Chavela Vargas é a voz comovente, a emoção crua que brota das profundezas do seu ser, cantando rancheras sinceras e únicas com um estilo distinto do de outro grande artista mexicano, Jorge Negrete. Nascida na Costa Rica, Isabela Vargas Lizano sempre se considerou mexicana. Ela foi para o México aos 14 anos, vagando pelas ruas da Cidade do México até que, aos 30, se tornou cantora profissional, forjando uma lenda sombria vestida de homem, com seu ponche vermelho, sua pistola, fumando charutos e bebendo tequila. Ela conheceu e desfrutou da companhia de algumas das maiores personalidades: Diego Rivera, Frida Kahlo e José Alfredo Jiménez, o cantor e compositor de seus maiores sucessos. Canções como “La Llorona”, “Piensa en mí”, “Volver, volver” e “La Macorina”, antes interpretadas apenas por homens, transformaram Chavela em um símbolo, redescoberto há alguns anos na Espanha graças a Pedro Almodóvar e Joaquín Sabina, e às suas aparições nos filmes Frida — cantando seus grandes clássicos “La Llorona” e “Paloma negra” — e Babel , cantando “Tú me acostumbraste”, o imortal bolero de Frank Domínguez. Tendo acabado de completar 90 anos, vibrante, alegre, feroz e indomável, o México lhe prestou uma homenagem sincera, nomeando-a cidadã ilustre da Cidade do México.
Track list : 01. Somos 02. Fallaste corazón 03. Con mis propias manos 04. El preso número nueve 05. Aquel amor 06. Tu me acostumbraste 07. Amarga Navidad 08. La noche de mi amor 09. La enorme distancia 10. Pobre corazón 11. Paloma negra 12. Amar y vivir
A coletânea "Greatest Hits" , lançada pela Malanga Music (exclusivamente para a fnac, 2009), reúne os maiores sucessos do célebre pianista cubano Bebo Valdés, uma verdadeira lenda viva, gravados durante seu período mais glorioso, entre meados da década de 1950 e o início da década de 1960. Em todas as gravações, ele aparece como líder de diversos grupos que incluem alguns dos melhores músicos do jazz cubano, como Celeste Mendoza, Pacho Alonso, Rolando Laserie e Pío Leyva. "O piano não é meu corpo. O piano sou eu. Para mim, a música é espírito." Pianista, compositor, arranjador e grande líder de bandas históricas, Bebo Valdés é uma das figuras mais importantes da música cubana. Aos 92 anos (ele nasceu em 9 de outubro) e apesar de sofrer de artrite, ele continua sendo um dos pianistas mais importantes do mundo. Nascido na pequena vila de Quivicán, em Havana, Valdés cresceu imerso na música ritual do povo iorubá, de origem africana. Ele estudou harmonia e solfejo no Conservatório de Havana, enquanto também se envolvia com o jazz e o swing que preenchiam a cidade a qualquer hora. Com apenas dezessete anos, Bebo começou a tocar piano em várias bandas. Na década de 1930, foi membro do Conjunto Camacho e da banda de jazz de José María Ulacia. Também formou um trio de jazz com Roberto Barreto no clarinete e seu primo Guillermo Barreto na bateria. A partir de 1943, foi o pianista da orquestra de Wilfredo Curbelo no Cabaret Faraón. A versatilidade do espetáculo exigia que Bebo tocasse muitos ritmos diferentes a cada noite e dominasse rapidamente uma grande variedade de arranjos para cada música, dependendo das características dos cantores solistas. Durante esse período, ele também começou a ganhar reconhecimento e respeito como arranjador, trabalhando para as mais importantes emissoras de rádio de Havana: RHC Cadena Azul, CMQ e Mil Diez. Após colaborar com a orquestra do veterano trompetista Julio entre 1945 e 1947, foi contratado para trabalhar no Tropicana , onde permaneceu por quase uma década como pianista e arranjador da famosa banda residente do cabaré. As jam sessions que aconteciam no Tropicana nas tardes de domingo do início da década de 1950 são lendárias, quando vários membros da orquestra, com Bebo Valdés ao piano, tocavam bebop (e outros estilos de jazz) ao lado de proeminentes músicos americanos. Em 1952, no estúdio-teatro da estação de rádio RHC, Bebo Valdés anunciou a estreia de um novo ritmo chamado batanga.que, entre outras inovações, introduziu o tambor batá na música popular pela primeira vez, um tambor cujas origens remontam às cerimônias religiosas afro-cubanas. Em uma dessas apresentações na RHC, ele apresentou Benny Moré, que fazia sua estreia em Havana cantando batanga depois de alcançar sucesso com o mambo no México ao lado de Pérez Prado e Rafael de Paz. Mas Moré nunca gravou com Bebo, e a batanga, infelizmente, caiu no esquecimento sem se tornar uma revolução musical semelhante às realizadas por Machito e Mario Bauzá em Nova York, ou Dámaso Pérez Prado no México. Em 1954, Bebo começou a gravar uma série de álbuns para o selo Decca: Your Musical Holiday in Havana (Bebo Valdés and his Havana All Stars), Music for the Girlfriend (Bebo Valdés and his Tropicana Orchestra) e Cha cha chás y charangas (The Latin Sound of Bebo Valdés and his Orchestra). Inicia-se um período prolífico em que muitos cantores, cubanos e estrangeiros, tiveram a oportunidade de se beneficiar de seus arranjos e direção.
Bebo trabalhou com a Orquestra Tropicana até 1957, quando decidiu fundar a Orquestra Sabor de Cuba . Apresentando composições instrumentais e acompanhando solistas renomados, a banda se tornou uma das mais importantes do jazz na ilha. A maioria das faixas deste CD foi gravada com membros da Orquestra Sabor de Cuba (e metade das composições são de Bebo). Algumas músicas foram gravadas antes da formação oficial do grupo (como "Desconfianza", de 1952, e "Music Box Mambo", "Mississippi Mambo", "Mambo Cantabile", "Big Shot Cha Cha Chá", "Descarga Caliente" e "Miramar", de 1955), enquanto outras traçam a história do grupo desde seu início em 1957 até seu fim em 1960. Após alcançar grande sucesso com sua Orquestra Sabor de Cuba, Bebo se mudou para o México em 1960, depois de receber ameaças em decorrência da revolução. Ele trabalhou lá com Rolando Laserie (que havia deixado Cuba com Bebo) e, posteriormente, passou um tempo nos Estados Unidos e na Espanha antes de se estabelecer em Estocolmo, na Suécia, em 1963. Lá permaneceu, trabalhando em hotéis e dando aulas de dança. Após trinta anos no ostracismo, Bebo recebeu um telefonema de Paquito D'Rivera em novembro de 1994, convidando-o para gravar um novo álbum na Alemanha. A gravação de Bebo Rides Again permitiu que ele revitalizasse sua carreira, apesar de ter 76 anos. Após o lançamento do álbum, Bebo participou do documentário musical de Fernando Prueba, Calle 54 (2000), e gravou o álbum El Arte de Sabor (2001) com Cachan e Patato Valdés, pelo qual recebeu um Grammy de Melhor Álbum Tropical Tradicional. Em 2003, Fernando Trueba produziu o álbum Lágrimas Negras , que apresenta Bebo ao piano acompanhando o cantor de flamenco Diego el Cigala . Este trabalho lhe trouxe grande sucesso internacional, rendendo-lhe um Grammy, um Prêmio Ondas, três Music Awards, cinco Prêmios Amigo, três discos de platina na Espanha e um em cada um dos seguintes países: Argentina, México e Venezuela. Aos impressionantes 86 anos, Bebo embarcou em uma turnê mundial. Em 2004, colaborou na trilha sonora de * El Milagro de Candeal* (também dirigido por Fernando Trueba e estrelado por Carlinhos Brown)... e atualmente, Bebo Valdés vive com sua família em Málaga. Apesar da idade e dos problemas de saúde, ele ainda gosta de tocar piano. Ele mesmo já disse mais de uma vez: "Quero tocar até morrer" (citado por Enrique Molino no encarte do CD).
Lista de faixas : 01. Dile a Catalina (son montuno) 02. Special de Bebo (descarga) 03. Siempre cantando (chachachá) 04. Diane (canción de Haití) 05.Caixa de Música Mambo (mambo) 6. Ladrão de Frango (montuoro guajira, com Celeste Mendoza) 7. Massa Limpa (montuno batanga) 8. O Vendedor de Amendoim (mambo-filho) 9. Mayajigua (montuno batanga) 10. Big Shot Cha Cha Chá (chachachá) 11. O Cumbanchero (rumba) 12. Give Me a Chance (filho montuno, com Pacho Alonso) 13. Siboney (lamento chá) 14. Wi wi (guaracha mambo) 15. Chamizo (chachachá) 16. A Rumba se chama (rumba, com Pio Leyva) 17. Mississippi Mambo (mambo) 18. Mambo Cantabile (mambo) 19. Quem você está enganando (danzón) 20. The Sugar Down Below (guaracha, com Rolando Laserie) 21. Hot Discharge (mambo-descarga) 22. Estou Adicionando (chachacha) 23. Desconfiança (jazz afro-cubano) 24. Miramar (chachacha) 25. Eu nunca poderei esquecer este amor (bolero, com Pepe Delgado)
"Far Away Eyes" é uma canção dos Rolling Stones , incluída no álbum *Some Girls* (1978), um disco que marcou um renascimento criativo para a banda, misturando rock, punk, country e disco. Essa canção em particular se destaca por seu estilo country bem-humorado e narrativa peculiar, mostrando um lado mais leve e satírico de Mick Jagger e companhia.
A canção é imersa em um som country tradicional, com violões, uma guitarra de aço que evoca o campo e um ritmo relaxado que contrasta com o rock mais agressivo do álbum. Keith Richards e Ron Wood fornecem vocais de apoio calorosos, enquanto a voz de Jagger, com seu sotaque sulista exagerado, adiciona um toque de humor e caricatura. A melodia é simples, porém eficaz, com um refrão cativante que torna a música memorável.
A letra de "Far Away Eyes" está entre as mais bem-humoradas dos Rolling Stones . Jagger canta sobre um homem solitário dirigindo pela Califórnia, ouvindo estações de rádio religiosas e country enquanto busca consolo em mulheres com " olhos distantes ". A música é repleta de ironia e sarcasmo, especialmente em versos como:
"Eu estava dirigindo para casa no início da manhã de domingo, passando por Bakersfield."
Ouvindo música gospel na rádio para negros"
Jagger interpreta um televangelista que promete milagres em troca de dinheiro e, em seguida, uma garota do interior que só quer se divertir. A crítica à hipocrisia religiosa e aos estereótipos sulistas está presente, mas de uma forma tão exagerada que acaba sendo mais engraçada do que mordaz.
Embora "Far Away Eyes" não tenha sido um single de destaque como "Miss You" ou "Beast of Burden", tornou-se uma das favoritas dos fãs por seu charme único. A canção demonstra a versatilidade dos Stones em abraçar diferentes gêneros sem perder sua essência. Além disso, reflete o fascínio de Jagger pela cultura americana, especialmente seus aspectos mais excêntricos e rurais.
A canção tem aparecido esporadicamente em shows, sempre recebida com entusiasmo por seu tom descontraído. Não é uma peça profunda ou revolucionária em sua discografia, mas demonstra sua habilidade de contar histórias com humor e estilo.
"Far Away Eyes" é uma joia escondida em *Some Girls*, uma canção que prova que os Rolling Stones não precisam ser sombrios ou transgressivos para brilhar. Com sua mistura de country, sarcasmo e uma performance vocal repleta de personalidade, a música é uma lufada de ar fresco em um álbum dominado por ritmos mais urbanos. Não é a obra-prima deles, mas é mais uma prova de por que os Stones são tão duradouros: eles sabem rir de si mesmos e do mundo que retratam.
Em 2018, quando muitos acreditavam que os lendários Judas Priest já haviam dado tudo de si após quase cinco décadas de carreira, a banda britânica lançou Firepower , seu décimo oitavo álbum de estúdio. A banda reafirmou seu status como um dos pilares do gênero. Com uma trajetória que se estendeu desde a década de 1970, com álbuns marcantes como Sad Wings of Destiny (1976) e British Steel (1980), passando pelos altos e baixos das décadas seguintes, ninguém esperava que o Judas Priest , em seu auge, entregasse um álbum tão feroz, poderoso e vibrante. Firepower foi uma declaração de intenções: os veteranos do metal ainda tinham muito a dizer, e o fizeram com uma energia que envergonhou bandas muito mais jovens.
O Judas Priest , formado em Birmingham, Inglaterra, em 1969, é uma das bandas que definiram o som e a estética do heavy metal. Com álbuns como Screaming for Vengeance (1982) e Painkiller (1990), a banda não só consolidou seu status, como também ajudou a moldar o gênero como o conhecemos. No entanto, o século XXI trouxe desafios. Após a saída do vocalista Rob Halford em 1992 e seu retorno em 2003, a banda experimentou com álbuns como Nostradamus (2008), um ambicioso álbum conceitual que não obteve o mesmo sucesso, e Redeemer of Souls (2014), que, embora sólido, não atraiu os fãs como seus clássicos. A saída do guitarrista fundador KK Downing em 2011 e o diagnóstico de Parkinson de Glenn Tipton em 2008, anunciado publicamente em 2018, adicionaram incerteza ao futuro da banda. Muitos presumiam que o Judas Priest estava no ocaso de sua carreira, destinado a viver de turnês nostálgicas e de seu legado.
Firepower chegou como uma surpresa, um soco no estômago para aqueles que os haviam descartado musicalmente. Anunciado em 2016 pelo guitarristaRichie Faulkner, que substituiuDowning, o álbum começou a tomar forma em um momento em que a banda buscava redescobrir sua essência.Faulkner, junto comRob Halford,Glenn Tipton, o baixistaIan Hille o bateristaScott Travis, se propuseram a criar um disco que não apenas honrasseJudas Priest, mas também demonstrasse sua relevância no cenário do metal moderno. A escolha dos produtoresTom Allom, que não trabalhava com a banda desde Ram It Down (1988), eAndy Sneap, conhecido por seu trabalho com bandas contemporâneas comoAccepteTestament, foi uma jogada estratégica astuta que fundiu o som clássico da banda com uma produção mais moderna.
A gravação de Firepower ocorreu entre março e junho de 2017 no Backstage Studios em Ripley, Derbyshire. O processo foi descrito por Faulkner como "livre e descontraído ", com ideias fluindo naturalmente entre os membros da banda. Ao contrário de Redeemer of Souls (2014) , que tinha uma abordagem mais crua e direta, Firepower buscou reinventar momentos clássicos do Judas Priest , remetendo a álbuns como British Steel , Screaming for Vengeance e Painkiller , mas sem sucumbir à mera nostalgia. Halford explicou que o título do álbum refletia "o fogo e o poder da música heavy metal". A colaboração entre os produtores Allom e Sneap provou ser um sucesso. Allom trouxe a experiência dos anos dourados da banda, enquanto Sneap adicionou um toque moderno, com um som "nítido, limpo e feroz". Essa combinação resultou em um álbum com guitarras afiadas como navalha, uma seção rítmica pulsante e a voz de Halford inteligentemente adaptada à sua idade, utilizando um registro mais grave, porém igualmente poderoso. Faulkner enfatizou que o processo foi um "momento de revelação", onde dois produtores com abordagens diferentes alcançaram uma sinergia perfeita, evitando conflitos de ego e criando um som que capturava a essência do Judas Priest, ao mesmo tempo que soava fresco e potente.
O álbum começa com a faixa-título, " Firepower ", uma verdadeira explosão de energia e considerada uma das músicas mais rápidas da banda. Richie Faulkner a descreveu como a faixa mais veloz do grupo : "Principalmente em termos de bateria. Um amigo me disse que soa como 'Painkiller', só que mais rápida. Então, não consigo pensar em uma música mais rápida que ' Painkiller '. Se você define 'pesado' em termos de velocidade, é uma música bem pesada, bem intensa . " Isso se deve à bateria brutal de Scott Travis , que supera até mesmo " Painkiller" em velocidade, aos riffs de guitarra de Tipton e Faulkner , aos solos incendiários e aos vocais poderosos de Halford. Eles conseguem fundir o som clássico da banda com a produção moderna de Tom Allom e Andy Sneap . Alguns compararam essa faixa a um cruzamento entre "Painkiller" e "Resurrection" (da carreira solo de Halford ), destacando sua estrutura poderosa e agressiva, porém melódica. Foi lançada como single na Alemanha, acompanhada por uma versão ao vivo de " Breaking the Law" gravada no Wacken 2015. "Lightning Strike" foi o primeiro single do álbum, acompanhado de um videoclipe. Alcançou a 21ª posição na parada Mainstream Rock Tracks dos EUA . A música equilibra o estilo oitentista da banda com um toque moderno. Halford combina seu característico grito agudo com um registro mais grave, habilmente adaptado à sua idade . A canção se tornou um clássico de seus shows. Sobre a letra, Halford comentou : "É sobre como você reage ao confronto. Não deixe que essas coisas te derrotem. O raio cai porque é a luz que te tira da escuridão ." "Evil Never Dies " é uma faixa sombria e pesada , uma das mais impactantes do álbum. Faulkner a mencionou como uma de suas favoritas por sua intensidade. Sua estrutura lembra os momentos mais pesados de Painkiller , com um toque de thrash metal. Liricamente, Halford aborda temas como resiliência e desafio. Never the Heroes é um show para o intervalo com uma mensagem comovente, prestando homenagem aos soldados da Primeira Guerra Mundial .A música aborda aqueles que buscam a paz através da guerra, os homens e mulheres corajosos que vão para a guerra; nunca treinados para serem heróis, mas que se tornam heróis por meio de suas ações e sacrifícios, cumprindo seu dever para com seu povo e seu país. Um videoclipe foi lançado junto com a canção . Seu ritmo lento lembra baladas épicas como " Beyond the Realms of Death" . "Necromancer", com um toque sombrio e teatral, mergulha em imagens horripilantes com um ritmo galopante e uma atmosfera assombrosa, habilmente alcançada pela seção rítmica de Ian Hill e Scott Travis e pelos riffs característicos de Tipton e Faulkner. A produção lembra, por vezes, músicas como "The Sentinel" . O Lado A se encerra com "Children of the Sun", com um som mais retrô e pesado. Contém influências do Black Sabbath . Seus riffs pesados e ritmo lento evocam " Hand of Doom" do Sabbath . A performance vocal de Halford é brilhante, melódica e controlada, contribuindo para a construção dessa atmosfera.
O lado B abre com "Guardians", apresentando guitarras atmosféricas e toques orquestrais. É um breve instrumental que serve como introdução para " Rising From Ruins ", uma das faixas mais épicas do álbum. Esta é uma canção majestosa com um riff poderoso e uma seção intermediária brutal. Coescrita por Faulkner, Tipton e Halford , ela ostenta uma narrativa épica, um trabalho de guitarra dinâmico que complementa a sólida seção rítmica de Hill e Travis , e vocais de apoio que amplificam o impacto da música. "Flame Thrower" é um dos momentos mais fracos do álbum; no entanto, curiosamente, funciona muito bem ao vivo. Embora não seja ruim, não chega ao nível excepcional do álbum. "Spectre" é outra faixa com influências do Black Sabbath , apresentando um ritmo pesado, som retrô e uma atmosfera muito densa. Liricamente, explora temas sombrios. "Traitors Gate" tem um ritmo pesado e um som clássico que rapidamente a tornou uma das favoritas dos fãs no álbum. É uma canção feita para ser apresentada ao vivo, onde realmente brilha. Os solos de Tipton e Faulkner são particularmente brilhantes aqui . "No Surrender" é uma faixa otimista com um refrão perfeito para cantar junto em shows. Os vocais de Halford são lindamente complementados pelas guitarras e bateria pulsantes. Muitos críticos consideraram esta canção uma das melhores da banda em décadas, destacando a contribuição de Faulkner para a composição e lamentando que não tenha sido lançada como single. "Lone Wolf" , juntamente com "Children of the Sun" e "Spectre" , é a última música do álbum a mostrar influências do Black Sabbath . Halford se destaca especialmente nesta performance, demonstrando seu domínio vocal. O álbum se encerra com " Sea of Red", uma balada poderosa que comemora o centenário do fim da Primeira Guerra Mundial . Após a extensa devastação da paisagem causada pelos combates da Primeira Guerra Mundial , um mar de papoulas vermelhas brilhantes floresceu entre as trincheiras e a terra de ninguém da Frente Ocidental. Desde então, tornaram-se comuns nos países ocidentais durante e antes do Dia da Lembrança, todos os anos, como um símbolo de comemoração inspirado no poema de"In Flanders Fields", de John McCrae . Faulkner relembrou o dia em que Halford chegou ao estúdio com a letra: " Já tínhamos a música praticamente pronta... Rob entrou e cantou esse poema, e eu me lembro de ter achado incrível. Me arrepiou. Você conseguia visualizar o filme na sua mente. Foi muito emocionante, sobre memória e sobre as pessoas que deram suas vidas. Foi uma sensação comovente ouvi-lo pela primeira vez." A canção apresenta arranjos corais magníficos; não é à toa que é considerada uma das favoritas do guitarristaFaulkner. A interpretação sincera deHalford confere um toque emocional a uma faixa que serve como o encerramento perfeito para o álbum.
Após seu lançamento em 9 de março de 2018, Firepower recebeu uma recepção extremamente positiva. Os críticos destacaram sua "diversidade lírica", afirmando também que o Judas Priest ainda possuía "o rigor musical, o talento para o espetáculo e o poder que fazem outras bandas se curvarem diante deles ". Não pararam por aí, indo além e observando que o álbum poderia "estar no mesmo nível de British Steel e Screaming for Vengeance sem constrangimento ". A qualidade geral do álbum era alta, com Halford e a dupla de guitarristas Tipton/Faulkner brilhando intensamente em um álbum muito consistente que mistura heavy metal tradicional com influências de power metal e thrash metal. No entanto, não ficou isento de críticas: alguns apontaram que as 14 músicas tornavam o álbum um tanto longo e que cortar algumas faixas poderia tê-lo tornado mais conciso. Comercialmente, Firepower foi um sucesso. Estreou em 5º lugar na Billboard 200 dos EUA , vendendo 49.000 cópias em sua primeira semana, o melhor resultado da banda nesse mercado. No Reino Unido, o álbum também alcançou o 5º lugar, sua primeira entrada no top 10 desde British Steel . A turnê Firepower , com Andy Sneap substituindo Tipton , foi um sucesso, com apresentações na América do Norte e na Europa provando que a banda ainda era uma força a ser reconhecida ao vivo.
Firepower é, sem dúvida, um dos trabalhos mais fortes doJudas Priestdesde Painkiller . Halford e companhia conseguiram se reinventar e demonstrar que os"Deuses do Metal"ainda tinham muita vida pela frente, provandoque ainda eram capazes de entregar música poderosa e de alta qualidade. A combinação daHalford, TiptoneHillda energia deFaulknereTravisda produção deAllomeSneapcriou um álbum que fundiu o metal tradicional com influências modernas, mantendo sua coerência e permitindo que agradasse tanto aos fãs de longa data quanto a uma nova geração de metaleiros.
