Em 10/11/1972: Barclay James Harvest lança o álbum Baby James Harvest.
Baby James Harvest é o quarto álbum de estúdio da banda inglesa de rock progressivo Barclay James Harvest. Lançado em novembro de 1972. As canções incluem "Crazy (Over You)", "Delph Town Morn" e "Thank You".
Listagem de faixas e de pessoal:
Lado Um:
1. "Crazy (Over You)" - 4:09
2. "Delph Town Morn" – 4:43
3. "Summer Soldier" - 10:23
Lado dois:
4. "Thank You" - 4:22
5. "One Hundred Thousand Smiles Out" - 6:05
6. "Moonwater" - 7:22.
Faixas bônus:
O álbum foi remasterizado e relançado
pela Harvest em 2002 com faixas bônus:
7. "Child of Man" (single B-side) (Lees) – 3:21
8. "I'm Over You" (single A-side) (Lees) – 3:53
9. "When The City Sleeps" (single B-side)† (Lester Forest) – 4:16
10. "Breathless" (single A-side)† – 3:09
11. "Thank You" (alternative version)▲ – 4:27
12. "Medicine Man" (single version) – 4:29
13. "Rock and Roll Woman" – 3:18
14. "The Joker" – 3:32
15. "Child of Man" (BBC session 15 March 1972)▲ – 3:37
16. "Moonwater" (2002 remix) – 7:20
† originalmente lançado sob o pseudônimo
de "Bombadil" ▲ inédito.
Pessoal:
Orquestra Sinfônica Barclay James Harvest -
conjunto de 60 peças
Martyn Ford - condução, arranjo ,
Alan Travers - líder
John Bell - arranjo ,
Les Holroyd - vocal, baixo, órgão,
melotron , John Lees - vocais, guitarras elétricas
Em 10/11/1981: Motley Crue lança o álbum Too Fast For Love.
Too Fast for Love o primeiro álbum de estúdio da banda americana de heavy metal Mötley Crüe.
A primeira edição de 900 cópias lançada em 10 de novembro de 1981, pela gravadora original Leathür Records. A Elektra Records assinou com o Motley Crue no ano seguinte, altura em que foi remixado e parcialmente regravado.
Com a lista de faixas diferente e arte ligeiramente diferente (letras vermelhas na capa e a fotografia interior diferente da banda), tornou-se a versão padrão qual derivam todas reedições posteriores.
Too Fast For Love regravado também removeu "Stick to Your Guns", embora apareça em uma versão da faixa bônus do álbum.
A mixagem original permaneceu inédita em CD
até 2002, quando foi incluída no Music to Crash Your Car To: Vol. 1 compilação de box set.
Embora tenha alcançado apenas o 77 lugar na parada álbuns Billboard 200 nos EUA, acabaria alcançando o status de platina. As músicas "Stick to Your Guns" e " Live Wire " foram lançadas como singles do álbum. A capa é uma homenagem ao álbum Sticky Fingers, dos Rolling Stones, de 1971.
Listas de faixas:
1981 Leathür Registros lançamento original
Todas as faixas são escritas por Nikki Sixx.
Lado um:
1. "Live Wire": 3:14
2. "Public Enemy #1": 4:22
3. "Take Me to the Top": 3:43
4. "Merry-Go-Round": 3:22
5. "Piece of Your Action": 4:39
Lado dois:
6. "Starry Eyes": 4:28
7. "Stick to Your Guns": 4:20
8. "Come on and Dance": 3:11
9. "Too Fast for Love": 4:11
10. "On with the Show": 4:07.
Faixas bônus do lançamento do CD da Mötley Records em 2003:
10. "Toast of the Town" (B-side of the 1981 "Stick to Your Guns" single): 3:35
11. "Tonight" (Raspberries cover): 4:27
12. "Too Fast for Love" (alternate intro): 4:19
13. "Stick to Your Guns": 4:23
14. "Merry-Go-Round" (live in San Antonio, Texas): 3:56
Em 10/11/1986: Kraftwerk lança o álbum Electric Café.
Electric Café é o nono álbum de estúdio da banda eletrônica alemã Kraftwerk. Lançado em 27 de outubro e 10 de novembro de 1986. O álbum de 1986 veio com as versões cantadas em inglês e alemão, como o lançamento limitado da Edición Española, apresentou as versões de "Techno Pop" e " Sex Object" com as letras apenas em espanhol.
Foi o primeiro álbum criado usando instrumentos musicais predominantemente digitais, embora o produto final ainda fosse gravado em fitas master analógicas. Em 2 de outubro de 2009, o álbum foi remasterizado e relançado com seu título original provisório, Techno Pop. Na Espanha foi lançado em duas versões. Uma era a edição regular em inglês / internacional e a outra uma versão local da Edición Española, que apareceu no início de 1987, com as letras em espanhol para "Techno Pop" e "Sex Object", (muitas vezes erroneamente intitulado "Objeto Sexual" pelos discógrafos).
O álbum de vinil apenas em espanhol foi retirado logo depois por causa de um erro de fabricação uma queda completa de vários segundos do som durante faixa final e nunca foi relançado em CD. Ambas as versões também estavam disponíveis em cassete. A música "Sex Object" está ausente das edições sul-coreanas do álbum.
Uma edição remasterizada de Electric Café foi lançada pelas gravadoras EMI Records, Mute Records e Astralwerks Records em CD, download digital e vinil pesado em outubro-novembro de 2009. O lançamento foi alterado de volta para o título original de Techno Pop. Devido às restrições de licenciamento impostas pela Warner Music Group, esta versão só foi disponibilizada nos EUA e Canadá como parte do box set The Catalogue. No entanto, desde 2013, com a venda e a dissolução da EMI, os direitos do álbum são controlados pela Warner em todo o mundo.
Lista de Faixas:
Electric Café (1986)
Lado um:
1. "Boing Boom Tschak": 2:57
2. "Techno Pop": 7:42
3. "Musique Non-Stop": 5:45
Lado dois:
4. "The Telephone Call"
("Der Telefon-Anruf"): 8:03
5. "Sex Object" ("Sex Objekt"): 6:51
6. "Electric Café": 4:20.
Pessoal:
Ralf Hütter - voz, vocoder, teclados,
eletrônicos, engenheiro de mixagem
Florian Schneider - vocoder, síntese de voz, design de som
Karl Bartos - teclados, eletrônicos, percussão eletrônica (e voz em "The Telephone Call")
Henning Schmitz - engenheiro de som
(Kling Klang Studio)
Joachim Dehmann - engenheiro de som
(Kling Klang Studio)
Fred Maher - transferência de dados
musicais (Axis Studio, NYC)
Bill Miranda - transferência de dados de música
François Kevorkian - mix (Right Track, NYC)
Ron St. Germain - mix (Right Track, NYC)
Bob Ludwig - masterização
Hubert Kretzschmar - design gráfico
Rebecca Allen - todas as capas do álbum
O membro da banda Wolfgang Flür está incluído em uma lista geral subsequente de pessoal, mas não é creditado com um papel musical ou de produção nessas gravações.
Who Are You é o oitavo álbum de estúdio do The Who, lançado em 1978, e ocupa um lugar especial, e também trágico, na história da banda. Foi o último disco gravado com o baterista Keith Moon, que morreu poucas semanas depois do lançamento. O álbum surgiu em um momento em que o punk e a new wave estavam ganhando força na Inglaterra, enquanto o The Who já era visto como parte da geração estabelecida do rock. Pete Townshend transformou justamente esse conflito entre passado, identidade e mudança em parte importante das letras.
Musicalmente, Who Are You combina o hard rock característico do grupo com sintetizadores, arranjos mais elaborados e elementos progressivos. A faixa-título, “Who Are You”, tornou-se uma das músicas mais famosas do The Who, impulsionada pelo riff marcante, pelos sintetizadores e pela interpretação poderosa de Roger Daltrey. Outros destaques são “Sister Disco”, “Music Must Change”, “New Song” e “905”, esta última composta e cantada por John Entwistle. Keith Moon já enfrentava sérios problemas pessoais e de saúde durante as gravações, e sua participação é menos explosiva em alguns momentos, embora sua personalidade ainda seja claramente perceptível.
Who Are You acabou funcionando involuntariamente como o encerramento da formação clássica do The Who, composta por Roger Daltrey, Pete Townshend, John Entwistle e Keith Moon. O álbum foi um grande sucesso comercial e a faixa-título atravessou gerações, tornando-se um clássico absoluto da banda. Visto hoje, é um disco de transição: ao mesmo tempo em que preserva a força do The Who dos anos 1970, aponta para uma produção mais moderna e sofisticada que seria desenvolvida nos trabalhos seguintes, já sem Moon.
The Royal Scam é o quinto álbum de estúdio do Steely Dan, lançado em 1976, e representa uma fase em que Donald Fagen e Walter Becker deixavam cada vez mais para trás a ideia de uma banda convencional para trabalhar como um sofisticado projeto de estúdio. O disco tem uma sonoridade mais sombria, urbana e pesada que seus antecessores, combinando rock, jazz, funk e rhythm & blues com a produção extremamente cuidadosa que se tornaria uma marca da dupla.
Um dos grandes destaques é “Kid Charlemagne”, inspirada no universo da contracultura e das drogas psicodélicas dos anos 1960. A faixa ficou especialmente famosa pelo extraordinário solo de guitarra de Larry Carlton, um dos músicos de estúdio que tiveram participação decisiva no álbum. Carlton também aparece com destaque em outras faixas, ajudando a fazer de The Royal Scam um dos discos do Steely Dan com maior presença de guitarra. “The Fez”, “Don’t Take Me Alive”, “Haitian Divorce” e “Green Earrings” também estão entre os momentos mais marcantes, com arranjos complexos escondidos sob músicas surpreendentemente acessíveis.
As letras seguem o estilo característico de Becker e Fagen: irônicas, ácidas e cheias de personagens moralmente duvidosos, tratando de crime, drogas, relacionamentos fracassados e desencanto com a vida americana. A faixa-título encerra o álbum de maneira particularmente amarga, narrando a experiência de imigrantes que chegam aos Estados Unidos esperando uma vida melhor e encontram uma realidade muito diferente. The Royal Scam acabou funcionando como uma ponte perfeita entre a fase mais roqueira do Steely Dan e a sofisticação jazzística ainda maior de Aja, lançado no ano seguinte. Hoje é considerado um dos trabalhos essenciais da banda e, para quem prefere o lado mais pesado e guitarrístico do Steely Dan, é frequentemente apontado como um dos melhores.
Track listing: Intro / Dogg Pound Gangstaz / Respect / New York, New York (Tha Night I Served 2,000 M.C.?) / Smooth / Cyco-Lic-No (Bitch Azz Niggaz) / Ridin’, Slipin’ and Slidin’ / U Can’t Cee Me / Big Pimpin 2 / Let’s Play House / I Don’t Like to Dream About Gettin Paid / Do What I Feel / If We All Fuc* / Some Bomb Azz Pussy / A Dogg’z Day Afternoon / Reality / One By One (Subtracting Sucka Azz Niggaz from the Face of the Earth) / Soo Much Style
18 de novembro de 1995, 1 semana
Meses antes do lançamento de Dogg Food , o Tha Dogg Pound já era conhecido por suas controvérsias e pelo topo das paradas musicais. A dupla, formada por Delmar “Dat Nigga Daz” Arnaud e Ricardo “Kurupt the Kingpin” Brown, participou de álbuns de sucesso como The Chronic , do Dr. Dre, Doggystyle , do Snoop Doggy Dogg , e da trilha sonora de Murder Was the Case .
Com uma lista tão impressionante de créditos e conexões — Daz é primo de Snoop Doggy Dogg — a expectativa para o álbum do Tha Dogg Pound já era alta quando uma tempestade política em maio de 1995 levou as coisas ao ponto de ebulição. O líder da maioria no Senado e candidato à presidência, Bob Dole, atacou publicamente a Time Warner por vender o que ele chamou de música rap “violenta e sexualmente degradante”. Outros líderes influentes, incluindo o ex-secretário de Educação e czar antidrogas federal William J. Bennett e C. DeLores Tucker, presidente do Congresso Nacional Político de Mulheres Negras, também pressionaram a Time Warner a se desfazer da Interscope Records, a gravadora que distribuía a Death Row Records, casa de Dr. Dre, Snoop Doggy Dogg e Tha Dogg Pound.
A pressão era tão grande que o presidente do Warner Music Group, Michael Fuchs, optou por romper os laços com a Interscope, deixando a Death Row livre para fechar um acordo com a gravadora independente Priority para a distribuição de Dogg Food .
Enquanto as forças políticas anti-gangsta rap comemoravam uma vitória, o Tha Dogg Pound não ia desaparecer. Na verdade, em meio à polêmica, a dupla continuou trabalhando incansavelmente no álbum, quase alheia à controvérsia. "Era só uma coisa de campanha", diz Daz. "A gente não ligava pra essa merda. Só estávamos tentando terminar nosso álbum."
Embora fosse inevitável que Tha Dogg Pound tivesse semelhanças com The Chronic, do Dr. Dre, e Doggystyle , do Snoop Doggy Dogg , Daz afirma que cada álbum é único. "É tudo diferente, vindo de lugares diferentes", diz Daz. "Somos todos indivíduos diferentes, então cada um tem sua própria perspectiva." Dr. Dre, que produziu Doggystyle , atuou como co-produtor executivo de Dogg Food , juntamente com Suge Knight, CEO da Death Row.
Embora o álbum estivesse originalmente programado para ser lançado em julho de 1995, ele só saiu no dia do Halloween, já que a dupla fez questão de aproveitar as sessões realizadas nos estúdios Can Am e no estúdio do Dr. Dre, conhecido como Dre's Crib. "Acontecia de tudo", diz Daz. "Noites em claro, telefonemas, mulheres, todo tipo de coisa. Era uma verdadeira festa lá dentro. Eu gosto de ter muita gente por perto quando estou trabalhando. Tudo isso nos inspirou a fazer melhor."
Os fãs mais fervorosos do rap não precisavam ser convencidos. Assim como Doggystyle e Murder Was the Case , Dogg Food estreou em primeiro lugar na Billboard 200. Bob Dole, William Bennett e C. DeLores Tucker certamente ficaram desapontados.
OS CINCO MELHORES Semana de 18 de novembro de 1995
1. Dogg Food , Tha Dogg Pound 2. Daydream , Mariah Carey 3. Cypress Hill III (Temple of Boom) , Cypress Hill 4. Jagged Little Pill , Alanis Morissette 5. Mellon Collie and the Infinite Sadness , The Smashing Pumpkins
Marco do glam-rock, “The Slider”, álbum da banda britânica T-Rex confirmava uma recente idolatria em torno de seu líder, o carismático e sagaz Marc Bolan. O Tyrannossaur Rex, nome original da banda que ficou mesmo conhecida por sua simplificação abreviada, contava, entre tantos fãs com a admiração de ninguém menos que David Bowie, fã declarado, que, de certa forma, se inspiraria em toda a proposta estético-sonora de Bolan e sua turma para construir seu ícone Ziggy Stardust. Enquanto a produção ficava a cargo de Tony Visconti, parceiro de Bowie no álbum "Space Oddity", a arte do álbum, marcante, com Bolan usando uma cartola, foi concebida por ninguém menos que o Beatle Ringo Starr, também admirador confesso do trabalho do T-Rex. Estava mal de fãs o T-Rex? Bowie e Ringo?
A gostosa “Metal Guru” e a envolvente “Telegram Sam”, que posteriormente viria a ganhar uma versão bem interessante pela banda Bauhaus, foram os grandes sucessos do disco mas o ótimo “The Slider” não se limitava a estas duas. A faixa título é contidamente pesada, “Rock On” e “ Buick Mackane” são rocks venenosos e contagiantes, enquanto a adorável “Mystic Lady” e a balada acústica “Ballroom of Mars” são momentos mais suaves nos quais Bolan desfilava todo o potencial de seu vocal ácido e elegante.
“The Slider” é um dos discos mais importantes e um dos mais influentes da história do rock, tendo inspirado um grande número de artistas a partir de seu lançamento, tanto estética quanto musicalmente. Que o digam Morrissey, Green Day, Bauhaus, Siouxsie, My Chemical Romance, R.E.M., só para ficar em alguns.
“Quem se lembra de Suzanne Vega apenas pelo hit mundial ‘Luka’
está perdendo a chance de conhecer
uma das artistas mais inteligentes da música do nosso tempo.
Ela vem de um passado folk,
mas a partir do trabalho com o produtor Mitchell Froom
lançou alguns dos melhores discos da carreira.
Este álbum traz Suzanne Vega num estado encantado.
Falando de coisas que acontecem à sua volta com um olhar delicado,
a compositora e violonista nos transporta para perto dela.
O disco é permeado de sonoridades instigantes.
Doses certeiras de dúvida existencial,
sensualidade, paixão e alguns mistérios.”
Fernanda Takai
Na minha adolescência, eu e meus amigos sempre tivemos gostos musicais parecidos. Éramos praticamente unânimes quanto a The Cure e The Smiths, por exemplo. Mas todos tinham suas paixões, aqueles pelos quais nutriam um sentimento especial. Não que se deixasse de gostar também em certa medida do que os outros preferiam; mas aquele era “queridinho” de cada um. Tinha quem fosse fã de Sting, de Depeche Mode, de New Order, de Genesis. A minha “queridinha” era Suzanne Vega. Sempre me encantaram a elegância, a limpidez da voz e o lirismo das músicas dessa compositora, violonista, poeta e cantora surgida nos anos 80 com seu estilo folk-pop arrojado que remete a Leonard Cohen, Lou Reed, Bob Dylan e a bossa nova – especialmente Astrud Gilberto. Percebi que, desde o início, ela trilhara por um caminho de invariavelmente trabalhos bem elaborados, que, por consequência, lhe renderam grandes sucessos, como “Tom’s Diner”, “Book of Dreams”, “Blood Makes Noise” e, principalmente, o belo e melancólico megahit “Luka”. A música, um dos melhores exemplos de perfect pop de toda a história do rock, encheu seus bolsos e a deixou mundialmente conhecida.
Mesmo com o estrelato, Suzanne Veja nunca quis ser apenas “a cantora de Luka”. Com o inseparável violão, ela construiu uma carreira sólida e em crescente evolução, primando pelas letras literárias, harmonias e arranjos sofisticados e pungentes, batida do violão marcante, influências da MPB, dos sons étnicos e até da vanguarda (haja vista as parcerias com Philip Glass). Depois do aclamado álbum de estreia (produzido por Lenny Kaye e Steve Addabbo, de 1985), teve como parceiro e arranjador o competente Anton Sanko, com quem cunhou “Solitude Standing”, de 1987, e “Days of Open Hand”, de 1990. Quis o destino, entretanto, que, em 1991, ela conhecesse o também versátil Mitchell Froom – que trabalhara com Elvis Costello no passado. Não só trocou de parceiro na música como o assumiu na vida, casando-se com Froom e tendo como fruto (até se separarem, em 1998) uma filha, Ruby, e dois excelentes discos: o “febril” “99.9 F°”, de 1992; e este, o primoroso “Nine Objetcs of Desire”, de 1996.
Auge da musicalidade da artista, auge da feminilidade da mulher. Mãe pela primeira vez e próxima de completar 40 anos, Suzanne realça a sua beleza alva e doce de bailarina profissional (é graduada em Dança Moderna desde os 18) e compõem um disco arrasador em que vida artística e pessoal se homogeneízam. São 12 faixas em que Miss. Suzanne aborda temas como sexo, maternidade, prazer, orgasmo, castidade, culpa. Elementos do imaginário feminino e íntimo, do erotismo à religião, estão expostos, na epiderme. Tudo com uma sensibilidade ímpar e num invólucro perfeito. Desde a capa, em que Suzanne aparece com uma maçã, a picardia está presente. Mas do jeito dela, sob sua ótica (tanto que a maçã não é eroticamente vermelha, mas exoticamente verde). Na arquitetura sonora, Froom estabelece um diálogo igualmente inteligente entre sons eletrônicos, instrumentos de base e timbres, modulados pela mesa de som com tamanha adequação que somente alguém muito próximo à artista como ele poderia realizar.
Uma batida tribal dá os primeiros acordes, quando entra um brilhante riff de guitarra heavy-country. É “Birth-Day”, faixa inicial que relata, numa poesia forte, o momento do parto (“Uma coisa eu sei/ esta dor vai passar/ Atravesso tudo o que me resta sentir/ Eu espero para conhecer o meu amor se tornando real”). No refrão, o nascimento; e os sons não se fazem cândidos, mas, sim, estouram saborosamente ruidosos. Como diria Tom Zé: um rebento como um “orgasmo invertido”.
Em “Headshots”, a sensação de sensibilidade à flor da pele é evidente. Desde a bateria e o baixo retumbantes até à voz e a respiração de Suzanne, a qual é ouvida no mesmo patamar sonoro que os enigmáticos samples de cítara, do gongo oriental e do sensual assovio. Exímia contadora de histórias, na tradição dos bons trovadores folk-country norte-americanos, Suzanne fala sobre uma mulher que vê estampado num anúncio de “procura-se” o rosto de um ex-amor, que agora parece triste e fatalmente distante dela: “A placa diz ‘Headshots’/ É tudo que eu vejo/ Um menino torna-se uma imagem/ De culpa e simpatia/ E então eu penso em você/ Em memória/ Dos dias em que estávamos juntos/ E eu sabia que você me amava/ Essa era a diferença/ Daquilo que vemos/ Mas isso é história.../ Ah...”.
Enteada de um escritor porto-riquenho, Ed Vega (com quem aprendera o gosto pela poesia e literatura), Suzanne cresceu, por causa dele, na região latina de Manhattan, Nova York. Por isso, sua veia de música brasileira não só se justifica como é extremamente presente. “Caramel”, hit do disco, talvez seja o segundo melhor exemplo disso em seu cancioneiro: uma linda bossa nova com todos os elementos característicos da batida de João Gilberto e a complexidade harmônica de Tom Jobim. A letra, sobre um amor impossível, carrega em referências sensoriais ao paladar (“caramelo”, “canela”, “pele”). E ela diz: “Então, adeus/ doce apetite/ Nem uma única mordida/ Poderia satisfazer...”. A voz de Suzanne é suave, sugerindo um sussurro de dor e prazer. O refrão é ainda mais belo com a característica pronúncia perfeita de seu canto. E o charme do solo de clarinete, então!? Um show.
Digo que “Caramel” é a “segunda” grande bossa de Suzanne Vega porque a melhor é “Thin Man”. Tocado com instrumentos de rock, mas em um inconfundível ritmo de samba, tem uma das mais belas melodias de voz criadas pela compositora. O violão, centro harmônico da melodia, desenha a canção como fazem todos os bons “filhos de João”. Sensual e cadenciada, põe a personagem no universo de um homem de modos finos e misterioso. “Ele não é meu amigo, mas ele está comigo/ E ele me promete uma paz que eu nunca conheci/ Eu não posso desistir, não, eu tenho que resistir/ Mas eu podia mesmo ser a única a resistir àquele beijo tão verdadeiro...”
A capacidade de incutir toques étnicos ao folk (como já procedera claramente em "Room off the Street", “In the Eye” e “As a Child”, de discos anteriores) faz com que Suzanne Vega não restrinja as influências apenas à música brasileira ou latina, mas também aos sons árabes e orientais. “Stockings”, sobre uma moça que se atrai pela voluptuosa amiga (“Você sabe onde a amizade termina e paixão se inicia?/ É entre o que liga suas meias-calças à sua pele...”), é exatamente isso: uma linha de violão de natureza country, porém simplificado, direto ao ponto, quase um riff de guitarra. E acompanhando o canto limpo dela a percussão de tablas, isso sem falar nas cordas, que Froom escreve em notas bem próprias das danças arábicas.
“Casual Match”, pouco variável e mais fraca do disco, nem por isso chega a desnivelar o repertório, pois na sequência vem a outra “música de trabalho” de “Nine Objects...”: “No Cheap Thrill”, pop-rock infalível como Suzanne sabe fazer com o pé nas costas; e “Lolita”, uma rumba estilizada que, mais uma vez literária, Suzanne referencia à imagem da clássica ninfeta nabukoviana, revelando a farsa deste estereótipo (“Ei, garota/ Não seja como um cão toda a sua vida/ Não peça/ Algumas poucos migalhas de afeto/ Não tente/ Para ser mulher de alguém/ Tão jovem/ Você precisa de uma palavra de proteção...”).
A maternidade, em forma de “descobrimento” de si mesma e da nova vida que entra em seu universo, volta na emocionante “World Before Columbus”. Mais do que uma declaração de amor à filha (“Se o seu amor fosse tirado de mim/ Cada cor seria preto e branco/ Seria tão monótono como o mundo antes de Colombo...”), Suzanne faz uma crítica ao materialismo do mundo moderno e uma ode ao verdadeiro afeto, engendrando um deslocamento temporal e simbólico típico de escritores como ela (“Aqueles homens que têm cobiça por terra/ E por riquezas estranhas e novas/ Quem ama essas bugigangas de desejo/ Oh, eles nunca vão ter você”).
“Honeymoon Suite” resgata a Suzanne Vega original, a trovadora de violão em punho, num country voz-viola tão germinal que parece ter sido extraído de um filme de faroeste. Enigmática, imaginativa. E para fechar todo esse clima de volúpia, um... jazz! Sim, um jazz swing marcado no piano e cheio de simbologias à morte, à passagem do tempo e ao prazer carnal: “Se você me perguntar como faz para chegar ao/ meu humilde mapa/ Eu sei por que porta você pode entrar/ Mostre-me sua fraqueza/E o tempo está queimando, queimando, queimando/ Queima até o fim”. Um final digno desse caldeirão de ideias e sentimentos.
(Mas eu falei “final”? Ops!)
Ainda não é o fim! Suzanne Vega ainda nos revela, depois de um longo silêncio após o término da 11ª faixa – como aquele presente picante escondido meio ao alcance para que possa ser revelado com surpresa –, “My Favorite Plum”, uma valsa sexy conduzida na guitarra do craque Tchad Blake em que reveem-se o gozo e o prazer que entra pela boca, tendo a delicada e saborosa fruta vermelha como metáfora-chave.
Um disco que, desde que conheci se tornou um dos favoritos da discoteca. Já havia me impressionado bastante com “99.9F°”, quando a parceria com o então marido começou. Mas este representa na carreira dela uma consolidação de várias coisas: musicalidade, personalidade e, principalmente, feminilidade. È tão forte e sincero que o deleite de escutar suas canções é quase carnal: quando se está numa faixa, já se sabe a delícia que será quando chegar à seguinte. Deseja-se ouvir cada uma delas. E que cheguem, e que se aproveite enquanto estão tocando, e quando terminam, e quando começa outra, e quando virá a próxima, nossa!... Hum, acho melhor parar por aqui, porque 12 vezes é demais.
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FAIXAS:
1. Birth-Day (Love Made Real) - 3:38
2. Headshots (Suzanne Vega/Mitchell Froom) - 3:08
3. Caramel - 2:53
4. Stockings - 3:30
5. Casual Match (Vega/Froom) - 3:10
6. Thin Man - 3:39
7. No Cheap Thrill - 3:10
8. World Before Columbus - 3:26
9. Lolita (Vega/Froom) - 3:33
10. Honeymoon Suite - 2:56
11. Tombstone - 3:07
12. My Favorite Plum - 2:47
todas as composições de Suzanne Vega, exceto indicadas
