1 Kislány, Add A Kezed
2 Jelbeszéd
3 A Tanárnõ
4 Virágének
5 Good Bye London
6 Nehéz Várni
7 Szemétdomb
8 A Szó Veszélyes Fegyver
9 Nekem Oly Mindegy
10 Emlék M.-nek
O nono álbum de estúdio da banda de folk/rock alternativo Deer Tick é inspirado em sua cidade natal, Providence, Rhode Island. O grupo mergulhou no passado obscuro da cidade e criou narrativas musicais baseadas em gângsteres, religião e a experiência de imigrantes, e este álbum abrangente mostra o Deer Tick em seu momento mais criativo. A banda (o vocalista/guitarrista John McCauley, o guitarrista/vocalista Ian O'Neil, o baterista/vocalista Dennis Ryan e o baixista Christopher Ryan) autoproduziu seu álbum pela primeira vez na carreira, e isso foi fundamental para a liberdade musical encontrada em Coin-O-Matic . O próprio título vem de uma empresa de máquinas de venda automática de cigarros que servia como sede de Raymond Patriarca, um chefe do crime de Providence, dando o tom do álbum. A robusta "Dog Years" abre com um violão…
…começa como uma história de perda e envelhecimento, e então explode em um rock completo com metais (de Steve Berlin, do Los Lobos) e mudanças bruscas de ritmo; a densa camada sonora é um bom prenúncio do que está por vir. “Mary Singletary” é um rock de garagem cativante com uma forte carga de culpa católica irlandesa e um toque de piano no final, enquanto as guitarras envolventes dão a “Endless Loop” uma atmosfera indie rock onírica.
“ACI” é claramente inspirado pelo folk rock local da fase final da carreira de Bruce Springsteen, e a comovente e melancólica “Everything Born” (com um ótimo solo de guitarra) parece ter sido inspirada por Tom Petty, mas, no geral, a principal influência musical do Deer Tick se aproxima mais do The Band. Vários vocalistas e um estilo roots-rock dão cor a canções como o folk-rock cadenciado de “Sweetest Things”, a cadenciada “I Am an Island” e a cintilante e envolvente “Exit Door”, que aborda, de forma sincera, um mundo em rápida transformação.
O coletivo democrático também experimenta alguns estilos diferentes com graus variados de sucesso. "Eyelid" é uma tentativa de art-rock mais áspera, enquanto "507 Smith" usa mudanças inusitadas e um estilo jazzístico, ambas não atingindo o objetivo. Muito melhor é a impactante faixa de encerramento "Candy Cigarettes", uma narrativa dramática e expansiva que atravessa oceanos e décadas. McCauley canta sobre sua infância e paternidade, proclamando "é para isso que servem as famílias", enquanto a música explora o amor intergeracional, o crescimento, a perda e o ciclo da vida, oscilando entre dedilhados acústicos e riffs massivos e avassaladores.
Em Coin-O-Matic, do Deer Tick , cada música se apresenta como um mini-filme com narrativa cinematográfica, acompanhada por música com raízes no rock e muito mais, tudo celebrando sua cidade natal, Providence, Rhode Island. Quase vinte anos após o início da carreira, o grupo parece estar atingindo um novo patamar de colaboração com este álbum cheio de confiança.
Em uma parceria de sucesso com John Congleton, os veteranos do indie Death Cab for Cutie expandiram o excelente Asphalt Meadows de 2022 para criar algo ainda mais atemporal com seu 11º álbum de estúdio, I Built You a Tower . De volta a uma gravadora independente e revigorados por turnês comemorativas com ingressos esgotados em arenas lotadas, Tower se beneficia de uma abordagem mais simples e direta, alcançada pela banda gravando o álbum em menos de um mês. Sem excessos ou truques de produção em excesso, o resultado é uma experiência refrescante e surpreendentemente pura, que remete aos tempos do início dos anos 2000, quando a banda estourou no mainstream. Prosperando nesse espaço, sua característica melancolia eleva momentos marcantes como a arrebatadora…
…“Envy the Birds” e a melancólica “I Built You a Tower (a)”, enquanto o álbum ganha vida com rocks desimpedidos como a estridente “How Heavenly a State” e “Punching the Flowers”, que injetam um pouco de espírito e angústia de volta ao catálogo do Death Cab. Com o vocalista Ben Gibbard lidando com os extremos emocionais de processar mais um divórcio e celebrar o legado indie agora consagrado da banda, há uma sensação de confiança e segurança que se choca com a vulnerabilidade ferida, oferecendo uma das experiências mais variadas em seu catálogo da fase final.
I Built You a Tower , o álbum mais pesado e emocionalmente impactante dos últimos tempos, é um forte lembrete do porquê o Death Cab tocou tantos corações ao longo das décadas, recusando-se a se acomodar em seu legado com este lampejo criativo e libertador que rende frutos em abundância.
A banda Old Crow Medicine Show lança seu novo álbum, Union Made, com a Hartland Records através da Firebird Music. O álbum traz a banda, duas vezes vencedora do Grammy, refletindo sobre as pessoas, os lugares e as histórias de uma nação prestes a completar 250 anos. A inspiração veio da trajetória de quase 30 anos da banda, desde as ruas do oeste da Carolina do Norte até os palcos mais renomados do país. Eles afirmam que o álbum é uma carta de amor à América que foi, à América que é e à América que poderia ser. A banda passou mais de um quarto de século mesclando as tradições vernaculares da América antiga, incluindo música tradicional americana, bluegrass, música tradicional americana e folk, em canções modernas que continuam a ressoar através de gerações e geografias.
A música deles funciona como uma ponte cultural, conectando o passado ao presente. Union Made sucede o primeiro álbum natalino do Old Crow Medicine Show, OCMS XMAS, lançado em dezembro de 2025, e o primeiro álbum solo de Ketch Secor, Story The Crow Told Me. Secor também estreou como o novo apresentador da série de viagens e cultura da PBS de Nashville, Tennessee Crossroads.
Produzido por Morgan Jahnig, baixista e membro de longa data da banda, e gravado no estúdio próprio do Old Crow Medicine Show, em East Nashville, Union Made é o projeto mais colaborativo do Old Crow Medicine Show até hoje, contando com a participação de quase uma dúzia de convidados, incluindo Maggie Rose, Evan Felker (do Turnpike Troubadours), Jesse Welles, Lee Oskar, John Carter Cash e Ana Cristina Cash.
A banda Old Crow Medicine Show lançou seu novo single, "Last American Waltz", com participação de Molly Tuttle, acompanhado de um videoclipe gravado no salão de baile da Legião Americana de Nashville. "Last American Waltz" transmite a mesma ternura e ressonância emocional que há muito definem a música de raízes americanas.
“Last American Waltz é uma canção de amor à América em compasso 3/4”, diz o líder da banda, Secor. “Queríamos que ela tivesse um ar atemporal – o tipo de música que poderia ecoar pela pista de dança à meia-noite ou ressoar em um antigo salão da Legião Americana depois que as luzes se acendem. A participação de Molly Tuttle nessa faixa trouxe ainda mais emoção e alma à gravação.”
… 8-Tracks é, como se pode imaginar, uma coletânea condensada em oito faixas do material do Pink Floyd dos anos 70 (com exceção de Atom Heart Mother, de 1970 ). Inclui os singles “One of These Days” (de Meddle , de 1971 ), “Money” (de The Dark Side of the Moon ), “Another Brick in the Wall, Part 2” e “Comfortably Numb” (do álbum duplo The Wall , de 1979 ), além da faixa “Time”, também de The Dark Side of the Moon, e a faixa-título de Wish You Were Here . Honrando o formato que dá nome à coletânea, 8-Tracks será sequenciado em dois programas contínuos editados por Steven Wilson, com trechos das fitas multitrack originais utilizados para facilitar as transições entre as músicas. Além disso, a faixa de encerramento “Pigs on the Wing” (de Animals , de 1977 ) será ouvida em uma versão rara e mais longa que foi…
A natureza extremamente pessoal deste álbum fica evidente na introdução da música “Canopies”. O que começa como um prelúdio suave é, na verdade, um momento capturado durante uma viagem em família a Houston, onde Azniv Korkejian (também conhecida como Bedouine ) gravou discretamente uma conversa com sua mãe e, posteriormente, a incorporou aos compassos iniciais da canção. A faixa se torna um veículo para uma história que sua mãe carregou sozinha, sua infância passada em um orfanato, para onde foi colocada por sua própria mãe como forma de escapar de um pai abusivo. Ali perto, naqueles anos, sua mãe cantava para o ar como se enviasse uma mensagem à distância, sentindo a presença da filha na brisa. O verso que ela se lembra: “as ondas das praias de Beirute tremulam, e como elas sopram docemente o vento da minha querida…”.
…ar”, flutua na canção como um fio de saudade esticado através das gerações. O peso emocional da música aumenta lentamente, como uma flor que se volta para a luz. A canção se torna uma herança tácita de saudade, passada de mãe para filha, elaborada com a mesma ternura que permeia todo este incrível novo álbum, Neon Summer Skin .
O caminho de Korkejian para concluir este álbum foi um longo e sinuoso retorno aos primeiros cômodos de sua vida, aqueles que ela não percebia que carregava consigo em cada mudança, reinvenção e capítulo de seus vinte e trinta anos. Bedouine sempre escreveu a partir de um lugar de clareza emocional, mas desta vez a clareza veio do choque de reconhecer que a infância não termina de forma limpa e que seu brilho residual pode ser mais intenso quando você pensa que já a superou. Depois de visitar seus pais na Arábia Saudita, pressentindo que seria sua última visita antes que eles se aposentassem na Armênia, ela voltou para casa devastada por um sentimento inabalável. "Eu não estava pronta para deixar de ser filha de alguém", admite, e as canções começaram a se formar em torno dessa revelação: o maiô neon que ela usava constantemente, o silêncio acolhedor das tardes de verão, as cenas rituais da vida familiar nunca totalmente examinadas até que a distância as tornasse dolorosas. Pela primeira vez, ela se viu escrevendo em torno de um único tema, deixando que memórias específicas a guiassem em vez de simplificá-las em universais. Esse foco a levou de volta aos instrumentos de sua infância (o piano que praticava sob o olhar atento da mãe, o trompete que aprendeu a tocar no ensino fundamental), e ela seguiu seus timbres em direção a uma paleta mais rica e lúdica. Ela sobrepôs metais com válvulas, órgão, cordas e flauta em arranjos que cintilam com a cadência da bossa nova, inflexões de jazz e um toque de psicodelia, coproduzindo com Gus Seyffert e explorando novas formas com Jonathan Rado e Michael e Brian D'Addario, do Lemon Twigs. O resultado é um disco que lamenta o fim da inocência, ao mesmo tempo que soa renovado para o mundo, uma culminação sonora da vida vivida e daquela que ela ainda está aprendendo a abraçar.
Quando o álbum começa com "On My Own", a cena é quase cinematográfica em sua quietude: uma linha contemplativa de piano, uma pulsação suave de bateria, a sensação de alguém parado em um corredor familiar, ouvindo ecos que só essa pessoa consegue ouvir. Ela pensa nas conversas, nas brigas entre irmãos, nas pequenas tempestades domésticas que outrora definiam o que era pertencimento, e a canção se move como uma mão deslizando pelas paredes de uma casa de infância. No entanto, há uma elevação na melodia final da guitarra; uma linha errante e vibrante que soa como uma janela entreaberta para deixar entrar ar fresco. O som de alguém saindo da memória sem abandoná-la, deixando o passado brilhar atrás de si enquanto caminha para o que vier a seguir, que por acaso é "Long Way To Fall", um destaque indiscutível do álbum; uma canção lindamente deslizante e graciosa que evoca toda a melancolia e saudade que um ouvinte possa suportar, mas a envolve em floreios de piano inegáveis e linhas de guitarra sinuosas saídas diretamente do manual de George Harrison, de modo que o resultado é quase religioso em seu fervor. E um toque encantador no final (uma referência aos Beatles, talvez?) é uma conversa tipicamente liverpudliana antes de um acorde de piano de salão escolar dar início a "Always On Time". Mais elegância abunda nesta peça: cordas de câmara, passagens de flauta e, retornando às memórias que o piano me inspirou desde o início, um sino à moda antiga sinalizando o fim.
One Thing Right também apresenta a tranquilidade das flautas, sem a quietude, pois aqui temos uma batida soul constante dos anos setenta, solos de metais funky e um vocal principal que se encontra de frente com a autêntica e emotiva atitude sulista. E, finalmente, minha atenção retorna ao núcleo emocional do álbum, a faixa-título escolhida com precisão, que realmente atinge a essência com o arranjo mais despojado que se possa imaginar. Detesto me repetir em termos de comparações musicais, mas há um solo de metais melancólico aqui que é tão belo que não consigo deixar de pensar em uma certa banda de quatro integrantes de 1966 gravando For No One. E o violão, tão expressivo, deixa transparecer até mesmo as arestas mais ásperas, enquanto os dedilhados e as notas começam a parecer que vão desmoronar sob o peso do tema. Apenas um único verso parece carregado de pathos suficiente para capturar perfeitamente o conflito de sentimentos em jogo aqui, quando Bedouine canta: “todo mundo está mais velho agora”. O movimento irreversível do tempo, da memória, da passagem, da perda, da inocência e da esperança em uma nova vida podem ser encontrados e sentidos nesta canção comovente. No entanto, essa essência permeia todo este álbum impressionantemente atemporal, no qual Bedouine inegavelmente se encontrou em seu registro mais autêntico.
Acima de tudo, o álbum de estreia do Widemouth , No Gasoline, é um disco sobre amizade. Nascido no porão de um dormitório da Universidade Northwestern, onde dois quartos da banda se reuniam para tocar covers de Paul Simon e Big Thief, o grupo abordou este álbum como uma equipe, compondo todas as músicas em conjunto. E, tematicamente, soa como uma história oral de um quarteto construindo uma comunidade escolhida, com as canções transbordando emoções e histórias compartilhadas. Ao longo das doze faixas que compõem este LP, a banda de Chicago consegue oferecer toques de artistas que vão de Phoebe Bridgers e Bright Eyes à banda local Ratboys. Há uma melancolia na suave faixa de abertura, "I Wish You Passed On a Little Anger", com Mak Carnahan…
…e os vocais suaves e melancólicos de Jamie Eder, acompanhados por guitarras sutis, que permeiam todo o disco. É essa consistência sonora que, em certos momentos, funciona tanto a favor quanto contra o álbum. A banda cria belas paisagens sonoras atmosféricas, mas, por vezes, as músicas se confundem umas com as outras.
“Pinecone”, uma das primeiras faixas do álbum (que retorna no final), é uma canção melancólica com dedilhados delicados que remetem à influência da música americana. Essas sutis tendências country ressurgem mais tarde no disco, na faixa-título, enquanto “Raincoat” e “You & Your Girlfriend” apresentam letras profundamente pessoais e repletas de detalhes, muito características da composição de Conor Oberst e Bridgers.
"The Water", indiscutivelmente o núcleo emocional deste disco, narra a morte de alguém próximo ao vocalista/guitarrista Carnahan. A intensidade da música em torno de letras como "os alfinetes no seu cabelo / encontrando o paraíso / parada na entrada da garagem / tempestade no ar" é de partir o coração. "Debbie", construída sobre a base de guitarras elétricas fortes que se transformam em acústicas quando os vocais entram, antes de retornarem ao som original, evoca a característica estrutura sonora dos Pixies, com alternância entre momentos altos e baixos, e é um dos pontos altos do álbum. Antes da reprise de um minuto de "Pinecone", a banda encerra o disco com "Cattle", outra balada delicadamente marcante que lembra a banda britânica The Sundays.
O álbum de estreia do Widemouth é um disco emocionalmente impactante, enraizado na amizade, na memória e na intimidade de uma comunidade escolhida. O álbum transita entre uma melancolia suave, passagens acústicas delicadas e clímaxes emocionais arrebatadores, com uma sonoridade consistente e atmosférica que transmite uma sensação profundamente pessoal e reflexiva. Embora essa música nebulosa ocasionalmente faça com que as faixas se misturem, os momentos mais fortes do disco brilham através de seu lirismo vívido. Em sua essência, No Gasoline captura a dor da perda, o conforto da companhia e a beleza serena encontrada em experiências compartilhadas
O Chocolate Watchband é uma banda americana de garage rock formada em 1965 em Los Altos, Califórnia. A banda passou por diversas mudanças de formação ao longo de sua existência. Combinando elementos psicodélicos e de garage rock, seu som era marcado pelos vocais principais de David Aguilar, bem como por arranjos musicais proto-punk. A postura musical rebelde da banda a tornou um dos grupos mais agressivos da época.
Em 1966, a banda The Chocolate Watchband assinou com a Tower Records e lançou seu primeiro single, "Sweet Young Thing", em 1967. Mais tarde naquele ano, lançaram seu álbum de estreia, No Way Out. Embora o álbum não tenha obtido sucesso comercial em nível nacional, a banda tornou-se uma atração frequente em San Jose e na região da Baía de São Francisco. Em 1968, lançaram seu segundo álbum, The Inner Mystique, que incluía a música mais popular da banda, um cover de "I'm Not Like Everybody Else". Em 1969, lançaram seu último álbum, One Step Beyond, que, no entanto, não foi tão bem recebido quanto seus trabalhos anteriores, e a banda se separou em 1970.
Esta banda não deve ser confundida com The Chocolate Watch Band, um grupo britânico sediado em Londres que lançou dois singles pela Decca Records em 1967.
Luther Allison (17 de agosto de 1939 – 12 de agosto de 1997) foi um guitarrista de blues americano. Nascido em Widener, Arkansas, mudou-se com a família para Chicago em 1951, aos doze anos de idade. Aprendeu a tocar guitarra sozinho e começou a ouvir blues intensamente. Três anos depois, passou a frequentar casas noturnas de blues na esperança de ser convidado para se apresentar. Tocou com a banda de Howlin' Wolf e acompanhou James Cotton. Foi introduzido postumamente no Hall da Fama do Blues em 1998. Em 2000, o Chicago Sun-Times o chamou de "O Bruce Springsteen do blues".
Guitarrista, cantor e compositor americano, que vivia na França desde 1980, Luther Allison era o artista requisitado para festivais de blues em meados da década de 1990. O retorno de Allison ao cenário musical foi impulsionado por um contrato com a gravadora americana Alligator Records, sediada em Chicago. Após assinar com a Alligator em 1994, a popularidade de Allison cresceu exponencialmente e ele trabalhou sem parar até sua morte em 1997.
Este é mais um lançamento relativamente obscuro do saudoso e genial Luther Allison. Gravado na Europa, eles acertaram em cheio! A gravação é equilibrada e agradável aos ouvidos, e a guitarra solo marcante e o vocal de Luther estão impecáveis. Depois da faixa-título "Time" - que é inegavelmente R&B - Luther retorna ao seu estilo blues pantanoso, e este delicioso CD parece terminar cedo demais. Mas, sem dúvida, me conquistou aos poucos.
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Artist: Wet WillieLocation: USAAlbum: Wet Willie IIYear: 1972Genre: Southern RockDuration: 36:06Tracks:.jpg)
