MUSICA&SOM

segunda-feira, 9 de março de 2026

John Cougar Mellencamp - Big Daddy (1989)

Ano: 9 de maio de 1989 (CD 2005)
Gravadora: Island Records (EUA), B0004511-02
Estilo: Folk Rock, Rock & Roll, Classic Rock
País: Seymour, Indiana, EUA (7 de outubro de 1951)
Duração: 46:10

Paradas musicais: EUA #7, AUS #1, CAN #3, ALE #27, NL #33, NOR #12, NZ #6, SWE #6, SWI #11, RU #25. Austrália: Platina; EUA: Platina; Canadá: 2x Platina.
Parece estranho usar uma palavra como "maduro" para se referir a um cara que costumava se autodenominar "Pequeno Bastardo" — mas hoje em dia, a palavra é praticamente inevitável quando se fala de John Mellencamp. Para alguém cujo trabalho sempre sugeriu um medo mórbido de envelhecer, ele está entrando na versão rock and roll da meia-idade com bastante elegância: seu décimo álbum — o quarto desde que chocou muita gente ao se tornar bom — não representa um grande salto como Uh-Huh (1983) e Scarecrow (1985), e não inova musicalmente como Lonesome Jubilee (1987), e nas primeiras audições não apresenta nenhum single tão revigorante quanto “Rain on the Scarecrow” ou tão irresistível quanto “Cherry Bomb”. Em vez disso, é um disco seguro, pessoal e, sim, maduro, um exercício de consolidação, continuidade e maestria.
A primeira coisa que você nota é a sonoridade do álbum. Assim como Springsteen, Petty e Seger, outros grandes nomes do rock mainstream americano que surgiram nas últimas duas décadas, Mellencamp tem uma banda cujo som característico o define, inspira e limita alternadamente. Seus principais elementos são a marcante e concisa bateria de Kenny Aronoff e o timbre áspero e rouco da guitarra de Larry Crane: esses caras fazem um rock sujo e bruto no estilo dos Rolling Stones, que realmente impacta. Mas, ao contrário da E Street Band, dos Heartbreakers e outros do mesmo estilo, a banda de rock mainstream de Mellencamp, tanto em The Lonesome Jubilee quanto agora em Big Daddy, se destaca por toques decididamente não convencionais que conferem a esse gênero totalmente urbano um toque das montanhas dos Apalaches ou dos pântanos do sul dos Estados Unidos: violinos, acordeões, dulcimers, banjos, flautas irlandesas.

01. Big Daddy Of Them All (03:31)
02. To Live (03:20)
03. Martha Say (03:45)
04. Theo And Weird Henry (04:50)
05. Jackie Brown (04:03)
06. Pop Singer (02:48)
07. Void In My Heart (02:32)
08. Mansions In Heaven (03:06)
09. Sometimes A Great Notion (03:34)
10. Country Gentleman (03:19)
11. J.M.'S Question (03:42)
12. Let It All Hang Out (03:13)
13. Jackie Brown (Acoustic Version) (04:21)

Journey - Departure (1980)

Ano: 29 de fevereiro de 1980 (CD 2006)
Gravadora: Legacy Records (EUA), 88697 00119 2
Estilo: Arena Rock, Hard Rock, Soft Rock
País: São Francisco, Califórnia, EUA
Duração: 47:27

Paradas musicais: EUA #8, CAN #48, JPN #61. EUA: 3x Platina.
Departure oferece ampla prova de que o gênero hard rock dos anos 70, que tantas pessoas tentaram enterrar nos últimos anos, simplesmente não quer morrer. O Journey pode muito bem ser a melhor banda americana nesse estilo, o que é irônico, porque, estilisticamente, eles sempre pareceram ter dificuldades com ele, como se o hard rock fosse uma camisa nova que não servisse. Para um Aerosmith ou um Ted Nugent, não havia tais dificuldades — o hard rock era a única opção. Mas o Journey poderia ter seguido qualquer direção musical. Os membros fundadores Gregg Rolie (teclados) e Neal Schon (guitarra) vieram do Santana, Aynsley Dunbar de seus próprios grupos e do Mothers of Invention de Frank Zappa, e Ross Valory da Steve Miller Band.
Por anos, o Journey pareceu dividido por interesses conflitantes que foram apenas temporariamente apaziguados pelo compromisso com o hard rock. A adição do produtor megalomaníaco Roy Thomas Baker e do vocalista Steve Perry complicou ainda mais a situação. Mesmo assim, o grupo conseguiu melhorar aos poucos, lançando álbuns extremamente comerciais. O Journey atingiu seu auge em 1978 com Infinity e, em seguida, começou a se desintegrar. Dunbar saiu, desgostoso com a falta de uma direção musical clara, enquanto Baker foi informado, sem rodeios, de que seu tempo estava chegando ao fim. A banda nunca gostou de sua produção, e o último LP que gravaram juntos, Evolution, de 1979, comprovou isso. Evolution também sofreu com as dificuldades iniciais da adição do baterista Steve Smith à formação.
Todos esses problemas foram resolvidos em Departure. A ausência mais notável é a de Roy Thomas Baker, cuja interferência não faz falta. O engenheiro de som Geoff Workman foi promovido a produtor, o que coloca a direção musical do grupo em suas próprias mãos. Não é surpresa que, pela primeira vez na história do Journey, tenha surgido um verdadeiro líder: Steve Perry, um excelente cantor com uma inclinação para refrões melódicos cativantes, está atualmente no comando, compondo ou coescrevendo todas as músicas, exceto uma, e moldando o som em torno de seus arranjos vocais. “Any Way You Want It”, “Where Were You”, “I'm Cryin'” e “People and Places” demonstram a nova abordagem da banda. A bateria constante e sem grandes destaques de Steve Smith provou ser uma adição por subtração: adeus à técnica virtuosa de Aynsley Dunbar. No passado, os bons momentos do grupo aconteciam quando Neal Schon e Dunbar se lançavam em jams prolongadas, mas agora o Journey funciona melhor como uma banda. E eles nunca tocaram com tanta intensidade.

01. Any Way You Want It (03:21)
02. Walks Like A Lady (03:16)
03. Someday Soon (03:31)
04. People And Places (05:04)
05. Precious Time (04:49)
06. Where Were You (03:00)
07. I'm Cryin' (03:42)
08. Line Of Fire (03:05)
09. Departure (00:37)
10. Good Morning Girl (01:44)
11. Stay Awhile (02:48)
12. Homemade Love (02:53)
13. Natural Thing (Bonus Track) (03:42)
14. Little Girl (Bonus Track) (05:47)

Kevin Rowland & Dexys Midnight Runners - Too-Rye-Ay (1982)

Ano: 22 de julho de 1982 (CD 2007)
Gravadora: Mercury Records (Europa), 9800889
Estilo: Pop, Folk Rock
País: Birmingham, Inglaterra
Duração: 71:24, 78:02

Paradas musicais: Reino Unido #2, Austrália #2, Canadá #10, Alemanha #29, Holanda #9, Noruega #22, Nova Zelândia #2, Suécia #22, EUA #14. Canadá: Disco de Ouro; Austrália, Nova Zelândia e Reino Unido: Disco de Platina.
Quando a maioria das pessoas pensa em Dexys Midnight Runners, geralmente é como uma daquelas bandas de um único sucesso dos anos 80. Mas há mais do que isso. A verdade é que, em uma era musical mais conhecida por seus singles do que por seus álbuns, Too-Rye-Ay, do Dexys, é na verdade um dos álbuns mais fortes daquela década, além de ser um dos mais atípicos. Uma banda inglesa que misturava frases e ritmos celtas com influências de soul e R&B, o Dexys Midnight Runners evitou o estilo synth-pop tão em voga nos anos 80. Com isso, eles não apenas emplacaram um enorme sucesso internacional com o single "Come on Eileen", como também criaram um álbum único e poderoso.
Após o sucesso moderado do álbum de estreia, Searching for the Young Soul Rebels, de 1980, o cofundador Kevin "Al" Archer e vários outros membros da banda deixaram o Dexys, deixando o vocalista e multi-instrumentista Kevin Rowland e o trombonista Jim Patterson (que às vezes se autodenominavam "Celtic Soul Brothers") para reformular a banda. A nova formação acabou com 11 integrantes, incluindo dois violinistas (cuja inclusão havia sido um dos principais pontos de discórdia que levou alguns dos membros anteriores a abandonarem a banda). O Dexys então deixou a EMI e assinou com a Mercury Records, lançando o primeiro single pela nova gravadora, "The Celtic Soul Brothers", que alcançou apenas a 45ª posição nas paradas britânicas. No entanto, o segundo single pela Mercury, "Come on Eileen", os catapultou para o estrelato.
É difícil exagerar o tamanho do sucesso de "Eileen". Uma canção de sedução divertida, na qual o protagonista atrevido tenta convencer a pessoa amada a ir para sua casa e "tirar tudo", a música alcançou o primeiro lugar nas paradas do Reino Unido e dos Estados Unidos, bem como da Irlanda, Canadá e vários outros países. Com seu marcante violino celta e um refrão que incluía a letra "Too-ra-loo-ra, too-ra-loo-rye, aye" (que remetia a uma canção irlandesa-americana de 1913, posteriormente popularizada por Bing Crosby no filme "Going My Way"), "Eileen" era uma espécie de música de efeito que se tornou ainda mais popular graças à constante exibição de seu videoclipe na MTV. Tornou-se um mega sucesso, e merecidamente. Mesmo agora, 35 anos depois, é instantaneamente reconhecível para a maioria dos fãs de música e, inclusive, está sendo usada com destaque em um comercial da nova temporada da série de televisão americana "Preacher".

01. Celtic Soul Brothers (More, Please, Thank You) (03:11)
02. Let's Make This Precious (04:03)
03. All in All (This One Last Wild Waltz) (04:10)
04. Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile) (03:05)
05. Old (05:32)
06. Plan B (05:04)
07. I'll Show You (02:40)
08. Liars A To E (04:10)
09. Until I Believe in My Soul (07:01)
10. Come on Eileen (04:41)
11. Love, Pt. 2 (01:18)
12. Dubious (02:41)
13. T.S.O.P (03:47)
14. Let's Get This Straight from the Start (03:35)
15. Old [Live] (04:55)
16. Respect [Live] (07:42)
17. Let's Make This Precious [Original Version] (03:42)

01. T.S.O.P. [Live] (04:14)
02. Burn It Down [Live] (04:01)
03. Let's Make This Precious [Live] (04:04)
04. Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile) [Live] (03:15)
05. Come on Eileen [Live] (06:32)
06. Soon [Live] (01:26)
07. Plan B [Live] (04:05)
08. Geno [Live] (03:33)
09. Respect [Live] (06:59)
10. Old [Live] (04:26)
11. Celtic Soul Brothers (More, Please, Thank You) [Live] (02:45)
12. There, There My Dear [Live] (04:54)
13. Show Me [Live] (03:25)
14. I'll Show You [Live] (03:02)
15. Let's Make This Precious [BBC Session] (03:40)
16. Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile) [BBC Session] (03:05)
17. All in All (This One Last Wild Waltz) [BBC Session] (03:52)
18. Old [BBC Session] (04:39)
19. Reminisce, Pt. 1 [BBC Session] (05:55)

Neil Young and Crazy Horse - Everybody Knows This Is Nowhere (1969)

Ano: 14 de maio de 1969 (CD 2005)
Gravadora: Reprise Records (Japão), WPCR-75087
Estilo: Country Rock
País: Los Angeles, Califórnia, EUA / Winnipeg, Manitoba, Canadá
Duração: 40:28

O álbum de estreia homônimo de Neil Young deu algumas pistas sobre a direção que sua música tomaria após o início de sua carreira solo. Até mesmo "The Old Laughing Lady" sugere a excentricidade das baladas folk que o tornaram tão único. No geral, porém, o álbum, embora agradável, parece hesitante. Young parecia ter algumas ideias de sua época no Buffalo Springfield que precisava expressar.
Com seu segundo álbum, Everybody Knows This Is Nowhere, Young se consolidou como um dos principais músicos e compositores dos anos 60 e além. Tudo o que ele realizaria ao longo de sua extensa vida criativa começou a germinar neste álbum, seja o proto-punk de "Cinnamon Girl" ou o country rock que caracteriza a faixa-título. Os solos de guitarra em "Down by the River" e "Cowgirl in the Sand" antecipam seus experimentos posteriores com ruído e dissonância.
Everybody Knows This Is Nowhere também marca a primeira gravação de Young com o Crazy Horse, sua fiel banda de apoio. A remasterização em vinil de Chris Bellman adiciona peso a cada um dos instrumentos, mesmo em comparação com a ótima prensagem original. O baixo de Billy Talbot ressoa com autoridade; a caixa da bateria de Ralph Molina estala com força. A voz de Young é mais matizada e detalhada, e mais presente.
Em particular, as guitarras distorcidas em “Cinnamon Girl” soam mais incisivas e sustentam por mais tempo na nova prensagem. Os arpejos de Young no canal direito cortam a mixagem com força. Há uma melhor separação entre Young e Danny Whitten em seus vocais principais compartilhados, e as cordas da guitarra no solo do primeiro no final da faixa possuem mais imediatismo e nitidez. Os
icônicos solos de guitarra de Young em “Down by the River” e “Cowgirl in the Sand” são sobre timbre, textura e impacto. Todos os aspectos da abordagem explodem aqui. Vibrato, técnica de palhetada e ataque se destacam e dão estrutura e clareza às passagens. As contribuições do Crazy Horse também ganham destaque. É mais fácil perceber o quanto a guitarra rítmica de Whitten contribui para as músicas, principalmente quando ele e Young interagem de forma animada. A masterização de Bellman também adiciona definição ao baixo de Talbot, o que proporciona às canções uma base mais sólida, ao mesmo tempo que as torna mais fluidas e dinâmicas.
Mas não é só isso. O som vibrante da guitarra e os dedilhados na faixa-título estão mais brilhantes e potentes nesta nova prensagem. E enquanto os vocais principais e de apoio se misturavam na prensagem anterior, agora os vocais de apoio complementam perfeitamente o vocal principal de Young. Os violões em “Round & Round (It Won't Be Long)” também soam mais naturais e complexos. Eles estão mais bem separados — assim como os vocais sobrepostos de Young. E durante “Running Dry (Requiem for the Rockets)”, o violino de Bobby Nokoff soa contido na prensagem anterior, mas aqui brilha intensamente. Esta remasterização traz todos os elementos da gravação para uma resolução mais alta, e o resultado te leva a uma imersão ainda maior na música.
Everybody Knows This Is Nowhere provou que Young era um artista completo — guitarrista, cantor e compositor, transcendendo qualquer categoria. Nesta remasterização, você pode ouvir como ele conquistou seu lugar no panteão do rock and roll. O fato de ele ainda estar na ativa é tanto uma afirmação quanto uma inspiração.

01. Cinnamon Girl (03:00)
02. Everybody Knows This Is Nowhere (02:28)
03. Round & Round (It Won't Be Long) (05:53)
04. Down By The River (09:16)
05. The Losing End (When You're On) (04:06)
06. Running Dry (Requiem For The Rockets) (05:35)
07. Cowgirl In The Sand (10:06)

Black Sabbath - Paranoid (1970)

Ano: 18 de setembro de 1970 (CD lançado em 21 de fevereiro de 2007)
Gravadora: Strange Days Records (Japão), POCE-1098
Estilo: Hard Rock
País: Birmingham, Inglaterra
Duração: 42:07

Após um excelente álbum de estreia, o Black Sabbath elevou o nível (Iron Man, para ser mais preciso). Este álbum é um verdadeiro clássico do metal, mas também o primeiro verdadeiro clássico do prog-metal, já que a complexidade da execução e das letras não se limita ao blues convencional. O álbum contém várias músicas excelentes, com duração entre dois e oito minutos, todas com um propósito e capazes de te fazer vibrar.
1. War Pigs - A canção anti-guerra tão controversa que a gravadora não queria que o álbum se chamasse War Pigs (lembrando que foi lançado durante a Guerra do Vietnã). A faixa é, sem dúvida, alucinante, com a introdução já estabelecendo o padrão psicodélico, e os vocais de Ozzy Osbourne são absolutamente clássicos. A maneira como ele cria melodias do nada ainda impressiona até hoje. A improvisação na faixa também é única, uma execução verdadeiramente genial de todos, com a interação entre Geezer Butler, Tony Iommi e Bill Ward sendo inédita e, em grande parte, uma beleza psicodélica. (10/10)
2. Paranoid - O ápice do metal pop conciso. Os riffs pesados de Iommi são, sem dúvida, um dos melhores desse novo gênero (na época), e a seção rítmica constante só pode ser clássica. As melodias vocais e a temática da destruição social tornam essa faixa ainda melhor. (10/10)
3. Planet Caravan - Depois da força bruta e direta, temos um clássico do stoner rock. A música é tão suave e psicodélica que dá para ficar chapado só de ouvir. A canção, sobre viagens espaciais, é executada com maestria; uma pausa bem-vinda após o metal pesado das duas primeiras faixas. A linha de baixo da faixa é quase hipnótica, já que a música tem uma estrutura quase de drone, com muita repetição, embora com alguns efeitos sonoros eletrônicos e phaser nos vocais. Outro clássico do metal, mesmo que suave. (9,5/10)
4. Iron Man - O riff imortal de todos os riffs. Todo mundo conhece essa música, pois é lei da guitarra aprender a tocar esse riff, junto com o riff de Smoke on the Water do Deep Purple e a abertura de Stairway to Heaven do Led Zeppelin. A faixa é um verdadeiro número de blues com muita improvisação, ótimas melodias e alguns dos sons de guitarra mais sombrios e assustadores que você já ouviu. A interação entre baixo e bateria é excelente, quase de cair o queixo pela precisão de Butler e Ward em seu groove. Essencial para ouvir. (10/10)
5. Electric Funeral - Uma das minhas favoritas do álbum. Embora não seja tão conhecida quanto algumas das outras músicas do álbum, é um clássico. O riff e a melodia vocal são executados em perfeita harmonia pelo baixo, guitarra e, obviamente, vocais. A bateria não poderia ser melhor, com Ward mostrando algumas de suas melhores e mais intensas performances. A letra fala sobre um futuro apocalíptico, um tema verdadeiramente novo e assustador. A parte de breakdown no meio da música é totalmente inovadora e psicodélica, muita intensidade em uma única faixa. (10/10)
6. Hand of Doom - Outra faixa clássica, totalmente sobre o que acontece quando você experimenta heroína (uma das drogas mais perigosas conhecidas pelo homem; algo para se pensar). Uma bateria muito complexa e um baixo intenso fazem desta faixa uma viagem alucinante de emoções estranhas que parecem sempre terminar na agulha. Musicalidade no seu auge e mais bizarro. (10/10)
7. Rat Salad - A única faixa abaixo da média, pois é apenas uma música blues com uma excelente performance de bateria, já que se trata de um solo. A faixa pode ser necessária, pois mostra o grande talento que pode ser colocado em uma música com pouco mais de dois minutos. (8,5/10)
8. Fairys Wear Boots - A melhor música do Black Sabbath. De todos os tempos. Esta é uma das melhores e mais alucinógenas faixas que você encontrará em qualquer álbum. A musicalidade da faixa é inegável, e a letra sobre skinheads pode ser uma referência à maconha ou até mesmo ao LSD. A guitarra é ótima, e a linha de baixo funky de Butler é realmente original e crucial para o som da faixa. A bateria é totalmente swingada e muda a atmosfera da música instantaneamente. A melodia vocal é onde a viagem começa, sendo uma das mais interessantes, com Osbourne gritando sobre fadas usando botas. Essa faixa é um clássico que precisa ser ouvido. (10/10)
Este álbum é quase perfeito, sendo o mais próximo que alguém poderia chegar do prog-metal em 1970. Todas as faixas são bem elaboradas (exceto uma) e psicodélicas à sua maneira, com uma boa dose de complexidade e pura potência. 5 estrelas para um álbum quase impecável.

01. War Pigs (07:57)
02. Paranoid (02:52)
03. Planet Caravan (04:34)
04. Iron Man (05:56)
05. Electric Funeral (04:52)
06. Hand Of Doom (07:07)
07. Rat Salad (02:30)
08. Fairies Wear Boots (06:14)

CRONICA - THE BARRERACUDAS | Nocturnal Missions (2011)

Originária de Atlanta, a banda americana THE BARRERACUDAS é liderada pelo vocalista Adrian Barrera, os guitarristas Milton Chapman e Warren Bailey, o baixista George Reese e o baterista Todd Galpin.

As informações sobre os primeiros anos da banda são escassas online. Tudo o que se sabe é que THE BARRERACUDAS lançou alguns singles ("New York Honeys", "Dog Food"). Seu álbum de estreia, Nocturnal Missions , foi lançado em 25 de outubro de 2011.

Musicalmente, THE BARRERACUDAS oferece uma mistura de Power-Pop/Glam-Rock com toques de Punk. A enérgica "Feet" é certamente a faixa que melhor sintetiza esses estilos, ainda mais aprimorada por um ritmo simples e pulsante. A banda de Atlanta demonstra claramente domínio do gênero, o que fica evidente em faixas como "Because", um hino energético, vibrante e inegavelmente Rock n' Roll que te coloca de bom humor; "Numbers", que é muito agradável; "Baby Baby Baby", com sua pegada Punk melódica que te faz bater o pé e também ostenta melodias cativantes que remetem ao final dos anos 70; e "I Won't Wait", uma faixa que mescla despreocupação e insolência, criando uma ponte entre NEW YORK DOLLS e CHEAP TRICK. Mais firmemente enraizada no Glam/Punk, "The Lurker", direta e objetiva, encaixa-se perfeitamente no contexto do final dos anos 70 e início dos 80, resultando num trabalho agradável, enquanto "Don't Roll Your Eyes" é um hino cativante com guitarras marcantes. Além disso, "Ballroom Disasters" é um hino Glam-Rock explosivo que ecoa o auge do T-REX, lembrando até mesmo o BITERS, mais recente, e se mostra alegre e contagiante. Igualmente impregnada pela influência do T-REX, "Baby Jessica" também evoca os ROLLING STONES e remete claramente ao período de 1973-74. O THE BARRERACUDAS suaviza as arestas, oferecendo um pouco de variedade com faixas como "Girl", uma balada melódica de andamento médio com uma vibe anos 60, despreocupada e que permite escapar do mundo real; "Monkey See, Monkey Do", uma faixa de rockabilly vibrante com guitarras marcantes, que transmite uma sensação muito boa e repleta de vibrações positivas; e, por fim, a banda americana prestou uma homenagem muito respeitosa ao CHEAP TRICK com seu cover de "Come On, Come On", e o resultado foi bastante satisfatório.

Assim, o álbum de estreia do The Barreracudas é fortemente influenciado por Cheap Trick, New York Dolls, T-Rex, The Rolling Stones e Dwight Twilley. A homenagem aos anos 70 e início dos 80 é muito evidente, e embora os músicos não estejam reinventando a roda, eles claramente se esforçaram, buscando algo simples, porém cativante. Embora Nocturnal Missions não seja um álbum revolucionário, ainda assim é bastante agradável e bem produzido.

Lista de faixas :
1. Numbers
2. Baby Baby Baby
3. Feet
4. I Won't Wait
5. Don't Roll Your Eyes
6. Baby Jessica
7. Because
8. Girl
9. Monkee See, Monkey Do
10. The Lurker
11. Ballroom Disasters
12. Come On, Come On
13. 7th Time Around

Formação :
Adrian Barrera (vocal),
Milton Chapman (guitarra, teclados),
Warren Bailey (guitarra),
George Reese (baixo),
Todd Galpin (bateria)

Gravadora : Douchemaster Records

Produtor : Jason Kingsland

CRONICA - THE PANDORAS | It’s About Time (1984)

Os Pandora ganharam notoriedade no cenário underground com o lançamento do EP de quatro faixas intitulado " I'm Here I'm Gone" , seu primeiro cartão de visitas. Sua forte afinidade com a música dos anos 60 conquistou alguns ouvintes.

Longe de se acomodarem, o grupo liderado por Paula Pierce decidiu reforçar a mensagem embarcando na gravação de seu primeiro álbum de estúdio propriamente dito. Produzido por Greg Shaw e Bill Inglot, o álbum foi intitulado It's About Time e, assim como o EP, foi lançado em 1984 (com dois meses de diferença).

Neste primeiro álbum completo do The Pandoras, apenas três faixas atingem ou ultrapassam os três minutos. A banda de Paula Pierce privilegia a simplicidade, e "It's About Time", já presente no EP * I'm Here I'm Gone* , define o tom, abraçando completamente a nostalgia dos anos 60. Essa tendência continua em "James", uma faixa na encruzilhada da psicodelia, do power-pop e do garage rock que se mostra irresistível; na cadenciada "He's Not Far", onde os vocais cativantes e as melodias simples tornam a música contagiante; e em faixas assumidamente garage rock como "Want Nedd Love" e "It Just Ain't True". O THE PANDORAS revela seu lado mais cru e proto-punk (projetando-se no contexto do final dos anos 60, é claro) em faixas como a enérgica "I Want Him", que vai direto ao ponto, com coros que ecoam o vocalista; a explosiva "The Hump", com menos de 2 minutos de duração, tocada no limite, que entrega tudo com seu ritmo preciso e se mostra cativante e envolvente, perfeita para uma noite dedicada ao final dos anos 60; a cadenciada "High On A Cloud", repleta de guitarras insinuantes, com vocais crus; e "Going His Way", uma faixa explosiva que se desenvolve ora em um ritmo moderado, ora de uma forma mais insana e descontrolada, com guitarras que explodem no final. O grupo suaviza as arestas com "I Live My Life", uma canção pop psicodélica cantada em coros, também marcada pela presença de uma gaita que lhe confere um toque folk; "Haunted Beach Party", um instrumental garage-rock/rock psicodélico com ritmo rockabilly, bastante energético e colorido; e "Cry On My Own", uma balada psicodélica envolta em um vocal cativante, velado e despreocupado.

Em suma, It's About Time é uma mistura habilidosa de garage rock, power pop, proto-punk e influências psicodélicas. É uma dose concentrada de eficiência com faixas cativantes e diretas. Mesmo décadas após seu lançamento, podemos afirmar que The Pandoras prestaram uma homenagem magnífica aos anos 60, e embora o álbum tenha permanecido relativamente desconhecido, alcançou status cult e envelheceu notavelmente bem.

Lista de faixas :
1. It's About Time
2. I Want Him
3. James
4. He's Not Far
5. Haunted Beach Party
6. The Hump
7. I Live My Life
8. Want Need Love
9. It Just Ain't True
10. High On A Cloud
11. Cry On My Own
12. Going His Way