivamente. Numa época em que um certo segmento do rock progressivo busca uma complexidade cada vez maior, entrelaçando suas ideias a limites excessivamente abstratos, o (re)surgimento de uma banda como Regna só pode ser recebido com júbilo. O sexteto — que manteve sua formação original — não esconde suas raízes clássicas nem seu virtuosismo, mas transmite ambos sem ostentação ou exibicionismo, com aquela naturalidade e confiança que sempre foram, em última análise, a marca registrada de todas as grandes bandas. E embora seja cedo para afirmar com certeza, essa grandeza é evidente em cada música do álbum. Teremos que ficar de olho neles em breve para vê-los ao vivo e conferir como eles dão vida a este esplêndido álbum em um show. O único inconveniente — se é que podemos chamar assim — é que foi lançado tarde demais para entrar nas listas de melhores de 2023; mas acredite, mesmo que apenas em retrospectiva, é lá que ele deveria estar.
Nada menos que do Pink Floyd, um disco verdadeiramente controverso, já que discutir "The Division Bell" (1994) significa mergulhar na era David Gilmour no comando. Após o denso "The Final Cut" e um longo hiato desde "A Momentary Lapse of Reason", este álbum soa como abrir uma janela para deixar entrar ar fresco, com seu conceito girando em torno da falta de comunicação (ironicamente, algo que eles tinham de sobra naquela época, quando Gilmour e Waters não se suportavam). Mas este álbum também representa uma justiça poética para Rick Wright, que foi reintegrado como membro efetivo da banda. Seus teclados mais uma vez fornecem a base para todo o som, e fica claro que, sem Rick, o Pink Floyd é apenas uma banda de rock, mas com ele, é uma viagem espacial, resultando em um álbum que soa muito mais como um trabalho de banda, com um som mais orgânico, caloroso e atmosférico.
Artista: Pink Floyd Álbum: The Division Bell Ano: 1994 Gênero: Rock Progressivo Duração: 66:24 Referência: Discogs Nacionalidade: Inglaterra
Lançado em 1994, The Division Bell é o décimo quarto álbum de estúdio do Pink Floyd e o segundo sem Roger Waters. Ao contrário de seu antecessor, este álbum foi um trabalho muito mais colaborativo, com contribuições significativas do tecladista Richard Wright. Só para garantir, vou copiar um comentário sobre o álbum...
32 anos de 'The Division Bell', o último grande suspiro do Pink Floyd com Richard Wright. Após um longo hiato desde "A Momentary Lapse of Reason", Gilmour e Wright retornaram para uma última grande obra. Em 28 de março de 1994, o mundo do rock parou para ouvir o décimo quarto capítulo da história do Pink Floyd. Após a recepção morna de "A Momentary Lapse of Reason", David Gilmour decidiu que era hora de retornar às suas raízes: a improvisação conjunta. O resultado foi "The Division Bell", um álbum que não apenas explorou a falta de comunicação humana, mas também serviu como o testamento musical do lendário tecladista Richard Wright. O retorno da harmonia e as letras de Polly Samson. O que torna este LP especial é a recuperação do espírito da banda. Foi o primeiro trabalho desde o icônico "The Dark Side of the Moon" em que Wright voltou a assumir um papel de liderança, não apenas nas texturas de sintetizador, mas também como vocalista principal. No entanto, a maior surpresa veio de Polly Samson. A então noiva de Gilmour e aclamada romancista trouxe uma sensibilidade lírica que ajudou David a canalizar os conceitos de isolamento e diálogo que permeiam o álbum. De Astoria às paradas de sucesso, a produção foi uma demonstração de engenharia e paisagens sonoras. Dos estúdios Britannia Row à mística Astoria (a casa flutuante de Gilmour convertida em estúdio), o álbum contou com a magia de velhos conhecidos como o produtor Bob Ezrin, o engenheiro Andy Jackson, o inconfundível saxofone de Dick Parry e o baixo sólido de Guy Pratt. Embora a crítica da época tenha sido mista (muitos ainda sentiam falta do cinismo de Waters), o público deu um veredicto diferente. O álbum estreou no Top 10 em dezenas de países, alcançando o primeiro lugar nos EUA e no Reino Unido, onde conquistou o status de platina dupla no mesmo ano de seu lançamento e platina tripla no final da década de 1990. O fechamento de uma porta e um legado eterno : 'The Division Bell' marcou um hiato de duas décadas para o Pink Floyd. Seria o último álbum de estúdio com a formação completa de Gilmour-Mason-Wright antes da morte de Richard em 2008. Quando a banda retornou em 2014 com The Endless River, eles usaram gravações deste mesmo álbum como uma homenagem póstuma a Wright, confirmando que a magia daquelas gravações de 1994 era inesgotável.
E, só para garantir, aqui está o vídeo do álbum completo...
O som de "The Division Bell" representa um retorno ao rock progressivo e ambiente dos anos 70, mas com uma produção moderna e refinada. O álbum possui um tom predominantemente melancólico e reflexivo. A interação entre a guitarra de Gilmour e os teclados de Wright é o cerne do som do disco, remetendo à química entre os membros do Pink Floyd em álbuns como "Wish You Were Here".
As críticas foram muito mais favoráveis do que as do seu antecessor. Foi elogiado pela sua coesão, maturidade e som mais orgânico. Foi visto como uma vindicação do Pink Floyd liderado por Gilmour . Durante 20 anos, "The Division Bell" foi considerado o canto do cisne da banda, um fim apropriado e melancólico para uma das carreiras mais extraordinárias da música. "The Division Bell" é um álbum nítido, belo e profundamente melódico. É o álbum perfeito para testar aquelas caixas de som caras que você acabou de comprar. Não é "Dark Side of the Moon", mas é o abraço reconfortante de que precisávamos nos anos 90...
E não acho que seja preciso acrescentar muito mais, não é?
Lista de faixas: 1. Cluster One (5:58) 2. What Do You Want from Me (4:21) 3. Poles Apart (7:04) 4. Marooned (5:28) 5. A Great Day for Freedom (4:18) 6. Wearing the Inside Out (6:48) 7. Take It Back (6:12) 8. Coming Back to Life (6:19) 9. Keep Talking (6:11) 10. Lost for Words (5:14) 11. High Hopes (8:31)
Formação: - David Gilmour / guitarras elétrica e acústica, e-bow (7), teclados, baixo, vocal principal, talk box, programação, co-produtor - Richard Wright / teclados, piano, vocais (6) - Nick Mason / bateria, percussão Com: - Tim Renwick / guitarras - Jon Carin / teclados, programação, vocais - Bob Ezrin / teclados, percussão, co-produtor - Dick Parry / saxofone tenor (6) - Guy Pratt / baixo, vocais - Gary Wallis / percussão acústica e eletrônica - Sam Brown / vocais de apoio - Carol Kanyon / vocais de apoio - Rebecca Leigh-White / vocais de apoio - Durga McBroom / vocais de apoio - Jackie Sheridan / vocais de apoio - Stephen Hawkins / voz sintetizada (9) - Michael Kamen / arranjos orquestrais - Edward Shearmur / orquestrações
Outra excelente opção israelense — muito teatral, original e alegre — é um surpreendente álbum de estreia de uma banda com vocais proeminentes (masculinos e femininos), piano, teclados e uma seção rítmica formidável, tudo sem guitarras. Uma crítica deste álbum diz que é como se Dave Stewart, Barbara Gaskin e Bill Bruford tivessem viajado para o céu para formar um novo supergrupo com Keith Emerson e Pekka Pohjola. Pianos de cauda, vocais teatrais, arranjos interessantes para uma música muito ousada — uma mistura de Gentle Giant, ELP, Genesis, National Health, Steely Dan, Phideaux e música circense... Quer se surpreender? Acha que já ouviu de tudo? Aqui está uma nova maneira de fazer rock progressivo! Chama-se Anakdota e vem de Israel. Apresentamos a vocês a resenha deste álbum altamente recomendado.
O primeiro (e único, pelo menos por enquanto) álbum desta banda israelense é uma jornada repleta de cores e emoções, uma música que mescla melodias incríveis com estruturas complexas, resultando em um som brilhante. Alguns elementos remetem a clássicos como Gentle Giant e Genesis , mas com uma abordagem fresca e moderna — fácil de ouvir, porém complexa. Vocais masculinos e femininos e uma instrumentação impressionante dão vida a canções novas, empolgantes e modernas, repletas de melodia e humor, onde emoção e conceito se fundem com solos incríveis. Perfeito para amantes do rock progressivo clássico, mas também para aqueles que estão descobrindo o gênero. A formação instrumental única da banda, utilizando apenas piano, baixo e bateria, inevitavelmente evoca comparações com Emerson, Lake & Palmer , mas com harmonias vocais, contraponto e polifonia que lembram Gentle Giant , e uma atmosfera teatral, porém acessível.
Na escola de rock, estamos discutindo sobre Israel, num verdadeiro show de fogos de artifício de ideias musicais estranhas, o suficiente para encerrar mais uma semana no blog...
Mas é melhor eu me calar e deixar vocês ouvirem a banda...
Fundado em 2013, este grupo israelense traz uma lufada de ar fresco ao mundo do rock progressivo. Seu estilo, que lembra Gentle Giant , Genesis , ELP e Steely Dan , é habilmente misturado com um toque de jazz-rock e uma pitada de música cômica. "Overloading" é um álbum que anuncia um futuro muito promissor para o grupo. Aparentemente, a banda evoluiu de um fascinante projeto vocal israelense chamado Quinta.5 , que apresentamos no vídeo a seguir. Portanto, desde o início, sabemos que certamente haverá vocais fortes, uma mudança bem-vinda, já que os vocais costumam ser o ponto fraco na cena do rock progressivo.
Mas atenção, a parte instrumental é brilhante, já que este grupo também deriva de outro grande grupo chamado Project RnL , músicos magníficos que fazem parte da mesma cena, transitando entre vários grupos... aqui apresentamos este último ao público:
"Overloading" é o álbum de estreia da banda, cujo nome vem da palavra hebraica "Anekdota", que significa "Anekdoten"... não, não... significa "Anedota". A banda adicionou seu toque cômico ao nome, transformando-o em Anakdota . Eles fazem música muito original. Se observarmos a formação, duas coisas chamarão nossa atenção: primeiro, não há guitarrista na formação (há um solo em uma faixa onde se pode ouvir um músico convidado tocando guitarra), o que poderia nos levar a pensar que seu som lembra a banda italiana Syndone, que também é voltada para teclados e não tem guitarrista, mas a verdade é que são completamente diferentes. A segunda coisa a notar é que a banda tem vocalistas masculinos e femininos, e embora os vocais frequentemente ocupem o centro do palco, o pianista/tecladista é, na verdade, a força motriz por trás do Anakdota . O responsável pela música, letras e arranjos é Erez Aviram, e seu talento instrumental transparece, então preste atenção neste nome.
O álbum abre com a música "One More Day", e as influências do jazz são imediatamente perceptíveis, assim como o papel de destaque do piano na música do Anakdota . Esses elementos jazzísticos se misturam com harmonias vocais melódicas e solos de sintetizador agradáveis, criando uma ótima faixa que já revela a qualidade musical da banda — uma canção que lembra Gentle Giant fundido com Steely Dan e com um toque de jazz. A música seguinte, "Different Views", irá convencê-lo disso: com estruturas complexas e performances brilhantes do baterista e tecladista, sem mencionar o baixista sempre presente. "Different Views" é uma obra-prima musical e o primeiro destaque deste álbum notável. A faixa "Late" demonstra não apenas a qualidade musical, mas também o humor da banda nas letras, melodias vocais e escolhas musicais peculiares. "Late" lembra mais o estilo do Gentle Giant , mas com um toque de Glass Hammer e um pouco de ELP ; rítmico e muito agradável de ouvir.
"Mourning" é uma faixa especial e uma das minhas favoritas, onde a doçura do piano inicial dá lugar à primeira aparição da voz feminina, criando uma bela balada com vocais encantadores acompanhados por delicados toques atmosféricos de piano e baixo, tudo executado com extrema sensibilidade. É também o primeiro e bem-vindo respiro do álbum, apresentando melodias vocais que lembram os vocais de Barbara Gaskins nos primeiros álbuns do Hatfield and the North e do National Health . Em seguida, a faixa-título leva as coisas um passo adiante com a magia do piano e dos vocais masculinos. Aqui, já se pode perceber que a força da música do Anakdota reside na maneira como estruturas instrumentais complexas são combinadas com belas melodias vocais e letras divertidas, tornando-a fácil de ouvir porque o resultado final não soa excessivamente complexo ou pesado, mas sim leve, fresco e moderno. A alternância entre vocais masculinos e femininos também confere ao álbum a diversidade necessária. Então, na próxima música, "Staying Up Late", começa com boas linhas de baixo às quais se adicionam o piano e a voz feminina, desta vez com mais variações em uma canção que poderia ser de Phideaux , e é definitivamente também uma das minhas favoritas, uma mistura sentimental, complexa, doce, mutável, onde a bela voz de Ayala Fossfeld brilha como nenhuma outra e onde, a partir do meio da música, uma importante seção jazzística se abre em uma complexidade infinita, mas sempre a serviço da melodia e do bom gosto.
Enquanto isso, "Girl Next Door" começa com um piano que evoca muito da magia de Emerson, mas é acompanhado por uma voz masculina divertida que alivia o clima em uma faixa incrível, rítmica e com toques de jazz, embora talvez um pouco repetitiva desta vez. A banda diminui o ritmo e tudo desacelera um pouco com a chegada da faixa final, "End Of The Show". Delicadas harmonias vocais femininas e masculinas mais uma vez remetem ao grande Gentle Giant , começando com uma introdução vocal feminina lenta e bela que inclui alguns versos da balada anterior, "Mourning", antes da entrada da voz masculina. "End Of The Show" encerra o álbum com os dois cantores se apresentando juntos ou alternadamente, algo que eles deveriam explorar mais — estou me referindo aos duetos — porque é realmente um prazer ouvir suas vozes. Outra das minhas favoritas! E uma excelente maneira de encerrar este álbum maravilhoso.
Essa mistura especial de estruturas musicais complexas e melodias vocais arrebatadoras, essa magia do piano, essas estruturas intrincadas usadas para transmitir humor, sensibilidade e emoção, suas letras divertidas — tudo isso confere ao álbum uma diversidade que às vezes pode soar um pouco desconexa, mas é sempre muito agradável e divertida. É frequentemente responsável pelo respiro necessário na música do Anakdota , que de outra forma poderia se tornar opressiva. O álbum soa fantástico, com uma clareza cristalina; os vocais são maravilhosos, a performance, soberba. O que mais se poderia esperar de um álbum de estreia? O Anakdota impressiona com seu talento musical e sua abordagem original e moderna. Altamente recomendado!
E agora, quando digo que você deve prestar atenção em bandas vindas de um determinado país, acredite em mim. Esta é apenas uma das muitas novas ofertas musicais de Israel, mas não é a única. Você pode ouvir este ótimo álbum na página deles no Bancamp e também pode comprá-lo lá, se desejar.
Lista de faixas: 1. One More Day 2. Different Views 3. Late 4. Mourning 5. Overloading 6. Staying Up Late 7. Girl Next Door 8. End of the Show
Formação: - Ray Livnat / vocais - Ayala Fossfeld / vocais - Erez Aviram / piano e teclados - Guy Bernfield / baixo - Yogev Gabay / bateria Participação especial: Yoel Genin / guitarra em Mourning
Como todas as verdadeiras estrelas do rock que surgiram nos anos 60, Alice Cooper é um mestre consumado na manipulação da imagem. Ele constantemente se certifica de que novas configurações nasçam em sua persona de palco, estudadamente extravagante, e na força espiritual de seu som, com o objetivo de submeter a si mesmo e ao seu público a uma corrida desenfreada de mudanças, mantendo todos em alerta visceral. Se o mito tem muito a ver com Alice Cooper, o homem por trás do personagem, é altamente discutível, mas mesmo que seja em grande parte ficção, isso não importa muito. Alice não é muito mais um mestre da reinvenção de si mesmo e um técnico de formas e poses do que Bob Dylan sempre foi. E se você acha essa comparação absurda, basta ouvir "Be My Lover" ou "Desperado" neste álbum.
Killer (Warner Bros. 2567) é, sem dúvida, o melhor álbum de Alice Cooper até hoje e um dos melhores discos de rock and roll lançados em 1971. Ele reúne todos os elementos da abordagem da banda em relação ao som e à textura, atingindo um ápice totalmente integrado que cumpre todas as promessas de seus dois primeiros álbuns erráticos, e supera a incursão de Love It To Death em riffs "assustadores" e bregas de filmes dos anos 30 pelo puro impacto sustentado de sua energia primal de rock and roll . E é necessário enfatizar essas três palavras, marteladas na terra, porque sempre houve alguma dúvida sobre as prioridades em relação a essa banda, ou seja, se eles queriam mais fazer um som pesado e descontrolado ou propagar uma espécie de espetáculo paralelo concentrado, cujo contexto e importância essenciais eram extramusicais.
Vocês se lembram desses caras, que chocavam tanto os conservadores quanto os hippies usando maquiagem e jogando galinhas para a mercê dos setores mais agressivos da plateia? Bem, acho que a reação a isso assustou até eles (Alice Cooper), e outro dia vi uma banda ótima e com um som bem mainstream do norte da Califórnia chamada The Wackers fazer uma versão perfeita de "She Loves You", dos Beatles, com tanto blush e sombra azul quanto Alice e os rapazes já usaram. Fica cada vez mais difícil ser vanguardista e ousado o tempo todo, com todo mundo tão cínico, e eu até ouvi dizer que o próximo termo da moda que vai sair dos antros de perdição do Max's e virar notícia é "chauvinismo gay", então o que diabos você vai fazer além de pegar um riff que nem era novo quando Gilles de Rais o criou há quatro ou cinco séculos e começar a estripar virgens e bebês no palco?
Cantar sobre bebês mortos, é isso. O material de Alice, ao contrário de suas performances no palco, nunca foi tão sensacionalista no passado, mas à medida que o impacto do show ao vivo diminuiu com o passar do tempo, ele começou a pensar em injetar ou impregnar as músicas com mais estranhezas, fetiches, decadência e degeneração na forma de arquétipos derivados da TV, dos quadrinhos pré-Wertham e das páginas de livros didáticos de bolso sobre desvios, escritos por doutores duvidosos e vendidos por dois ou três dólares em lojas de bebidas em todos os subúrbios.
Você pode levar tudo isso a sério se quiser, mas não foi à toa que Alice disse a entrevistadores de um jornal underground do Texas que uma das coisas que mais o excitava era se masturbar. Não que haja algo de errado em se masturbar; músicos de rock, público e críticos fazem isso consigo mesmos e uns com os outros há anos. Alice Cooper não é nem de longe tão depravado, felizmente ou não, quanto ele gostaria que você pensasse, mas ele elevou a manipulação de fantasias e atitudes por Hollywood a novos e brilhantes níveis de cinismo alegre. Alguns consideram isso uma exploração desprezível e niilista, e até o acusam de ter um interesse pessoal no status quo e na natureza depravada da vida americana porque seu absurdo o excita, mas eu acho que ele é uma das estrelas mais francas que já conhecemos, e o fato de ele usar o que estava implícito no apelo das estrelas do rock desde que os Beatles começaram a exibir seus cabelos impecáveis só pode ser saudável para todos os envolvidos.
E em outro nível, ele está falando de si mesmo em todas essas músicas, e mais neste álbum do que nunca, porque este álbum lida, de forma gráfica e surrealista, com os sentimentos de Al e seus companheiros sobre sua ascensão repentina de uma banda obscura e excêntrica ao glamour e à irrealidade do estrelato. Algo como James Taylor em Mud Slide Slim, só que, apesar de cantarem sobre raiva, agressão e morte, esses caras não sentem nenhuma angústia perceptível, acredite (o que pode ser uma forma letal de arrogância). Enquanto a música anterior, "Caught in a Dream", os mostrava "tentando pegar uma carona em um Cadillac", a primeira coisa que Alice faz aqui é declarar que tem o mundo inteiro "Sob Minhas Rodas".
Assim como todo o material do álbum, "Under My Wheels" é rock and roll puro e intenso. Embora não seja tão errático ou dissonante quanto muitas outras músicas de Alice Cooper, possui uma intensidade direta e objetiva que lembra os melhores singles dos Rolling Stones, e ainda por cima é uma canção sobre dirigir, então é inconcebível por que não se tornou um sucesso. Ela até utiliza os riffs de saxofone atualmente em voga, inspirados em Delaney & Bonnie Stax ou Muscle Shoals.
Se “Under My Wheels” é um clássico dos Stones traduzido para a obsessão de Alice Cooper por máquinas e tecnologia, “Be My Lover” combina letras ao estilo dos Stones, abordando uma situação sexual, com um riff de guitarra fundamental que remete diretamente a “Sweet Jane”, de Lou Reed. Este pode ser o melhor vocal que Alice já gravou, e as palavras de Mike Bruce refletem perfeitamente a arrogância e a presunção do astro em ascensão: “E com um olhar de lupa, eu a examino de cima a baixo/Tomamos um ou dois drinques, talvez três/E então ela começa a me contar a história da sua vida.”
Mais tarde, há um ótimo momento que lembra, de forma hilária, seja intencionalmente uma paródia ou não, "Honky Tonk Women": "Eu disse a ela que eu era de Detroit/E tocava guitarra em uma banda de rock and roll de cabeludos", e aqui a guitarra de Glenn Buxton decola em um voo espetacular, com o volume reduzido para que você não a ouça de primeira: "Ela me perguntou por que o nome da cantora era Alice/E eu disse: 'Escuta, querida, você realmente não entenderia'". O nome e o carisma autoconsciente reaparecem mais tarde, quando ele solta um "Aqui é Alice falando!", e mesmo que você nunca tenha vivenciado o pandemônio de um show ao vivo, sabe que esse homem é um herói para incontáveis batalhões de jovens americanos, e ele também sabe disso. E cada música deste álbum o encontra em um papel diferente no filme infinito que ele projeta para eles.
Uma das facetas mais estranhas de seu heroísmo se encontra em “Halo of Flies”. A canção começa com uma pulsação hipnotizante de sintetizador Moog e uma série de solos de guitarra sinuosos que me lembram trilhas sonoras de filmes, algo entre temas de James Bond e filmes antigos sobre as intrigas da aristocracia nas cortes da Europa renascentista. O primeiro verso da música é “Eu tenho as respostas para todas as suas perguntas”, e segue por uma sequência humorística onde a letra “adagas, lentes de contato e limusines brilhantes… camisolas reluzentes, cobras venenosas” é musicada com a melodia de “My Favorite Things”, de Rodgers & Hammerstein, até um interlúdio com sonoridade espanhola onde Alice talvez esteja parodiando Rod Stewart: “E que dama do meio asiático/Ela realmente não me surpreendeu/Mas mesmo assim eu a destruí”, mas o verso seguinte é “ E eu vou esmagar o halo de moscas ” .
Alice cria colagens absurdas e extravagantes de empréstimos idiomáticos combinados com um senso de morbidez tipicamente adolescente. A música termina em uma explosão de gritos de guitarra e sintetizador Moog, e é quase um alívio descer de suas complexidades rococós para "Desperado", que nada mais é do que um faroeste hollywoodiano transformado em uma canção de rock and roll, como Love fez com "Singing Cowboy", só que aqui Alice soa um pouco como Jim Morrison, o que é extremamente apropriado para versos como "Eu sou um assassino e sou um palhaço". E algumas das melhores estrofes da música recente aparecem nesta canção, enquanto violinos efulgentes à la Dmitri Tiompkin fluem sobre os ritmos como um pôr do sol: "Você é tão rígido quanto meu barril fumegante/Você é tão morto quanto a noite no deserto/Você é um entalhe e eu sou uma lenda/Você está em paz e eu preciso me esconder".
“You Drive Me Nervous” é uma ótima adição à ilustre lista de canções de rock and roll e músicas de Alice Cooper sobre frustração e ansiedade, com alguns dos solos de guitarra dupla mais intensos do álbum e letras que, a princípio, parecem ser uma extensão do riff adolescente de “Eighteen” em um grito direcionado aos pais, mas que eventualmente se revelam como uma mensagem para um(a) amante confuso(a) e sem rumo: “Você foge para o interior/É preso(a)/Seus pais aparecem e dizem: ' Querido(a), nós não estamos à venda! '” O último verso é dito com uma voz grave e caricata, exatamente como Eddie Cochran em “Summertime Blues”: “Eu gostaria de te ajudar, filho, mas você é muito jovem para votar”.
Alice sabe de onde ele vem (mesmo que pareça vir de todos os lugares), e quase como se estivessem percorrendo conscientemente a história do rock and roll, a próxima música se chama “Yeah Yeah Yeah” e, apesar de mais uma atitude arrogante à la Rolling Stones (“Você pode ser meu escravo e eu serei o estranho”), sua segunda metade se desenrola com riffs de gaita e influências de Springfield e Moby Grape, que remetem ao folk-rock em sua melhor forma. Seguido, é claro, pela psicodelia da época do Chocolate Watch Band, um toque de Ray Davies no vocal e em certas palavras, e uma sensação generalizada de perversidade em “Dead Babies”. O verso principal é “Bebês mortos sabem se cuidar”; eu mesmo acho essa música um pouco repulsiva, mas talvez essa seja exatamente a intenção. Embora, se Alice Cooper acha que a ideia de bebês mortos é de alguma forma fofa, então ele… ele… ele conseguiu, eu acho, apesar de existirem todos os tipos de motivos e maneiras de ofender as pessoas, alguns menos justificados que outros. Em todo caso, o arranjo da música é incrível, um som quase cinematográfico, com um belo uso de trompas à la “Penny Lane”. Depois disso, a única maneira de finalizar o álbum e o aparente ciclo rock do lado B é com mais influências de Morrison e um trabalho de órgão quase à la Procol Harum na faixa-título, que parece ter mais em comum, em termos de textura, com o material do lado B de Love It To Death do que com a maior parte de Killer.
Alice Cooper percorreu um longo caminho e usou muitos artifícios e poses para chegar a este álbum impressionante, mas tudo valeu a pena e, neste momento, mal posso esperar pelo próximo. " Love It To Death" ainda estava no Top 100 pouco antes do lançamento deste álbum, e com a ajuda de outro single de sucesso, "Killer", ele deve se tornar ainda mais grandioso, pois se destaca em todos os aspectos de concepção, instrumentação e precisão vocal. Uma coisa é certa: esta é uma banda forte, uma banda vital, e eles estarão por aí por muito, muito tempo.
