Willie Nelson – Country Music (2026)

 

Poucos artistas estão tão intimamente ligados aos fundamentos da música country quanto Willie Nelson. Antes do movimento outlaw, antes das tranças e bandanas, Nelson era um compositor de Nashville que absorvia o trabalho de Hank Williams, Ernest Tubb e Merle Travis.
Lançado originalmente em 2010 e produzido por T Bone Burnett, Country Music é sua homenagem direta a essa linhagem. Foi seu primeiro álbum composto inteiramente por clássicos do country, um tributo às canções que o moldaram antes de se tornar um nome conhecido por todos.
O relançamento atual pela Craft Recordings e HighTone Records dá ao álbum um novo enfoque. O relançamento da HighTone tem se concentrado em títulos essenciais da música americana, e este disco se encaixa perfeitamente nessa tradição. Country Music abre com o próprio single de Nelson de 1959…

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…“Man With the Blues”, uma reconexão com seus primeiros trabalhos gravados. A partir daí, ele segue para “Seaman's Blues”, de Ernest Tubb, interpretada com um ritmo relaxado que mantém intacta a essência honky-tonk. “Dark as a Dungeon”, de Merle Travis, é um dos momentos mais fortes do álbum, com Nelson deixando que a letra cautelosa sobre a mineração de carvão fale por si só. “House of Gold”, de Hank Williams, é puro Willie, uma balada lenta acompanhada por violino country tradicional e pedal steel. “Pistol Packin' Mama”, de Al Dexter, mantém seu swing divertido, e em “Drinking Champagne”, de Bill Mack, Nelson abraça a atmosfera lounge-country de meados do século sem exageros.

O repertório tradicional acrescenta profundidade. “Satan Your Kingdom Must Come Down” e “Nobody's Fault but Mine” são apresentadas com acompanhamento minimalista, mais próximas do gospel tradicional do que do country polido de estúdio. “I Am a Pilgrim”, outro clássico, reforça a temática espiritual presente em grande parte da música country dos primórdios. Outras escolhas, como “My Baby's Gone”, de Hazel Houser, e “Ocean of Diamonds”, de Lefty Frizzell (popularizada por George Jones), reforçam a profunda inspiração de Nelson no repertório essencial do gênero. Faixas mais animadas, como “Freight Train Boogie”, criam um bom equilíbrio com algumas das baladas mais lentas.

A produção de Burnett mantém tudo propositalmente conciso: violão, contrabaixo, pedal steel, bandolim e violino. Essa abordagem contribui para que Country Music soe despojado, no melhor sentido da palavra, mais como um grupo de amigos tocando juntos no Luck Ranch do que em um estúdio. O violão de cordas de nylon de Nelson permanece central, e seu fraseado ligeiramente fora do tempo confere às canções uma sensação de vivência. Após seu lançamento original, Country Music estreou em posições altas nas paradas e recebeu uma indicação ao GRAMMY de Melhor Álbum Americana. Mais importante ainda, reforçou o lugar de Nelson na tradição que ele ajudou a redefinir. Com mais de 100 álbuns em sua carreira e lançamentos contínuos até os noventa anos, Willie Nelson permanece um ícone, um inovador e um historiador.

Jesper Lindell – 3614 Jackson Highway (2026)

 

Quase todos ao meu redor reverenciam a música soul clássica. Não com "s" maiúsculo para designar qualquer distinção de gênero, mas sim algo mais próximo da essência... o "s" minúsculo simbolizando o que realmente transforma e permeia nossas veias. Buscamos consolo e direção como se um disco giratório fosse um altar diante do qual nos rendemos; como se estivéssemos aos pés de nossos pais. É um ritual que se mantém forte e vivo – porque a própria música evoluiu: recusando-se a questionar seu legado e relevância, acompanhando nossa evolução.
Otis Redding, para citar apenas um exemplo notável, continua soando como um ser humano vivo saltando de um par de caixas de som porque, de fato, ele é um: sua voz ainda ressoa com a mesma intensidade que o poeta William Carlos Williams...

 320 ** FLAC

…chamado de “o grão americano” – e toda a turbulência que continua a impulsioná-lo para fora do solo árido; falando do passado, mas sempre no presente.

A "música soul" tem, em última análise, menos a ver com uma receita de instrumentação e mais com a alquimia da intenção emocional. Embora possamos associar a atmosfera de muitos discos ditos "soul" a linhas de metais, batidas marcantes e grupos vocais, nenhum desses elementos é imprescindível. O que distingue a soul music não é uma prescrição de gênero, mas sim uma determinação deliberada de se dirigir aos céus a partir de amarras decididamente terrenas; de se insurgir contra as estrelas com pelo menos um pé, se não na cova, firmemente apoiado nela. Penso agora na música soul como uma bela fonte, impressa contra a página viva quando tocada pela mão devota e esforçada – e por meio da qual podemos dizer tudo.

A nova obra de Jesper Lindell, 3614 Jackson Highway – idealizada, com curadoria e produção de Björn Pettersson – mergulha um balde em um poço antigo e profundo; e o que eles coletivamente trazem à superfície é fresco e límpido; um bálsamo para um mundo cansado e aparentemente distante de seu próprio senso de identidade; de ​​qualquer direção para casa. A estrutura é familiar; as canções também. Mas o que se move lá dentro – fundamentalmente, essencialmente – é como Ezra Pound definiu a poesia: Notícias que permanecem notícias.

The Delines – The Set Up (2026)

 

O álbum The Set Up é apresentado como uma obra complementar a Mr. Luck & Ms. Doom , lançado no ano anterior, e começa com uma música que Willy Vlautin trouxe no final das gravações, "Walking with His Sleeves Down". Vlautin conta: "Amy aprendeu a tocar no piano e nós a gravamos ao vivo. A interpretação dela foi impressionante, mas a música não se encaixava muito bem no disco. Era mais solitária, mais perturbadora, e faltava aquele romance sem rumo que permeia o universo de Mr. Luck & Ms. Doom , então a deixamos de lado."
Impressionante é pouco para descrevê-la. Se você tinha uma referência ao Judas Priest de Birmingham no seu bingo de letras do Delines, pode marcar nessa música. Apenas Amy Boone e piano, melancólica, mas linda. A próxima música que Vlautin trouxe para a banda foi "The Meter Keeps Ticking"...

  320 ** FLAC

…uma música complementar a JP and Me, do álbum Mr. Luck & Ms. Doom . Uma canção com um ritmo mais acelerado (pelo menos para os padrões de Delines), com piano e percussão impulsionando a música num compasso quase funk. Vlautin diz: “Eu trouxe uma versão de The Reckless Life. A música funcionou sonoramente, mas, novamente, não parecia certa liricamente. Havia um desespero solitário nela, assim como nas outras duas músicas que mencionei. Percebi que estava compondo músicas no mesmo universo de Mr. Luck & Ms. Doom, mas de um ângulo diferente. As três faixas levam o ouvinte para a vida dos viciados em drogas, dos vigaristas e dos perdidos, e não para a dos românticos à deriva na estrada como em Mr. Luck & Ms. Doom.”

Liricamente, é certamente sombrio, mas musicalmente, em alguns momentos, mostra o Delines em sua forma mais emotiva. The Reckless Life tem uma atmosfera poética quase à la Bobby Womack. Vlautin sugere que a composição deste álbum e do anterior foi inspirada pelos "resíduos da epidemia de opioides nos EUA". Can You Get Me Out of Phoenix? é talvez a música principal do álbum. "É uma canção sobre a filha de um vigarista, presa em Phoenix, que reflete sobre a vida do pai." A atmosfera soul dos anos 70 está presente aqui, e a narrativa fala sobre a solidão devastada após o término do relacionamento. The Set Up , pequenas peças de spoken word: a isca, a armadilha e o golpe, escritas por Vlautin e Cory Gray, desenvolvem a personagem de Can You Get Me Out Of Phoenix?. Segundo Vlautin, "Keep The Shades Down" foi "escrita como uma ligação entre o romance de Mr. Luck & Ms. Doom e o isolamento de The Set Up . O casal na música percebe o quão perto os privilegiados estão de serem desfavorecidos." A balada country soul marca a estreia do trompete atmosférico de Gray, no estilo de Miles Davis, evidenciando que, sonoramente, este é um passo em uma direção diferente para The Delines. Há mais piano acústico, mais saxofone em "Keep The Shades Down" e metais em conjunto por todo o álbum.

As conexões entre as músicas continuam com uma série de faixas instrumentais espalhadas pelo disco. "Jumping Off In Madras" foi escrita para a mulher em "Her Ponyboy", do álbum anterior, e Cory escreveu "Getting Out Of The Ward" para o rapaz em "The Meter Keeps Ticking", que está saindo do hospital psiquiátrico dois dias depois do Natal, e a incrivelmente bela "The Last Time I Saw Her" para a garota em "The Reckless Life", enquanto ela deixa o hospital e se aventura na escuridão do mundo.

Não é nenhum segredo que nós aqui na AUK somos grandes fãs do The Delines. As altas avaliações de seus álbuns e as aparições no topo das listas de "melhores" indicam que a qualidade de seu trabalho é consistentemente excelente. As notas de Willy Vlautin sobre The Set Up , que citamos extensivamente aqui, também sugerem que eles estão cientes de construir um conjunto de músicas e discos que são entrelaçados pelos personagens e temas sobre os quais ele escreve. Nos últimos dois álbuns, houve uma crescente sofisticação na maneira como Willy Vlautin escreve e como o The Delines interpreta suas histórias, e este é mais um passo adiante nesse processo. Vlautin resume o álbum dizendo: "Quando terminamos o disco, percebemos que The Set Up era a irmã rebelde, equivocada e solitária de Mr. Luck & Ms. Doom. Mais desleixada e inacabada, mas totalmente The Delines em CinemaScope." Em termos de letras, talvez, mas musicalmente, este álbum é mais um passo no aprimoramento da mistura de country e soul que eles vêm construindo nos últimos 12 anos, e pode ser o melhor até agora.

Lääz Rockit - No Stranger To Danger (1985)

 

Style: Heavy/Thrash Metal

Origin: USA (Cali)

Tracklist:

1.  - Dreams Die Hard (4:38)

2.  - I've Got Time (4:38)

3.  - Town to Town (4:07)

4.  - Backbreaker (3:45)

5.  - Stand Alone (4:16)

6.  - Spared from the Fire (4:24)

7.  - Off the Deep End (3:36)

8.  - Tonight Alive (3:36)

9.  - Wrecking Machine (4:40)

10.  - Leatherface (4:24)

MUSICA&SOM ☝

Lääz Rockit - Nothings Sacred (1991)

 

Style: Thrash/Heavy Metal

Origin: USA (Cali)

Tracklist:

1.  - In the Name of Father and the Gun (4:14)

2.  - Into the Asylum (4:56)

3.  - Greed Machine (4:27)

4.  - Too Far Gone (3:45)

5.  - Curiosity Kills (3:18)

6.  - Suicide City (4:26)

7.  - The Enemy Within (5:53)

8.  - Nobody's Child (3:42)

9.  - Silence Is a Lie (3:44)

10.  - Necropolis (3:52)

MUSICA&SOM ☝

RENAISSANCE - PALÁCIO DAS ARTES - BH - 28/05/2017

 

Belo Horizonte recebeu o show de despedida do Renaissance que, pela primeira vez, passou por território brasileiro. Teatro lotado e ingressos esgotados há mais de um mês da data marcada. BH foi a primeira cidade brasileira a vender todas as entradas dentre as quatro escolhidas para a tour intitulada de Songs For All Our Times. A banda segue agora para a Argentina onde se apresentará na próxima quarta-feira, 31.

Com o passar dos anos, o Palácio das Artes se tornou palco de grandes espetáculos envolvendo alguns nomes no que se diz respeito aos medalhões do Rock Progressivo. Por lá já assistimos majestosas apresentações de bandas como PFM, Focus, Jon Anderson, Alan Parsons Project, Jethro Tull, Rick Wakeman, dentre outros.
Sempre fui muito segura quanto a acústica do Palácio, raramente decepcionam. Novamente, optei por assistir ao show no piso superior do teatro e dessa vez o som não chegou como deveria. O baixo soava um tanto grave em alguns momentos, chegando a prejudicar a audição vinda dos teclados. O violão chegou bem fraco no começo mas foi ajustado no decorrer da apresentação. Certamente, quem estava no nível do palco pôde desfrutar de um som mais limpo.

Vale lembrar que Annie Haslam passou por aqui em duas ocasiões onde, creio ter feito dueto nesse mesmo teatro, com dois grandes nomes da música mineira, Marcus Viana e Flávio Venturini em diferentes anos. 

Como sempre, pelo menos por essas terras, o Rock Progressivo tende a agregar as mais diferentes gerações. Nesse show em particular, havia um número considerável de crianças, jovens sempre munidos de seus LPs, senhores de variadas idades acompanhados de suas esposas e filhos e, principalmente, há também aqueles que, assim como eu, costumam ir a certos shows sozinhos e para a minha surpresa, sentado ao meu lado esquerdo, um senhor que era a sósia perfeita do Fish (Marillion). Também marcaram presença na plateia alguns intelectuais da música mineira - já citados- nessa noite que seguramente entra para a lista dos mais grandiosos shows ocorridos em BH.

Setlist impecável, muito bem selecionado e mais voltado para uma seleção de faixas mais acústicas, onde não se exigia em quase nada o uso da guitarra elétrica, sendo esta lindamente substituída por belos arranjos de violão do simpático e muito competente Mark Lambert.
A banda também contava com dois excelentes tecladistas americanos que foram os coadjuvantes de luxo a acompanhar a angelical voz de Haslam no decorrer do show. As principais passagens de piano digital ficaram por conta do compositor de trilhas, Rave Tesar, que vem acompanhando o Renaissance desde o começo desta década.Tesar, além possuir uma formação nitidamente mais clássica e ser extremamente técnico, se encaixou perfeitamente a proposta da banda que sempre teve o rótulo de ser a mais lírica do gênero progressivo.

Já no outro lado do palco, estava o já conhecido Tom Brislin, que já é nome conhecido e também acompanhou o YES de forma espetacular em 2009, tendo seu nome creditado ao excelente disco ao vivo,  YES Symphonic.
Brislin tomou conta dos sintetizadores também digitais, hora destilando toda uma técnica em solos impecáveis, hora acompanhando as lindas passagens de piano executadas por Tesar. Jovem tecladista ao qual muito me impressionou pelo bom gosto na escolha dos mais variados timbres que chegaram bem perto aos originais dos anos 70, com poucas variações.

A banda foi muito bem conduzida pelo sério e muito técnico baterista Charles Descarfino, que se rendeu a magia do Rock Progressivo, deixando em hiato seus projetos direcionados as artes cênicas. Profissional muito competente e diversificado, conseguindo tocar qualquer gênero musical sem perder sua nítida virtuosidade. Descarfino chegou a participar do disco acústico do Renaissance gravado em 2000 na Filadélfia.

A sequência na execução das faixas foi muito bem elaborada ao meu ver. 'Prologue' abriu o show com sua característica semi instrumental, onde Annie Haslam fazia ali uma espécie de aquecimento vocal, dando apenas uma pequena amostra ao que viria pela frente.

Logo em seguida vieram dois clássicos essenciais em deslumbrantes versões. 'Carpet of the Sun' e 'Ocean Gipsy' foram bem marcantes. A primeira, por ser um dos muitos clássicos, contou com a introdução vinda do violão de Lambert, entrelaçando seus acordes ao belo piano de Rave Tesar, algo que foi bonito demais de se ver logo no começo do espetáculo. A segunda muito me emocionou por ser uma das mais lindas composições da banda, vinda de um disco que é indispensável a qualquer admirador do gênero progressivo. Versão impecável onde todos os instrumentos se completavam em total entrosamento, de forma a conduzir a voz de Annie Haslam com extrema delicadeza e sofisticação.

'Grandine Il Vento', 'Simphony of Light' e 'The Mystic and The Muse' foram as faixas selecionadas para representar o último álbum de estúdio lançado em 2013, logo após a morte do guitarrista Michael Dunford, único remanescente após a era Jane Relf.  Dunford e Haslam chegaram a compôr juntos o disco e ainda contaram com participações especiais de Ian Anderson e do saudoso John Wetton.
Sinceramente, não é um trabalho em estúdio ao qual me chamou muito a atenção, algumas faixas são lindas, e outras melancólicas demais porém, a execução ao vivo me trouxe uma perspectiva bem diferente. 

'Let It Grow' foi outro clássico que contagiou o teatro, seguido pela execução de 'Mother Russia' que pagou o ingresso. Grandiosa composição, onde ambos tecladistas foram, de certa forma, desafiados a  substituir uma orquestra sem lesar os instrumentos de base. Trata-se de uma linda obra, construída em torno de uma das melodias mais sedutoras e bem trabalhadas do Rock Progressivo em geral.

'Sounds of the Sea' e 'A Song For All Seasons' praticamente encerravam a grandiosidade daquele belo espetáculo. Esta última também merece destaque por seus belos arranjos, variadas atmosferas sincronizadas a voz angelical das tão famosas 5 oitavas de Annie Haslam.

O bis ficou por conta de uma agradável homenagem ao Brasil em forma de Bossa Nova, com a releitura de 'Quiet Nights of Quiet Stars' (Corcovado), composta por Tom Jobim e imortalizada na voz de Frank Sinatra. A versão em inglês foi originalmente gravada em 1967 como parte do álbum Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim. A versão executada pelo Renaissance agradou e muito a todos os presentes.

'Ashes are Burning' foi o encerramento mais emblemático que já pude ver de perto. A banda teve momentos de descontração e envolveu o público com solos muito bem elaborados pelo baixista americano Leo Traversa, sem desviar a coerência de sua execução. Em meio a esses solos a cinco cordas, saíram alguns pequenos trechos de músicas do Clube da Esquina. Creio que as duas primeiras tenham sido 'Ponta de Areia' e 'Vera Cruz', ambas de autoria de Milton Nascimento. As outras, não consegui identificar. 
Esse cara já passou diversas vezes pelo Brasil tocando ao lado de músicos como o próprio Milton, Toninho Horta, Ivan Lins, citando apenas alguns. 
 O solo poderoso de sintetizadores executado por Brislin foi apenas uma pequena amostra do que esse menino é capaz.

Tive a honra de agradecer pessoalmente a Mark Lambert e Annie Haslam pelo memorável espetáculo que ficará guardado nas melhores recordações da grande maioria dos presentes. O que presenciamos na noite do último domingo, foi nada menos do que uma verdadeira aula de progressivo sinfônico.

VAN DER GRAAF GENERATOR - The Other World - 1975

 

Apresentação ocorrida em 9 de Agosto de 1975 durante um festival na pequena cidade de Rimini, Itália em um amplo galpão improvisado com o nome de L'Altro Mondo que contou também com bandas como Banco, Suzi Quatro, Demis Roussous, dentre outros. 

Nesse mesmo dia, o VDGG fez duas espetaculares apresentações a tarde e a noite. A que vos apresento, foi o show realizado na parte da tarde e conta com a execução na íntegra mas em diferentes sequências do reçem lançado álbum Godbluff, além de outros clássicos que marcaram para sempre a trajetória dessa incrível banda. Peter Hammil, como sempre muito esperto, presenteou o público com três lindas canções de sua carreira solo, uma delas é a excelente "Faint-Heart and the Sermon" do álbum Camera de 1974.

Segundo fontes, a apresentação noturna também acabou virando um outro raro bootleg e o mesmo foi parar nas mãos do Hammil que, por incrível que pareça, gostou muito! 

Pra quem não sabe, esse senhor é totalmente contra qualquer tipo de reprodução oficial e não-oficial de seus discos ou apresentações ao vivo. Já passei muito perrengue com empresários do VDGG por postar discos oficiais. Até o presente momento, os bootlegs deixaram em paz. Bom pra nós!


Este é um disco duplo de média qualidade mas que, com toda certeza, simboliza a melhor fase da banda. 

TRACKS:

DISCO 1:

01 - The Undercover Man
02 - Scorched Earth
03 - Man-Erg
04 - Lemmings
05 - La Rossa

DISCO 2:

01 - Arrow
02 - A Louse Is Not A Home
03 - Faint-Heart And The Sermon
04 - The Sleepwalkers

ROCK AOR - Atlantic - Power (1994)

 

Atlantic, antes PAF (Patient Applied For), é uma banda Inglesa que nos presenciou com este único álbum. Uma jóia rara de AOR com ótimos vocais, teclados matadores e excelentes canções. No mesmo estilo de bandas inglesas, como: FM e Strangeways.
Vale a pena conferir. Perfeitoooooooo!

País: Inglaterra
Estilo: AOR
Ano: 1994

Integrantes:

Phil Bates - vocals, backing vocals, guitars, keyboards
Simon Harrison - guitars, keyboards
Paul Hoare - bass
Andy Duncan - drums
Chris Taylor - keyboards
Glen Williams - keyboards
Andy Van Evans - guitars
Phil Ridden - live drums
Tony Mills - guest backing vocals

Tracklist:

01. Can't Hold On
02. Every Beat of my Heart
03. Power Over Me
04. When the War is Over
05. Nothing To Lose
06. It's Only Love
07. Bad Blood
08. Hands of Fate
09. Dangerous Games
10. Hard To Believe
11. Heart's On Fire [bonus track]

MUSICA&SOM ☝

ROCK AOR - Atello - The Big Payoff (1999)

 

País: Estados Unidos
Estilo: Hard Rock
Ano: 1999

Integrantes:

Larry Atello - lead vocals
Rick Giarmo - guitars
Ralph Heiss - bass, backing vocals
T. Motts - drums, percussion

Músicos Adicionados:

Bruce Gatewood - guitars, keyboards
Dave Wrenn - drums

Tracklist:

01. Let Me Show You What I Can Do
02. Love Me Down
03. Emotional Blackmail
04. (You've Got a) Grip on my Heart
05. Your Love
06. Full Moon Fever
07. Hold On
08. Blind Justice
09. Big Payoff

MUSICA&SOM ☝

Metallica - Ride The Lightning [1984]

 

Recentemente a questão sobre quem é melhor - Metallica ou Iron Maiden - foi lançada após uma declaração pra lá de contestável do vocalista do Maiden, Bruce Dickinson. Nunca saberemos quem é o melhor, mas apesar do Iron Maiden manter o mesmo padrão de qualidade em vários álbuns, principalmente os oitentistas, o Metallica perambula entre o "pouco inspirado" e o "genial". E todos sabem que o "genial" pode simplesmente revolucionar gerações.

Um dos momentos mais geniais do quarteto californiano foi registrado no álbum dessa postagem. A banda já havia conquistado um certo reconhecimento com "Kill 'Em All", mas ainda não tinham um contrato com uma grande gravadora. Continuaram brigando por um lugar ao sol, mas agora com mais experiência, maior orçamento e uma legião de fãs em formação tanto nos Estados Unidos quanto na Europa, o Metallica poderia explodir de vez.

Da esquerda pra direita: Cliff Burton,
Lars Ulrich, Kirk Hammett, James Hetfield

"Ride The Lightning" foi gravado em menos de um mês e lançado em julho de 1984 pelo selo independente Megaforce Records, mas relançado quatro meses depois pela Elektra Records para maior exposição dos meninos recém-contratados. O momento era tão genial (faço questão de repetir), que este disco não é apenas um magnum opus do Heavy Metal, como também trata-se de um dos principais álbuns na construção do gênero Thrash Metal.

Enquanto o antecessor "Kill 'Em All" trazia quatro rapazes cheios de raiva e energia para descontar em seus instrumentos, "Ride The Lightning" é rico e complexo da cabeça aos pés. As letras abordavam temas como problemas sociais, guerra - mas não de um modo superficial -, suicídio, entre outros; já o instrumental se mostrou muito bem estruturado e sofisticado mas sem perder o peso, até porque o álbum é um dos mais pesados do próprio Metallica.

As linhas de guitarras cruzadas geniais, o baixo incrivelmente pesado, a bateria técnica e habilidosa, os solos magníficos e o característico vocal de James Hetfield, ainda rasgado e pouco grave, são cortesia deste baita disco. O conjunto da obra alterna entre momentos freneticamente rápidos, como em Trapped Under Ice e Creeping Death; magnificamente bem compostos e pesados mas não tão rápidos, como na faixa-título, em For Whom The Bell Tolls e na instrumental The Call Of Ktulu; e até arrastados, como na semi-balada Fade To Black.

"Ride The Lightning" traz 47 minutos de criatividade e agressividade inéditas até o ano de seu lançamento. Clássico incontestável do início ao fim. Se é melhor que Iron Maiden, aí é outra história.

01. Fight Fire With Fire
02. Ride the Lightning
03. For Whom The Bell Tolls
04. Fade To Black
05. Trapped Under Ice
06. Escape
07. Creeping Death
08. The Call of Ktulu (Instrumental)

James Hetfield - vocal, guitarra
Kirk Hammett - guitarra
Cliff Burton - baixo, backing vocals
Lars Ulrich - bateria