Abstract Truth - Discografia

 

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Abstract Truth foi uma banda de rock sul-africana formada na cidade de Durban em 1969.  A Abstract Truth foi criada pelo guitarrista Kenneth Edward Henson ou simplesmente Ken E. Henson. A Abstract Truth existiu por cerca de dois anos. Eles explodiram na cena musical de Durban no início de 1969, lançaram 2 álbuns de estúdio em 1970 e uma compilação no mesmo ano. Após inúmeras mudanças de formação, a banda acabou em 1971. Henson foi o guitarrista de uma banda chamada Leeman Ltd, que se formou em Durban em 1965.

Em 1966, ele e Ramsay MacKay se juntaram aos ex-membros do Navarones Colin Pratley e Nic Martens para criar o Freedom's Children, sem dúvida a maior banda de rock da África do Sul. Clive Calder, que assinou com a Abstract Truth para a EMI em 1970, disse recentemente que o Freedom's Children, em sua opinião, "era então e provavelmente ainda é hoje (mais de 30 anos depois) o único grupo de rock sul-africano que, dadas as circunstâncias certas na localização geográfica certa, poderia ter se tornado uma banda de rock de sucesso internacional apenas sendo eles mesmos e fazendo o que fizeram". Henson estava envolvido nos primeiros lançamentos de singles do Freedom's Children, que foram inacreditavelmente creditados ao "Fleadom's Children" porque o governo da época (o regime racista do Apartheid como se chamava o regime de segregação racial que existiu na África do Sul de 1948 a 1994) considerou a palavra "Freedom" inaceitável. Henson então deixou o Freedom's Children para se juntar ao The Bats por uma temporada de seis semanas. Em 1969, Henson e o saxofonista Sean Bergin estavam em um grupo de jazz chamado The Sounds.

Em fevereiro de 1969, Henson foi contratado para tocar na discoteca/pub de um hotel de Durban. O pub se chamava "Totum". Ken Henson conseguiu Brian Gibson, baixo, Sean Bergin, flauta e sax, Robbie Pavid, bateria e percussão, e Ken, guitarra solo e cítara. Essa foi a primeira formação do Abstract Truth, cujo show no "Totum" era uma mistura de jazz, folk rock, blues e jams de estilo oriental. A maioria das noites estava lotada de jovens ansiosos para ouvir e experimentar a forma livre de sons que fluíam das longas canções improvisadas. Em 1970, a banda lançou 'Totum', seu álbum de estreia. O álbum foi gravado em Joanesburgo em um único fim de semana usando uma máquina de 4 canais.

O álbum foi lançado no início de 1970. A maior parte de 'Totum' consiste em releituras incomuns de canções de jazz, folk e blues. A única composição da banda é 'Total Totum/Acid Raga' encharcada de cítara. Pavid então deixou a Abstract Truth para dedicar toda sua atenção ao The Third Eye com Dawn e Ronnie Selby e eles lançaram três álbuns de rock progressivo entre 1969 e 1970, mas essa é outra história.

Vários outros músicos tocaram ao vivo como parte da formação em constante mudança do Abstract Truth (Henson sendo o único fator estável), incluindo Ian Bell, Eric Dorr, Harry Poulos, Ramsay MacKay e Brian Alderson. No final de 1970, no entanto, a formação que gravou o álbum 'Silver Trees' foi Ken E. Henson (guitarra, vocais), Peter Measroch (teclados, flautas, vocais), Sean Bergin (flautas, sax) e George Wolfaardt (baixo, flauta, bateria). Esse segundo álbum é mais voltado ao rock progressivo tingido com inclinações psicodélicas, música africana e jazz.  

Integrantes.

George Wolfaardt (Baixo, Flauta, Bateria, Vocal)
Sean Bergin (Flauta, Saxofone)
Kenny Henson (Guitarra, Vocal)
Peter Measroch (Piano, Órgão, Flauta, Cravo, Vocais)

Álbuns.

2 em 1.

Silver Trees & Totum (2005)

 

Silver Trees, 1970.

01. Pollution (3:15)
02. ll The Same (3:18)
03. Original Man (3:40)
04. Silver Trees (8:18)
05. In A Space (3:57)
06. Moving Away (3:00)
07. Two (2:50)
08. Blue Wednesday Speaks (4:15)
09. It's Alright With Me (2:59)
 

Totum, 1970.

10. Coming Home Babe (6:36)
11. Oxford Town (4:13)
12. Fat Angel - Work Song (10:05)
13. Summertime (5:19)
14. Scarborough Fair (3:47)
15. Parchman Farm - Moaning (3:02)
16. Total Totum - Acid Raga (5:16)

 

 

 

 

ROCK ART

 

Scarlet Thread "Valheista kaunein" (2006)

 Após o lançamento de seu álbum de estreia, "Psykedeelisiä joutsenlauluja" (2003), os membros do Scarlet Thread poderiam ter reivindicado a vitória: o álbum era tão poderoso e diversificado. Infelizmente, a história lhes pregou uma peça. Os antigos companheiros de banda se dispersaram 

, deixando o fundador, Jani Timoniemi, completamente sozinho. Outros teriam desistido e buscado algo mais lucrativo comercialmente. Mas não foi o caso do guitarrista Jani, que valoriza a criatividade acima de tudo. Naquele mesmo ano, 2003, ele conseguiu recrutar o segundo guitarrista Sami Hiltunen e a violinista Erja Lahtinen para o Scarlet Thread . A seção rítmica era mais complicada: músicos entravam e saíam. No entanto, com a adição do baixista Jukka Jokikokko e do baterista Jere Nivukovski, a situação se resolveu. Em 2006, a banda reformada, com participações especiais dos flautistas Juha Sutela e Essi Suikkanen, gravou mais um trabalho...
As composições instrumentais de "Valheista Kaunein", apesar de seus diversos componentes estilísticos, refletem uma visão holística de variados processos psicológicos. O próprio título do lançamento ("Belas Mentiras") atesta a tentativa do compositor principal, Jani, de abordar questões morais e religiosas. O mesmo é confirmado pelos títulos das faixas ("A Luta dos Desejos", "Vagando", "Mensageiro da Luz", "Pensamentos de Dor", etc.). No entanto, na ausência de vocais, cada um é livre para interpretar as peças do disco à sua maneira. Felizmente, as estruturas sonoras ricamente arranjadas do Scarlet Thread oferecem um enorme espaço para a imaginação. E embora a banda não inclua teclados, os cinco guerreiros escandinavos dificilmente podem ser acusados ​​de falta de cor. As guitarras gêmeas da dupla Timoniemi-Hiltunen saturam a paleta sonora com emoção: hard rock, art rock, folk, fusion — esses caras corajosos dominam qualquer gênero. O ponto central da paisagem sonora caleidoscópica e cintilante é o requintado arranjo de cordas de Erja Lahtinen, que enobrece a energia elétrica dos apaixonados finlandeses com entonações multifacetadas (do folk tradicional a passagens precisas de conservatório). Menção especial deve ser feita aos floreios virtuosos dos metais do maestro Sutela, cuja flauta mágica adiciona uma dose considerável de energia à já deslumbrante e veloz festa que reina no estudo "Jumalanpilkkakirves", ou, inversamente, imbuem a narrativa com uma nota pungente de melancolia nórdica inexprimível e brilhante (a maravilhosa canção "Valon lähettiläs"). Quanto ao parceiro de Juha, Essi Sukainen, seu estilo musical gravita em torno de temas rurais tradicionais, sendo, portanto, bastante apropriado para composições vibrantes como a colorida "Haarasilta". No entanto, destacar alguém pessoalmente no contexto do álbum seria um erro. O poder de Scarlet ThreadA essência deste álbum reside na sua complexa apresentação conjunta, onde o fator dominante é o espírito de camaradagem. A parceria como o significado mais elevado e a única forma verdadeira de existência...
Resumindo: um exemplo praticamente de referência do folk-rock progressivo polifônico. Recomendo.

MUSICA&SOM ☝

Tonton Macoute "Tonton Macoute" (1971)

 A marca registrada da música proto-progressiva britânica é seu apelo atemporal. Parece que mais meio século se passará e essa música ainda estará em alta. Embora, se algum desses artistas descobrisse que seus álbuns 

se tornariam clássicos décadas depois, provavelmente dariam risada.

Um senso de humor peculiar por si só poderia explicar o desejo dos quatro jovens de batizar sua criação com os nomes dos membros da guarda de segurança do ditador haitiano François Duvalier. A história não preservou informações confiáveis ​​sobre esse ponto. No entanto, uma coisa é certa: a geografia desempenhou um papel significativo no destino da banda. Enquanto Paul French (órgão, piano elétrico, piano, metais, vocais) e Nigel Reveler (percussão) cresceram na zona rural de Berkshire (no sul da Inglaterra), Dave Nauls (saxofone alto/tenor, flauta, clarinete, vocais) e Chris Gavin (baixo, guitarras elétrica e acústica) são representantes típicos do norte. E a cativante fusão sonora presente no disco é o resultado da convergência de opostos.
O programa abre com a peça melódica "Just Like Stone", que, à sua maneira, reflete o espírito de transição da época: agradáveis ​​sobretons de flauta, combinados com corais melodiosos, homenageiam indiretamente a natureza gradualmente desvanecida da música folk, enquanto os grooves de piano elétrico e os efeitos de guitarra wah-wah empregados simultaneamente parecem anunciar o advento da era do "big rock". Em "Don't Make Me Cry", o cenário é preenchido por intrincadas figuras de jazz; os solos de sax de Dave Naulles se sucedem incessantemente durante a primeira metade da faixa, após o que o bastão é retomado pelo acompanhamento, desaparecendo suavemente ao fundo enquanto a flauta e o órgão interagem. A colorida e extensa instrumental "Flying South in Winter" revela, entre outras coisas, uma clara inclinação para a psicodelia com o uso de motivos orientais; baseada em abundantes passagens de metais, a música ocasionalmente ecoa as experiências do início da carreira de Jade Warrior . O cativante estudo "Dreams" inicialmente encanta com sua atmosfera fantasmagórica e etérea: os vocais de Paul French se elevam em múltiplos ecos sobre acordes cristalinos de vibrafone, mas o triunfo da graça é contrabalançado por riffs distorcidos e agressivos, convidados indesejados, que irrompem em primeiro plano e, por fim, impõem um julgamento contundente. A elegante obra retrô "You Make My Jelly Roll" é um esboço sensual de swing com as linhas de baixo fundamentais de Chris Gavin e manobras semi-improvisacionais de teclado e metais. O final em duas partes, "Natural High", combina várias tendências características: pianíssimos clássicos com floreios de órgão neobarroco, ecos do popular rhythm and blues, nuances de free jazz e ângulos melódicos elaborados que inspirariam bandas subsequentes em um futuro próximo.
Para o bem ou para o mal, cada membro do quarteto seguiu seu próprio caminho. Paul e Dave encontraram sua voz na música, Chris mergulhou na fotografia de belas artes e Nigel passou a se dedicar integralmente à engenharia de som. No entanto, o Tonton Macoute desempenhou um papel fundamental no desenvolvimento do rock progressivo. E esta sexta reedição do único LP da banda é a melhor prova disso.

MUSICA&SOM ☝

Ryuichi Sakamoto - "Beauty" (1989)

 

"O mundo dá adeus comovido a um dos seus maiores músicos."

Caetano Veloso

“O que eu quero fazer agora é música livre das restrições do tempo.”

Ryuichi Sakamoto

Como pode a gente se apegar a alguém que nunca se viu pessoalmente – nem sequer através da distância plateia/palco como se dá a artistas a que se assiste – e que está a quilômetros de ti, noutro país? Neste caso, não somente noutro país, mas ainda mais longe, noutro continente, no outro lado do mundo. No Japão. Ryuichi Sakamoto era, é, como um parente sanguíneo na minha casa. Ele é seguidamente convidado a entrar, sentar-se ao sofá, estender-se na cama, a cozinhar ouvindo música. Sempre aceitou os convites com a gratidão e a sapiência calma dos orientais. Embora toda esta intimidade, obviamente, o parentesco não existe. Nem sequer, como abri dizendo, conheci-o pessoalmente quando em vida - quanto menos conhecemo-nos, de ele e eu reconhecerem-se mutuamente como fazem os próximos. Eu, brasileiro fruto da África e da Europa. Ele, japonês, filho de dinastias orientais longevas.

Então, como se explica tamanha familiaridade, tamanha cumplicidade? Bastam poucas audições de sua grandiosa e universal música para se entender. Afora a proximidade dele com a música daqui do Brasil, a qual não apenas admirava como atuava a se ver pelas parcerias com Caetano Veloso, Arto Lindsay, Marisa Monte, Jacques Morelembaum e outros, a obra de Sakamoto, mesmo as mais identificavelmente orientais, pertencem ao Planeta. Até mesmo quando diversas vezes usou os elementos folclóricos típicos do Japão em sua música, Sakamoto o fez à sua maneira: abarcante, cosmopolita, conectada, democrática, inclusiva. Soava japonês, mas africano, americano, indígena, nórdico. Soava a todos os povos. 

Sakamoto, de fato, são muitos. O Sakamoto do final dos anos 70, que ajudou a cunhar o synth pop e a new wave com a precursora Yellow Magic Orchestra e que tanto inspirou grupos do Ocidente como Cabaret Voltaire, Human Leaugue, New Order, Depeche Mode. O Sakamoto maestro, que regeu a Filarmônica de Tóquio. O Sakamoto dono de uma das discografias mais ecléticas e diversas da música pop, com trabalhos que vão desde o experimental à bossa nova, passando pela eletrônica, o erudito e a trilhas sonoras. O Sakamoto instrumentista, colaborador de obras marcantes do pop-rock, como da Public Image Ltd., David Sylvian, Thomas Dolby e Towa Tei. O Sakamoto que engendrava trabalhos multiplataformas, que cruzavam música, artes visuais e performance. 

"Beauty", seu oitavo disco solo, de 1989, é, afora a própria nomenclatura, um resumo de uma concepção de mundo múltipla, pois humanista e libertária. Gente de todas as nacionalidades tocam em suas 11 faixas. Suíça, Senegal, Brasil, Inglaterra, Japão, Espanha, Jamaica, Índia, Estados Unidos, Burkina Faso, Canadá, Coréia... Sakamoto realizou, com a naturalidade de um mestre sensei, a conjunção difícil da world music, aventada por alguns, mas nem sempre acessível e palatável. "Beauty" aprofunda a experiência lançada em “Neo Geo”, seu álbum anterior, convidando para este passeio sonoro músicos da mais alta qualidade e diferentes vertentes, como o icônico beach boy Brian Wilson, o veterano “The Band” Robbie Robbertson, a poesia ancestral de Youssou N'Dour, os percussionistas africanos Paco Yé, Seidou "Baba" Outtara e Sibiri Outtara, os jazzistas Mark Johnson e Eddie Martinez e mais uma turba de conterrâneos arraigados na música tradicional oriental. 

Do Brasil, especialmente, Arto toca guitarra, canta e coassina com ele cinco faixas, entre elas as tocantes “A Pile Of Time”, com o som característico do gayageum coreano; “Rose”, com percussões de ninguém menos que Naná Vasconcelos, e a linda “Amore”, que além da sonoridade arábica do shekere e da batida especial do talking drum, tem contracantos de N'Dour sobre os simples versos cantados pelo próprio Sakamoto: “Good morning/ Good evening/ Where are you?” De arrepiar.

Os encantos não param por aí. O craque Robert Wyatt empresta sua dolorida voz para Sakamoto versar Rolling Stones em "We Love You", que tem ainda as contribuições do congolês Dally Kimoko na guitarra, do britânico Pino Palladino no baixo, do porto-riquenho Milton Cardona no shekere e de coro multiétnico encabeçado por Wilson, Kazumi Tamaki, Misako Koja, Yoriko Ganeko e o próprio Sakamoto. Tem ainda “Calling From Tokyo”, a faixa de abertura, um art-pop com a bateria jamaicana de Sly Dunbas e a tabla indiana de Pandit Dinesh; a espetacular “Diabaram”, com a voz penetrante de N'Dour, que faz remeter a uma humanidade pacífica da Ática-Mãe quiçá perdida; a contemplativa “Chinsagu No Hana”, adaptação de canção tradicional do folclore de Okinawa, assim como “Chin Nuku Juushii”, de “Neo Geo”; “Asadoya Yunta”, cujo inconfundível som do samisém tocado pela japonesa Yoriko Ganeko lhe confere séculos de conhecimento, e “Romance”, totalmente oriental, mas totalmente planetária.

Por essa riqueza toda que a obra de Sakamoto carrega que fico chateado (mas não surpreso) com as manchetes de anúncio de sua morte, ocorrida no último dia 28, aos 71 anos. As notícias de veículos referenciais da imprensa dão conta, em sua maioria, de que: "Morre Ryuichi Sakamoto, célebre compositor que levou o Oscar por 'O Último Imperador'". Ora, Oscar é importante, sim, mas ESSE é o destaque para se falar em Sakamoto?! Pegando-se apenas o cinema, não precisa ser um fã ou profundo conhecedor de Sakamoto para apenas atentar-se a outras trilhas sonoras assinadas por ele e perceber o quanto sua obra se entrelaça com as nossas vidas há décadas, a exemplo de “De Salto Alto”, "Femme Fatale", "O Regresso" e "Black Mirror".

Sakamoto, como Akira Kurosawa, me mostrou há muitos anos que essa dicotomia Orient-Occident, tal o yin-yang taoísta, serve para a geografia ou a estadistas divisionistas. Se Kurosawa quebrou as barreiras ao levar para o cinema do Oriente Shakespeare, Dostoiévski e Gorki, intercambiando, igualmente, a cultura japonesa com o Ocidente, Sakamoto fez, a seu curso, semelhante trajeto. Ao atravessar o Greenwich com sua música, provou que não existem divisões na humanidade. Difícil ensinamento para um mundo tão desigual e superficial... E mais: mostrou que lhe existe, sim, o belo. Sakamoto, esse meu ente que se foi. Mas só de corpo físico. As outras matérias ele generosamente deixou para nós mundanos através dos sons. Por isso, estará sempre presente aqui em casa, pois sabe que a porta está permanentemente aberta para ele entrar com sua beleza e ficar quanto tempo quiser. 

RYUICHI SAKAMOTO 

(1952-2023)

FAIXAS:

1. "Calling from Tokyo" (Arto Lindsay, Roger Trilling, Ryuichi Sakamoto) - 4:26

2. "Rose" (Lindsay, Sakamoto) - 5:12

3. "Asadoya Yunta" (Katsu Hoshi, Choho Miyara) - 4:35

4. "Futique" (Lindsay, Sakamoto) - 4:09

5. "Amore" (Lindsay, Sakamoto) - 4:55

6. "We Love You" (Mick Jagger, Keith Richards) - 5:16

7. "Diabaram” (Sakamoto, Youssou N'Dour) - 4:13

8. "A Pile of Time" (Lindsay, Sakamoto) - 5:34

9. "Romance" (Kazumi Tamaki, Misako Koja, Yoriko Ganeko, Stephen Foster) - 5:29

10. " Chinsagu no Hana" (Folclore japonês) - 7:26

Faixa Extra da versão CD americana*

11. "Adagio" (Samuel Barber) - 7:47 

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OUÇA O DISCO:

Ryuichi Sakamoto - "Beauty"

Ry Cooder - “Bop Till You Drop” (1979)

 

"Eu tinha tudo pronto, quando um desses incompetentes gerentes de gravadora ouviu a demo e decidiu que era uma merda de cachorro e que não valia a pena gravar, de modo que não me deixaria fazer isso. Aí então que eu a gravei [“The Very Thing That Makes You Rich (Makes Me Poor)”] em “Bop...” e, de repente, eles queriam saber quem era esse autor Sidney Bailey. Ridículo. Agora, até mesmo a gravadora não pode localizá-lo para lhe pagar os seus royalties. De repente, ele poderia estar sentado neste momento numa prisão e esse dinheiro poderia tirá-lo de lá. Ou talvez ele esteja doente e precise de uma operação...” 

Ry Cooder, em 1981

Fui apresentado ao Ry Cooder pelo meu amigo, colega de Famecos e atualmente professor de Filosofia da PUC, Cláudio Almeida. Ele foi aos Estados Unidos num período no final dos anos 70 e trouxe na bagagem uma fita cassete de um disco chamado “Bop Till You Drop”. Virou hit lá em casa e nas casas de amigos, especialmente na de Mauro Magalhães. A partir deste disco, começamos uma busca incessante pelos outros trabalhos do cara, um guitarrista de mão cheia e uma espécie de arquivo vivo da música americana do Século XX. É dele aquele solo lancinante de “Sister Morphine” dos Rolling Stones.

Como um profundo conhecedor da “americana”, Cooder resolveu revisitar o rhythm and blues neste disco. E se deu muito bem. O trabalho é um triunfo estilístico bem ao estilo do guitarrista. Como se não bastasse, Cooder ainda tem o que se convencionou chamar de uma voz “blue-eyed soul”, ou seja, um branco que canta como um negro.

“Bop Till You Drop” começa com uma versão de “Little Sister”, canção de Doc Pomus & Mort Schuman que foi gravada por ninguém menos do que Elvis Presley. Como eu não gosto do “rei do rock”, prefiro o clima R&B que Cooder e seus comparsas (David Lindley na guitarra e no slide guitar; Tim Drummond no baixo; Jim Keltner na bateria; Milt Holland na percussão mais os maravilhosos vocais de Bobby King, Herman Johnson e Cliff Givens) colocam no caldeirão.

“Go Home Girl” é um bolero muito engraçado, quase um reggae. Toda em cima da percussão de Holland, do órgão de Barron e das guitarras e violões de Cooder e Lindley, a canção relata as desventuras de um cara que se mete num triângulo amoroso com a namorada de seu melhor amigo. “Go on go home girl / You better go on home / You better move on” ("Vá para casa, menina/ É melhor você ir para casa / É melhor você seguir em frente"), diz ele, mandando a garota embora, apesar de amá-la muito. Segundo ele, o “amor de uma mulher e o amor de um amigo são duas coisas que não podem ser comparadas”. Num determinado momento, Frank empresta o carro para seu amigo e fica esperando, em casa. Mal sabe ele que seu amigo está dispensando SUA namorada neste exato momento. Pra fechar, Bobby King dá a primeira de muitas estrebuchadas vocais que fazem deste disco uma delícia de ouvir.

“The Very Thing That Makes You Rich (Makes Me Poor)” tem uma história interessante. Composta pelo taxista Sidney Bailey, a música foi dada a Cooder num cassete pelo próprio autor, quando o guitarrista entrou em seu carro. Até aí, nada demais. O que Cooder não sabia é que já havia gravado outras duas composições de Bailey em seu disco “Paradise and Lunch”: “Fool for a Cigarrette / Feelin' Good”, que havia encontrado numa editora. Brilham mais uma vez as guitarras de Cooder e Lindley. Keltner faz misérias na bateria. E os vocais parecem saídos direto de uma missa de domingo numa igreja batista. E a letra é divertidíssima, pois é misógina de uma maneira jocosa: “Meu pai me disse em seu leito de morte / Rapaz, a mulher vai conseguir o que quiser, não se engane / Porque ela tem uma coisa que faz / o homem deixar o dinheiro bem na mão dela / e a exata coisa que faz ela rica / te faz pobre”. Sensacional filosofia popular. Mais adiante, o pai continua a aconselhar seu filho: “Nunca, de maneira alguma, cometa este erro / Prefiro subir numa cama com uma cascavel / do que trabalhar duro todos os dias pra dar meu dinheiro pra ela”. À medida que a canção avança, os vocais vão entrando naquele clima de pergunta e resposta bem ao estilo soul music. Uma das grandes surpresas do disco vem a seguir; “I Think It's Going to Work Out Fine”, música que foi gravada por Ike & Tina Turner. Aqui, numa versão instrumental, onde Ry Cooder e David Lindley carregam a melodia nas guitarras elétricas, enquanto o mandolin faz a base.

A única composição original do disco, “Down in Hollywood” é de autoria de Cooder e do baixista Drummond e traz a primeira participação da cantora funky Chaka Khan. No refrão, eles avisam os incautos que vão passear de carro em Los Angeles: “Passeando em Hollywood / é melhor que você não fique sem gasolina / Ele vai te tirar do seu carro e chutar seu traseiro / Eles estão parados numa esquina esperando um trouxa como você / Se você quer permanecer saudável, é melhor seguir em frente”. E aí começam a aparecer todas as figuras que habitam as noites de Hollywood: os gays, os cafetões, as prostitutas, os policiais. Tudo embalado por um clima soul-funk. De certa maneira, Cooder previa os temas dos rappers de hoje, em especial a violência urbana.

“Look at a Granny Run Run” foi grande sucesso na voz de Howard Tate, um cantor de soul music da segunda metade da década de 60. A recriação de Cooder mantém o sabor original da primeira versão, mas acrescenta um astral de blues, com o mandolin e seu violão de aço fazendo a introdução. O vovô fica correndo atrás da vovó, vocês imaginam com que intenção, né? Lá pelas tantas, o vovô deixa tudo explícito: “Olhe aqui, mamãezinha, pare de correr/ tudo o que eu quero é fazer um amorzinho antes que chegue a minha hora/ Não tem nada errado com isso”.

“Trouble, You Can't Foll Me” mantém a levada R&B com ênfase no blues, especialmente nas guitarras e violões que fazem uma teia de sons, segurando a onda de Cooder e seus backing vocals. As mulheres continuam a ser um problema, mas elas não podem enganá-lo. “Estou te vendo atrás daquela árvore”.

A faixa seguinte, “Don't Mess Up a Good Thing”, foi sucesso com a cantora Fontella Bass, mas aqui vira um funky superdançante com a bateria de Keltner fazendo aquela batida soul, mantendo o clima dado pelas guitarras e pelo órgão, enquanto Cooder e Chaka Khan conversam. A mulher pede que ele “não estrague uma coisa boa” e o homem diz que “mesmo que tenha pulado a cerca de vez em quando, o cheque do pagamento vai pra ela”. É interessante que Cooder revisite o R&B dos anos 50 e 60, quando as mulheres ainda não tinham voz ativa na sociedade e eram figuras decorativas que só pensavam em gastar o dinheiro de seus maridos. O revisionismo de Ry Cooder chega a este ponto, quase que um tema só no disco inteiro, apesar das composições serem todas diferentes.

Pra fechar este maravilhoso disco, “I Can't Win”, uma balada soul entoada pelo incrível Bobby King. Cooder se dá ao luxo de fazer backing vocal pro seu backing! E se você não se dobrou totalmente por este disco e esperou até o último momento, chegou a sua hora de ajoelhar e rezar na igreja de São Ry! Esta não é uma canção. É uma prece! “Tenho tentado muito encontrar um caminho pro seu coração/ mas não consigo ganhar/ seu amor”. É uma canção de coração partido, triste como ela só. Mas com este astral gospel americano de verdade e não esta chinelagem travestida e “universalizada” (se é que vocês me entendem) que a gente ouve por aí. Se não tivesse acompanhamento musical, esta ainda seria a melhor canção do disco inteiro. É de arrepiar os cabelos. Vozes de verdade, sentimentos de verdade. Há quanto tempo, você não ouvia falar nisso, hein? Bobby King ganhou este presente de Ry Cooder, que repassou para nós, ouvintes.

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FAIXAS:

1. "Little Sister" (Doc Pomus, Mort Shuman) – 3:49

2. "Go Home, Girl" (Arthur Alexander) – 5:10

3. "The Very Thing That Makes You Rich (Makes Me Poor)" (Sidney Bailey) – 5:32

4. "I Think It's Going to Work Out Fine" (Rose Marie McCoy, Sylvia McKinney) – 4:43

5. "Down in Hollywood" (Cooder, Tim Drummond) – 4:14

6. "Look at Granny Run Run" (Jerry Ragovoy, Mort Shuman) – 3:09

7. "Trouble, You Can't Fool Me" (Frederick Knight, Aaron Varnell) – 4:55

8. "Don't Mess Up a Good Thing" (Oliver Sain) – 4:08

9. "I Can't Win" (Lester Johnson, Clifton Knight, Dave Richardson) – 4:16

Roy Orbison - "In Dreams" (1963)

 

"Roy era um cantor de ópera.
Ele tinha uma voz grandiosa."

Bob Dylan

"Vendo Roy Orbison,
eu aprendi como cantar uma
balada romântica."
Mick Jagger

"Quando estava quase adormecendo,
escrevi a introdução de "In Dreams",
 fui dormir, levantei-me na manhã seguinte
 e já tinha a letra. 
Todas as músicas são presentes,
 mas essa foi realmente um presente."
Roy Orbison

O primeiro contato que tive com a canção "In Dreams", curiosamente, não foi sonoro. O persoangem John Constantine ouvia a canção no rádio de um táxi num episódio da graphic novel, de Neil Gaiman, "Prelúdios e Noturnos", do personagem Sandman, o Mestre dos Sonhos. "A candy-colored clown they call the sandman/ Tiptoes to my room every night/ Just to sprinkle stardust and to whisper/ Go to sleep. Everything is all right...".  Embora o autor e seus desenhistas lidassem muito bem com a inserção de elementos músicas dentro do formato de quadrinhos, é óbvio que numa HQ não teria ali som para identificar de que música se tratava, contudo, na mesma edição, numa espécia de sumário para os trechos de músicas mencionadas naquela publicação, o autor era creditado: Roy Orbison.

Somente algum tempo depois é que fui ouvir aquela música em "Veludo Azul", de David Lynch, na interpretação célebre da dublagem do personagem Ben usando a luminária como microfone e foi só então que eu liguei os pontos: "quadrinhos-neilgaiman-sandman-mestredossonhos-indreams-royorbison-veludoazul...". Ah,era aquela! Aquela era "In Dreams" que eu havia lido nos quadrinhos. E ela era maravilhosa! Foi o que precisava para fazê-la cair definitivamente nas minhas graças.

"Veludo Azul" - Ben dublando "In Dreams"

"In Dreams", a belísima canção de interpretação emotiva e extasiante, e de arranjo de cordas grandioso, aparece pela primeira vez na discografia de Orbison no disco que leva o mesmo nome, de 1963, mas o álbum não se resume a esta canção que já se eternizou na galeria das grandes baladas da história da música. Roy Orbison é mestre em baladas românticas e "Lonely Wine" e "Dream", não deixam dúvidas sobre isso; "Shahdaroba" também romântica mas um pouco mais embalada é outra ótima canção; mais agitadinha ainda, o rock "Sunset", também merece destaque, bem como "Blue Bayou", outro dos grandes sucessos do cantor que conta com mais uma de suas inspiradas interpretações.
Um dos cantores mais influentes em todo o universo da música, Roy Orbison era admirado por Elvis, Johnny Cash e é frequentemente reverenciado por nomes como Bono, Tom Waits, Bruce Springesteen, entre outros. De minha parte, demorei para conhecer mas desde que tive contato me juntei ao coro dos ilustres fãs.  Sua voz inconfundível e suas interpretações singulares estão, definitivamente, marcadas na história da música.

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FAIXAS:

1. "In Dreams" (Orbison)
2. "Lonely Wine" (Roy Wells)
3. "Shahdaroba" (Cindy Walker)
4. "No One Will Ever Know" (Mel Foree, Fred Rose)
5. "Sunset" (Orbison, Joe Melson)
6. "House Without Windows" (Fred Tobias, Lee Pockriss)
7. "Dream" (Johnny Mercer)
8. "Blue Bayou" (Orbison, Joe Melson)
9. "(They Call You) Gigolette" (Orbison, Joe Melson)
10. "All I Have To Do Is Dream" (Boudleaux Bryant)
11. "Beautiful Dreamer" (Stephen Foster)
12. My Prayer (Jimmy Kennedy, Georges Boulanger)

Glockenwise – Gótico Português

São várias as interpretações que existem para o termo gótico. No entanto, sabemos que foi um movimento artístico que nasceu na Idade Média e que se prolongou por alguns séculos.

Em Portugal, este movimento também deixou as suas marcas. Em Barcelos, por exemplo, podemos contemplar a Sala Gótica dos Paços do Concelho. Se foi inspiração para o quinto álbum dos Glockenwise? Talvez não, mas este novo trabalho tem, efectivamente, algo de gótico, nem que seja pela forma como se afasta um pouco em termos sonoros dos álbuns anteriores e cria uma nova maneira de comunicar com os ouvintes, explorando novos caminhos e estéticas.

Gótico Português foi hoje lançado e é o primeiro trabalho da banda com edição de autor. Talvez por isso a sua sonoridade seja mais livre, sem amarras e navegadora. Ou talvez seja por isso que é o álbum da banda de Barcelos que mais gostei de descobrir.

Ao longo de 11 temas, vamos viajando pelas vivências da banda, muitas delas com mágoa ou tristeza mas também esperança e a procura de alguma luz, como no tema “Lodo”. Em “Margem” ou “Natureza” temos os tema mais orelhudos do álbum, mas nem por isso a banda desvia o seu azimute. “Gótico Português” leva-nos a tentar, amar e entrar.

“Vida Vã”, tema que dá nome à nova editora da banda, é talvez o mais complexo e reflectivo do álbum, encapsulando bem a ideia da banda para este trabalho: uma sonoridade complexa, mas rica, repleta de emoções, inquietações e dúvidas. E é bom ter dúvidas, receios e medos. Faz parte da vida e a música é vida.

Gator, The Alligator – Laminar Flow

Estes barcelenses de gema têm-se revelado cada vez mais uma confirmação na música portuguesa, após dois belíssimos primeiros longas-durações, que mostraram uns Gator versáteis, intensos e esfomeados com uma sonoridade diferente e mais direta do que habitual, em solo português. Em 2023, Laminar Flow lança mais uma camada de musicalidade combinada com garage rock, space rock e rock psicadélico, o que confirma a qualidade suprema de uma das bandas a ter em atenção em Portugal.

A criação em Life is Boring da sua mítica personagem Gator com a junção de Demon em Mythical Super Bubble veio criar uma janela de conceptualidade pouco vista no rock português, abrindo todo um conjunto de hipóteses sonoras e de género, que estes Gator parecem e confirmam conseguir apreciar e valorizar, tornando ainda mais impressionante a sua música. De rebeldia, estão eles cheios. Já não surpreende que este quarteto magnífico retire o rótulo de banda-rebelde, pois ser rebelde é mais do que uma atitude, é uma série de experiências, criatividades e criações que resultam neste Laminar Flow. O terceiro disco de originais denota uma polivalência acrescida na execução de um álbum que confirma o progressivo e o stoner rock ao seu repertório criativo, após um Mythical Super Bubble mais experimental nestes dois géneros, e apaga algum do heavy iniciado em Life is Boring.

Em termos conceptuais e líricos, o conceito mantém-se como ideal principal na linha criativa dos Gator, com oito faixas que nos apresentam uma visão inebriada, hiperactiva e tremendamente fantasiosa da chatice de uma vida muitas vezes decepcionante e negativa. Laminar Flow é um êxtase de início ao fim, com uma intensidade volátil e cheia de obstáculos narrativos. “A New Way” e “No Choice” revelam um lado mais excitado e festivaleiro com uma vertente heavy dominante; “Life You Dreamed” é uma faixa de rock rápido e que nos remonta à toxicidade de Mythical Super Bubble, com notas de rock psicadélico; “Morning Light” surpreende pela sua brandura e suavidade, com elementos dos anos 70 instrumentalmente, numa quase pedra de emoções inebriantes, que é controlada pelo vocal e por uma guitarra perfurante; “Hyperfocused” é representativa de uma viagem de rapidez e repleta de rock psicadélico, com elementos mais elétricos e um final instrumental de satisfazer os ávidos de headbanging dos concertos; a faixa homónima é um garage rock de musicalidade anos 90, com elementos sintetizadores e espaciais, o que enriquece a componente instrumental deste disco; e, por fim, “Echoes of Death” é quase um afugentar de tendências com o space e o experimental, quase à Pink Floyd, a dominarem as modas de uma faixa longa de sete minutos e que fecha um disco que representa uma viagem ao nosso íntimo e que encerra um ciclo iniciado em “A New Way”;

Laminar Flow explora novas tendências e estéticas enquanto confirma a polivalência dos Gator, neste novo espaço conceptual mais positivo e inebriante. O garage rock, o space rock, o psicadélico, o progressivo, o stoner e o heavy estão bem presentes, uns mais do que outros, mas a confirmação de que os rótulos para os Gator pouco lhes dizem é mais do que revelador neste terceiro álbum de originais, que poderá ser o mais maduro da discografia do jovem grupo. É um disco de grande qualidade e confirmador do valor do grupo iniciado há meia década, mas que já parece andar nestas andanças há muito mais tempo. A viagem ainda está a começar para o quarteto barcelense que detesta rótulos e adora experimentar os diversos géneros musicais que lhe apraz. Sem delongas, Laminar Flow inicia uma ruptura com o negativismo para nos fornecer uma jornada tóxica e envolvente no íntimo humano, com um apoio tremendo de uma produção musical mais evoluída, uma narrativa intensa, desempenhos impecáveis e uma sonoridade cada vez mais madura.