David Rhodes - chitarra elettrica, chitarra acustica
Gavin Harrison - batteria, percussioni
Cristiano Roversi - tastiere, Chapman Stick
Michele Fedrigotti - tastiere
Lois Mattson - violoncello
Shankar - violino elettrico, voce
Kudsi Erguner - flauto
Pandit Dinesh - percussioni, voce
Jakko M. Jakszyk - voce, chitarra
Karen Eden, Peter Hammill, Tim Bowness - voci
Autor, compositor e multi-instrumentista, Saro associou seu nome a uma miríade de grandes músicos, tanto estrangeiros quanto italianos, incluindo o sempre presente Franco Battiato . Apresentamos Cosentino em nosso blog há alguns anos, principalmente ao sugerir seu primeiro miniálbum homônimo de 1988, lançado pela "L'Ottava". Recomendo a leitura daquela antiga resenha (de 2017) do Capitão Roby e do nosso colaborador Antonio LM ( aqui ). No ano seguinte, sugeri o CD de Saro, lançado em 1995 em colaboração com Mino Di Martino, intitulado "TV Dinner", que você pode encontrar aqui .
Relendo estas páginas, também é possível revisitar as fases mais importantes da prestigiada carreira artística do músico e compositor.
Hoje, apresentamos o terceiro álbum de Cosentino, "Ones and Zeros", lançado em 1997 pela gravadora I Dischi del Mulo / Consorzio Produttori Indipendenti em CD e cassete. Também foi lançado no Reino Unido pela gravadora Resurgence.
capa frontal da edição de 1997
A versão apresentada aqui é a "Reloaded" de 2014, remasterizada e remixada com a adição de uma música ( a faixa de abertura, " Real Life "). A ordem das faixas também é diferente do álbum original. "Ones and Zeros Reloaded" foi lançado em CD e vinil. Gostaria de destacar a variedade de músicos e cantores que acompanham Saro nesta aventura musical, começando pelo ex-vocalista do Van Der Graaf Generator, Peter Hammill (faixas 2 e 4), o baixista John Giblin (que faleceu no ano passado, tendo trabalhado anteriormente com Brand X, Simple Minds, Peter Gabriel, Roger Waters, Sting, Joan Armatrading e muitos outros), o guitarrista David Rhodes (que colaborou com Peter Gabriel, Japan, Talk Talk e Franco Battiato), e depois Gavin Harrison, Shankar e os italianos Cristiano Roversi e Michele Fedrigotti. Além de Peter Hammill, temos o prazer de ouvir as esplêndidas vozes de Karen Eden e Tim Bowness. Descrever a grandeza musical de cada um deles exigiria páginas e páginas. Vamos parar por aqui e passar ao conteúdo do álbum.
A este respeito, sugiro um artigo interessante escrito por Maurizio Donini e publicado no site " Indie For Bunnies " em 03/11/2014.
"Real Life" conta com a participação da brilhante Karen Eden (The Voice of Australia), enquanto a segunda faixa traz o grande Peter Hammill nos vocais. "Phosphorescence" é outra faixa marcante. Hammill não é tão cativante quanto Eden, mas tem mais personalidade e confere à música um tom sombrio. "Days of Flaming Youth" começa com sons delicados, uma canção shoegaze típica. Tim Bowness define o gênero com uma doce melancolia. Peter Hammill novamente pinta "From Far Away" com um jogo de luz e sombra. Em seguida, temos o retorno sensacional de Karen Eden para uma faixa rápida e bela. "Bite the Bullet" é talvez a canção mais bonita do álbum, e "The Voice of Australia" a interpreta admiravelmente. Um estreante em "Defying Gravity", Jakko Jakszyk, preenche uma canção impactante com dor e angústia. Encerramos com a brilhante Karen Eden, vocalista principal deste álbum, que nos presenteia com mais uma joia para a coleção. "Behind the Glass" é mais um adoçante que adiciona sabor a um prato musical rico. Música de alta qualidade, composições refinadas com a inclusão de vocais de primeira linha que enriquecem uma textura rica de sons etéreos e raros. É um daqueles álbuns que você começa a ouvir e esquece de parar, e ele continua tocando em loop, fazendo companhia e permitindo que você aprecie sua presença discreta e imperceptível, mas quando terminar, você sentirá falta dele.
É tudo, meus queridos amigos. Agora é só ouvir. Antes de concluir, gostaria de agradecer ao nosso colaborador de longa data, Marco Osel , por me enviar os arquivos deste maravilhoso álbum.
O octeto que Archie Shepp formou em 1966 era composto por rostos novos e antigos. Os trombones gêmeos de Roswell Rudd e Grachan Moncur III personificavam isso, assim como o baixista Charlie Haden e o trompetista Tommy Turrentine, enquanto figuras conhecidas como o baterista Beaver Harris e o tubista Howard Johnson faziam parte da banda regular de Shepp. Há quatro faixas em "Mama Too Tight", todas elas, de alguma forma, funcionando como extensões da suíte de abertura em três partes, "A Portrait of Robert Thomson (As a Young Man)". Shepp havia atingido seu auge composicional aqui. A faixa é, a princípio, uma explosão de free jazz, mas depois traça a história do jazz, do gospel e do blues através de suas três seções. Certamente há muita atonalidade, mas também muita invenção harmônica e rítmica. A peça, com quase 19 minutos de duração, possui uma arquitetura intrincada que utiliza técnicas de prenúncio e métodos complexos de resolução. A faixa-título é um blues pós-bop com um riff matador na linha de frente, que oscila entre o brilho e o brilho, enquanto os trombones duelam. E, finalmente, "Basheer", com sua modalidade oriental que se transpõe para o blues e a música folk, torna-se uma declaração sobre as conexões de transição que os anos 60 estavam trazendo para a música. Aqui, novamente, muita improvisação livre, explosões de energia e gritos de pura alegria são equilibrados com a elegância e a contenção típicas de Ellington, suficientes para permitir que a letra fluísse e incentivasse ainda mais a improvisação. Este é Shepp em sua melhor forma.
Styles: Avant-Garde Free Jazz
Tracks: 01 - A Portrait Of Robert Thompson: A. Prelude to a Kiss / B. The Break Strain-King Cotton / C. Dem Basses (18:57) 02 - Mama Too Tight (5:25) 03 - Theme for Ernie (3:21) 04 - Basheer (10:38)
Line-up: Archie Shepp: tenor saxophone Tommy Turrentine: trumpet Grachan Moncur III: trombone Roswell Rudd: trombone Howard Johnson: tuba Perry Robinson: clarinet Charlie Haden: bass Beaver Harris: drums
Three for Shepp, de Marion Brown, é o reflexo de Four for Trane, de Archie Shepp, gravado no ano anterior. O programa se divide igualmente entre composições originais de Brown, que ocupam a primeira metade do álbum, e músicas de Shepp, que compõem a segunda metade. O que chama a atenção imediatamente é a semelhança de tom, cor e textura entre os dois compositores. Brown conta com bandas de primeira linha para essas gravações. O pianista Dave Burrell e o baterista Bobby Capp acompanham o trombonista Grachan Moncur III e Norris Sirone Jones no baixo nas composições de Brown, enquanto Stanley Cowell e Beaver Harris assumem o piano e a bateria nas de Shepp. "New Blue", de Brown, é um estudo modal lento de blues da escola pós-modal. Aliás, dada a leveza e os intervalos inusitados tocados por Brown e Moncur, trata-se de um novo tipo de blues modal. "Fortunato" é a vanguarda do swing pós-bop. Ela buzina, range e se reinventa para acompanhar as mudanças intrincadas de Burrell tocando no registro médio. Do material de Shepp, "Spooks" é uma espécie de declaração política com um swing frenético. Usando um ritmo swing inicial, 8/12, Cowell improvisa com maestria em uma figura de três acordes e a banda transita de Nova Orleans ao ritmo de shows de menestréis, do blues ao bebop, com Moncur executando um solo que poderia parar um relógio. "West India" é um blues reverente e cintilante, livre de agressividade ou harmônicos distendidos e estriados. Apesar do título, sua estrutura simples utiliza ritmos e linhas melódicas das Índias Ocidentais e quase caribenhas — calipso, alguém? — e as une a uma estrutura modal africana para um efeito festivo definitivo. "Delicado" é tudo menos delicado. É uma faixa pós-hard bop experimental e intensa, impulsionada por sintetizadores, com Cowell e Brown conduzindo a banda a um frenesi desenfreado, orquestrado com precisão incrível por Harris. Esta é uma gravação clássica da Impulse! da época, de um mestre subestimado.
os Estilos Musicais: Avant-garde
Faixas: 01 - New Blue (05:11) 02 - Fortunado (08:54) 03 - The Shadow Knows (03:04) 04 - Spooks (04:32) 05 - West India (06:24) 06 - Delicado (06:38)
Formação: Marion Brown - Saxofone Alto Grachan Moncur III - Trombone Sirone - Baixo Dave Burrell - Piano (faixas: 01 a 03) Stanley Cowell - Piano (faixas: 04 a 06) Beaver Harris - Bateria (faixas: 01 a 03) Bobby Capp - Bateria (faixas: 04 a 06)
Live in Greenwich Village foi a primeira gravação de Albert Ayler para a Impulse e é indiscutivelmente seu melhor momento, não apenas para a gravadora, mas de toda a sua carreira. Esta reedição em CD duplo reúne os dois shows no Village — documentados apenas parcialmente em LPs lançados anteriormente — gravados em 1965 e 1966 com dois grupos muito diferentes. As apresentações no Village revelam o Ayler maduro, cuja música incorporava ousadas contradições: há melodias doces, infantis e fáceis de cantar junto, contrastando com gritos violentos de emoção, contrastando com os gritos de júbilo do gospel e do R&B, todos se interpenetrando e se entrelaçando. Na apresentação de 1965, que contou com Ayler, seu irmão Donald no trompete, Joel Freedman no violoncelo, o baixista Lewis Worrell e o grande Sunny Murray na bateria, o som é de grande urgência. Abrindo com "Holy Ghost", os Aylers entram em cena com força total e Murray acelera o ritmo para trazer o baixo e o violoncelo ao nível do solo, ancorando a música aos seus respectivos sons. "Truth Is Marching In" lança um turbilhão estridente e gospel sobre um pano de fundo de frases "cantadas" de três e quatro notas que são constantemente repetidas, à la banda de circo, antes de arrombarem todas as portas e explodirem por quase 13 minutos. Na gravação de 1967 do segundo disco, os Aylers são reforçados pelo baterista Beaver Harris, o violinista Michel Sampson, Bill Folwell e Alan Silva nos baixos, e o trombonista George Steele na faixa de encerramento, "Universal Thoughts". "For John Coltrane" abre o conjunto com uma abstração sufocante de tonalidades nas cordas e metais. Em "Change Has Come", a abstração permanece, mas o campo da linguagem é mais profundo, mais denso, mais urgente. Somente com "Spiritual Rebirth", que começa com um tema de quatro notas, é que se tem a sensação de que a banda vinha se preparando para este momento, e que o concerto se tornou um verdadeiro tratado sobre a emoção de "cantar" em conjunto em territórios desconhecidos. Ao longo do restante do show, a banda de Ayler o acompanha perfeitamente, seguindo-o através de cada nova nuvem de incerteza até um sublime estado musical e emocional que, pelo menos em gravações, jamais seria alcançado novamente. Esta gravação é o motivo de toda a comoção em torno de Ayler.
Uma das gravações mais marcantes do multi-instrumentista e compositor Yusef Lateef, Eastern Sounds foi uma das últimas gravações da banda que Lateef dividia com o pianista Barry Harris, após a mudança do grupo de Detroit para Nova York, onde a cena jazzística já estava em declínio. Lateef já demonstrava interesse pela música oriental muito antes de John Coltrane sequer ter demonstrado publicamente esse interesse, então esta sessão em Moodsville (que deveria ser um disco tranquilo, no estilo de baladas), gravada em 1961, estava repleta das explorações de Lateef sobre os modos e intervalos orientais, bem como improvisação tonal e politonal. O fato de ele ter conseguido fazer isso dentro de um contexto acessível e até mesmo "bonito" é uma conquista que permanece até hoje. O quarteto era completado pelo inimitável Lex Humphries na bateria — cujo trabalho com as escovas estava entre os mais habilidosos e inventivos de qualquer músico da época, com a possível exceção de Connie Kay, do Modern Jazz Quartet — e pelo baixista e tocador de rabat Ernie Farrow. O álbum começa com "The Plum Blossom", uma doce peça para oboé e flauta que parte de uma escala oriental e trabalha com ritmos repetitivos e um único modo de Ré menor para percorrer uma progressão de blues e chegar a algo um pouco mais exótico, preparando o terreno para "Blues for the Orient", conduzida pelo oboé. Nunca a performance de Barry Harris se mostrou tão contida e impactante como aqui. Ele conduz a peça com ostinatos e arpejos marcantes que mantêm o centro da melodia em vez de esticá-la. Lateef geme suavemente no oboé enquanto a seção rítmica dobra, triplica e depois reduz o tempo pela metade até que tudo soe como um zumbido. Há dois temas cinematográficos aqui — ele recortou temas dos filmes Spartacus e O Manto Sagrado, que são impressionantemente belos e comoventes — revelando o quanto a acessibilidade era importante para Lateef. E não no sentido de se vender, mas sim em termos de apresentar às pessoas essa música que ele não só tocava, como também descobria. (Ouça Les Baxter e as gravações de Lateef do início dos anos 60 — quais delas são mais duradouras musicalmente?) No entanto, os temas estabeleceram o terreno para o blues profundo e as maravilhosas extrapolações de baladas em que Lateef estava trabalhando, como "Don't Blame Me" e "Purple Flower", que adicionam tanta profundidade e dimensão à música com influência oriental que é difícil imaginá-las vindas da mesma banda. Incrível.
Estilos: Hard Bop, World Fusion
Faixas: 01 - The Plum Blossom (5:03) 02 - Blues for the Orient (5:40) 03 - Chinq Miau (3:20) 04 - Don't Blame Me (4:57) 05 - Love Theme from Spartacus (4:15) 06 - Snafu (5:42) 07 - Purple Flower (4:32) 08 - Love Theme from The Robe (4:02) 09 - The Three Faces of Balal (2:23)
Formação: Yusef Lateef — flauta, oboé, saxofone tenor, xun (chamado de "flauta globular chinesa" nas notas do encarte) Barry Harris — piano Ernie Farrow — contrabaixo, Rabaab (chamado de rabat nas notas do encarte) Lex Humphries — bateria
Em retrospectiva, o 12º álbum de Laura Veirs , Found Light, representou uma espécie de ponto de virada artística para a musicista de Portland. Era um álbum sobre término de relacionamento, contemplando o fim de seu casamento, mas também seu primeiro álbum coproduzido. Um álbum de demos gravadas em seu celular veio em seguida, em 2023, e agora temos Temple Songs , a própria definição de um álbum "faça você mesmo". Temple Songs é o primeiro álbum que ela escreveu, gravou, produziu e interpretou inteiramente sozinha. Foi gravado literalmente no quintal de Veirs. Ela construiu seu próprio estúdio e gravou este álbum usando apenas um laptop e dois microfones, e todo o álbum é simplesmente a voz de Veirs, um violão delicado e alguns floreios instrumentais.
Há também alguns sons ambientes naturais, como a chuva batendo do lado de fora do estúdio, o que contribui para a atmosfera um tanto onírica do álbum.
Assim como grande parte da obra de Veirs, este é um disco tranquilo e contemplativo. Não é um disco que te arrasta pela gola e exige que você o ouça, mas sim um que te cativa independentemente de tudo. Há algo belamente hipnótico na técnica de Veirs ao tocar guitarra – dedilhados suaves e intrincados – que se torna verdadeiramente fascinante.
A faixa de abertura, Arc Still Bends, soa quase reconfortante em sua familiaridade – Veirs traça um belo motivo de guitarra antes de refletir sobre o estado do mundo. O título vem de uma citação de Martin Luther King, mas Veirs parece hesitante quanto à sua aplicabilidade atual – “o arco ainda se curva para a justiça, certo? Não tenho tanta certeza no meio da noite”.
A simplicidade do disco remete a álbuns como o de estreia de Suzanne Vega e o homônimo de Tracy Chapman. Uma canção como "Feeling Returns" se encaixaria perfeitamente ao lado de músicas desses discos clássicos, enquanto "New Life Over There" é lindamente crua e despojada, soando como um gesto de paz para o ex-marido ("Só para constar, mesmo que você não ouça essa música, sinto muito por ter te magoado").
Embora o ritmo nunca ultrapasse um trote moderado, os arranjos minimalistas tornam os momentos em que a atmosfera se intensifica ainda mais poderosos. "Pulse" apresenta a única participação instrumental externa, um solo de saxofone febril de uma figura misteriosa com o pseudônimo de Filthy Lucre – a maneira como Veirs constrói um ímpeto rítmico entrelaçando seu violão com o saxofone torna-se cada vez mais fascinante.
Liricamente, o álbum transita com naturalidade entre um otimismo radiante e a introspecção. "Golden Seams" apresenta um tema de esperança serena que permeia sua melodia melancólica e vocais belamente sobrepostos, enquanto "No Masters" é mais desafiadora, um hino à independência criativa e um grito de guerra contra a síndrome do impostor e o medo.
Alguns fãs de longa data de Veirs podem sentir falta do tom mais cru e da natureza experimental de seus trabalhos anteriores – é inegável que há uma uniformidade na maioria dessas faixas que alguns podem achar um pouco calma e serena demais. No entanto, essa é uma pequena ressalva, já que, em sua maior parte, Temple Songs é um álbum lindamente produzido que serve como um bálsamo reconfortante em tempos turbulentos.
Os canadenses espirituosos e inteligentes do Kiwi Jr. batizaram a primeira música de seu quarto álbum de estúdio de "Photos of the Reenactment", uma referência sutil ao REM (ou seja, ao álbum Fables of the Reconstruction ). E sim, riffs giratórios de guitarra de 12 cordas emolduram essa fantasia surrealista e os acordes vibrantes se misturam à sua exuberância, e a referência ao REM do início da carreira, com sua pegada punk, é bastante pertinente. ...Uma alegria descontrolada se equilibra precariamente com uma incerteza angustiante nessas faixas, que oscilam e lamentam tanto quanto avançam com força. Há um toque de autodepreciação canadense em ação — "Você está aqui como entretenimento de primeira classe/Você está aqui porque é o Dia de Arrastar Sua Filha Para o Trabalho", canta Jeremy Gaudet — e uma angústia existencial cuidadosamente inserida em um ritmo contagiante...
…celebração. A linguagem figurativa remete ao universo de Fellini na faixa de abertura: “ Quando um cavalo cai na piscina e precisam chamar um guindaste/Todos na cidade vêm assistir e vibram quando o cavalo é retirado ”. Blowin' Up é amigável e envolvente na superfície, com profundezas de estranheza, exatamente como gostamos.
A sensação de lugar define essas músicas, os dois lados da fronteira que costumavam ser mais permeáveis antes das tarifas e da bobagem do 51º estado. “Hard Drive, Ontario” retrata o lado canadense, com seus astros do esporte colegial fracassados, sua TV até tarde da noite e apostas combinadas. “ É difícil sair de casa com o coração em um disco rígido ” é um refrão evocativo, ainda que um tanto impenetrável (sabemos o que significa, mas o que significa?), em meio a guitarras espirais e baterias pulsantes e vibrantes. “Pure Michigan” cruza a Ponte Ambassador em busca de cervejas para menores de idade, dirigindo por florestas densas até bares decadentes, enquanto o órgão ressoa e o som cristalino atinge a intensidade do rock.
É tudo inteligente, engraçado e totalmente agradável, e passa tão rápido que você nem perceberia as falhas da música. Se é que ela tem alguma. Blowin' Up é perfeita para estourar os vidros do carro num dia quente e sem rumo de verão.
