Supermax - Supermax Meets the Almighty (1981)

Mais uma obra-prima do excêntrico Supermax, desta vez com uma pegada mais abstrata e psicodélica. O lado A nos transporta para o  território do Eloy dos anos 80 em alguns momentos, enquanto o lado B se assemelha mais a uma forma bem plástica de reggae — daquelas que incluem cânticos como "Viva la ganja" e "Natty, natty, natty dread". Embora esses momentos sejam, no mínimo, questionáveis, o conjunto da obra é tão bizarro que é impossível não adorar.

Track listing:

1. As Long as There Is You

2. Tonight

3. Hammer

4. Today I Fall in Love Again

5. Madness

6. We Are the Gang

7. Aya Jah Jah

8. Superdub

9. Sunshine People

MUSICA&SOM ☝

BLUE ÖYSTER CULT ● Agents of Fortune ● 1976

 

Artista: BLUE ÖYSTER CULT

País: Estados Unidos

Gênero: Hard Rock, Occult Rock

Álbum: Agents of Fortune

Ano: 1976

Duração: 36:18

Músicos: 

● Eric Bloom: Vocais, guitarra, teclados, percussão 

● Donald "Buck Dharma" Roeser: Guitarra solo, vocais, sintetizador, percussão 

● Allen Lanier: Teclados, vocais, guitarra, baixo 

● Joe Bouchard: Baixo, vocais, piano 

● Albert Bouchard: Bateria, vocais, guitarra acústica, percussão, harmônica

Lançado em 21 de maio de 1976, "Agents of Fortune" é o quarto álbum de estúdio da banda americana BLUE ÖYSTER CULT e marca uma transição definitiva na sonoridade do grupo. Após a chamada "Trilogia em Preto e Branco", que consolidou a banda como uma das mais misteriosas e pesadas do Hard Rock americano, o disco trouxe uma produção mais polida e eclética. Foi o primeiro álbum do grupo a alcançar o status de platina, impulsionado por um som que, embora ainda sombrio, abraçava melodias mais acessíveis e uma instrumentação mais rica, com maior presença de teclados e sintetizadores.

O processo criativo de "Agents of Fortune" foi único na discografia da banda, pois foi o único álbum onde cada um dos cinco membros originais assumiu os vocais principais em pelo menos uma faixa. Além disso, contou com a colaboração notável de Patti Smith, que na época era namorada do tecladista Allen Lanier e contribuiu tanto nas letras quanto nos vocais. A produção de Sandy Pearlman, Murray Krugman e David Lucas ajudou a lapidar o que muitos críticos descrevem como o "heavy metal do homem pensante", misturando ocultismo, ficção científica e uma ironia tipicamente nova-iorquina.

No que diz respeito às músicas de destaque, é impossível não começar por "(Don't Fear) The Reaper", o maior hit da carreira da banda, famoso por seu riff hipnótico de guitarra e o uso icônico do cowbell, que se tornou um pilar do Classic Rock. Outro ponto alto é "E.T.I. (Extra Terrestrial Intelligence)", que mantém a pegada Hard Rock com letras enigmáticas sobre visitantes espaciais. "The Revenge of Vera Gemini" traz a participação vocal de Patti Smith em um dueto carregado de atmosfera com Albert Bouchard, enquanto "This Ain't the Summer of Love" abre o disco com uma energia Punk agressiva, desconstruindo o idealismo hippie dos anos 60.

Para os entusiastas de Rock Progressivo e do Hard Rock clássico, "Agents of Fortune" permanece como uma obra essencial que equilibra o comercial com o experimental. No site Progarchives.com, o álbum é frequentemente debatido por sua mudança de direção em relação aos discos anteriores, sendo visto por alguns como uma evolução necessária e por outros como um flerte perigoso com o Pop. Independentemente das opiniões, sua importância histórica é inquestionável, servindo como a porta de entrada para gerações de fãs que descobriram o BLUE ÖYSTER CULT através de suas harmonias vocais complexas e solos de guitarra refinados de Buck Dharma.

Faixas:

Nº	Título	Duração
01	This Ain't the Summer of Love	02:21
02	True Confessions	02:57
03	(Don't Fear) The Reaper	05:08
04	E.T.I. (Extra Terrestrial Intelligence)	03:43
05	The Revenge of Vera Gemini	03:52
06	Sinful Love	03:29
07	Tattoo Vampire	02:41
08	Morning Final	04:30
09	Tenderloin	03:40
10	Debbie Denise	04:13

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David Bowie ● Station to Station ● 1976

Artista: David Bowie

País: Reino Unido

Gêneros: Rock, New Wave, Art Rock, Funk Rock

Álbum: Station to Station

Ano: 1976

Duração: 38:08

Músicos:

● David Bowie: Vocais, guitarra, saxofone, teclados ● Carlos Alomar: Guitarras 

● Earl Slick: Guitarras 

● George Murray: Baixo 

● Dennis Davis: Bateria 

● Roy Bittan: Piano

Lançado em janeiro de 1976, "Station to Station" é uma das obras mais enigmáticas e influentes da vasta discografia de David Bowie. Gravado em Los Angeles em um período de intenso isolamento e excessos pessoais do artista, o álbum marcou a introdução de sua última grande persona: o Thin White Duke. Diferente do calor do Soul presente em seu antecessor, o Duque era uma figura aristocrática, fria e distante, refletindo uma sonoridade que fundia o "Plastic Soul" de "Young Americans" com as experimentações rítmicas do Krautrock alemão que começavam a fascinar Bowie.

O álbum é frequentemente citado como o "elo perdido" entre o R&B americano e a música eletrônica europeia, servindo de prelúdio para a aclamada "Trilogia de Berlim". A produção, assinada por Bowie e Harry Maslin, destaca-se pelo uso de espaços vazios e uma precisão rítmica quase mecânica, mas ainda assim profundamente orgânica graças à cozinha de elite que acompanhava o cantor. "Station to Station" não apenas redefiniu a carreira de Bowie, mas também estabeleceu novos padrões para o Rock experimental, provando que era possível ser intelectualmente denso e comercialmente viável simultaneamente.

O disco abre com a magistral faixa-título "Station to Station", uma suíte de dez minutos que começa com o som de um trem se aproximando e transita de um ritmo hipnótico e lento para um clímax acelerado de Art Rock. "Golden Years" é o sucesso comercial do álbum, mantendo o apelo Funk com uma batida memorável e assobios icônicos. Outro momento fundamental é a emocional "Word on a Wing", uma oração espiritual envolta em arranjos de piano, enquanto a versão de "Wild Is the Wind" é amplamente considerada uma das melhores interpretações vocais da carreira de Bowie, demonstrando todo o seu alcance e controle dramático.

Ao analisar o legado desta obra, percebe-se que "Station to Station" é um triunfo da reinvenção. Embora o próprio Bowie tenha declarado anos depois que mal se lembrava das sessões de gravação devido ao seu estado mental na época, a coesão e o brilho técnico dos músicos envolvidos criaram um registro atemporal. É um álbum que exige atenção plena, onde cada nota de piano e cada riff de guitarra de Carlos Alomar servem para construir uma atmosfera de elegância e desespero.

Faixas:

Nº	Título	Duração
01	Station to Station	10:14
02	Golden Years	03:58
03	Word on a Wing	06:03
04	TVC 15	05:33
05	Stay	06:15
06	Wild Is the Wind	06:05

Artaud - Cábala (2018)

 

Eretornamos ao Peru em nossa jornada musical, revisitando alguns dos melhores do rock peruano, em mais uma contribuição do nosso amigo Neck, incansável explorador da cena underground latino-americana. Apresentamos agora o álbum de estreia do projeto de Erick Baltodano, a mente por trás de "Artaud". Juntamente com uma formação perfeitamente adequada à ocasião, eles criaram uma paisagem sonora altamente experimental para a história "da vida, paixão, morte e ressurreição dos cavalos". Este complexo álbum instrumental apresenta sons que facilmente o colocam no reino dos "álbuns para amar ou odiar, sem meio-termo". Uma obra extrema, impactante, ácida, experimental, ousada e selvagem, repleta de jams, sons arrebatadores e muito para ouvir e descobrir.

Artista: Artaud
Álbum: Cábala
Ano: 2018
Gênero: Experimental
Duração: 27:22
Nacionalidade: Peruana

 

"O quinteto de Artaud mostra uma nova maneira de teletransportar o jazz, ou o free jazz, ou o cadáver, ou o sol, ou a figura do baixo equilátero sangrando, ou o fantoche pacificado dos instrumentos…".

Pablo Picco

Estamos diante de um álbum conceitual, dividido em dois atos. O primeiro, intitulado "Cabala", conta a história de um jovem cavalo, completamente fora de controle, que corre solto pelo campo para testar seu espírito indomável, sem limites. Isso se reflete em sua coleção de sons, nascidos de jam sessions cruas, beirando a improvisação, criando uma atmosfera de free jazz que cativa do início ao fim, ao longo de seus vinte minutos de duração.

Um teclado desolado e sons rarefeitos servem de interlúdio entre os dois atos. O segundo ato, intitulado "Réplica", conta a história de um velho cavalo que sabe que vai morrer, mas está em paz porque vai se reunir à terra, que ele conhece e reconhece como sua. Portanto, sua atmosfera é mais calma, mais resignada, bem distante da agitação vivenciada no ato anterior, mas, à medida que os minutos passam, suas guitarras ressonantes, o baixo rítmico e os rolos de percussão adensam a atmosfera até que ela cede lugar a um final sereno.

Eis as palavras de nosso sempre presente, embora involuntário, colunista, que tem o seguinte a dizer sobre o álbum em questão...

 

Hoje temos a maravilhosa oportunidade de apresentar o conjunto peruano ARTAUD, dedicado a cultivar uma mistura ousada e consistente de avant-jazz, psicodelia e rock progressivo. A formação do ARTAUD é composta por Erick Baltodano [guitarra e theremin], Teté Leguía [baixo], Martín Escalante [saxofone], Israel Tenor [bateria e facão] e Juan Francisco Ortega [sintetizador]. “Cábala” é o título do último lançamento do grupo, publicado pela Necio Records em meados de setembro… e, sem dúvida, consideramos um dos trabalhos mais sólidos e desafiadores da vanguarda musical peruana. “Cábala” foi gravado em outubro de 2017 no Eco Estudio, em Lima, e posteriormente mixado e masterizado por Camilo Uriarte (músico do MACONDO e do EL AIRE). A produção final ficou a cargo de Uriarte e Baltodano, sendo este último também responsável pelo design gráfico. Este é o primeiro trabalho do ARTAUD com uma ideia completamente clara do que queriam alcançar, já que seus dois trabalhos anteriores eram essencialmente demos curtas e artesanais gravadas apenas com guitarra, baixo e bateria em Trujillo ("Triángulo" e "El Nuevo Evangelio De Artaud", ambos de 2013). De fato, o ARTAUD ficou em hiato quando Baltodano se mudou para Lima e tocou na banda COCAÍNA. Assim que o projeto foi retomado, Baltodano teve um período criativo afortunado com Leguía e o músico mexicano Escalante (os dois lançaram um álbum em duo em 2016). Conhecemos Tenor como membro de diversos grupos como guitarrista ou baterista (THE TERRORIST COLLECTIVE, SPATIAL MOODS), enquanto Ortega é membro do grupo de ambient GRUPO MIEL. A música do ARTAUD é ao mesmo tempo feroz e cerebral, em perfeita sintonia com o nome do célebre poeta, dramaturgo, romancista e ator francês que lhes dá o nome: ARTONIN ARTAUD, um pioneiro do Teatro da Crueldade. As notas do encarte deste álbum explicam que se trata de um álbum conceitual "sobre a vida, a paixão, a morte e a ressurreição de dois cavalos. Cabala é um cavalo jovem que, completamente indomável, corre livre pelos campos para testar sua velocidade selvagem e ilimitada. Replica é um cavalo velho que sabe que vai morrer, mas está em paz porque se unirá à terra que conhece e reconhece como sua."* Agora temos uma estrutura conceitual clara para antecipar o que nos aguarda em cada uma das duas faixas que compõem este álbum, intituladas com o nome de cada cavalo. 

 

A faixa-título ocupa um espaço total de quase 20 minutos e meio, com a bateria impulsionando o mecanismo geral dos diálogos instrumentais que se desenrolam ao longo da música. Esses diálogos possuem um senso de desafio e camaradagem na tarefa perigosa de explorar caminhos que existem em uníssono com sua jornada. As piruetas neuróticas do saxofone, em um ataque frontal, e as linhas de baixo aparentemente caóticas, que na realidade constroem um groove desconstrutivo, repousam com segurança sobre a estrutura rítmica criada por um robusto saxofone tenor. Tudo isso se desenrola enquanto as técnicas psicodélicas geradas pelos riffs de guitarra e os efeitos cósmicos do sintetizador preenchem gradualmente espaços que aumentam em densidade. Quando ultrapassamos a marca dos cinco minutos, a coesão estrutural do conjunto parece impulsionada em direção a um delírio voraz, semelhante a um ritual surrealista com uma inclinação ácida: a essa altura, a guitarra evoca a mente de Terje Rypdal enquanto o sintetizador se aproxima do paradigma do Hawkwind (1971-1973). Quando o fervor neurótico predominante se acalma, mergulhamos em outro tipo de neurose, desta vez contemplativa, embora de forma alguma serena: a tensão ardente se transforma em uma vertente solipsista onde o dadaísmo e o obscurantismo coexistem. Os efeitos de guitarra e baixo, em conjunto com os elementos percussivos, são envoltos por uma cortina flutuante de sintetizador, enquanto o saxofone grita com uma ferocidade angustiada. Após os treze minutos, o vigor explícito retorna ao primeiro plano, reforçado por uma energia incendiária que alimenta uma dança pagã governada por uma musculatura sombria. Assustador, sim, mas não mortal... há algo inegavelmente vitalista na maneira como esse abandono insano orquestra o ritmo de sua dança espiritual tortuosa e perturbada. A seção final se desenrola em uma atmosfera minimalista e absorventemente etérea que, a princípio, sutilmente reúne parte da tensão precedente, apenas para depois liberá-la e deixá-la dissolver no vazio. 

Isso prepara o terreno para 'Réplica', uma peça que contrasta sua natureza serena e introspectiva com o fogo versátil que caracterizou a expansiva faixa de abertura. Desta vez, o coletivo decidiu criar um híbrido de space-rock e post-rock, elaborando uma engenharia sonora onde o vigor do rock se torna misterioso e solipsista: efeitos de tempestade intensificam essa atmosfera. Com os elementos de free jazz contribuídos por Leguía e Escalante, sua fluidez e vivacidade resoluta garantem sua presença, enquanto os outros músicos preservam sistematicamente o swing essencial que, como um grito silencioso, anseia por refúgio sob o manto de sua própria parcimônia reflexiva. Tudo isso foi oferecido em menos de meia hora de grandeza musical: “Cábala” nos surpreende com vários ângulos de sua visão estética do mundo. Os membros do ARTAUD apresentaram uma visão sonora ousada e inteligente, e é por isso que devemos adicionar o nome deste grupo à nossa lista de futuras explorações musicais. Este álbum é um testemunho essencial do que está sendo feito atualmente na dimensão mais refinada da sempre combativa vanguarda do rock peruano.

 

César Inca

 

Você pode ouvir o álbum em seu espaço no Bancamp .

Espero que gostem e agradeçam ao Neck!

Lista de faixas:
1. Cabala
2. Replica

Formação:
- Tete Leguía / Baixo
- Israel Tenor / Bateria
- Martín Escalante / Saxofone
- Juan Francisco Ortega / Teclados
- Erick Baltodano / Guitarra e Theremin

Von Hertzen Brothers - Love Remains the Same (2008)

 

Uma joia escondida, mas altamente recomendada. Vindos da Finlândia, esses três irmãos Von Hertzen (e uma série de convidados e instrumentos) entregam uma performance arrasadora em um álbum absolutamente encantador. Introdutório, cativante, cheio de alma e totalmente envolvente, ele compartilha muitas semelhanças com o projeto americano The Dear Hunter, particularmente com o maravilhoso álbum de 2016 "Act V: Hymns With The Devil In Confessional" (ou, na falta deste, com todos os álbuns da série "Act"). Poderia até ser considerado um Dire Straits ainda mais sofisticado. Um álbum acessível, mágico, fresco, fluido, emotivo, cativante, experimental e com sonoridade original, que se inspira fortemente no rock clássico complexo e em uma psicodelia degenerada, resultando em nove faixas extraordinárias e sofisticadas que compõem uma obra-prima da música moderna. Repito, você não pode perder este álbum se realmente aprecia boa música. Como os melhores álbuns da minha vida, eu volto a ele de tempos em tempos para me deleitar com sua beleza, harmonia, ousadia e poder. Para tornar esta semana extraordinária, estou compartilhando com vocês um álbum extraordinário... e se vocês deixarem passar sem descobri-lo, serão tolos, para dizer o mínimo.

Artista: Von Hertzen Brothers
Álbum: Love Remains the Same
Ano: 2008
Gênero: Rock Psicodélico / Crossover Progressivo
Duração: 61:40
Referência: Discogs
Nacionalidade: Finlândia

Da Finlândia, com amor. 

Falo por experiência própria: um álbum como "Love Remains the Same" dá sentido à vida, cura a ressaca e as tristezas, desperta você do estado catatônico em que se encontra e te faz querer mandar uma mensagem de amor para as pessoas que você ama. É uma daquelas coisas que me deixa de bom humor quando o ouço, e talvez eu não seja o único que se sente assim. "Love Remains the Same" pode ser um título um tanto bobo para um álbum como esse, mas a qualidade da música é inegável, e se o objetivo era criar essa sensação de amor, euforia e felicidade no ouvinte, pelo menos no meu caso, eles conseguiram.

Este álbum alcança o que poucos conseguem: combinar complexidade técnica e composicional em um álbum de músicas cativantes, envolventes e completamente originais.

Mais uma vez, este é um álbum de canções melódicas, inovadoras, incrivelmente bem elaboradas e com múltiplas camadas, que, no entanto, nunca perdem aquele frescor e sensibilidade pop que as tornam tão especiais. Pouquíssimos compositores, tanto hoje quanto no passado, criam canções deste calibre; poucos conseguiram alcançar algo assim. 

Este é rock progressivo (ou melhor, crossover progressivo) que não está preso ao molde progressivo (ainda bem!). A composição deste álbum é de altíssima qualidade. Perfeitamente equilibrado entre emoção, virtuosismo e acessibilidade. O estilo varia bastante, e olha, são o tipo de música que você ouviria no rádio se eles não estivessem tão ocupados tocando porcaria. O estilo deles seria algo como uma mistura de Soda Stereo com The Police , com o rock dos Beatles e Creedence Clearwater Revival , e adicionando toques de Pink Floyd , estruturas do King Crimson e muito hard rock à la Led Zeppelin ou Uriah Heep a essa música animada e fluida . Acho que é mais ou menos isso que você vai ouvir neste álbum. Se você está com dificuldade de imaginar, basta ouvi-los (você pode vê-los tocando este álbum ao vivo no vídeo a seguir). Aumente o volume e curta!

Como se você já não tivesse percebido: eu adoro esse álbum!

Quando você pensa que já ouviu de tudo, descobre álbuns como este. Sempre acontece; acontece comigo desde a minha juventude e continua acontecendo até hoje. Este foi um desses casos. A composição e a performance são realmente inteligentes, inspiradas e criativas, e com certeza farão você voltar a este álbum por muitos anos, assim como acontece comigo.

Não sei mais o que dizer. É melhor parar de divagar, vou deixar vocês com o vídeo do álbum de estúdio abaixo (ou melhor, com algumas faixas, porque não consegui encontrar o álbum inteiro no YouTube) e com a minha mais sincera recomendação: não percam essa joia rara.

Você pode ouvir aqui:
https://open.spotify.com/intl-es/album/28Y55EDXXGVnc3BUpOalfb


Lista de faixas:
1. Bring Out the Sun (So Alive) (10:43)
2. Spanish 411 (6:59)
3. Freedom Fighter (4:23)
4. Somewhere in the Middle (7:06)
5. In the End (6:06)
6. Faded Photographs (3:46)
7. Silver Lover (6:04)
8. I Came for You (7:17)
9. The Willing Victim (9:16)

Formação:
- Mikko von Hertzen / vocais, guitarras
- Kie von Hertzen / guitarras, vocais
- Jonne von Hertzen / baixo, vocais
Com:
- Juha Kuoppala / piano, teclados
- Mikko Kaakkuriniemi / bateria e percussão
- Teemu Mattson / trompete (2)
- Quarteto Meta4 / cordas (3,6,9)
- Pessi Levanto / arranjos de cordas (3,6,9)
- Sonny Heinilä / flauta alto (7)
- Jarmo Saari / theremin (8)
- Pekka Kuusisto / violino (8)
- Maikki Liuski / vocal (8)
- Saana Koskinen / vocal (8)

 

 
 

Agusa - Panacea (2026)

 

Começamos a semana com o mais recente álbum destes suecos brilhantes, e desta vez é uma gravação ao vivo. Com o seu estilo habitual de faixas longas (são apenas três), muita psicodelia dos anos 70, passagens instrumentais matadoras e toda a musicalidade que estes caras demonstram em cada álbum. Começamos a semana com o mais recente trabalho do Agusa, uma gravação ao vivo onde se sente que eles se divertem imensamente e onde demonstram o quão brilhantes são ao longo de 45 minutos que parecem muito curtos... e além disso, já falamos muito sobre eles, então vamos direto ao ponto para que não perca tempo lendo bobagens e possa se preparar para desfrutar de um verdadeiro evento no mundo da música atual. Esse evento é que estes suecos lançaram mais um álbum, e você já pode começar a ouvi-lo... Atmosfera, pura alegria e exploração, energia positiva, emoção, três performances ao vivo que resultam numa experiência auditiva cativante — não perca. 

Artista:  Agusa
Álbum:  Panacea 
Ano:  2026
Gênero:  Rock psicodélico eclético
Duração:  45:55
Referência:  Discogs
Nacionalidade:  Suécia

Gravado para a posteridade em setembro de 2024 em Malmö, este álbum apresenta uma formação magnífica que se encaixa perfeitamente e oferece surpresas maravilhosas. Esta banda só poderia ter vindo da Suécia, dada a afinidade histórica do país com o prog retrô e sua riqueza de bandas fantásticas ( Änglagård e Anekdoten são suecas, e sua música frequentemente incorpora influências folk e nuances psicodélicas). Mesmo assim, Agusa parece ter criado uma máquina do tempo, trazendo-nos música do futuro a partir do passado — música tangível e real. 

A banda Agusa foi formada em 2013 e, desde então, lançou seis álbuns de estúdio e quatro álbuns ao vivo, sendo este o mais recente e contendo apenas três músicas. Houve mudanças na formação ao longo dos anos, mas esta formação em particular permaneceu junta nos últimos dois álbuns, o que fica evidente na sinergia que demonstram, um vínculo que só pode ser conquistado após incontáveis ​​horas tocando juntos em ensaios e em turnê.

"Panacea" é outro álbum especial, notável pela sua profundidade harmônica, pela química entre os membros da banda, pela energia constante e pelo tremendo impacto das suas melodias. Em suma, este álbum é altamente recomendado, pois poucos álbuns ao vivo transmitem tanto espírito, energia, entusiasmo e emoção quanto esta obra impressionante. 

Mas é melhor eu parar de falar; você deveria ouvi-lo por si mesmo...

Este é o rock instrumental regressivo em sua melhor forma, e embora esse som vintage não seja exatamente do meu gosto em geral, quando é bem feito, como neste caso, quando é tremendo e avassalador, é impossível não amar.

Perfeito para começar a semana com ótima música, você pode ouvi-lo aqui:
https://agusaband.bandcamp.com/album/panacea

Lista de faixas:
1. Lust och Fägring (Sommarvisan) (14:34)
2. Den Förtrollade Skogen (20:43)
3. Ur Askan (10:39)

Formação:
- Jenny Puertas / flauta, voz
- Mikael Ödesjö / guitarra
- Roman Andrén / teclados
- Simon Ström / baixo
- Nicolas Difonis / bateria, percussão, vogais

David Sylvian - Secrets Of The Beehive (1987)

 

Um álbum matador para encerrar a semana.  David Sylvian de volta aos holofotes. E passamos do rock incendiário para um templo de silêncio, mistério e pura beleza. Falar de "Secrets of the Beehive" é falar de um dos álbuns mais belos, profundos e comoventes já gravados na história da música contemporânea. Se, após seu sucesso com o Japan, ele já demonstrava sinais de ser um artista sério, aqui ele lançou sua obra-prima definitiva. É um álbum acústico, outonal, que evoca a sensação de observar a chuva pela janela enquanto se aprecia uma boa bebida em um ambiente com luz baixa. Esqueça os sintetizadores estridentes dos anos 80 ou os ritmos dançantes; este álbum vai na contramão de sua época. É uma obra de art-pop minimalista, jazz de câmara e folk de vanguarda, com arranjos incrivelmente sutis e elegantes: violões com som puro de madeira, pianos que caem como gotas d'água, flugelhorns melancólicos e cordas que tocam o coração. Acho que nenhuma descrição adicional é necessária; é pura magia musical... ideal para terminar a semana com mais um álbum altamente recomendado.

Artista:  David Sylvian
Álbum:  Secrets Of The Beehive
Ano:  1987
Gênero:  Art rock
Duração:  43:30
Referência:  Discogs
Nacionalidade:  Inglaterra

Obviamente, o ponto central do álbum é a voz de Sylvian. Aquele barítono profundo, quente e aveludado, carregado de uma melancolia que parece conter séculos de sabedoria. O cara não canta; é como se ele sussurrasse as canções no seu ouvido, fazendo você se sentir como se fosse a única testemunha de seus segredos.

Na época do lançamento deste, seu quarto álbum solo, a abordagem do multifacetado músico, compositor e cantor inglês havia mudado substancialmente em relação à sua fase inicial de glam rock e posterior synth-pop com a banda Japan.
Em seus dois álbuns anteriores, An Index of Possibilities (1985) (uma versão expandida do EP Words with the Shaman) e o álbum duplo Gone to Earth (1986), ele havia explorado um território mais experimental, com faixas instrumentais que transitavam entre a música eletrônica, sons étnicos e um estilo jazzístico mais peculiar.
Secrets of the Beehive atingiu um nível de emoção e sofisticação que colocou Sylvian em uma categoria própria, em uma dimensão sedutora com uma atmosfera noturna e outonal.
Tudo neste álbum está perfeitamente no lugar e, como é de costume do autor, seu perfeccionismo e bom gosto são evidentes em cada detalhe: em todos os arranjos e performances, nas letras e, claro, na elegante arte gráfica de Vaughan Oliver (23 Envelope), com fotografias de Nigel Grierson (23 Envelope) e Yuka Fujii.
A formação de colaboradores, alguns dos quais o acompanharam na turnê "In Praise of Shamans" de 1988 (sua primeira como artista solo), foi fantástica: Ryuichi Sakamoto (arranjos de cordas, órgão, sintetizador, piano), seu irmão Steve Jansen (bateria), David Torn (guitarra elétrica), Danny Thompson (contrabaixo), Danny Cummings (percussão), Phil Palmer (guitarra slide e acústica), Mark Isham (trompete, flugelhorn), Brian Gascoigne (arranjos orquestrais) e Ann O'Dell (arranjos de cordas). David Sylvian, por sua vez, cuidou do piano, violão, órgão, sintetizador, fitas e de sua voz aveludada.
“September” abre o álbum com voz e piano, estabelecendo rapidamente uma atmosfera serena e onírica. Em seguida, vem “The Boy in the Gun”, na qual o contrabaixo de Thompson e a guitarra envolvente de Torn criam uma atmosfera cativante sobre a qual os vocais se movem.
“Maria” é sedutora; sua cadência etérea, proporcionada por Torn, o sintetizador, as cordas e os vocais gravados distantes, é perfeita para a voz de Sylvian.
A primeira e única faixa com bateria é “Orpheus”, provavelmente a canção mais conhecida do álbum. Seu espírito outonal é inegavelmente encantador, graças em parte ao piano de Sakamoto, ao violão de Sylvian e aos sintetizadores que ambos tocam.
Isham dá o toque final com um maravilhoso flugelhorn que entra justamente quando a música parece se dissipar.
O Lado A se encerra com a minimalista “The Devil's Own”, uma peça que apresenta apenas Sylvian e Sakamoto, que juntos constroem uma delicada tapeçaria de piano e sintetizadores.
“When Poets Dreamed of Angels” abre o lado B. Os violões acústicos de Palmer e Sylvian, com toques de flamenco, dominam a faixa, acompanhados pela percussão contida de Cummings.
Em “Mother and Child”, o contrabaixo de Thompson retorna e, juntamente com o piano e a percussão de vanguarda de Sakamoto, torna esta uma das faixas mais sensuais e enigmáticas.
“Let The Happiness In” é provavelmente uma das canções que melhor define o período de Sylvian na década de 1980 e também estabelece a ligação com a carreira solo que ele retomaria doze anos depois com Dead Bees on a Cake (1999).
Os fabulosos arranjos de cordas e sopros, com a percussão sutil, porém precisa, de Jansen e Cummings, o trompete pairando acima de tudo e a voz melancólica de Sylvian, fazem dela uma faixa perfeita.
O LP original encerrava com “Waterfront”, uma peça poética e cinematográfica com cordas e piano, cortesia de Sakamoto e dos vocais de Sylvian.
No entanto, a versão japonesa incluía uma faixa adicional (posteriormente adicionada à reedição de 2003), “Promise (The Cult of Eurydice)”, talvez a mais austera de todas. Uma maneira hipnótica e ideal de encerrar o álbum.
A produção de Steve Nye (Penguin Cafe Orchestra) foi impecável e, sem dúvida, contribuiu para a perfeição do disco. Secrets of the Beehive continua a encantar tanto quanto no primeiro dia.
Um álbum atemporal e eterno.

Para tecer essa tapeçaria sonora, Sylvian cercou-se de um grupo de luminares: Ryuichi Sakamoto, o maestro japonês ,


cuida dos arranjos de cordas e da maior parte das partes de piano, e sua química com Sylvian é pura magia; eles entendem o minimalismo como ninguém. Há também David Torn, que adiciona guitarras atmosféricas que soam como nuvens flutuando ao fundo das faixas. E, finalmente, Mark Isham, cujo trabalho com o trompete e o flugelhorn confere aquele toque de jazz noturno e solitário que é desarmante.

A produção é um milagre da engenharia de som: cada instrumento tem o seu espaço exato para respirar, criando um silêncio quase sagrado entre as notas. E isso é perfeito, porque "Secrets of the Beehive" não é um álbum para se ouvir casualmente; é um refúgio para onde você vai quando o mundo exterior fica barulhento demais. É um álbum que exige que você pare, respire fundo e se deixe habitar por sua poesia e mistério. Algum maluco por aí pode até dizer "Ohmmmm" enquanto o ouve, mas já perdeu a cabeça.

Esta é uma obra de arte completa e atemporal que não envelheceu um único dia desde 1987. Se você quer uma maneira perfeita de terminar a semana com a alma em chamas, aperte o play, apague as luzes e deixe os segredos de Sylvian te guiarem. Um álbum para levar para uma ilha deserta!

Você pode ouvi-lo no Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/0ipehZaFCgI6GmAY5292j

Lista de faixas:
1. September (1:17)
2. The Boy with the Gun (5:19)
3. Maria (2:49)
4. Orpheus (4:51)
5. The Devil's Own (3:12)
6. When Poets Dreamed of Angels (4:47)
7. Mother and Child (3:15)
8. Let the Happiness In (5:37)
9. Waterfront (3:23)
10. Forbidden Colors (5:59)

Formação:
- David Sylvian / vocais, órgão, sintetizador, piano e piano processado, violão, fitas, arranjador e co-produtor
Com:
David Torn / guitarras elétrica (2) e acústica (7), loops de guitarra (3)
Phil Palmer / guitarras acústica (6) e slide (4)
Ryuichi Sakamoto / órgão, sintetizador, piano e piano processado, arranjos de cordas, metais e sopros
Mark Isham / flugelhorn (4:8), trompete (6.8)
Danny Thompson / contrabaixo (2.4)
Steve Jansen / bateria (4), percussão (8)
Danny Cummings / percussão (2.6-8)
Brian Gascoigne / arranjos orquestrais (4) e de cordas (8)

Spatial Moods - Nace un Ciclo (2020)

 

Passamos quase a semana inteira com eles, então também finalizamos com o último álbum deles, dando continuidade à nossa série sobre o melhor do rock peruano. Falar de "Nace un Ciclo", do Spatial Moods, é mergulhar de cabeça em uma jornada instrumental alucinante, ideal para amantes de rock psicodélico e espacial com uma pegada latino-americana, que se destaca por suas paisagens sonoras atmosféricas. Imagine uma mistura perfeita de pós-rock cinematográfico, psicodelia do final dos anos 60 e toques de space rock ultramoderno. Acredito que a banda esteja em hiato, já que este foi o último lançamento deles, então vamos ver se teremos mais novidades do Spatial Moods em algum momento, ou se teremos que nos contentar com o que eles nos deram até agora...

Artista:  Spatial Moods
Álbum:  Nace un Ciclo
Ano:  2020
Gênero:  Rock psicodélico / Space rock / Experimental
Duração:  32:10
Referência:  Spotify
Nacionalidade:  Peru

"Nace un Ciclo" é uma obra refinada, madura e incrivelmente atmosférica. Possui a mística do rock instrumental autoproduzido desta parte do mundo, com um som impecável que te envolve e te faz sentir como se estivesse flutuando. O maior trunfo do álbum reside na forma como lida com a intensidade; não é ruído constante nem ambient entediante. As faixas começam flutuando em uma nuvem de efeitos, delays e sintetizadores, adicionando gradualmente camadas de bateria e baixo até explodirem em clímaxes épicos e poderosos.

Mas vamos ao comentário do nosso sempre presente e involuntário comentarista... 

Anúncio de um novo ciclo para o SPATIAL MOODS.
 Hoje temos o prazer de apresentar o novo lançamento do SPATIAL MOODS, uma das principais bandas da vanguarda psicodélica do underground peruano nos últimos dez anos. O álbum em questão se chama “Nace Un Ciclo” (Um Ciclo Começa) e foi lançado no início de abril em diversas plataformas online, incluindo a página da banda no Bandcamp. Embora a formação atual do SPATIAL MOODS seja composta pelo guitarrista Jorge Apaza Frisancho, o baterista Israel Tenor e o baixista recém-chegado, a formação que gravou o álbum que estamos analisando foi o quarteto formado por Apaza, Tenor, o guitarrista Arturo Alonso Quispe Velarde e o baixista Manuel Villavicencio Sánchez. Apaza contribui com suas habilidades em sintetizador para o som do grupo. Este é o segundo álbum lançado pela segunda vez por esta formação de quatro membros, que deu início ao renascimento do SPATIAL MOODS no final de 2016, após "Cae Un Mito" (lançado em agosto de 2019). Apaza, como líder do grupo, cuidou da mixagem e masterização das cinco faixas deste álbum. A belíssima arte da capa foi criada por Emilio Carranza. Vamos agora examinar os detalhes de cada faixa de "Nace Un Ciclo".
'Regenio, Recuerdo' abre o álbum com uma demonstração impressionante de hard rock destemido, exibindo agilidade e potência. No meio da música, surge um interlúdio onde o quarteto muda para uma dinâmica mais contida, com as duas guitarras entregando lampejos eficazes de space rock enquanto a seção rítmica cria um groove com influências de fusion. Finalmente, a banda retorna à agilidade afiada da abertura. Em seguida, vem 'Incierta Gran Aventura', uma faixa cuja paisagem sonora se concentra em uma mistura de stoner rock e psicodelia progressiva, culminando em um epílogo abstrato e cósmico. Após a construção sonora poderosa e intensa estabelecida por essas duas primeiras faixas, chegamos a 'Gira-Sol', uma peça que consideramos um dos destaques do álbum. Sua ferocidade envolvente, construída sobre uma cadência lenta em 3/4, oferece uma exibição magnética de atmosferas densas, desenvolvendo um híbrido de BLACK SABBATH e HAWKWIND. Mais tarde, o quarteto acelera o ritmo com uma variação ousada em seu groove, permitindo que o grupo explore as facetas mais extrovertidas e assertivas do paradigma do space rock (de certa forma em linha com os padrões de CAUSA SUI e PAPIR). À medida que essa segunda jam progride, a força predominante do rock assume vibrações cada vez mais festivas. Os riffs finais de guitarra parecem recriar os últimos momentos de uma explosão que já está dando tudo de si. A palavra carinhosa "Miedito" (Pequeno Medo) serve como título para a faixa mais longa do álbum: ela dura mais de 10 minutos. Como esperado, o grupo libera uma série de motivos diversos com o objetivo de explorar ao máximo a versatilidade de seus padrões estéticos. A primeira seção da faixa alterna entre space rock blues e stoner rock, enquanto a seção seguinte se inclina para uma psicodelia lânguida e flutuante dentro de uma estrutura envolvente de post-metal. A partir daí, o terreno é preparado para o clímax feroz construído durante os dois minutos finais. O Spatial Moods claramente almejou algo épico com esta faixa magnífica, e conseguiu com refinada habilidade, sem sacrificar nada de sua potência.
Com quase oito minutos de duração, "Teresa" encerra o álbum com um ar misterioso e evocativo. Começa com uma solenidade reflexiva sustentada por um groove lento, com a jam se expandindo por uma atmosfera crepuscular e nebulosa — algo como uma mistura de Mogwai com o som do Pink Floyd do período de 1969-1971. Após uma breve ponte de abstração silenciosa, a jam retorna com uma potência rock intensa, substituindo as vibrações crepusculares anteriores por uma densidade incendiária. Este talvez seja o solo de guitarra mais impressionante do álbum. O evocativo se torna intenso, até mesmo furioso. O epílogo é de fato contido, como o repouso conclusivo que se segue à extinção das últimas chamas de fúria. Assim termina o álbum, como um retrato sonoro do crepúsculo em um canto esquecido da alma. Há planos para lançar "Nace Un Ciclo" e seu antecessor, "Cae Un Mito", em vinil futuramente; enquanto isso, vamos apreciar suas gravações online. O SPATIAL MOODS certamente sabe como se manter na vanguarda da cena underground do rock peruano: como de costume, eles nos surpreenderam agradavelmente mais uma vez com seu novo álbum. 

César Inca


E é melhor você ouvir...

Este é um daqueles álbuns "narrativos" em que a música conta uma história diferente para cada ouvinte. Você coloca os fones de ouvido, fecha os olhos e as canções criam um filme de ficção científica na sua cabeça.

Na mesma linha experimental, densa e psicodélica de seus trabalhos anteriores (Spatial Moods I e II, 2013; Cae un Mito, 2019), a banda peruana Spatial Moods lançou recentemente (em abril deste ano) seu mais novo álbum completo, Nace Un ciclo (Nasce Un ciclo). Repleto de sons diversos que remetem à música fusion, o álbum abre com a faixa "Regenio, Recuerdo" (Regenio, Eu Me Lembro), que inclusive apresenta um ritmo cativante com influências latinas na metade da música, evocando as passagens fusion/latinas tão populares no início e meados da década de 1970. Essa faixa é introduzida por um riff de baixo elétrico constante e pulsante que parece pavimentar o caminho para um turbilhão com influências hippies que continua na faixa seguinte do álbum.
"The Uncertain Great Adventure", a segunda faixa do álbum, exemplifica, através do seu título, muito do que se segue na concepção do ciclo, que, aliás, pode ser ouvido na íntegra na página do Bandcamp e no canal do YouTube da banda. Com guitarras limpas e harmonias suaves, os vocais assumem o protagonismo nesta grande aventura que varia de sons psicodélicos a heavy rock e camadas sequenciais de delay, dissolvendo-se em sons de vazio que definirão o tom para o resto da jornada. "
Gira-Sol", "Miedito" e "Teresa" são um trio de composições carregadas de improvisação, apresentando momentos em que o baixo e a bateria se fundem perfeitamente, e extensas passagens de efeitos e figuras sequenciais que ocasionalmente incorporam riffs de post-rock semi-apocalípticos (uma marca registrada do gênero). Isso cria uma mudança para o ouvinte, já que o álbum começa com riffs impactantes semelhantes ao hard rock, dividindo gradualmente o som em momentos de intensidade contida e passagens sombrias. Os longos períodos de experimentação se dissolvem em um silêncio quase absoluto, construindo pontes que explodem em grooves de baixo hipnóticos, repletos de sons depressivos e terror, com pedais wah-wah, delays e estruturas cavernosas.
Em suma, Nace Un Ciclo (Um Ciclo Nasce) reflete sons que parecem tropeçar ao longo do álbum. É uma espécie de fronteira sonora onde a banda provavelmente busca novos horizontes na experimentação e na consolidação de seu som. A composição rítmica das primeiras faixas, até algumas partes de Gira-Sol (Turnê do Sol), parece apontar para um som espacial que, infelizmente, não se materializa completamente na seção final do álbum.
É uma oferta muito interessante desta banda peruana, que ao longo de sua carreira nos presenteou com excelentes jornadas sonoras para aqueles de nós que somos fãs fervorosos de experimentação, space rock, stoner rock e rock progressivo. 

Centopeia Chefe

 

Se você gosta de sentar para ouvir música, desconectar-se do caos diário e se deixar levar pelas texturas e pela atmosfera, este álbum do Spatial Moods é uma joia que você definitivamente deveria conhecer. Uma bela jornada que convido você a vivenciar neste fim de semana.

Você pode ouvir a música na página deles no Bandcamp:
https://spatialmoods.bandcamp.com/album/nace-un-ciclo

Lista de faixas:
1.- Sacudidas Corporales.
2.- Desmoronamientos.
3.- Transtorno de Identidad Disociativo.
4.- Estados de Trance.
5.- Posesión Por Espíritus.

Formação:
- Jorge Apaza Frisancho / guitarra, vocal
- Arturo Alonso Quispe Verlarde / guitarra
- Manuel Villavicencio Sánchez / baixo
- Israel Tenor / bateria