"Provavelmente o mais importante álbum de rock dos últimos 10 anos.”
Jornal The Guardian, em 2007
O The Strokes na verdade não tem nada de muito especial. É uma bandinha bem comunzinha pra ser bem sincero. Eles não fizeram nada demais. Não botaram um ovo em pé, não inventaram o fogo, nem inventaram a roda. No entanto se eles tem algum mérito na história da humanidade foi o de nos trazer de volta o bom e velho rock’n roll. Foi o de dar um sopro de esperança a quem já estava puxando os cabelos com eletrônicos repetitivos, pops sem qualidade, pseudo-punks, emos, rockzinho juvenil e outras coisas que predominavam na cena pop naquele momento. E então com a fórmula mais simples possível: guitarra-baixo-bateria, vocal dosando entre a sensualidade, o relaxamanto e a agressividade, com um som bem cru, bem puro e soando como as antigas bandas de garagem, os caras fizeram um dos discos mais legais, gostosos e significativos dos últimos tempos. “Is This It”, de 2001 é por definição um disco de rock. Rock básico, rock cheio de vitalidade, cheio de influências de punk rock, de Television, de Velvet, de Stooges e por incrível que possa parecer, dentro da sua simplicidade, também altamente influenciador no cenário alternativo a partir do seu lançamento. Destaques, é claro, para a faixa-título e de abertura, a graciosa “Is This It”para a embalada "Barely Legal"; para os clássicos imediatos “Someday” e “Last Nite”; para a ótima “Hard to Explain”, para a polêmica “New York City Cops”, um punk-rock bem pegado; e para a belíssima e melódica “Trying Your Luck”. Discaço! Era o rock de volta. Mas… bom…na verdade ele nunca foi embora. ****************************** FAIXAS:
1. "Is This It" - 2:35 2. "The Modern Age" - 3:32 3. "Soma" - 2:38 4. "Barely Legal" - 3:58 5. "Someday" - 3:07 6. "Alone, Together" - 3:12 7. "Last Nite" - 3:18 8. "Hard to Explain" - 3:48 9. "New York City Cops" - 3:36 10. "Trying Your Luck" - 3:28 11. "Take It or Leave It" - 3:16
“Mas vivemos do que fizemos, o que lembramos, pra onde vamos? As respostas estão em algum lugar.” Há músicas que já começam dizendo exatamente aquilo que precisávamos ouvir. Por isso escolhemos abrir este texto com um verso de As Respostas, uma das três faixas que compõem Esperança, o novo single triplo da Stereotrilhos.
Porque poucas vezes encontramos um lançamento tão sincero, tão honesto e, ao mesmo tempo, tão necessário quanto este. Em um momento histórico em que vivemos cercados por excesso de informação, ansiedade e cobranças, a banda entrega três canções que não procuram oferecer soluções prontas. Elas fazem algo muito mais importante: nos convidam a parar, respirar e olhar para dentro.
A Stereotrilhos já demonstrava, desde Uma Forma de Sonhar, que sabia transformar sentimentos em música. Agora, porém, parece encontrar uma identidade ainda mais madura. O novo trabalho nasce como um verdadeiro encerramento de ciclo e, ao mesmo tempo, como o início de uma nova fase. As três faixas — As Respostas, Esperança e Repetindo Padrões — foram retomadas depois de anos de espera e carregam consigo não apenas novas interpretações, mas também o peso do tempo vivido.
O projeto ganha ainda mais força pela participação criativa de Reginaldo Lincoln, vocalista e violonista da Vanguart, cuja sensibilidade ajudou na pré-produção do material, enquanto a produção musical ficou nas mãos de Thiago Bianchi, no Estúdio Fusão, em Cotia. O resultado é um trabalho que soa extremamente coeso, equilibrando guitarras intensas, vocais melódicos e uma bateria cheia de dinâmica, dialogando com referências como Foo Fighters, Further Seems Forever e The Strokes sem perder uma personalidade própria.
Existe uma beleza enorme na decisão da banda de lançar essas músicas agora. Em 2019, quando ainda era formada por cinco integrantes, elas começaram a ganhar vida em estúdio. A pandemia mudou completamente o caminho do grupo, que passou a trabalhar remotamente e lançou o álbum Uma Forma de Sonhar. Agora, consolidada como um duo formado por Juliano Arruda e Gabriel Freitas, a Stereotrilhos volta a essas composições para finalmente fechar um capítulo importante da sua história e abrir espaço para tudo o que ainda está por vir.
Talvez seja justamente essa passagem do tempo que faça Esperança soar tão verdadeira. Não existe qualquer sensação de urgência artificial. Cada música parece ter esperado exatamente o momento certo para existir.
As três faixas conversam entre si como capítulos de uma mesma história. As Respostas fala sobre aprender a conviver com o diferente e crescer a partir disso. Esperança encara de frente os impactos da saúde mental em um mundo cada vez mais acelerado, enquanto Repetindo Padrões fecha essa narrativa mostrando que só conseguimos transformar nossas cicatrizes em aprendizado quando deixamos de fugir delas.
E talvez seja justamente aí que mora a maior força desse lançamento.
Durante muito tempo fomos ensinados a acreditar que sentir era sinal de fraqueza. Que existia uma obrigação permanente de parecer forte. Mas a música da Stereotrilhos vai na direção oposta. Ela nos lembra que não somos máquinas. Somos pessoas. Temos medo, dúvidas, ansiedade, saudade e esperança. E reconhecer tudo isso talvez seja o primeiro passo para continuar caminhando.
Na Divergent Beats, acreditamos profundamente em artistas que conseguem transformar sentimentos difíceis em arte. E a Stereotrilhos faz isso de uma maneira extremamente elegante. Não existe dramatização exagerada, nem romantização do sofrimento. Existe honestidade. Existe humanidade.
O conceito visual acompanha perfeitamente essa proposta. As capas minimalistas, marcadas pelo concreto urbano contrastando com céus em tons de rosa e violeta, traduzem exatamente aquilo que ouvimos nas músicas: uma busca por luz em meio ao peso da cidade e da vida contemporânea.
Também nos chamou atenção a forma como Juliano descreve esse lançamento como uma janela finalmente reaberta, enquanto Gabriel resume tudo dizendo que Esperança é sobre continuar quando desistir parece a decisão mais fácil. É impossível não se identificar com essa ideia. Todos nós, em algum momento, já pensamos em abandonar alguma parte importante da nossa vida. Permanecer também é um ato de coragem.
Musicalmente, o trio de canções funciona como uma experiência única. Você termina uma faixa e imediatamente precisa ouvir a próxima. Não porque exista uma obrigação narrativa, mas porque elas parecem respirar juntas, como se fossem partes inseparáveis de um mesmo organismo.
Ao final da audição, voltamos naturalmente ao verso que abre este texto: “As respostas estão em algum lugar.” Talvez estejam mesmo. Talvez não existam respostas definitivas. Talvez a beleza esteja justamente na caminhada, nas perguntas e nas pessoas que encontramos durante o percurso.
O que sabemos é que a Stereotrilhos entrega um dos trabalhos mais humanos que ouvimos este ano. Um lançamento que não tenta impressionar pelo excesso, mas pela verdade. E isso, hoje, vale muito mais do que qualquer fórmula.
A gravadora Cog Sinister foi responsável por uma enorme quantidade de produtos do The Fall ao longo das décadas. Fundada por Mark E. Smith em 1987, a gravadora foi dissolvida alguns anos depois e o nome foi posteriormente adotado pelo grupo Voiceprint em 1997 com o objetivo de relançar diversos itens do The Fall e compartilhar gravações piratas oficiais. Essas gravações variam do terrível ('Live 1977') ao mediano (o desequilibrado 'Band On The Wall, 1982'), até o absolutamente essencial (shows gravados no Cedar Ballroom, em Birmingham, em 1980 e no Derby Assembly Rooms, em 1994).
'Post Script', uma coletânea de gravações creditadas ao The Fall e lançada pela Cog Sinister em 2026, foi inicialmente apresentada como sendo as últimas sessões de estúdio. Na verdade, essa afirmação era enganosa. Trata-se de uma seleção heterogênea de vocais não utilizados/descartados de Mark E. Smith, datados entre 2001 e 2014, juntamente com faixas de apoio recém-gravadas pelo ex-empresário Ed Blaney (guitarra, vocais, produção) e pelo ex-baixista do The Fall, Mark “Ding” Archer (baixo, guitarra, teclados, produção). A música, que nem sempre se assemelha ao som autêntico do The Fall, pode ser facilmente interpretada como uma tentativa de Blaney e Archer de se apropriarem de algo que consideram uma vitória fácil, já que qualquer coisa com o nome The Fall automaticamente gera interesse entre os fãs. A companheira de Smith critica duramente este lançamento, com razão, visto que não autorizou sua publicação.
'Post Script' é uma criação Frankenstein um tanto questionável, que soa como músicos tentando algo no estilo do The Fall, mas nem sempre capturando – ou mesmo entendendo – o espírito certo. Se você conseguir superar a natureza ambígua de sua concepção, as nove faixas ocasionalmente apresentam boas melodias, mas, considerando como foram criadas, os arranjos soam um tanto clínicos em comparação direta com o som brilhantemente orgânico da banda Imperial Wax que acompanhou Smith na última década de gravações do The Fall. É um disco que só pode ser realmente julgado por seus próprios méritos. É um álbum do The Fall apenas no nome.
Então, deixando de lado o controverso processo criativo, o que dizer do material? A faixa de abertura, "30 Degrees", surpreende com uma melodia marcante. Teclados envolventes encontram um espaço dominante na mixagem final, influenciados por peculiaridades da new wave e pelo universo do krautrock. Adicionando uma camada de contraste extremo, uma guitarra limpa surge com melodias descendentes, soando bem diferente de qualquer arranjo "típico" do The Fall. Há momentos em que essa melodia quase onírica dá lugar a um riff mais impactante, como se pertencesse a uma faixa completamente diferente. A tensão entre essas duas ideias traz um certo interesse, enquanto um sample de Smith rosna e arrasta as palavras inaudíveis, beirando o obscuro; estabelecendo o tom para o que está por vir, esta é mais uma narrativa divagante do que uma canção convencional. É evidente que o vocal foi gravado bem antes de algumas das outras faixas aqui presentes. MES soa mais jovem e saudável do que na maioria das gravações lançadas entre 'Ersatz GB' em 2011 e 'New Facts Emerge' em 2017, o que é um tanto chocante para quem espera encontrar resquícios do 'final do The Fall', e levanta questões sobre exatamente em que momento da cronologia do The Fall sua voz foi gravada. Mesmo assim, é uma maneira interessante de começar; embora não seja o The Fall clássico, é uma audição mais agradável do que algumas das faixas mais profundas dos álbuns posteriores da banda original.
Vale a pena ouvir também, principalmente porque Smith está com a voz perfeita para uma narrativa falada. "Colonel's Retreat" oferece um groove de baixo pós-punk soberbo e sons de guitarra intermitentemente abrasivos durante os momentos mais lentos. MES transporta seus fãs para um mundo onde Croydon e outros lugares vêm à sua mente e (aparentemente sem relação), alguém "não apreciou o erro ou a experiência", tudo isso enquanto rosna como um duende que fumou sem parar. Apesar de alguns vocais de Smith terem sido usados como colagens repetidas em vez de serem apresentados como gravações naturais – algo particularmente notável no "refrão", onde a frase "let's get working" é proferida exatamente no mesmo tom e métrica todas as vezes – a música tem seus méritos, se não como uma canção do The Fall, pelo menos como um projeto musical próprio. Mesmo quando o arranjo muda brevemente para um ritmo mais acelerado, há uma energia louvável. Enquanto isso, 'A Caveat' apresenta uma das gravações vocais mais nítidas – novamente, soando como algo de 2002/2003 – sobre uma batida de bateria militarista e linhas de guitarra esparsas, criando uma mistura de pós-punk e grooves sombrios, quase góticos. Não importa para onde Blaney e Dink decidam levar a música, é provável que você só consiga se concentrar na voz arrastada de Smith, trocando farpas líricas. Nesta faixa, talvez mais do que nas outras, fica claro que a música foi gravada postumamente, e possivelmente às pressas. No ponto em que a melodia muda do melancólico e militarista para um groove mais rápido na coda, ouvir com fones de ouvido revelará uma clara emenda no material original… o que reforça qualquer pensamento negativo sobre 'Post Script' existir apenas porque seus criadores e a gravadora o consideram uma fonte fácil de lucro.
'So Long' apresenta um riff pesado e pulsante que soa como uma sobra de 'Ersatz GB', sobre o qual MES resmunga e reclama, meio enterrado na mixagem final, com sua voz sujeita a uma distorção extrema. Cortando o ruído, sua entrega rouca se encaixa perfeitamente com o som mais recente do The Fall, e declarações como "você ri agora" acompanhadas de murmúrios incoerentes sobre "chorões" e algo possivelmente relacionado a estrogênio se desenrolam de maneira tipicamente obtusa, mas um arranjo pós-punk sólido, impulsionado por um ótimo trabalho de baixo, garante que a música funcione por si só, mesmo que soe um pouco nítida demais em alguns momentos. Com relação a algumas das outras faixas, as coisas descambam para o mais banal. Às vezes, Blaney e Ding tentam criar um "som do The Fall" aparentemente de forma mecânica, com resultados medianos; Em outros momentos, eles apresentam riffs de rock sujos que não têm nenhuma relação com nenhuma das muitas formações da banda, claramente esperando que a presença de um MES póstumo venda o material. Em termos de acessibilidade para quem não é fã (não que muitos ouvintes casuais se interessem por este disco), a pegada hard rock da guitarra de Blaney que impulsiona "Final Position" provavelmente funcionará bem desde a primeira audição, apesar de não soar nada como The Fall. Não é uma ótima faixa, no geral, mas as várias declarações aleatórias de Smith – incluindo gritos de "desperte, desperte", uma voz perguntando "e a corporação?", e outros trechos que parecem ter sido extraídos de gravações de conversas de estúdio, submetidos a muitos truques e apresentados em uma divisão estéreo agressiva entre os canais esquerdo e direito – são eficazes quando ouvidos com fones de ouvido.
Em uma mudança brusca de tom, "Dehydrated" mistura sons graves e pulsantes com bateria frenética e teclados dissonantes, criando algo quase dançante. Novamente, não soa muito como The Fall, mas os vocais resgatados se assemelham muito mais ao que se esperaria de uma gravação final de MES, e sua presença flutua entre as batidas de forma muito eficaz. Pode não ser algo que os fãs ouvirão com frequência, mas pelo menos soa mais entusiasmado do que a ligeiramente agressiva "Retro Song", que tenta combinar algo um pouco punk com partes de bateria que remetem ao amor de MES pelo rockabilly antigo. Outro refrão vocal inédito soa forçado (e interpretado de forma mediana por Blaney), mas, novamente, o vocal de MES resgatado tem seu próprio charme distinto, mesmo que, a essa altura, ouvir trechos dele, fora de contexto e vindos do além-túmulo, reaproveitados de uma maneira que ele não teria gostado, já esteja um pouco repetitivo.
Provavelmente a faixa que mais dividirá opiniões neste disco, a extensa "Northern Irish Man", de muitas maneiras, revela a falta de autenticidade da música logo no lançamento. Adotando um groove lento, guiado pelo baixo e coberto por uma camada de sintetizadores, nada soa como The Fall. Mesmo uma camada ocasional de distorção não combina com muito do passado da banda, contribuindo para que soe mais como uma banda de post-rock com tendências sombrias e góticas. Isso não é ajudado pelo fato do "refrão" ser conduzido por um vocal limpo de Blaney. Há sempre Mark, é claro, e em partes dessa jam divagante, ele está em forma incendiária, vociferando sobre "reverberação da censura", coisas "além do bárbaro" e pessoas que "não conseguem nem defender seus direitos dados por Deus". Você não precisará ouvir com muita atenção para descobrir que esta é mais uma colagem, que não se assemelha a nada que MES teria em mente. Partes de sua fala soam claras e com qualidade de estúdio; Outras partes soam como grunhidos em 'Ersatz', sugerindo imediatamente duas fontes diferentes. Há também outras partes que soam como gravações caseiras, como se MES estivesse falando em um microfone em uma sala vazia – possivelmente até sobras de 'The Post-Nearly Man'. Não é de forma alguma terrível, mas não é The Fall. Talvez tivesse se saído melhor se tivesse sido desprovido do coro de Blaney e divulgado como uma suposta gravação solo de MES.
Impulsionada por bateria eletrônica, guitarra limpa e um andamento muito lento, "The Book" se apresenta como um cruzamento entre uma faixa do The Fall de meados dos anos 80 e algo do álbum "First, Last and Always" do Sisters of Mercy. Por si só, é razoável, mas se Blaney acha que se encaixa perfeitamente no cânone do The Fall, assim como "Final Position" e "Northern Irish Man", provavelmente desagradará os fãs. Mesmo assim, os elementos de MES que foram resgatados aqui trazem algum interesse. Sua interpretação lenta e trabalhosa combina bem com a música, criando algo um pouco mais melancólico, mas ainda assim é improvável que isso entretenha por muito tempo. Parece pouco mais que uma curiosidade estranha; uma espécie de fanfic que acredita compartilhar o amor por MES, mas acaba soando um pouco sem alma.
Houve algum debate online sobre a legitimidade dessas gravações e se elas realmente merecem um lugar no cânone do The Fall. É justo. Deixando a semântica de lado, porém, 'Post Script' (que definitivamente não é o novo LP do The Fall) é interessante até certo ponto, mas é um trabalho notavelmente irregular; o tipo de audição voltada apenas para os fãs mais dedicados. E alguns desses fãs, compreensivelmente, têm fortes dúvidas sobre a legitimidade de 'Post Script'. Como um disco isolado, é mais um item para completar uma coleção. Essas nove faixas – apesar de oferecerem alguns momentos brilhantes – seriam muito melhor aproveitadas se Blaney e Ding tivessem sido completamente transparentes sobre o que 'Post Script' realmente representava. Como está, há momentos em que este álbum parece uma homenagem estranha, mas um tanto desconfortável, e outros em que tem ares de uma tentativa cínica de ganhar dinheiro fácil. Dito isso, como acontece com todos os lançamentos do Fall – e este é um caso em que a apresentação do produto é priorizada acima de tudo, com sobras misturadas a novos sons e apresentadas como nova arte, contra a vontade de outros – ainda haverá fãs que o desejarão. Alguns até encontrarão algum mérito nele. Para o bem ou para o mal.
O álbum "Acute Mania" do Steak (lançado pela Ripple Music em 2022) apresentou uma dose brilhante de stoner rock. Tão importante quanto os riffs incríveis, o álbum ostentava uma produção impecável que fez os pesos-pesados londrinos soarem ainda mais pesados. As guitarras adotaram um timbre entre o doom e o fuzz – muitas vezes deixando as raízes influenciadas pelo Kyuss mais do que óbvias – e a bateria se impunha com uma intenção genuína. Em termos de stoner rock, oferecia o tipo de som profissional que se esperaria de uma banda de grande gravadora um quarto de século antes. Em resumo, "Acute Mania" foi um clássico contemporâneo do stoner rock.
O álbum de 2026 — autointitulado, que claramente acredita que nenhum enfeite é necessário e que o nome da banda fala por si só, pelo menos entre os conhecedores — por vezes oferece mais do mesmo. Isso, obviamente, é uma coisa boa.
'Cometh' estabelece uma atmosfera sinistra, começando com um riff gélido que soa como uma mistura de rock desértico com algo saído de uma trilha sonora de filme de Dario Argento, antes de explodir em uma avalanche de peso que combina a densidade do doom metal com uma pegada stoner. Os aspectos mais pesados do riff remetem ao estilo clássico pós-Sabbath/Crowbar, e seu estilo consagrado será mais do que suficiente para fisgar os fãs do gênero quase instantaneamente, mas esta não é apenas uma faixa stoner convencional. Há momentos em que a brutalidade implacável é equilibrada por uma guitarra solo estridente que adiciona uma camada de melodia sinistra, e outros em que o riff se une a vocais harmoniosos carregados de energia desértica, que devem mais a trechos de 'Regional Theatre' do The Fierce And The Dead do que a gravações mais antigas de bandas como Sleep, Kyuss e Eyehategod. É mais profundo e rico do que partes de 'Acute Mania', sem deixar de lado a característica pesada do Steak. Igualmente legal, mas muito mais melódica, "Dust" funde uma estética de rock do deserto com um ritmo mais acelerado, evocando algo que lembra Queens of the Stone Age nos versos, antes de mergulhar em um riff mais pesado em um refrão bem direto. A maneira como a guitarra solo é usada para inserir solos blues entre os grooves stoner intensos é muito inteligente, criando um som em camadas que se destaca da maioria das bandas de stoner, enquanto um refrão repetitivo contribui muito para tornar essa faixa memorável desde a primeira ouvida. Os fãs do som do Steak certamente encontrarão aqui um novo favorito.
Expandindo um pouco mais, após uma introdução um tanto dissonante, os versos de "Aether" injetam uma leve pegada progressiva, levando os riffs do Steak um pouco mais para um som à la Tool. É uma pista falsa, no entanto, já que, assim que o refrão chega, a banda se estabelece em uma mistura perfeita de riffs de metal e stoner, complementada por alguns solos de guitarra duplos e um ou outro solo com influência de blues. Musicalmente, isso oferece um som realmente encorpado, muito antes do meio da faixa mergulhar em sons ainda mais pesados, e um solo de guitarra se desvia para um blues proto-metal que revela o melhor da performance de Reece Tee. Com linhas vocais mais melódicas que exploram influências do rock psicodélico e do desert rock, esta é uma faixa que consegue incorporar a maioria das principais influências do Steak em uma execução concisa que dura bem menos de cinco minutos – maravilhosamente intensa, mantendo um forte senso de melodia, em uma música sem absolutamente nenhum excesso.
Em contraste com a sonoridade pesada e cadenciada de muitas faixas, "Knucklehead" explode com riffs velozes, misturando o fuzz do stoner rock com a força do metal tradicional, criando algo genuinamente empolgante por trás dos vocais de Kippa. A velocidade é equilibrada por um refrão mais "típico" do Steak, onde a essência do Queens of the Stone Age é reciclada com um toque extra de raiva. Com tudo isso em pouco mais de dois minutos, o resultado é uma faixa que soará incrível nos shows da banda. Retornando a um ritmo mais lento, um dos destaques do álbum, "Two By Two" apresenta vocais limpos sobre um riff de desert rock levemente nebuloso, criando algo que agradará ao público stoner sem depender da típica pegada pesada. Isso mostra o lado mais melódico do Steak em plena forma: a combinação entre vocal e guitarra é perfeita, e a maneira como a banda reelabora elementos do Team Sleep em algo um pouco mais voltado para o deserto revela uma riqueza de talentos que entendem que influências típicas podem ser moldadas em formas familiares que ainda parecem vibrantes, apesar de permanecerem um tanto previsíveis.
Expandindo ainda mais os horizontes, a psicodelia profunda de "Short Arms" apresenta riffs de guitarra soberbos – Reece se mantém ativo sem jamais perder de vista uma melodia forte – e um vocal limpo contribui ainda mais para a atmosfera psicodélica envolvente. O aspecto mais importante desta performance, no entanto, vem da bateria precisa de Dean Deal. Ao longo da longa jam, ele mergulha em um mundo de grooves quase tribais, oferecendo ritmos complexos que impulsionam tudo constantemente, criando um som de desert rock mais impressionante do que a produção tipicamente "trippy" do gênero. Novamente, os fãs encontrarão muito o que apreciar aqui, enquanto a faixa certamente despertará o interesse de quem a ouve pela primeira vez.
Todo esse material agradável é acompanhado por dois singles pré-lançados que, embora diferentes em abordagem, ajudam a pintar um retrato mais completo do som do Steak. "Luxury Junk" começa com uma melodia lenta e assombrosa, para depois explodir em uma camada de rock alternativo/escuridão desértica que, por vezes, lembra um Awooga mais voltado para o groove (uma banda que sentimos muita falta), com linhas de guitarra vibrantes contrastando com vocais poderosos. Em termos de capturar a mistura de peso e melodia da banda, é muito eficaz, especialmente na forma como seu núcleo pesado em andamento médio permite que Kippa apresente um lado mais melódico. Então, no ponto em que a música atinge um clímax natural e deveria terminar, a banda se entrega totalmente ao estilo de Josh Homme e a estende com uma coda um tanto desnecessária. Dito isso, analisando-a por si só, os últimos minutos funcionam bem, acelerando o ritmo e permitindo que a bateria assuma o protagonismo. Enquanto isso, 'Infinite' leva o Steak para uma paisagem sonora assombrosa, onde guitarras com eco mergulham ainda mais fundo em um som psicodélico/desértico, e um vocal choroso poderia facilmente funcionar em uma banda de indie rock sombrio. Mesmo quando essa faixa apresenta um riff de refrão mais pesado, ela é muito mais comercial do que grande parte do material do Steak (pelo menos em termos relativos), e nesse aspecto seria uma boa primeira audição para quem não conhece a banda. Apesar de ser mais leve e melódica, não é necessariamente tão interessante ou empolgante quanto a maior parte do material deste LP, mas desempenha um papel importante ao mostrar a versatilidade da banda.
Há momentos em que 'Steak' (o álbum) e a banda Steak apresentam riffs um tanto genéricos, mas tudo é executado com brilhantismo. Quando o álbum se esforça para soar um pouco mais aventureiro (como em 'Cometh', 'Short Arms' e 'Aether'), os fãs experimentarão uma banda de desert rock/stoner metal capaz de levar os sons do gênero um pouco além do que a maioria faz, criando obras que soam soberbas mesmo após repetidas audições. Seja qual for a sua perspectiva, 'Steak' é um dos melhores álbuns de metal de 2026, e imperdível para qualquer pessoa com o mínimo interesse em stoner rock e riffs com temática desértica.
O EP "Flotsam", lançado em 2024 pela banda Quiz Show, soava como uma carta de amor musical ao boom do rock alternativo dos anos 90. Influenciado por bandas como Superchunk e os primeiros trabalhos mais ruidosos do Buffalo Tom, e ocasionalmente aplicando uma abordagem "quietLOUDquiet" aos arranjos – à la Pixies e Nirvana – o EP ofereceu aos fãs da era grunge muito o que apreciar em um pacote compacto. "XONO" – lançado no outono de 2026 – mostra a banda, fundada por Chris Matthews, do Shudder To Think, fiel ao que sabe fazer. E isso é algo que eles fazem muito bem.
A faixa-título é repleta de riffs e, como antes, ainda mais focada na sonoridade alternativa dos anos 90. Começando com uma guitarra suja no estilo de Superchunk, a música revela suas cartas retrô de imediato, mas a forma como esses grooves mais pesados logo dão lugar a um riff glam, e depois se aventuram em elementos de power pop – com um interlúdio cheio de palmas e sinos de vaca – mostra como a banda gosta de dar algumas reviravoltas musicais dramáticas. A breve referência ao power pop também revela um senso de melodia que se esconde sob a superfície do "som" do Quiz Show. O vocal ligeiramente estridente de Chris se encaixa brilhantemente na música, não importa a direção que ela tome, entregando uma performance que ocasionalmente lembra o lendário Black Francis. Embora 'XONO' não ofereça muita novidade em termos estilísticos, e talvez possa ser visto como a soma de suas influências, essa faixa proporciona bastante entretenimento, especialmente com um refrão gritado no final, que certamente agradará aos fãs.
O destaque do EP é um cover. Em homenagem ao ex-baterista da banda, Kevin March (também conhecido por suas participações no The Dambuilders e Guided By Voices), o Quiz Show pegou a música "Haircut Sphinx" do GBV e a remodelou à sua própria imagem. A versão original (presente no subestimado álbum "Mirrored Aztec" do Guided By Voices, lançado em 2020) apresenta um ritmo implacável e guitarras cortantes, contrastando com os vocais distintos e ligeiramente arrastados de Bob Pollard. Mesmo para o ouvinte casual, é o tipo de faixa facilmente identificável como pertencente ao universo GBV/Fading Captain. Percebendo o potencial para algo maior do que uma simples reprodução, o Quiz Show pega o arranjo e o desacelera. Após uma introdução que espelha a versão do GBV, Chris e os rapazes mergulham em um riff um tanto sombrio, que deve muito mais à cena grunge do que ao GBV, mas é uma mudança de tom que funciona muito bem. O ritmo mais descontraído dá mais espaço para a voz se movimentar, e durante a segunda metade da faixa, uma nova camada de teclados adiciona um toque agradavelmente sombrio. Com uma bateria bem presente, alguns vocais de harmonia bem colocados e uma guitarra solo dupla inesperada que surge antes do fade out, pode-se dizer que o Quiz Show se esforçou bastante para fazer desta música algo único.
Para finalizar o lançamento, o Quiz Show presta homenagem ao seu passado com uma versão semiacústica de "Pom Pom Boy". A música funciona bem em um arranjo minimalista; uma profusão de guitarras vibrantes traz à tona uma vibe bem anos 90, e os elementos melódicos do refrão ainda se destacam. Dito isso, com menos pompa para se esconder, alguns vocais soam um pouco desafinados... mas se você já é fã da banda, isso não deve ser um grande problema.
Uma faixa inédita, um cover e uma versão acústica: 'XONO' soa como um lançamento "provisório" em quase todos os sentidos. Para aqueles que já admiram a banda, no entanto, o material tem potencial para se tornar algo maior. E qualquer coisa que dê visibilidade ao Guided By Voices e ao seu catálogo absurdamente vasto de músicas certamente merece elogios.
Em 2023, o The Summertimes lançou um dos melhores álbuns do ano, seu disco homônimo. Seu lançamento seguinte, o EP "Luminous", oferece aos fãs (e futuros fãs) mais do mesmo em muitos aspectos. Longe de sugerir falta de imaginação, o EP prova que a banda australiana de power pop sabe instintivamente onde reside sua força musical e, como resultado, as cinco músicas que compõem o lançamento curto se encaixam perfeitamente ao lado do melhor material do LP anterior.
Abrindo com "Save You Now", uma faixa repleta de guitarras vibrantes sobre um ritmo médio sólido, o The Summertimes oferece um brilhante retorno ao início dos anos 90. Ao longo da música, sons de guitarra brilhantes (cortesia de Ashley Naylor, do The Church) sublinham um vocal com uma sonoridade levemente roots, criando algo retrô, mas também muito comercial. Após repetidas audições, é impressionante como a música se mantém atual; o riff é simples, mas a voz de Naylor lhe confere uma qualidade marcante, e as harmonias que compõem um refrão muito cativante estão à altura dos melhores sons do álbum de estreia. Some a isso uma guitarra solo um pouco mais roqueira, que introduz brevemente uma pegada mais rock, um momento de órgão com sonoridade retrô e uma linha de baixo sólida fornecida por Steve Bull, do Icehouse, que carrega o peso do trabalho, e a música certamente agradará aos fãs, mas também àqueles que a ouvem pela primeira vez.
Um pouco menos imediata, embora não menos bem executada ou produzida, "Horses" apresenta uma guitarra rítmica brilhante sob uma linha de baixo pulsante, que funciona brilhantemente ao longo dos versos atmosféricos. A faixa não perde tempo em exibir um arranjo impecável, mas ganha vida mesmo no refrão, onde The Summertimes e seus convidados aumentam o ritmo e compartilham uma agradável mistura de pop rock com raízes no folk e música americana, que não destoaria em um álbum do Teenage Fanclub da fase mais recente, como "Home". Um vocal melódico – que ocasionalmente não hesita em exibir um sotaque australiano – funciona brilhantemente em conjunto com harmonias vocais mais suaves, enquanto um solo de guitarra arrebatador ocasionalmente dá a sensação de algo um pouco mais grandioso. Pode ser que precise de algumas audições a mais do que "Save You Now" para conquistar o ouvinte, mas quando isso acontecer, "Horses" tem o potencial de se tornar uma favorita de longa data.
Aprofundando-se em uma sonoridade influenciada pelos anos 60, "See Me" começa com um timbre de guitarra grandioso em contraste com um riff de baixo vibrante, aproximando-se muito mais de alguns sucessos da Motown e hinos soul do que das referências usuais do Summertimes. Um som de guitarra mais amplo, trazendo à tona uma melodia de refrão vibrante, oferece algo um pouco mais típico – com toques de Easybeats para completar – mas a linha de baixo com influência soul nunca se perde e, conforme a música avança, funciona brilhantemente em conjunto com um som de órgão encorpado. É ótimo ouvir a banda se aventurando com confiança sem se desviar completamente do caminho ou tentar algo totalmente equivocado, antes de "Falling" mudar o clima novamente para revelar fortes influências de cantores e compositores dos anos 90 com uma sólida base acústica. O som despojado revela ainda mais um ótimo vocal, e, contanto que você consiga ignorar o fato de que o riff principal soa um pouco como "Breakfast At Tiffany's" do Deep Blue Something, a chegada de uma banda completa – impulsionada por guitarras elétricas e órgão – leva a música para o âmbito de uma homenagem a Connells que, assim como os sons semelhantes do álbum de estreia, proporciona uma audição familiar, porém agradável.
Para finalizar, a faixa-título retorna ao power pop puro, transitando entre vocais melódicos e guitarras vibrantes, passando por um interlúdio mais roqueiro que remete fortemente à sonoridade dos anos 70, e vice-versa. Musicalmente, o arranjo se apoia em elementos já consagrados, mas é bom ouvir a banda mostrando um pouco mais de energia, sem perder de vista suas credenciais de pop adulto. Quem conhece o álbum de estreia certamente reconhecerá sonoridades que lembram trabalhos anteriores, mas uma atmosfera ensolarada e refrões marcantes permitem que este álbum brilhe de uma forma quase natural.
Para os fãs de power pop de todo o mundo, este é um verdadeiro deleite. Embora o formato de EP com cinco músicas possa inicialmente causar uma pequena decepção devido à sua brevidade – principalmente com a faixa-título encerrando tudo em um ápice estrondoso –, por outro lado, ele se encaixa perfeitamente no material, já que é um veículo adequado para músicas mais curtas e não oferece absolutamente nenhuma faixa dispensável. Se você gostou do lançamento anterior da banda, certamente encontrará muito o que apreciar neste pequeno pacote musical.
No verão de 2026, a banda de synth pop Oui Plastique lançou "Linger", um single que oscilava entre uma atmosfera fria e uma melodia cativante, deixando claro seu amor pelo Ultravox do início dos anos 80. Como prévia de um álbum futuro, a música foi extremamente eficaz, apresentando um som muito familiar de tal forma que qualquer reciclagem óbvia – tanto das influências da banda quanto de suas próprias gravações anteriores – soava inspiradora.
O lançamento seguinte, 'Spirit', é um pouco menos acessível. Isso se deve em parte à sua natureza extensa – a gravação chega a quase seis minutos – mas também a uma atmosfera muito mais sombria que permeia a faixa. Isso fica claro desde o início, quando batidas ligeiramente ásperas cortam as vozes sampleadas, trazendo uma sensação industrial. Há um breve alívio quando alguns teclados com som de sino adicionam uma melodia marcante, tipicamente Oui Plastique, mas essa sensação não dura muito. Em vez disso, a decisão é mergulhar o ouvinte em uma paisagem sonora onde as batidas dominam e um vocal mais sombrio do que o habitual se destaca, com um tom suave que normalmente não seria típico de material baseado em sintetizadores.
Por volta da metade do segundo verso, porém, é provável que seus ouvidos comecem a se ajustar: os elementos de baixo que sustentam a batida adicionam muita atmosfera, e o ritmo lento deve começar a te envolver. Isso permite que o retorno do refrão soe mais forte e, com a adição de alguns vocais de harmonia, a melodia melancólica não só brilha um pouco mais, como também compartilha algo que parece um pouco mais próximo em espírito de "Linger". Mas não se engane, esta não é uma música particularmente cativante: mesmo em seu ápice melódico, "Spirit" exige muito mais do ouvinte, requerendo concentração total e múltiplas audições antes de realmente funcionar. Talvez isso seja até bom; às vezes, o tempo revela profundidades ocultas em uma gravação, e provavelmente é o caso aqui. Seja como for, esta não é necessariamente uma escolha óbvia para um single de pré-lançamento.
Quem investir no download digital de 'Spirit' também receberá um presente extra: a dupla Oui Plastique deu seu toque pessoal ao tema da série de TV dos anos 60 'The Persuaders'. Os fãs de Britpop certamente conhecem bem essa composição de John Barry, já que a banda My Life Story a utilizou por muitos anos como música de abertura em seus shows ao vivo. Mas, nas mãos dessa dupla de sintetizadores, a melodia familiar ganha uma presença completamente diferente. Naturalmente, os elementos orquestrais foram substituídos por uma pulsação mais vibrante, que lembra um dos lados B de Chris Lowe por volta de 1987, mas que, na verdade, complementa a melodia principal, que mantém seu tom otimista, mesmo replicada por meio de alguns timbres de sintetizador propositalmente retrô. Para o arranjo com sintetizador, 'Get Carter', de Roy Budd, seria obviamente uma escolha mais óbvia, mas, a julgar pelo lado A deste lançamento digital duplo, o Oui Plastique não está nem um pouco interessado em seguir o caminho mais fácil... e que bom para eles por isso.
Quando tocadas em conjunto com algumas gravações anteriores do Oui Plastique, essas faixas funcionam um pouco melhor, mas para o fã de synth pop mais paciente, elas ainda devem proporcionar uma experiência auditiva mais do que interessante.
É surpreendente pensar que o lançamento do EP de três faixas 'Want It Bad (The Pep Talks and Playing Fields of Old England)' acontece cinco anos depois de Colin Moulding ter compartilhado 'The Hardest Battle', mas o integrante do XTC nunca foi o artista mais prolífico em termos de gravações.
A faixa-título do EP soará imediatamente familiar para qualquer um que tenha ouvido e gostado de 'The Hardest Battle', já que captura uma qualidade caseira semelhante. Na verdade, é um pouco mais rica em termos de melodia geral, pois seus melhores momentos soam como uma demo de uma música da época de 'Mummer'. Isso deve ser suficiente para agradar aos fãs de longa data. Desde o momento em que a voz de Colin surge, ligeiramente rouca, sobre uma base de teclados, a melodia e o tom têm uma qualidade muito familiar, e embora a melodia em si seja simples, a maneira como Colin sobrepõe tudo com uma infinidade de harmonias vocais torna a música muito mais rica. Liricamente, ele explora os temas do conforto dentro da pacata zona rural britânica e como a necessidade de buscar algo mais interessante pode beneficiar o protagonista da música, o que traz as qualidades provincianas de sua composição da época de 'Mummer' para o foco principal. Embora as limitações orçamentárias desta gravação sejam muito óbvias, o talento de Moulding para criar ótimas melodias pop transparece, ao mesmo tempo que permite uma profusão de "ba ba ba"s que grudam na cabeça. [ Os fãs que gostam de ouvir as músicas tomando forma também vão curtir uma versão demo da faixa, que também está presente no EP. Embora não seja muito diferente da gravação final, a versão anterior apresenta a voz de Colin e a melodia principal sobre uma base rítmica bem mais alta. As mudanças sutis foram definitivamente para melhor. ]
Além de "Want It Bad", Colin apresenta a inédita "Something About The Boy (James Bond Demo For Female Voice)", que traz um vocal sussurrado sobre uma melodia de sintetizador vibrante. Inicialmente, tudo soa um pouco dissonante: o sintetizador é bastante alto e pouco sutil, deixando Colin um tanto perdido. Mas, ao dar tempo para a estrutura musical "aquecer", algumas ótimas ideias começam a surgir. O vocal não só soa como um Colin um pouco mais jovem (sugerindo que a faixa estava guardada há algum tempo), como também o uso de vocais de apoio suaves cria uma ótima melodia que facilita perceber o potencial da música. Esses vocais lembram algo de "Nonsuch", e, conforme a música avança, a forma como os sintetizadores mais agressivos são compensados pelo som de cravo revela o rico senso melódico de Moulding de uma maneira que, por melhor que seja à sua maneira, "Want It Bad" não consegue reproduzir com a mesma eficácia. Apesar de não ser uma faixa "finalizada", esta é na verdade o ponto alto do EP – um verdadeiro deleite para os fãs de Colin Moulding.
Seria ótimo ouvir Colin abordar a música com todos os seus floreios e o tipo de perfeição/custo que transparece em 'Skylarking' e 'Oranges and Lemons', mas algumas audições mostram que este material não precisa necessariamente de muito mais do que um coração genuíno para conquistar os fãs. Essas pessoas ainda reconhecerão o amor de Colin pelo bucólico e por suas raízes inglesas, e embora essas faixas sejam ocasionalmente prejudicadas por uma produção sonora menos refinada, elas se encaixam muito bem ao lado das outras gravações solo do artista (compartilhadas esporadicamente), com timbres vocais familiares e refrões pop à moda antiga que funcionam bem o suficiente para conquistar a maioria dos fãs mais antigos.
Após sua formação em 2021, a Girl With A Hawk adotou uma abordagem bastante informal para se promover, lançando vários singles digitais ao longo dos quatro anos seguintes. Embora esses pequenos sucessos musicais indicassem o potencial da banda de Boston, ouvi-los em rajadas de três ou quatro minutos não demonstrava todo o seu talento de forma eficaz, mesmo que uma abordagem de "gravar e lançar" parecesse muito mais adequada para manter o interesse no ambiente digital e em um mundo com períodos de atenção cada vez mais curtos.
Para quem prefere o formato de álbum clássico, as nove faixas de 'Regenesis' certamente não decepcionarão, mesmo que muito do material seja familiar aos fãs de longa data e algumas faixas sejam notavelmente mais fortes que outras. Começando com 'Way With Words', a banda exibe seu lado mais pop em uma música onde harmonias grandiosas preenchem um refrão cativante, mas a mistura musical de garage rock melódico, Americana e pop retrô se destaca, mostrando um talento natural de todos os envolvidos. A maneira como Linda S. Viens utiliza uma abordagem um tanto plana, à la Chrissie Hynde, em sua performance adiciona ainda mais um toque retrô, e ainda assim, GWAH soa como muito mais do que uma simples homenagem ao passado. Se os ouvintes de primeira viagem encontrarem algo interessante, o restante desta coletânea oferecerá surpresas ainda mais impressionantes. 'I'm In Love With My Friends' traz mais diversão retrô através de uma faixa com forte influência do final dos anos 60. Guitarras garage rock se unem a um universo de teclados que criam uma sonoridade mais influenciada pelo bubblegum pop, e uma seção rítmica marcante dá força à gravação. Ouvindo tudo junto, a música soa retrô, digna de filme B, e mesmo com um vocal principal um pouco alto e oscilante – ou talvez por causa disso – a faixa transmite uma energia contagiante. A gravação ganha pontos extras por contar com participações especiais de vocalistas de outras bandas de Boston, como Linnea's Garden, Crow Follow e Galaxy Cake, reforçando o tema da amizade presente na música.
A faixa mais lenta, "No One Like You", começa com violão e órgão, sugerindo uma balada romântica inspirada no início dos anos 60, com Viens entregando um vocal mais potente. No entanto, a música logo se transforma em um rock de ritmo médio, soando como uma versão DIY de algo do catálogo de Tom Petty do final dos anos 80. Com o baixo em destaque e uma ênfase maior em alguns ótimos momentos vocais em grupo, a faixa tem uma sonoridade mais rica do que muitas outras do Hawk, mas o vocal principal mantém um charme descontraído que se encaixa perfeitamente no fluxo do álbum. Há muito o que apreciar aqui, mas é a coda, com uma sonoridade mais grandiosa, onde as guitarras solo de Daniel Coughlin se entrelaçam em um groove constante, enquanto o baixo marcante de Dan Bernfeld mantém uma presença forte, que realmente faz a diferença nesta faixa. Ela demonstra a naturalidade com que os membros da banda trabalham juntos.
Em outro momento, a ligeiramente mais fragmentada "Full Moon" traz de volta as influências dos anos 60 e as mistura com o charme do power pop do final dos anos 70, o que, obviamente, resulta em um som que serve bem à banda. É interessante observar aqui o contraste entre os ritmos um pouco mais enérgicos e o vocal bem mais suave de Viens, mas, apesar da combinação inesperada, tudo funciona surpreendentemente bem, antes que o clima se incline para um estilo retrô muito mais reflexivo em "Beautiful Today", que apresenta a imitação um tanto descontraída de Hynde por Viens sobre uma base instrumental que lembra bastante "The Company of Strangers", de Nick Cave... embora certamente não tenha sido uma inspiração direta. Mais gradual do que o resto do disco, a faixa tem um charme próprio, e o som da guitarra solo de Daniel é particularmente encantador.
Para garantir que o álbum não perca o ritmo no final, a faixa um pouco mais longa "It's The Way" permite que a banda se estenda em uma jam mais lenta, onde elementos acústicos e elétricos se unem brilhantemente, e o andamento médio evoca uma vibe americana perfeita. Um pouco mais sofisticada do que algumas das faixas mais animadas do Hawk, esta mostra algumas das tendências um pouco mais intensas de Linda, mas a performance é roubada por Daniel, que compartilha um timbre de guitarra bem característico do folk ao longo da música, enquanto a bateria mais potente, cortesia de Nancy Delaney, traz uma qualidade de gravação ao vivo em estúdio para a faixa. Musicalmente, soa como muito rock melódico com influências do folk do passado, mas a maneira natural como o GWAH se conecta com o som tem seu próprio charme. Para encerrar, "Wasn't It Just Yesterday" tem uma energia incrível. Os órgãos retrô de Richard Lamphear giram sob um ritmo sólido; linhas de baixo pulsantes elevam a música muito além de suas origens garageiras básicas, e um ótimo solo de guitarra leva tudo a um clímax. Embora alguns trechos da voz dela nessas gravações possam parecer um pouco instáveis, a verdadeira estrela aqui é a vocalista Linda, que preenche essa gravação vibrante com uma performance leve e descontraída, oferecendo uma versão pop de um som clássico do rock 'n' roll, garantindo uma atmosfera positiva do começo ao fim. Com a ajuda de um cowbell bem presente, uma referência sutil a "It's A Long Way To The Top" do AC/DC e uma energia contagiante que nunca vacila, cada elemento dessa faixa brilha, criando o que é facilmente um dos destaques genuínos deste álbum, ao lado de "Beautiful Today".
Girl With A Hawk não trabalha com orçamentos enormes, mas não há nada que se possa rotular como amador ou lo-fi nessas músicas. Apesar de apresentar material gravado em momentos diferentes e exibir uma variedade de estilos, a consistência do álbum 'Regenesis' é impressionante. Se você já ouviu alguns dos singles digitais e gostou, definitivamente vale a pena conferir este álbum. Mesmo que você já tenha uma infinidade de bandas novas para explorar, vale a pena dar prioridade a esses artistas de Boston.
