"Rock 'N' Roll" foi o 26º álbum do saudoso Erasmo Carlos, "o Tremendão", lançado em 2009. Depois de muitos anos, talvez décadas, Erasmo Carlos voltava a lançar um disco onde se percebe uma predominância do rock no repertório. Isso não se via desde os anos 60, Erasmo passou os anos 70 alternando entre o rock e a MPB assim como nas décadas posteriores. Contudo, percebe-se uma influência do pop em canções como "Chuva Ácida" e "A Guitarra é Uma Mulher".
O "Rock N' Roll" com pegada clássica se faz presente em canções como "Jogo Sujo" e "Cover". Essa última dá a impressão de que vai sair um blues mas depois alterna para um rockabilly. O disco ainda possui outros sons empolgantes, como "Olhar de Mangá" (onde o tremendão cita nomes de 52 personalidades femininas, reais ou fictícias). A canção é inspirada nas expressões faciais usadas nos quadrinhos japoneses (os chamados mangás) e "Noite Perfeita" (com uma introdução beatleniana). Minha preferida é "Encontro às Escuras". Enfim, o "Rock N' Roll" de Erasmo Carlos é um disco honesto, que mostra um rockeiro maduro e que serve para reafirmar Erasmo como uma das maiores figuras do rock nacional.
"I'd Have You Anytime" foi composta porGeorge HarrisoneBob Dylanno final de 1968, quando oBeatleestava perto de Woodstock, em Nova York. Foi gravada e lançada porHarrisoncomo a faixa de abertura de seu álbum de 1970 triplo All Things Must Pass.
Embora os dois músicos tenham se conhecido em Nova York, em 1964, a amizade entre George Harrison e Bob Dylan parece ter aflorado em maio de 1966, quando Harrison, junto com John Lennon e Paul McCartney, visitaram o cantor em seu hotel em Londres. A relação de Dylan com Lennon muitas vezes parecia um teste competitivo. Para McCartney, Dylan era "cooler". Para o produtor Bob Johnston, Lennon, Harrison e McCartney chegaram para o encontro com Dylan no hotel como "Beatles" e sairam como três indivíduos distintos - tal era a influência filosófica de Dylan em compositores colegas na época. Depois do auge criativo do cantor americano em meados de 66, Dylan se retirou para Bearsville, em Nova York, com sua banda de apoio 'The Hawks', a fim de se recuperar de um acidente de moto e criar uma família com sua esposa, Sara Lownds. Pouco se ouvia falar dele durante 1967/68, e todos aguardavam seu retorno. Embora Dylan tenha desprezado a obra-prima 'Sgt.. Banda Pepper Lonely Hearts Club Band', Harrison, manteve-se um grande fã dele - Blonde on Blonde foi o único álbum de música ocidental, levado pelo Beatle com ele para Rishikesh, em fevereiro de 68.
Mais tarde, no final de 1968, tendo passado grande parte de outubro e novembro em Los Angeles,George Harrison e sua mulher Pattie Boyd foram convidados para passar o feriado com os Dylans quando se encontravam no Catskills como convidados do gerente de Albert Grossman. Apesar de excitação de Dylan com sua chegada, Harrison o encontrou reservado e desconfiado, em contraste com o indivíduo, franco e iluminado que ele tinha feito uma conexão dois anos antes.
Tudo isso mudou no terceiro dia, quando as guitarras foram tiradas dos cases e "a coisa se soltou". Bem mais conhecido por sua abordagem pouco sofisticada musicalmente, sobretudo em comparação com a "paleta harmônica" dos Beatles, Dylan estava ansioso para aprender alguns acordes mais avançados como os que Harrison havia alcançado para a abertura da canção. Para quebrar as barreiras que Dylan havia imposto durante a visita até aquela altura, George compôs:
"Let me in here I know I’ve been here Let me into your heart Let me know you Let me show you Let me grown upon you"
Ao mesmo tempo, ia empurrando Dylan a usar algumas palavras de seu próprio vocabulário que Dylan repondia no coro:
All I have is yours All you see is mine And I’m glad to hold you in my arms I’d have you anytime.
"Linda. Era isso". Harrison concluiu em sua autobiografia sobre "I'd Have You Anytime". E é mesmo!
O Cannibal Corpse foi fundado em 1988 em Buffalo, Nova York. Os membros originais do grupo, Chris Barnes, Bob Rusay, Jack Owen, Alex Webster e Paul Mazurkiewicz, já eram músicos conhecidos antes de criarem a banda. O som do Cannibal Corpse lembra bastante o do Slayer , porém suas letras são mais violentas. Em 1989, o grupo gravou uma demo que chamou a atenção da Metal Blade Records e levou ao lançamento de seu primeiro álbum, Eaten Back To Life, em 1990. Lançaram Butchered at Birth em 1991 e Tomb of the Mutilated em 1992. Um ano depois, Bob Rusay foi demitido. Rob Barret, ex-guitarrista do Malevolent Creation, juntou-se ao grupo pouco antes de sua participação especial em Ace Ventura: Um Detetive Diferente. Em 1994, o Cannibal Corpse lançou The Bleeding, que seria o último álbum de Chris Barnes. O grupo lançou o álbum Vile em 1996, com a participação do ex-vocalista do Monstrosity, George “Corpsegrinder” Fisher.
Dois anos depois, lançaram Gallery of Suicide. Bloodthirst foi lançado um ano depois. Live Cannibalism, um filme e álbum, foi lançado em 2000. Dois anos depois, Gore Obsessed foi lançado. No mesmo ano, lançaram 15 Year Killing Spree, o box set do Cannibal Corpse. Seu nono álbum foi Werteched Spawn, lançado em 2004, seguido por Kill em 2006. O Cannibal Corpse se juntou ao produtor Erik Rutan no estúdio e gravou Evisceration Plague, que se tornou o álbum de maior sucesso do grupo, alcançando o topo das paradas. Eles o seguiram com Global Evisceration, um filme-concerto. Mais dois álbuns se seguiram, Torture em 2012 e A Skeletal Domain em 2014, que alcançou a 32ª posição na Billboard 200 dos EUA
Após uma turnê, o grupo fez uma pausa de três anos enquanto seus membros se dedicavam a outros projetos. No entanto, em 2017, o grupo gravou seu 14º álbum de estúdio, Red Before Black. O álbum mais recente do grupo é Violec Unimagined, que conta com a participação de Erik Rutan, produtor de guitarra. Este grupo permanece uma das bandas de death metal mais influentes . Suas músicas são intensas e repletas de letras que celebram o horror. De fato, alguns de seus álbuns são tão violentos que chegaram a ser proibidos. Provavelmente, isso é o que garantiu ao grupo um público tão fiel. Estas são as dez melhores músicas do Cannibal Corpse de todos os tempos.
10. Priests of Sodom
O título faz referência às cidades mitológicas de Sodoma e Gomorra, descritas em contextos religiosos do judaísmo, cristianismo e islamismo. Essencialmente, a parábola trata do que acontece aos pecadores que não se arrependem. Além disso, a palavra Sodoma remete à sodomia. Esses dois significados criam uma canção que aborda a violência sexual diante do castigo divino.
9. Only One Will Die
A música do Cannibal Corpse é a expressão "lutar até a morte" que ganha vida. A letra fala sobre dois rivais prontos para destruir um ao outro até que um, ou ambos, estejam mortos. Muitas vezes na vida, lutamos contra nossos demônios até a morte. Portanto, essa música pode ter significados adicionais.
8. Kill or Become
Essa música é um pesadelo darwiniano. A letra fala sobre uma sociedade pós-apocalíptica que tenta eliminar zumbis em vez de se tornar um deles. É um incitamento para matá-los, além de um lembrete sombrio de que, se você não o fizer, você se tornará um.
7. Devoured By Vermin
Este foi o primeiro single após George “Corpsegrinder” Fisher substituir Chris Barnes. De acordo com a Loud Wire , o grito no início da música é Corpsegrinder sinalizando ao mundo que está pronto para o desafio de substituir Barnes. Além disso, a revista mencionou que o grupo nunca perdeu o ritmo após a saída de Barnes. Em vez disso, eles simplesmente continuaram lançando músicas e álbuns.
6. Skull Full of Maggots
É difícil imaginar uma música tranquila no catálogo da banda. Além disso, alguém poderia pensar que um título como "crânio cheio de larvas" não seria algo que se classificaria como chocante. No entanto, a música do Cannibal Corpse é exatamente isso: um relato detalhado do que acontece depois da morte, sem recorrer a algumas das estratégias líricas mais chocantes da banda.
5. Evisceration Plague
Apocalipses zumbis são um tema recorrente no catálogo do grupo. No entanto, esta música apresenta uma versão moderna. A letra reflete a tortura do zumbi e um monólogo interior enquanto ele persegue sua presa. Além disso, alguns versos, como "impulsionado a matar, esta não é a minha vontade", abordam a dificuldade de controlar tendências violentas.
4. Staring Through The Eyes of the Dead
Essa música é uma nova versão da canção sobre a morte. A letra descreve uma autópsia em alguém que não consegue se mover, mas está em algum lugar entre esta vida e a próxima, podendo ver tudo acontecendo enquanto o legista tenta determinar a causa da morte.
3. Scourge of Iron
À primeira vista, essa música pode parecer um ponto fora da curva no catálogo da banda. Afinal, grande parte do repertório do Cannibal Corpse trata de pessoas recompensadas por fazerem coisas socialmente inaceitáveis. A letra dessa música fala sobre ir para o inferno e ser punido; trata-se dessas pessoas curtindo a tortura e sentindo que é mais uma recompensa do que a danação eterna.
2. Inhumane Harvest
Este é o primeiro single do décimo quinto álbum do grupo, Violence Unimagined. A letra aborda o tráfico de órgãos, especialmente a obtenção ilegal de órgãos vitais. Além disso, a música trata dos aspectos mais sombrios e violentos desse negócio, em que pessoas são mortas apenas por dinheiro, pois seus órgãos são lucrativos no mercado negro. Grande parte da canção presta uma homenagem violenta à maneira insensata como as pessoas realizam essas colheitas ilegais.
1. Hammer Smashed Face
Essa música é um exemplo extremo do que acontece quando você é oprimido a vida toda. A letra descreve alguém perseguindo a pessoa que transformou sua vida em um pesadelo e a espancando até a morte. Além disso, a música fez duas aparições em filmes. No filme Bright, de 2017, Nick Jakoby começa a tocar essa música e afirma que é uma canção de amor fantástica. No entanto, Will Smith exige que ele a desligue. Hammer Smashed Face também apareceu no filme Ace Ventura: Um Detetive Diferente.
Lançada como parte do álbum de sucesso Breakfast in America (1979), "Goodbye Stranger" foi um dos singles que consolidaram o Supertramp como uma banda capaz de combinar complexidade musical com sucesso comercial. O álbum vendeu mais de 20 milhões de cópias e marcou o auge (e, paradoxalmente, o início do declínio) da banda liderada por Rick Davies e Roger Hodgson .
Musicalmente, a canção possui uma produção refinada e eficaz, na qual cada instrumento tem seu espaço, com destaque para o inconfundível teclado elétrico Wurlitzer , que lhe confere um toque característico e envolve brilhantemente as harmonias vocais entre Rick Davies e Roger Hodgson, ao ritmo imposto pela guitarra e pelo baixo de forma descontraída, porém firme.
Em “Goodbye Stranger”, o Supertramp alcança a combinação perfeita entre o rock progressivo britânico e o pop acessível do final dos anos 70, criando uma canção que soa leve, mas esconde uma considerável profundidade emocional. Composta por Davies e Hodgson, a letra é uma despedida sem lágrimas, uma ode à liberdade pessoal envolta em melodias cintilantes e arranjos sofisticados, destacando-se como poucas outras naquele que é, sem dúvida, o melhor álbum da banda.
Ao falar sobre o Supertramp , é impossível não mencionar sua capacidade de mesclar sofisticação musical com melodias acessíveis. " Breakfast in America ", a faixa-título de seu icônico álbum de 1979, é um excelente exemplo de como a banda britânica conseguia criar uma canção aparentemente descontraída, mas repleta de ironia e comentários sociais.
Com apenas dois minutos e meio de duração, esta faixa é uma das mais curtas do repertório do Supertramp , mas também uma das mais memoráveis. Escrita por Roger Hodgson, a canção se inspira na visão estereotipada que um jovem britânico poderia ter dos Estados Unidos. Mais do que uma homenagem, é um olhar irônico sobre aquela terra prometida que tanto fascinou os europeus na década de 1970. A letra faz referência a cafés da manhã típicos americanos e à cultura popular do país, mas o faz com um tom divertido e caricato.
A performance vocal de Hodgson é fundamental; sua voz aguda, quase ingênua, combina perfeitamente com o espírito satírico da canção. Ele canta como se estivesse realmente sonhando com aquela viagem à América, mas, ao mesmo tempo, esboça um sorriso irônico. A instrumentação, caracterizada por um piano simples e um acompanhamento rítmico direto, reforça a sensação de frescor que distingue a música dentro de um álbum muito mais elaborado e ambicioso.
O interessante em " Breakfast in America " é como ela consegue ser cativante sem ser superficial. Não é apenas uma melodia bonita, mas também um retrato cultural encapsulado em pouco mais de dois minutos. O Supertramp faz a música funcionar em dois níveis: como uma canção divertida e descontraída, e como uma crítica velada à idealização da América. Esse duplo sentido é uma das virtudes que explicam o apelo duradouro da banda.
Dentro do contexto do álbum, " Breakfast in America " funciona como uma lufada de ar fresco. Entre canções mais densas e reflexivas como "The Logical Song" ou "Take the Long Way Home", essa faixa oferece um toque de humor e leveza, sem perder a sofisticação característica da banda. É, de certa forma, a prova de que o Supertramp sabia equilibrar acessibilidade com arte.
Mais de quatro décadas após seu lançamento, a música ainda soa fresca e relevante. Sua ironia continua funcionando, sua melodia permanece irresistível e sua brevidade a torna um pequeno clássico dentro do rock progressivo-pop do final dos anos setenta. “ Breakfast in America ” é, em última análise, um lembrete de que, às vezes, a genialidade reside na simplicidade e na capacidade de dizer muito com muito pouco.
As capas de álbuns sexualmente sugestivas dos Scorpions, nos ainda relativamente pudicos anos 70 e 80, certamente faziam parte de uma sofisticada estratégia de marketing. Francamente, não posso fazer nada a respeito; aqui temos "Lovedrive", cuja capa ainda é ridícula, mas comparativamente mais comportada. Os Scorpions reajustaram seu som em uma direção mais comercial, e isso não aconteceu às custas de sua sonoridade pesada, pelo menos não sempre; eles simplesmente ofereceram composições mais acessíveis. Isso não significa que não haja momentos chocantes, mas sim alguns dos piores. "Lovedrive" é um álbum de época com uma produção muito limpa que leva em consideração os hábitos de audição do público em geral. Não é totalmente isento de arestas e imperfeições, mas também não ataca com força total. Para os historiadores do metal, este álbum é essencial, mais pelo nome da banda do que pelo seu excepcional prazer musical.
Em um cenário musical onde baladas de rock são frequentemente sinônimo de excesso melódico e letras grandiosas, "Holiday", do Scorpions, é uma peça atípica e emotiva, que se destaca pela sutileza e pela capacidade de evocar um sentimento de saudade e melancolia sem recorrer a sentimentalismo barato. Com sua estrutura singular, "Holiday" é mais do que uma simples balada: é uma jornada sonora. A canção é dividida em duas partes claramente distintas que funcionam como uma sinfonia perfeita. A primeira é uma passagem acústica, conduzida pelo violão de Rudolf Schenker, que estabelece um tom íntimo e contemplativo. A voz de Klaus Meine, em um registro mais suave e sussurrado do que o habitual, flui sobre os acordes do violão com uma delicadeza raramente ouvida em sua obra. A letra fala de um verão fugaz e de um relacionamento que se desfaz, deixando uma onda de nostalgia. Não é um lamento, mas uma reflexão serena sobre o que foi e o que poderia ter sido. A transição para a segunda parte é onde a magia da canção atinge seu clímax. Após um breve desvanecimento, a banda retorna com uma força surpreendente. A guitarra de Matthias Jabs entra em cena, entregando um solo eletrizante e comovente. Essa transição do acústico para o elétrico representa brilhantemente o contraste entre a lembrança serena e a tempestade emocional que frequentemente acompanha a perda. O solo de Jabs não é apenas uma demonstração técnica; é um grito de dor, uma explosão de emoção reprimida que eleva a música a outro patamar. A dualidade entre a calma acústica e a explosão elétrica inspirou muitos músicos a explorar o contraste em suas próprias composições. É um lembrete de que uma balada de hard rock não precisa ser bombástica para ser poderosa; às vezes, a quietude e a sutileza deixam a impressão mais profunda.
"Holiday" não é uma balada poderosa típica dos Scorpions, como "Still Loving You" ou "Wind of Change". Seu poder reside justamente na sua contenção e na capacidade de criar uma atmosfera. É a trilha sonora da nostalgia, um lembrete de que as memórias, embora às vezes dolorosas, também podem ser belas. A frase "Vamos tirar férias" não é um convite para uma festa, mas um apelo para parar, refletir e reviver uma memória antes que ela se perca para sempre. Essa melancolia ressoou com o público, provando que os Scorpions podiam ser tão eficazes no âmbito acústico e sentimental quanto no hard rock.
Descobri Black Sands numa fase da minha vida em que um período de mudanças se aproximava. Fazer 50 anos não é fácil. Meus primeiros anos foram marcados pelo pop, rock espanhol, cantores e compositores e folk. No entanto, eu me sentia um pouco perdido ou "deslocado" dentro da cena musical. A música eletrônica vinha florescendo há muito tempo, e a cada dia eu me sentia mais atraído por ela, intrigado por aqueles sons diferentes e por aquela escuridão ainda por ser descoberta. Eu sentia um grande vazio entre a música que me interessava (música eletrônica) e o que as gerações anteriores costumam descrever como música "de verdade" ou "real" (música instrumental/vocal tradicional).
O álbum abre com uma faixa melódica de um minuto chamada "Prelude ", a maneira perfeita de começar, definindo o tom para todo o álbum, como a introdução de um ensaio. Essa peça prende a atenção do ouvinte e realmente demonstra o gênero do álbum. Kiara transita perfeitamente de "Prelude" para uma melodia agradável, introduzindo gradualmente mais e mais elementos e construindo um ritmo cativante. Apresenta uma rica interação de instrumentos de corda e um sintetizador com um som distintamente dos anos 90. Essa faixa evoca uma sensação de aventura e novas paisagens, fazendo-me sentir como se estivesse viajando para algum lugar. O ritmo é caloroso e sequencial, incorporando elementos de trip-hop ambiente que parecem fazer referência a uma viagem no tempo, com um pequeno sintetizador que lembra jogos de 8 bits e violinos que conferem uma qualidade agridoce à melodia.
Kong soa como uma versão mais complexa e com mais camadas da faixa anterior, lembrando-me um pouco de Flying Lotus com seu ritmo mais tropical e vigoroso. A música é colorida e bastante relaxante, perfeita para o verão. É definitivamente minha música favorita de todo o álbum, pois evoca muitas emoções. Uma melodia simples e agradável misturada com instrumentos de sopro te preenche com uma sensação de descoberta. Esta obra-prima musical tem uma sensação natural, me fazendo sentir como se estivesse no meio de uma selva; talvez o artista tivesse isso em mente ao intitulá-la dessa forma. Eyesdown é a primeira música deste álbum a incluir vocais. É muito mais triste e lenta do que todas as outras, o que eu acho que se deve principalmente ao tom do vocalista. A música tem um ritmo muito agradável do começo ao fim, e embora a letra seja quase irreconhecível, a adição dos vocais é uma mudança bem-vinda. Somos apresentados a uma percussão mais industrial e fria, comum no dubstep, que contrasta fortemente com as duas faixas anteriores. A próxima música tem um ritmo mais acelerado e muito mais energia, intitulada "El Toro ". Essa faixa soa como um touro em comparação com as outras; uma variação de um ritmo rápido de bateria e cordas lhe confere um toque romântico. Se eu confiasse nos meus instintos, diria que essa música é como o amor jovem — cheia de energia, mas ao mesmo tempo suave e frágil em alguns momentos. " We Could Forever" tem uma estranha vibe tropical e, com a adição de assobios agudos e outros elementos, transmite uma sensação tribal. Parece algo que você dançaria em um resort de férias, fazendo você se sentir em uma noite de verão sob as estrelas. Os trompetes nessa faixa também são encontrados em muitas músicas de tropical house atuais.
1009 nos traz uma melodia mais frenética e reverberante de uma forma belíssima e emotiva, mas, mais uma vez, sem muita variação em relação às faixas anteriores, é uma música muito mais tecnológica. Ela soa experimental, mas, ao mesmo tempo, se encaixa no gênero geral do álbum e amplia os horizontes do ouvinte. Com um ritmo complexo e uma melodia intrincada, essa música faz jus ao seu nome não oficial, "MIX", que vem dos algarismos romanos para 1009. A próxima música da lista, All In Forms , é uma faixa com uma abertura pesada e um ótimo sample vocal sobreposto. Um sintetizador extenso, uma agradável faixa de piano e a bateria enfatizada no meio transformam completamente a forma da música. O final da música traz de volta o mesmo som ouvido no início, o que me faz pensar se Bonobo pretendia chamar essa música de In All Forms, já que ela é fenomenal em todas as suas formas. The Keeper retorna com os vocais de Andreya Triana e tem um som bem jazzístico. A melodia desta faixa é muito mais simples do que as anteriores, e a música foca-se bastante na letra. O género da canção é pop, embora o som de fundo seja definitivamente uma reminiscência de Bonobo, pelo que a chamaria de Bonobo-pop, já que um artista como ele não se encaixa em nenhum outro género. Inicialmente, parecia que ia ser uma versão para discoteca de "Feeling Good", da Nina Simone. A sequência de notas do trompete é muito semelhante. A textura é bastante eclética, e a fusão de géneros apresentada ao longo deste álbum desperta-me um interesse moderado. Com a mesma vocalista da faixa anterior, " Stay The Same" é uma canção sobre mudança, e a melodia e os vocais transmitem o sentimento da música de forma muito eficaz. Embora seja uma canção lenta, não é necessariamente deprimente, e a melodia faz um trabalho espetacular ao dar vida a esta obra-prima.
"Animals" destaca mais o lado da guitarra e do saxofone deste projeto. É uma faixa com uma pegada jazz-fusion, com uma bateria super presente e intensa. No geral, é uma boa exploração do gênero, demonstrando mais variação no som do álbum. Como todas as faixas instrumentais, ela transmite uma sensação animada e energética. É a música mais longa do álbum e combina várias melodias, que fluem lindamente. O título, "Animals", provavelmente se refere à natureza mais improvisacional e instintiva desta canção. A música que encapsula todo o álbum é apropriadamente chamada de "Black Sands" . Com uma melodia de guitarra inicial, esta faixa começa como a maioria, com uma melodia positiva, mas logo desacelera consideravelmente, criando uma sensação de saudade. Parece dar continuidade ao conceito de "Animals" com uma textura mais acústica e semelhante a uma canção de ninar. A forma como a faixa é construída é bastante relaxante, mas capaz de evocar emoções fortes, e a maneira como ela simplesmente desaparece no final é perfeita para concluir a jornada. Uma faixa perfeita para encerrar um álbum perfeito, que se despede com uma melodia lenta.
12 de fevereiro de 1978 é uma das datas mais importantes que moldariam o futuro do rock espanhol. O Leño fez sua estreia ao vivo no Palácio de Alcalá, em Madri, como banda de abertura do Asfalto, e em maio do mesmo ano lançou seu primeiro single, " Este Madrid / Aprendiendo a escuchar" (Este Madrid / Aprendendo a Escutar ) , que hoje é item de colecionador. Em maio de 1979, após alguns meses agitados de shows, gravaram seu primeiro álbum ao vivo, intitulado Leño. O álbum foi gravado em apenas 72 horas e lançado pela gravadora Chapa/Zafiro. Durante a gravação, o baixista Chiki Mariscal decidiu deixar a banda e retornar ao Ñu (onde tocava originalmente sob o nome de Fresa ), sendo substituído pelo baixista Tony Urbano. Todas as faixas foram gravadas no baixo por Chiki , exceto "El Tren" (O Trem) , que foi gravada por Tony .
Assim, na capa original do álbum, podemos ver Rosendo Mercado e Ramiro Penas sentados, com Chiki Mariscal saindo e Tony Urbano entrando pelo outro lado . O álbum foi produzido por Teddy Bautista , que, além de contribuir com os teclados, também fez o agora lendário solo de gaita na faixa " El Tren ". Este trabalho definiria o som característico da banda, baseado no rock e no blues rock com influências progressivas e até psicodélicas.
Incluída neste álbum está a já mencionada faixa " El Tren" (O Trem), cujo conteúdo metafórico pode aludir às drogas e ao seu uso: "...vi rostos derretendo de satisfação, se você controlar sua jornada, será feliz." No entanto , também pode ser sobre a jornada pela aventura da vida, a busca pessoal e a importância de assumir o controle do nosso destino: "Se você controlar sua jornada, será feliz ", porque, no fim, nosso destino, a morte, sempre chega: "Está se aproximando lentamente do fim / E você mal sabe quando vai parar." Como mencionei anteriormente, a gaita na faixa foi tocada por Teddy Bautista, que entrega um solo memorável que dá o toque final a este hino do grupo. " El Tren" foi composta por Rosendo e José Carlos Molina quando ambos faziam parte do Ñu , razão pela qual o Ñu decidiu gravá-la anos depois sob um nome diferente, e muitas pessoas pensaram que se tratava de um cover de Leño , quando na verdade era uma música escrita por ambos.
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