Em 1978, Perrett lançou seu primeiro álbum com The Only Ones, uma banda rotulada dentro da cena punk new wave do Reino Unido, embora seu estilo ressoasse mais com os sons nova-iorquinos de Lou Reed ou Television. A habilidade de Peter Perrett como compositor era muito elogiada. A imprensa musical o destacou como um compositor capaz de criar power-pop de alta qualidade com a mesma facilidade com que produzia jazz e dramas caseiros com toques psicodélicos. O que torna o álbum de estreia do The Only Ones excelente é a amplitude e a variedade de suas dez canções. Faixas como "The Whole of the Law", "The Beast" e "The Immoral Story" mal insinuam a relativa imaturidade do grupo em termos de produção musical. As canções são ambiciosas, o som é envolvente e seu estilo varia de uma música para outra. Isso também seria a ruína do grupo. Novos fãs da banda tinham dificuldade em reconhecer outra música semelhante a "Another Girl" ou em definir seu som.
Descrita por um crítico musical como "possivelmente o melhor single de rock já gravado", a fama de "Another Girl, Another Planet", do The Only Ones, perdurou, para dizer o mínimo. O destino não foi tão generoso com a banda e seu breve catálogo, e acreditamos que isso seja totalmente injusto. Sem dúvida, esta é a música mais memorável da banda, para muitos a única que conhecem, o que lhes rendeu o rótulo de "artistas de um único sucesso" — um termo usado na indústria musical para descrever artistas que desfrutam de um único sucesso musical e depois caem no esquecimento. Objetivamente falando, o caso do The Only Ones não justifica esse rótulo. Na realidade, eles não tiveram nenhum hit; quando essa música foi lançada, não entrou nas paradas. Bem, entrou, modestamente, em um relançamento de 1992. Ela se tornaria mais conhecida graças à versão do Blink-182, e especialmente quando a Vodafone a usou em sua campanha de 2006, o que motivou uma breve reunião da banda que os levou a uma turnê pela Espanha. Ali vimos um Perrett esquelético, com quase nenhuma capacidade pulmonar, os ossos expostos e as veias saltadas. Sabíamos de seus vícios, mas até aquele momento não tínhamos visto a face de seu estilo de vida destrutivo.
"Another Girl Another Planet" é um dos melhores singles já lançados. É o tipo de hit que compartilha a essência de "Ace of Spades", "Echo Beach" ou "Song 2". Uma faixa atemporal, perfeita para lotar a pista de dança, é presença constante nas playlists de DJs em casas de rock. De 1978 até hoje, essa música se mantém tão atual quanto no seu lançamento original. Começa com um solo de guitarra — uma escolha ousada para um single que definiu uma era — que leva a um solo com aquela famosa introdução de dedilhado e a bateria estrondosa. É um começo incrível. Além disso, a letra fala sobre o vício em drogas do vocalista e como cada sucesso o leva ao espaço sideral, a algum lugar distante, como se ele estivesse em outro planeta. Há versos geniais em "Another Girl, Another Planet"... que fazem muito mais sentido quando você percebe o que o vocalista está realmente cantando... ele tem um talento especial para transmitir grandes conceitos com poucas palavras... "Eu sempre flerto com a morte, pareço doente, mas não me importo." Em duas linhas, você tem uma das melhores descrições de um vício patológico já capturadas na letra de uma música popular.
1978 foi um ano crucial para José Luis Perales, consolidando sua carreira não apenas como intérprete, mas também como compositor. Suas obras se tornaram incrivelmente populares e lançaram as bases para os grandes sucessos que viriam nos anos seguintes. Sua participação no programa de televisão "300 Milhões" da RTVE lhe proporcionou significativa visibilidade. Ele lançou dois álbuns: "Como la lluvia fresca", um marco na discografia de Perales, produzido pela Hispavox, que solidificou seu estilo característico de baladas melódicas e letras poéticas. O álbum continha dez canções carregadas de emoção e com letras profundamente significativas, marcas registradas do cantor e compositor. Seu segundo álbum, "Soledades", foi produzido, como muitas de suas obras desse período, por Rafael Trabucchelli, figura fundamental no som singular de Perales. Também foi lançado pela Hispavox, a gravadora que abrigou grande parte de seu trabalho na Espanha. No entanto, o que torna "Soledades" singular é o fato de ter sido lançado exclusivamente para a América Latina. Isso significa que, embora algumas de suas canções possam ter aparecido em outros álbuns espanhóis (como "Como la lluvia fresca"), "Soledades" foi concebido como uma coletânea especificamente para o público do outro lado do Atlântico, muitas vezes agrupando faixas que já haviam sido lançadas na Espanha, mas em configurações diferentes. A estratégia de lançar álbuns com configurações diferentes para mercados específicos era comum na indústria musical da época. Para José Luis Perales, isso permitiu otimizar a distribuição e o alcance de suas canções em uma região onde sua popularidade era imensa e só continuou a crescer. "Soledades" não é apenas uma coletânea de canções; é um testemunho do alcance internacional de Perales e da conexão que ele forjou com seu público latino-americano, uma conexão que permanece forte há décadas.
Esta obra inclui canções que se tornaram clássicos no repertório de Perales e que ressoaram profundamente por toda a América. Canções como "Compraré", com sua reflexão melancólica sobre a passagem do tempo e a aquisição de bens materiais versus sentimentos, tornaram-se um hino. Outra faixa significativa é "Pequeño gorrión", uma metáfora para a liberdade e a busca por novos horizontes. "La casada" aborda a complexidade dos relacionamentos e das decisões da vida com a sensibilidade característica de Perales. É claro que a faixa-título, "Soledades", é muito mais do que apenas uma peça musical; é uma das composições mais emblemáticas e profundas do cantor e compositor e representa um dos ápices de sua capacidade de transformar sentimentos complexos em melodias comoventes e letras de uma simplicidade poética avassaladora. Desde o primeiro acorde, você é envolvido por uma atmosfera de melancolia e reflexão com uma instrumentação tipicamente orquestral e sutil, onde o violão de Perales atua como a espinha dorsal, criando uma atmosfera íntima, quase confessional. A letra é uma exploração magistral da ausência e da introspecção. Eles não falam da solidão como um estado puramente negativo de isolamento, mas sim como um espaço pessoal onde residem memórias, anseios e, paradoxalmente, a companhia daqueles que não estão fisicamente presentes. Perales personifica essas "solidão" como companheiros silenciosos que "chegam" ou "vêm", trazendo consigo a lembrança de um ente querido, uma época passada ou uma emoção não resolvida. "Soledades" foi um sucesso estrondoso; permanece fiel ao que o tornou popular e segue a estrutura da balada clássica de Perales, com uma progressão harmônica que realça o peso emocional da letra. Os arranjos de Rafael Trabucchelli, característicos da época, conferem à canção uma riqueza sonora que eleva sua mensagem sem ofuscar a pureza da composição original.
Na vibrante e caótica Nova York dos anos 1970, The Dictators , uma banda pioneira do punk rock, surgiu com uma energia e atitude irreverente que os tornaram uma força definidora do gênero. Sua canção "Faster and Louder ", incluída no álbum *Bloodbrothers* de 1978 , é uma prova de sua capacidade de fundir a energia bruta do punk com humor sarcástico e paixão pelo rock and roll.
Os Dictators se formaram em 1973 na cidade de Nova York, numa época em que a cena musical da cidade estava desenvolvendo o que mais tarde seria conhecido como punk rock. Com uma formação inicial que incluía Andy “Adny” Shernoff (baixo, teclados, vocais), Ross “The Boss” Friedman (guitarra solo), Scott “Top Ten” Kempner (guitarra rítmica) e o carismático “Handsome” Dick Manitoba (vocais), a banda se destacou por sua mistura de hard rock, humor e referências à cultura pop. Seu álbum de estreia, The Dictators Go Girl Crazy! (1975), já havia estabelecido sua reputação como uma banda proto-punk, mas foi com Bloodbrothers que eles solidificaram seu som e atitude.
Bloodbrothers , produzido porSandy PearlmaneMurray Krugman(conhecidos por seu trabalho como Blue Öyster Cult), marcou um ponto de virada para a banda. Ao contrário de seu antecessor,Manifest Destiny (1977), criticado por ser muito comercial e"superproduzido",segundo arevista Manitoba, Bloodbrothers recapturou a essência crua e direta do punk.Faster and Louderconta com uma participação especial notável:Bruce Springsteen, um fã declarado da banda, aparece contando"1-2-1-2-3-4"no início.
Escrita por Andy Shernoff , a letra reflete a frustração de um jovem artista que sente que “conversa, conversa, conversa” atrapalha sua necessidade de se expressar: “Conversa, conversa, conversa, conversa, continua atrapalhando / Falando como um jovem artista que tem tanto a dizer”. O narrador, em tom sarcástico, propõe formar uma banda chamada “Yazoo Squelch” e proclama seu desejo de “fazer barulho” através de uma série de atividades cotidianas exageradas, desde brincar e dançar até “passear com o cachorro” ou “cortar a grama ”, tudo “mais rápido e mais alto ” .
Musicalmente, a canção é uma torrente de energia, com riffs de guitarra afiados de Ross Friedman e uma sólida seção rítmica liderada pelo baterista Rich Teeter e por Shernoff , que retornou ao baixo após a saída de Mark “The Animal” Mendoza . Os vocais de Manitoba , em seu primeiro álbum como vocalista principal em todas as faixas, trazem uma intensidade visceral que complementa a instrumentação. Bloodbrothers tornou-se o álbum mais voltado para o rock e musicalmente impactante da banda, e “Faster and Louder” é o exemplo perfeito. Embora o álbum não tenha alcançado um enorme sucesso comercial, “Faster and Louder” se tornou uma das canções mais icônicas do The Dictators .
Em 1978, um jovem Prince Rogers Nelson surgiu no cenário musical com seu álbum de estreia, For You. Embora o disco não tenha sido um sucesso comercial imediato, continha uma joia que prenunciava sua carreira revolucionária: " Soft and Wet ". Essa canção, escrita e produzida inteiramente por Prince (que, com apenas 19 anos, já demonstrava domínio absoluto sobre sua arte), funde funk, R&B e um toque de rock psicodélico, marcando o início de uma lenda.
Desde os primeiros acordes, " Soft and Wet " seduz com um riff de guitarra funky e um ritmo contagiante, mas o que realmente se destaca é a ousadia da letra. Prince brinca com o duplo sentido logo no título, combinando imagens de ternura ("soft") com erotismo descarado ("wet"). Versos como "You're so soft and wet / I just can't let you go" são um exemplo precoce de sua habilidade em mesclar sensualidade com música, uma característica que viria a definir sua obra.
A produção, embora mais modesta do que seus trabalhos posteriores, já revela sua obsessão por detalhes. Camadas de coros, arranjos de percussão e efeitos sutis de estúdio (como sussurros ao fundo) criam uma atmosfera íntima, quase conspiratória. Prince não apenas canta; ele sussurra, geme e transforma cada palavra em uma carícia auditiva.
Musicalmente, " Soft and Wet " é uma faixa de funk eletrônico influenciada por artistas como Sly Stone e James Brown, mas Prince a imbuí com seu próprio estilo único. A guitarra, embora discreta, tem aquele toque picante que explodiria mais tarde em sucessos como "Kiss", e os sintetizadores adicionam um toque futurista. Embora o som seja claramente da sua época, há uma frescura que o mantém relevante.
O mais notável é como essa música — seu primeiro single — já continha os elementos que o tornariam um ícone: fusão de gêneros, provocação inteligente e produção meticulosa. Prince não queria apenas fazer música; ele queria controlá-la, moldá-la e levá-la a territórios inexplorados.
Embora " Soft and Wet " não tenha alcançado o Top 40 na época, sua importância histórica é inegável. Foi a pedra fundamental de um artista que redefiniria a música pop, funk e rock nas décadas seguintes. Hoje, ouvi-la é como testemunhar o nascimento de um gênio: ousado, sensual e completamente no domínio de sua arte.
Para os fãs de Prince , esta música é uma lembrança de sua evolução; para novos ouvintes, uma introdução perfeita ao seu universo. Uma obra que, assim como seu criador, é suave na superfície, mas ousada em sua essência.
A cada álbum do Depeche Mode, uma história pessoal, coletiva e musical distinta é impressa. Cada álbum do Depeche Mode define tão bem uma era que ressoa através de gerações, de "Black Celebration" a "Exciter" ou "Violator", a obra-prima da banda britânica. Eles soam tão diferentes, mas ao mesmo tempo tão familiares, empregando as técnicas cativantes que nos envolveram repetidamente ao longo da carreira deste fabuloso trio, mas criando paisagens e sensações de matizes completamente diferentes. "Playing the Angel" é um álbum consistente, completo, poderoso e encantador — em suma, como qualquer um dos adjetivos que evocam o Depeche Mode. Estes não são apenas elogios; eles realmente refletem o espírito que a banda demonstra em suas doze faixas. Visto de outra forma, o novo lançamento deles manifesta claramente a essência desses três homens na virada do milênio, que envolve não apenas o uso de tecnologias atuais, mas também suas histórias recentes: você ouvirá samples estridentes e saturados, discos crepitantes e zumbidos elétricos, drones de amplificadores e lamentos ambientais analógicos em abundância. No futuro, tudo será muito não convencional na música pop, e com este álbum, podemos estar lá desde o início. A porta está aberta: entre! Em primeiro lugar, David Gahan, cuja voz era frequentemente usada apenas como um instrumento adicional, agora pode finalmente trabalhar como compositor. A ditadura do Sr. Gore acabou. As três músicas de Gahan, "Suffer Well", "I Want It All" e "Nothing's Impossible", não brilham por méritos individuais; elas brilham dentro do contexto geral do álbum. Ao ouvi-las individualmente, você não pode deixar de sentir o impacto, mas "Playing the Angel" é tão bem construído que elas constituem um universo completo. Musicalmente, o elemento mais utilizado é o sintetizador analógico; em outros momentos, há riffs muito poderosos e, claro, belos coros femininos e a voz terna de Gore também se destacam.
“Playing the Angel” abre com “A Pain That I’m Used To ”, apresentando um riff de guitarra inquietante que dá lugar a batidas mais suaves e, em seguida, aos vocais intensos de Gahan, criando a atmosfera de um filme policial sombrio, onde um assassino é caçado com uma urgência implacável. Ao fundo, o zumbido de uma serra circular eletrônica ressoa por alguns segundos, preparando-nos para o que está por vir. A música é construída sobre uma base eletrônica pulsante e dinâmica, que é então substituída por riffs agressivos que fazem você balançar a cabeça durante o refrão; é garantia de sucesso, até mesmo na pista de dança. Foi lançada como o segundo single por um bom motivo. Em “John the Revelator”, Gore continua sua predileção por usar referências apostólicas. A música em si é um exercício de simplicidade, mas tem um impacto poderoso: as batidas são muito diretas, Gahan canta como se estivesse se apresentando em um estádio e, para completar, há um magnífico coral feminino que repete “John the Revelator” várias vezes. É uma daquelas músicas que você espera ouvir em um grande show. O título religioso e o coral gospel já indicam o quanto Gore precisa recorrer a temas existenciais para expressar adequadamente seu universo emocional. "Suffer Well" é uma das três músicas compostas por Gahan. No início, ela crepita, ressoa, brilha e emite um bipe muito agradável, como nos velhos tempos. Duane Eddie também está de volta.
"The Sinner in Me" é mais triste, mas ao mesmo tempo sensual — é uma daquelas coisas que só o Depeche Mode sabe fazer. Há muito mais destaque para a música eletrônica, embora haja um riff perto do final. O single "Precious" é uma obra-prima, muito sofisticado, envolvente, à altura de qualquer outro single do trio, e é aí que reside a magia da sua música. Ao longo da carreira, eles usaram exatamente as mesmas ferramentas, mas sempre souberam experimentar sem cair em clichês ou autoplágio, e é assim que nos encantam aparentemente do nada. Como eles fazem isso? Infelizmente, não conseguiram atingir o nível de dançabilidade absoluta. Uma bela e melancólica canção pop, também ótima para tocar com um violão ao redor de uma fogueira, se os acordes não fossem sempre tão difíceis. Os hits de rádio e as músicas que chegaram ao topo das paradas que conhecemos do Depeche Mode raramente estavam entre as melhores dos seus álbuns. O sopro dos velhos tempos industriais envolve Macro , cantada por Gore, quando, após três minutos, os tambores a vapor irrompem subitamente numa elegia suicida e trêmula.
"I Want It All", de Bei Gahan, tem uma composição sonora semelhante à do The Cure. Heer não precisa de cascatas de ruído excessivamente ambiciosas para criar atmosfera. "I Want It All" é uma produção pop hipnótica com uma vibe dos anos 90, e Ben Hillier é um dos melhores compositores ingleses. Eu gostaria de ouvir como soavam as primeiras demos de Gahan e Gore. "Nothing's Impossible ", a última faixa escrita por Gahan, é provavelmente a mais direta do álbum; é apenas a voz dele sobre uma base instrumental relativamente estática e um violão eletroacústico que aparece brevemente. Mesmo assim, cada uma dessas faixas soa ótima. Gahan já está totalmente imerso na dinâmica da banda e compôs sem tentar ofuscar ou igualar Gore, pois esse não era o objetivo. Ele participou como apenas mais um membro, trabalhando para o bem da banda, não para si mesmo. Com sua segunda balada, " Damaged People ", cujo som definitivamente remete ao álbum "Construction Time Again", Gore encapsula toda a sua arte: "Quando estou do meu lado / Não tenho medo / Tenho medo de sentir / Já estou morrendo". A melancolia e a tragédia sobre as quais toda a carreira da banda se constrói parecem emergir dessa simples frase, e a melodia, sim, realmente soa um pouco como os bons e velhos tempos de "Black Celebration". Não poderia ser melhor. Talvez um pouco teatral demais? Ah, não sei. Às vezes acho que os caras nunca poderiam ter ficado realmente satisfeitos com títulos assim. Quase no final, encontramos a instrumental " Introspectre ", a dançante "Lillian", que soa ao mesmo tempo primitiva e mais moderna que Depeche Mode; os teclados soam antigos, e a batida tem um som como "Kid A" do Radiohead — no geral, uma faixa com muita força. Finalmente chega "The Darkest Star ", a música que deu título ao álbum. O Depeche Mode emerge das profundezas de uma angústia pungente, acompanhado por vocais de apoio e um piano sinistro e staccato. "Eu não quero que você mude / Seja o que for que você faça / Eu não quero que você seja / Outra pessoa para mim", canta Gahan. Primeiro, na última música, o Depeche Mode afrouxa um pouco os parafusos antes de nos libertar de seu majestoso e singular universo sonoro.
Não espere um novo "Violator", muito menos um novo "Songs of Faith and Devotion", ou um "Ultra", ou um "Exciter". Não é necessário. Cada um é tão importante quanto qualquer outro, pois cada um possui uma identidade específica e seu próprio fio condutor. Você precisa encarar este álbum como "Playing the Angel", assim como os álbuns anteriores do Depeche Mode. É único, um marco na trajetória da banda, e possui uma personalidade inconfundível. É uma experiência magnífica e revolucionária. Este álbum marcará, mais uma vez, uma nova geração de música influente, mas isso só ficará claro com o tempo.
Em 1978, a banda de rock americana Boston lançou seu segundo álbum, Don't Look Back . A faixa-título, escrita pelo vocalista, guitarrista e principal compositor da banda, Tom Scholz , tornou-se um dos maiores sucessos do Boston.
"Don't Look Back" foi a última música escrita e gravada para o álbum de mesmo nome, lançado em 2 de agosto de 1978 pela Epic Records . Segundo Tom Scholz , engenheiro autodidata e formado pelo MIT, "a música surgiu de um momento de inspiração em que tudo simplesmente se encaixou " . Scholz não gravou uma demo previamente; em vez disso, levou os acordes, a melodia e o arranjo diretamente para o estúdio e os gravou na fita master. Essa abordagem espontânea capturou o som característico do Boston : uma combinação de guitarras poderosas, produção impecável e ótimas melodias.
A música foi interpretada principalmente por Scholz, que tocou a maioria dos instrumentos, incluindo guitarras durante o refrão e as seções intermediárias, e baixo, com uma breve participação especial do baixista Fran Sheehan em algumas notas. O guitarrista Barry Goudreau , por sua vez, se destacou com os solos de guitarra na introdução e na conclusão, que Scholz elogiou por seu virtuosismo. Os vocais principais e de apoio foram fornecidos por Brad Delp.
"Don't Look Back" é um exemplo perfeito do estilo do Boston , uma mistura de produção impecável, guitarras orquestrais arrebatadoras e vocais soberbos. A música começa com um riff de guitarra distorcido, criado com recursos projetados por Scholz , que se orgulhava de não usar sintetizadores no álbum. A canção se destaca pelos vocais poderosos de Brad Delp, bem como pela linha de baixo melódica e pela bateria sólida, que fornecem uma base rítmica robusta e confiável. Enquanto isso, riffs intensos e passagens melódicas equilibram os momentos de hard rock com outros mais suaves, particularmente durante um interlúdio instrumental por volta dos três minutos.
"Don't Look Back" é um hino à superação de adversidades e à vivência do presente sem se apegar ao passado. Versos como "Não olhe para trás, um novo dia está amanhecendo" e "A estrada está chamando, hoje é o dia" transmitem uma mensagem de renovação e esperança. A canção fala sobre olhar para frente e aproveitar ao máximo o tempo na Terra, uma ideia que ressoa com o público de todas as gerações. Essa mensagem universal, combinada com sua energia rock, fez da faixa um sucesso radiofônico e um clássico do rock. O single alcançou o 4º lugar na parada Billboard Hot 100 dos EUA em outubro de 1978, consolidando seu lugar como um dos maiores sucessos do Boston .No entanto, Scholz expressou seu descontentamento com a pressão da gravadora Epic Records para lançar o álbum antes de sua conclusão, resultando em um disco que ele considerou "ridiculamente curto". Essa pressa marcou o início de um relacionamento tenso com a gravadora que durou oito anos.
Superunknown é o quarto álbum de estúdio do Soundgarden. A banda foi, de fato, um dos pilares da cena grunge de Seattle, existindo desde meados dos anos 80. Este álbum marcou seu auge comercial, chegando alguns anos depois de outras bandas grunge que, na verdade, eram vários anos mais jovens. O Soundgarden sempre foi uma banda que desafia categorizações fáceis. Eles caminham na tênue linha entre o hard rock e o heavy metal. Seu segundo álbum, Louder than Love, soa como um híbrido de Led Zeppelin e Black Sabbath. Acho que o motivo pelo qual me afeiçoei tanto a este disco é porque foi nele que eles realmente encontraram seu próprio som. Ainda acho que, das quatro grandes bandas grunge, o Soundgarden foi sem dúvida a mais singular. Eles se inclinavam mais para afinações e compassos não convencionais, enquanto a magnífica composição de Chris Cornell pode ter atingido seu ápice durante esse período. Cornell sempre pareceu ser a principal força criativa da banda, mas com este lançamento, ele assumiu ainda mais o controle. O álbum é tão influenciado pelo grunge que alguns o consideram não sendo nem metal alternativo nem grunge, mas simplesmente grunge, embora a grande maioria das músicas claramente se incline para alguma forma de metal alternativo. Mesmo assim, o grunge é o gênero principal do álbum e, portanto, deve ser o foco principal. O Soundgarden lançou, sem dúvida, o melhor álbum de estúdio de grunge. Infelizmente, ou felizmente (dependendo da perspectiva), o Nirvana lançou seu lendário álbum MTV Unplugged no mesmo ano. Mas as conquistas que este álbum trouxe o tornam essencial mesmo 30 anos depois.
Desde o início, "Let Me Drown" incorporou todas as características de uma banda no auge de sua carreira: os vocais poderosos e emotivos de Cornell, riffs marcantes e uma seção rítmica soberba. Em compasso 5/4 (embora a banda, o epítome do gênio puro, afirmasse não saber nada sobre teoria musical e instintivamente lançasse mão desse gênero de riffs extremamente incomuns, muitas vezes nascidos da mente de Cornell, longe de se limitar a baladas), Cornell descreveu a letra da música como "rastejar de volta ao útero para morrer". Ela apresenta um refrão brilhante que aproveita ao máximo os registros agudos e graves da voz de Cornell. "My Wave" é outra faixa magistral que demonstra uma banda em perfeita sintonia, com uma bateria monumental de jazz/hard rock, uma linha de baixo sinuosa, ricos efeitos de guitarra (wah-wah, solos psicodélicos abundantes) e a presença majestosa de Cornell e suas letras assertivas, porém francas, que as tornam tanto um hino à resiliência quanto uma crítica ao sucesso a qualquer custo (essa dualidade é o tema central da apropriadamente intitulada e contraditória "Superunknown"). Ela também apresenta um dos riffs de introdução mais divertidos do álbum. Definitivamente soa um pouco como um single, mas descobri que mesmo as músicas mais voltadas para hits neste álbum não fazem nenhum favor a ninguém. Liricamente, é provavelmente uma das mais simples, mas funciona, especialmente quando você é jovem; ainda me identifico com ela. Há momentos em que você realmente não se importa com o que as outras pessoas fazem, contanto que te deixem em paz. "Fell on Black Days", que infelizmente faz jus ao seu nome hoje em dia, é a música do Soundgarden que mais ouvi, aquela que, aos vinte anos, me fez reconhecer definitivamente o talento da banda, mesmo que antes disso eu só tivesse apreciado alguns singles. Sobre acordes notavelmente óbvios e poderosos — que alguns compararam, com diferentes graus de apreensão, ao Nirvana — Cornell entrega a balada sombria e poderosa definitiva: letras sobre a luta contra a depressão, uma linha vocal lânguida e sóbria e elegante, um refrão comovente ("Como eu poderia ser feliz que este fosse o meu destino?"), um floreio oriental na guitarra e Cameron dando tudo de si (relançando a música regularmente com interlúdios perfeitos). Perfeita, é uma das melhores letras de Cornell e, depois de todos esses anos, ainda é uma música à qual recorro frequentemente quando estou me sentindo para baixo. Entre as músicas mais pesadas do álbum, " Mailman" Ocupando inevitavelmente um lugar de destaque, algures entre Black Sabbath e Pantera, o Soundgarden, confiante no seu poder, tece uma teia hipnótica: a voz de Cornell é inicialmente etérea, contrastando com a intensidade da guitarra de Thayil, que não hesita em entregar um solo dantesco enquanto Cornell continua a cantar (uma das especialidades da banda e, tanto quanto sei, uma ideia bastante inovadora para a época), antes de se intensificar à medida que vários arranjos psicodélicos são revelados. A faixa-título é a mais direta; em " Superunknown ", a guitarra abraça um som de hard rock e uma psicodelia oriental completamente arrebatadora. O refrão, cantado a pleno volume, ecoa o refrão: "Alive in the Superunknown", um verdadeiro hino geracional. Nesta fase, "Superunknown" acumula, portanto, cinco faixas definitivas, imaculadas e coerentes, mas baseadas em padrões muito diferentes.
Superunknown é o primeiro álbum do Soundgarden onde a influência dos Beatles é inegavelmente óbvia, e " Head Down" é o primeiro e mais claro exemplo disso. Essa música, composta inteiramente pelo baixista Ben Shepherd, tem uma forte pegada psicodélica. É uma das faixas mais longas do álbum e, na minha opinião, uma das mais subestimadas. Oferece um respiro bem-vindo e prenuncia o que você ouvirá no álbum seguinte, Down on the Upside. Cantada de forma mais suave, com forte influência da psicodelia oriental e beirando o folk-rock hippie com seu violão, oferece uma pausa bem-vinda no meio de um álbum que talvez corresse o risco de se tornar pesado demais. Não vou mencionar "Black Hole Sun ", o mega-hit mundial do grupo. Uma balada apocalíptica bastante peculiar, mas infelizmente uma das faixas mais fracas da banda, e uma triste lembrança de que, durante os gloriosos anos 90, as bandas de rock frequentemente dependiam de baladas para alcançar o sucesso comercial. Um marco geracional, chame como quiser, é isso que a música diz. É a canção que define o Soundgarden, embora, como muitas das canções que definem a banda, "Black Hole Sun" não represente perfeitamente a essência do som do Soundgarden. O toque psicodélico permanece muito presente nesta música, e ela é bastante famosa pelo videoclipe psicodélico que a acompanha. Outro single, " Spoonman ", adota uma abordagem bem diferente: um riff à la Led Zeppelin no estilo de "Whole Lotta Love", hip-hop cativante, percussão variada e sons de colher para infundir uma espécie de loucura, antes da seção rítmica enlouquecer completamente e se beneficiar de um dos ritmos médios mais eficazes do gênero. Drogas, suicídio, acordes alienantes ao ritmo de um hard rock desenfreado. A música de "Spoonman" remonta à contribuição de Chris Cornell para o filme *Singles*, lançado em 1992. É possível ouvir a parte instrumental do que viria a ser "Spoonman" no filme. A canção faz referência a um artista de rua chamado Artis the Spoonman, que se apresentava em Seattle. Com "Limo Wreck ", o Superunknown assume um tom mais vertiginoso, mais quaresmal, mais sombrio, mais melancólico. Sem exceção, somos transportados para o lugar da criação: ritmos assimétricos, arpejos distorcidos, harmonias de guitarra ou a arte de criar um som ambiente. É outra música deste álbum que merece um pouco mais de atenção. A letra de Cornell critica a ganância e o excesso, e é uma das melhores performances vocais de Cornell no álbum. Há um certo ressurgimento do baixo na introdução de " The Day I Tried to Live".o que também leva rapidamente a convulsões rítmicas imprevisíveis. Poderoso, e mais uma prova da impecável estrutura rítmica: Cameron é claramente um dos melhores bateristas de rock, e muitas vezes subestimado. Qualquer pessoa com um mínimo de ansiedade pode se reconhecer na letra desta música. Ela é frequentemente descartada como uma canção negativa, mas na verdade tem uma perspectiva muito mais positiva do que as pessoas parecem perceber. Às vezes, o título simplesmente engana as pessoas, e elas não olham além dele. Este personagem pode não ter tido sucesso em sua busca pela "vida", mas isso não significa que ele não tentará novamente.
Kickstand é uma homenagem do Soundgarden ao MC5, em todos os sentidos da palavra. É a faixa mais séria do álbum, uma música punk um pouco acelerada que poderia ser considerada um filler, mas eu sempre gostei muito dela. Com um minuto e meio, eu costumava ouvi-la sozinha quando precisava de um impulso de energia. Fresh Tendrils , uma faixa dupla, é discretamente outra peça fabulosa. Copla psicodélica, um refrão luminoso, arranjos orientais e a maestria de Cornell. Tem uma das assinaturas de tempo mais estranhas do álbum e um riff de introdução muito poderoso. Cameron contribuiu para a maior parte da música. Em 4th of July , que não é exatamente um hino patriótico, o Soundgarden começou um riff que os Melvins em Bullhead não teriam recusado (e Cameron também toca como Dale Crover, um break poderoso, uma síncope principal), lento, pesado, sólido, lento. Uma música pessimista, supostamente escrita sobre uma viagem de ácido "em algum momento perto do 4 de julho". Embora não haja mais singles para o final do álbum, há muito material valioso no último terço. "Half" também é uma faixa com inspiração oriental e um toque psíquico. Claramente não é o ápice do álbum, mas é uma maneira suave de encerrá-lo antes da canção final, " Like Suicide" , musicalmente mais leve do que o título sugere, com seu arpejo flutuante e linha vocal enérgica. Dizem que Chris Cornell a escreveu depois de ter que matar um pássaro ferido com um tijolo para acabar com seu sofrimento. É uma ótima despedida para um álbum que aborda tantos temas pessoais como raiva, isolamento e solidão.
A notícia do suicídio de Chris Cornell em 2017 me devastou completamente. Ele sempre será um dos meus artistas favoritos. Obviamente, o homem sofreu muito, e este álbum definitivamente oferece um vislumbre de como era sua psique. Superunknown é o álbum mais experimental do Soundgarden. É um pouco longo, mas nunca me pareceu longo demais. Down on the Upside ainda era um bom álbum, mas dava para perceber que eles estavam tentando recapturar sua magia. Superunknown estreou em primeiro lugar na Hot 100, e tanto Spoonman quanto Black Hole Son ganharam prêmios Grammy. A vitória de Spoonman foi na categoria heavy metal, sobre a qual Cornell obviamente brincou no palco: "Não vamos sair deste palco até que alguém nos diga que somos heavy metal". Recomendo este álbum de coração se você nunca o ouviu. Para mim, ainda mais do que Badmotorfinger. Esta é a obra-prima do Soundgarden. É um mergulho profundo nas profundezas perturbadoras da depressão, do isolamento, da solidão e da raiva, ao mesmo tempo que apresenta músicas animadas e divertidas o suficiente para não ser tão assustador quanto seus equivalentes do Alice in Chains. É o álbum grunge que eu recomendaria para quem busca algo mais dentro do gênero e, no geral, é um dos meus álbuns favoritos dos anos 90.
