As 10 melhores músicas de Carly Pearce de todos os tempos

 

Você sabe quem é Carly Pearce? Se você é fã de música country moderna , provavelmente já a conhece, pois ela se apresenta desde a adolescência, há mais de 20 anos. No entanto, quem não ouve esse gênero musical com frequência pode não estar familiarizado com o trabalho dela. Um dos aspectos que torna seu estilo musical interessante é a combinação da música country tradicional com o country contemporâneo, adicionando também elementos de música pop. Isso lhe confere um som único, um pouco diferente da maioria dos artistas country da atualidade. Se você ficou curioso, aqui estão 10 de suas músicas mais populares, em ordem decrescente de popularidade. Caso queira ouvir, clique no link do YouTube e veja se o estilo musical dela te agrada.

10. It Won’t Always Be Like This (2020)

Essa música fala sobre não dar como certo o que você tem bem na sua frente. A letra conta a história de alguém que mal pode esperar para sair da sua cidade natal e ir para um lugar maior e melhor. Eventualmente, essa pessoa consegue, mas se pega constantemente olhando para trás, para sua cidade natal, e desejando poder voltar. Depois de anos de luta, ela retorna, mas descobre que não é mais a mesma coisa. É uma canção que nos lembra da importância de aproveitar o momento e tirar o máximo proveito de tudo enquanto acontece, porque aquele momento específico jamais se repetirá.

9. Should’ve Known Better (2021)

Essa música fala sobre uma garota crescendo e observando o relacionamento dos pais, tanto nos bons quanto nos maus momentos. Eventualmente, ela cresce e encontra seu próprio relacionamento, apenas para perceber que cometeu exatamente os mesmos erros que a mãe cometeu no dela. A música continua falando sobre como ela deveria ter sido mais esperta e evitado esses erros, já que presenciou tudo ao longo da vida.

8. Truth Be Told (2021)

Essa é uma música com a qual muita gente se identifica, porque fala sobre a tendência de dizer a todos que estamos bem, mesmo quando não estamos. Também fala sobre como muitas pessoas tendem a sorrir e dizer que estão ótimas, mesmo quando estão se despedaçando por dentro . É uma música que destaca o forte contraste entre a fachada que a maioria de nós apresenta aos outros e como realmente nos sentimos, trazendo à tona a questão que paira sobre muitos de nós: por que não simplesmente contamos às pessoas como realmente estamos ou pedimos ajuda quando precisamos? Espero que a música faça com que mais pessoas percebam que não há problema em dizer que não estão bem quando estão enfrentando alguma dificuldade, em vez de tentar lidar com tudo sozinhas.

7. Every Little Thing (2017)

Esta é uma canção bastante triste que fala sobre amar alguém tanto a ponto de reparar em cada detalhe dessa pessoa, apenas para descobrir que esse amor não é recíproco. Aliás, a letra descreve como um relacionamento se deteriorou completamente, onde, enquanto uma pessoa estava perdidamente apaixonada, a outra não fazia nada além de se aproveitar dela. Isso fica dolorosamente óbvio quando a suposta utilidade da outra pessoa deixa de existir e ela simplesmente vai embora, sem se importar com os sentimentos que causou.

6. I Hope You’re Happy Now (2020)

Esta é uma canção bastante comovente sobre um amor que deu errado e, mais especificamente, sobre o que acontece quando uma pessoa em um relacionamento não está verdadeiramente apaixonada, mas não se importa em ser honesta com a pessoa que está. A música aborda o dano psicológico que isso pode causar, ressaltando, em última análise, a importância de simplesmente ser sincero em um relacionamento, mesmo que a verdade doa.

5. Show Me Around (2021)

Esta é mais uma canção de amor, que fala sobre como é difícil manter um relacionamento à distância. Em resumo, fala sobre se apaixonar e, em seguida, uma das pessoas se mudar, eventualmente começando uma vida completamente nova. A outra pessoa envolvida no relacionamento pergunta se eles conseguirão retomar de onde pararam quando puderem estar juntos novamente.

4. Hide the Wine (2017)

Essa também é uma música sobre um amor que deu errado, mas é contada de uma forma muito mais engraçada. O ex-namorado de uma mulher volta para a cidade depois de um término bastante conturbado . Ela descobre que ele está voltando e começa a falar sobre como todos deveriam esconder o vinho dela, porque, se dependesse dela, ela beberia tudo antes de ter que lidar com ele.

3. Next Girl (2021)

A letra desta música mostra uma pessoa rejeitada escrevendo uma carta para o próximo romance do seu parceiro. Muitas pessoas que já estiveram em relacionamentos assim gostariam de escrever uma carta detalhada para o próximo pretendente. A letra explora bastante essa ideia, às vezes soando raivosa e outras vezes quase engraçada.

2. What He Didn’t Do (2021)

A letra desta música fala sobre o fato de que sempre há dois lados em cada história. Neste caso específico, a história se passa em um relacionamento que deu terrivelmente errado, com cada um tomando um lado em detrimento do outro porque a versão de um deles soa melhor. Eventualmente, a outra pessoa envolvida no relacionamento decide se defender, mencionando todas as maneiras pelas quais ele nunca a tratou bem desde o início.

1. Never Wanted To Be That Girl ft. Ashley McBryde (2021)

Essa música conta a história de uma garota que se apaixonou por um rapaz e acabou decidindo morar com ele, sem ter a menor ideia de que ele era casado com outra pessoa. Seis meses depois, ela descobre a verdade, mas em vez de confrontá-lo, simplesmente se culpa por ter se deixado levar por essa situação.

Bad Penny - Rory Gallagher

 

"Bad Penny"  é uma das muitas joias musicais que Rory Gallagher  nos legou , uma canção na qual, como tantas vezes, Rory demonstra seu enorme talento como guitarrista. Incluída no álbum Top Priority ( 1979) , é uma peça intensa e crua do blues rock característico do lendário guitarrista irlandês.

A música é enérgica e eletrizante desde o primeiro acorde, graças a um riff altamente eficaz e cativante, que Rory Gallagher executa com maestria sobre o ritmo blues-rock impulsionado pela bateria poderosa e pelo baixo sólido. "Bad Penny" é tão perfeitamente elaborada quanto a moeda que lhe dá o título, mas se um elemento tivesse que ser destacado acima dos demais, seria o solo de guitarra espetacular, uma delicadeza característica que se beneficia do som mais polido gravado em Top Priority em comparação com os álbuns anteriores.

A voz de Rory Gallagher imbuí "Bad Penny" com um tom de raiva e desilusão que torna a letra sobre a frustração de não encontrar o caminho certo ainda mais verossímil, como se ele estivesse condenado a encontrar continuamente aquela moeda falsa que sempre retorna e da qual ele não consegue se livrar, e que não traz nada de bom consigo. Talvez esse seja o aspecto mais curioso de "Bad Penny":  a enorme contradição entre seus temas de destino sombrio e maus presságios, e a maneira como a música te faz levantar da cadeira e te injeta energia positiva através de seu ritmo contagiante e guitarras brilhantes.

Para ti - Paraiso

 

Paraíso foi um grupo pop formado no verão de 1978 por Fernando Márquez "El Zurdo" após sua saída do Kaka De Luxe, projeto com o qual não se identificava mais. O nome Paraíso é uma homenagem ao filme "O Fantasma do Paraíso", dirigido em 1974 por Brian De Palma, e é frequentemente citado como o primeiro grupo pop da chamada Movida Madrileña do final dos anos 1970 e início dos anos 1980. No verão de 1978, ainda no Kaka De Luxe, mas já tendo anunciado sua saída, Fernando começou a desenvolver o projeto, embora alguns dos membros iniciais não tenham permanecido por muito tempo: Carlos Berlanga, que integrou o grupo brevemente antes de se juntar ao Los Pegamoides, e Isabel San Gabino, que tocou guitarra por alguns meses antes de entrar para o Los Rebeldes de Madrid, posteriormente renomeado Los Bólidos. No entanto, o núcleo do que viria a ser o Paraíso já estava formado: "El Zurdo", Juan Luis Lozano, Mario Gil, Antonio Zancajo, Gregorio Pérez e Paco Díez de Velasco. Gregorio e Paco haviam tocado anteriormente na banda Zaratustra. Em maio de 1979, conquistaram o segundo lugar no II Troféu de Rock Villa de Madrid, realizado no parque Casa de Campo, em Madrid. A competição foi vencida por El Gran Wyoming y Su Banda, que, sob o nome de Paracelso, já havia vencido no ano anterior, com Kaka De Luxe em segundo lugar. O primeiro álbum do Paraíso foi gravado entre 18 e 19 de outubro no Eurosonic Studios, com Luis Soler como produtor oficial e Manolo Tena como produtor de fato. Gravaram "Para ti" e "Estrella de la radio", com a participação de Carmen Madirolas, do Los Bólidos, e Alaska substituindo María nos vocais de apoio. Ambas também participaram de alguns shows subsequentes. O lançamento, para o qual todos os críticos nacionais foram convidados, foi um desastre, pois a gravadora não conseguiu fornecer som para o local e tocar com o equipamento de ensaio soou péssimo. Como resultado, a gravadora retirou sua promoção, o single teve má distribuição e a gravadora abandonou a ideia de lançar um álbum. Após vários shows em abril, maio e junho, nos quais o Paraíso conseguiu recuperar parte da credibilidade perdida, no final de junho de 1980, o grupo gravou quatro músicas para o programa de televisão espanhol Popgrama, com Carlos Tena como produtor. Após a problemática apresentação no El Sol, surgiram problemas com a Zafiro Records. O grupo queria gravar um álbum ou obter a rescisão do contrato com a gravadora. Depois de muitas discussões, tudo terminou com a dissolução do Paraíso em setembro de 1980.

O Paraíso caracterizou-se pelo seu som pop eclético, letras provocativas e variadas (autoria de Zurdo e Juan Luis Lozano) e um repertório vasto e diversificado. Sua canção mais famosa, "Para ti", figurou em diversas coletâneas da cena madrilenha e tornou-se, de certa forma, um hino daquela época. A melodia, simples, porém irresistível, complementa perfeitamente a voz singular do vocalista; é uma mistura perfeita de influências que definiram a new wave e o punk pop daquele período. Ao contrário de produções mais complexas ou grandiosas, o Paraíso optou pela simplicidade e imediatismo. As letras são diretas e francas, explorando o tema universal do amor e evocando um senso de otimismo e jovialidade, capturando a essência de uma nova geração de jovens que buscavam se expressar livre e despreocupadamente. Não se tratava apenas de amor; a banda também capturava o espírito de uma geração que abraçava a liberdade de expressão em todas as suas formas. Apesar de sua aparente simplicidade, a canção se tornou um hino da cena musical underground, conquistando um público que se identificava com seu espírito "faça você mesmo" e autenticidade.

Bright Eyes - Art Garfunkel

Arthur Ira Garfunkel nasceu em 5 de novembro de 1941, no Queens, Nova York. Quando criança, conheceu na escola um jovem guitarrista e compositor chamado Paul Simon. Suas vozes se complementavam perfeitamente e, na adolescência, formaram a dupla Tom & Jerry, alcançando um sucesso modesto. Após se formar na Universidade Columbia, Art se reuniu com Paul para formar uma das duplas mais importantes da história: Simon & Garfunkel. Entre 1964 e 1970, a dupla gravou uma série de álbuns que definiram o folk-rock. A composição intrincada de Simon encontrou seu intérprete perfeito na voz cristalina de Garfunkel. Juntos, criaram obras-primas como "Sounds of Silence", "Parsley", "Sage", "Rosemary and Thyme" e, acima de tudo, "Bridge over Troubled Water". A faixa-título deste último álbum, com a lendária performance vocal de Garfunkel, tornou-se um hino mundial e lhes rendeu seis prêmios Grammy. Contudo, no auge do sucesso, tensões artísticas e pessoais levaram à sua separação abrupta. Após o fim da dupla, Art Garfunkel fez uma pausa na música e explorou a carreira de ator, com papéis notáveis ​​em filmes cult como "Conhecimento Carnal". Em 1973, ele retornou à música com seu primeiro álbum solo, "Angel Clare". O disco foi um sucesso e apresentou um som mais suave e orquestral do que o de seu antigo grupo. Ao longo da década de 1970, ele desfrutou de uma carreira de sucesso, particularmente no Reino Unido. Diferentemente de Paul Simon, que posteriormente promoveu a world music em seus trabalhos posteriores, Garfunkel não explorou seu talento musical nas esferas da moda ou da vanguarda.

O segundo sucesso solo de Art Garfunkel a alcançar o primeiro lugar no Reino Unido foi "Bright Eyes", uma balada comovente. Originalmente parte da trilha sonora de *Watership Down*, um filme de animação que traumatizou muitas crianças, a canção foi escrita, dirigida e produzida por Martin Rosen e adaptada do romance de Richard Adams, de 1972. Com as vozes de John Hurt, Richard Briers e Zero Mostel, o filme conta a história de um grupo de coelhos que escapa da destruição de sua toca e tenta construir um novo lar. Embora o romance de Adams fosse voltado para o público infantil, era visceral e sombrio. O foco era ensinar às crianças as duras realidades da natureza, em vez de entretê-las com coelhinhos. Rosen afirmou posteriormente que, apesar de ser um filme de animação, nunca o teve como público-alvo crianças. A orquestração instrumental da trilha sonora foi feita principalmente por Angela Morley e Malcolm Williamson. O cantor, compositor e produtor Mike Batt também foi convidado a contribuir. Batt foi o criador da banda inovadora The Wombles, que emplacou vários sucessos pop em meados da década de 70, e também ajudou Steeleye Span e Elkie Brooke a alcançarem o sucesso. Batt contribuiu com três músicas para a trilha sonora de Watership Down, com vocais de Art Garfunkel. John Hubley pediu a Batt que escrevesse uma música sobre a morte. A canção seria usada na cena em que Fiver é levado até seu irmão ferido, Hazel, pelo Coelho Negro de Inlé, o assombroso Ceifador do mundo dos coelhos. Inicialmente, Batt teve dificuldades com o conceito. Como poderia escrever sobre a morte sem soar sentimental? Depois de vários dias de reflexão, sentou-se ao piano e compôs "Bright Eyes" em cerca de uma hora. Contemplando o mistério do desconhecido, Batt decidiu começar questionando o conceito. A letra não apenas questiona o que acontece quando morremos, mas vai além, e, como todos sabemos, o refrão questiona por que isso precisa acontecer. Acho que o motivo pelo qual esse single se tornou o mais vendido do ano foi porque todos nós, em algum momento de nossas vidas, perdemos alguém especial e nos identificamos com a letra do refrão: "Como a luz que brilhava tão forte/pode se apagar tão fraca de repente?"

Overkill - Motörhead

 

Motörhead – Overkill: Hino Feito para a Velocidade

Ao discutir o Motörhead e sua enorme influência no rock e no metal, é impossível não mencionar " Overkill ", a faixa-título de seu segundo álbum de estúdio, lançado em 1979. Essa música não apenas solidificou a identidade sonora da banda liderada por Lemmy Kilmister, como também marcou um ponto de virada na evolução do heavy metal e do speed metal, abrindo caminho para as futuras gerações de músicos.

Desde os primeiros segundos, " Overkill " impõe respeito com uma performance devastadora de bateria de Phil "Philthy Animal" Taylor. O uso de bumbo duplo, incomum no hard rock britânico da época, cria uma sensação de urgência que persiste ao longo da música. Essa técnica seria adotada e aperfeiçoada por inúmeras bandas de thrash e speed metal nos anos seguintes, tornando o Motörhead pioneiros de um estilo mais extremo e acelerado.

A linha de baixo distorcida e agressiva de Lemmy se funde com a guitarra "Fast" Eddie Clarke para criar uma parede de som que parece à beira do caos, mas que mantém uma coerência crua e direta. Ao contrário de outras bandas da época, que privilegiavam técnicas refinadas ou estruturas complexas, o Motörhead construiu seu poder através da velocidade, repetição e atitude. " Overkill " é intransigente e despojada: uma explosão de energia pura que serve como uma declaração de intenções.

Quanto aos vocais, Lemmy entrega uma performance feroz e rouca que incorpora perfeitamente o espírito rebelde da música. Seu vocal quase cuspido reflete a filosofia da banda: viver rápido, sem concessões e sem olhar para trás. A letra, como em grande parte da obra do Motörhead , não busca poesia elaborada, mas sim transmite uma sensação de excesso, intensidade e desafio à ordem estabelecida.

“ Overkill ” também se destaca por sua estrutura não convencional. Ao contrário de muitas canções clássicas de rock, ela não segue a estrutura previsível de verso e refrão. As mudanças de ritmo, as paradas repentinas e as explosões mantêm o ouvinte em constante suspense, como se fosse uma corrida que pudesse sair do controle a qualquer momento. Essa sensação de imprevisibilidade é o que confere à música seu caráter único e atemporal.

Hoje, " Overkill " continua sendo parte essencial dos shows ao vivo do Motörhead e um clássico indiscutível do heavy metal. É uma música que captura tudo o que a banda representava em pouco mais de cinco minutos: velocidade, agressividade e autenticidade intransigente. Em última análise, " Overkill " é mais do que apenas uma música; é um manifesto sonoro que definiu uma era e deixou uma marca indelével na história do heavy metal.

Chuck E's in Love - Rickie Lee Jones

 

Considerada por muitos a melhor cantora e compositora da geração posterior a Joni Mitchell, Rickie Lee Jones foi uma protegida de Tom Waits. Sua voz rouca e sensual compôs uma das tentativas mais ousadas de abordar a paisagem moralmente decadente da América urbana: seu álbum de estreia homônimo, Rickie Lee Jones (1979). Oscilando entre a sobriedade e a embriaguez (tanto física quanto espiritual), Jones conseguiu ser visionária e romântica ao cantar sobre a vida alienada e neurótica da cidade. Enquanto isso, a banda de apoio tingia suas baladas com rhythm and blues e jazz noturnos, forjando uma variante intelectual da música lounge de fim de noite. A cantora e a banda se apresentavam com certa classe, embora fossem deliberadamente desleixadas. Muito distante do virtuosismo das grandes vocalistas negras e do canto aristocrático das sopranos ocidentais, Rickie Lee Jones é uma cantora e compositora com a voz monótona e medíocre de uma garota asmática. No entanto, ela forjou uma personalidade (musical e de outras formas) sem precedentes na história do gênero, uma persona que vivencia a alienação e as neuroses da vida urbana e que oscila constantemente entre a sobriedade e a embriaguez (tanto material quanto metafísica). Comparar Rickie Lee Jones a Janis Joplin, Bruce Springsteen, Joni Mitchell ou Tom Waits, como os críticos frequentemente fazem, é tão equivocado quanto significativo. O uso de gírias e histórias de rua nas composições da cantora remete a Bruce Springsteen e Waits, e sua voz por vezes soa como a de Joni Mitchell em meados da década de 1970 (em álbuns como Court e Spark, por exemplo). Rickie Lee Jones é tão original que dificulta aos críticos musicais encontrarem um ponto de referência para descrever sua música.

Sua carreira musical começou com o álbum homônimo de 1979. Ela talvez já estivesse na cena musical antes dessa estreia, mas eu nunca tinha ouvido falar dela até a faixa-título começar a tocar. A música alcançou o 4º lugar na parada Hot 100 da Billboard. "Chuck E's in Love" me impressionou imediatamente por ser única. Tem um ritmo funky, e a voz de Jones interage com esse ritmo e com a instrumentação de maneiras muito interessantes. (Quase um verso inteiro, aliás, é cantado de forma mais ou menos simples, sem nenhum acompanhamento.) No final, os vocais se transformam completamente em um trecho de scat que culmina em uma reviravolta lírica surpreendente. Da mesma forma, o restante da letra revela uma personalidade despreocupada e espirituosa, e também vem com sua própria história de fundo um tanto interessante: Jones e o cantor e compositor Tom Waits foram amantes por vários anos, moravam em um bairro "musicalmente fértil", com os Stray Cats, Frank Zappa e outros por perto, e dividiam um apartamento com outro músico itinerante: um certo Chuck E. A história conta que Weiss desapareceu misteriosamente um dia... "misteriosamente", isto é, até que ligou para eles pouco depois. Ele disse a Waits (que atendeu o telefone) que havia se mudado para Denver para ficar com uma mulher. Waits desligou, virou-se para Jones e disse: "É, o Chuck E está apaixonado." (Aliás, aquela reviravolta na letra da música é falsa; Jones e o verdadeiro "Chuck E." nunca tiveram um relacionamento romântico, embora se dessem muito bem. Outra coisa que eu queria mencionar sobre Rickie Lee Jones: se você procurar fotos dela online, provavelmente terminará sua lição de casa de muito melhor humor do que quando começou. Por quê? Ela tem um sorriso encantador.)

Frightened - The Fall

 

Composta por Mark E. Smith e Tony Friel e incluída no álbum Live at the Witch Trials (1979) , Frightened é uma amostra do pós-punk mais cru e visceral da banda britânica The Fall , com letras que nos imergem em uma atmosfera de vigilância constante ( "Há sempre alguém seguindo meus passos" ) e ansiedade nervosa, com referências tão vívidas e chocantes quanto a que menciona "tesouras apontando para o peito" .

Lançado em 1979,  Frightened  é inevitavelmente um reflexo da época, com a fúria inicial do punk se transformando em texturas mais introspectivas, com música minimalista e despojada baseada unicamente em bateria, baixo e guitarra, mas a crueza e a urgência da performance criam uma atmosfera de tensão e obscuridade que o torna tão grandioso quanto, por vezes, claustrofóbico.

A voz rouca de Mark E. Smith transmite perfeitamente a angústia de uma pessoa que se sente assediada e perseguida social e emocionalmente, enquanto caminha sem rumo e sem esperança pelas ruas ( "Sinto-me preso por afeto mútuo e não sei como usar a liberdade" ), refletindo as dúvidas existenciais da juventude desiludida do final dos anos 70, e chegando à aceitação final e crua de ser alguém que vive "com medo "

ROCK ART

 

Ya ya: II - 1988

Para o segundo álbum, houve uma mudança significativa na banda, com a saída de Lea Hart , que foi posteriormente substituída pela cantora Sam Blue , que, na minha opinião, fez um excelente trabalho em "Ya Ya ", superando as expectativas. O novo álbum foi intitulado II e lançado em 1988, alguns anos após Scarred , pela gravadora WEA.

Eu diria que II foi o melhor dos dois lançamentos, já que minha inclinação se inclina mais para este último gênero musical, mas gosto é gosto. Apresenta melodias suaves e agradáveis ​​à primeira audição e, ao mesmo tempo, refrões cativantes e energéticos, com teclados simplesmente fascinantes (graças aos músicos Nick Coler e Adrian Lee , responsáveis ​​por eles, juntamente com Luis Jardim na percussão). Encorajo você a reservar um tempo para apreciá-lo em seu tempo livre e, se eu tivesse que recomendar algumas faixas, seriam " All Through the Night " , "You're All I Need " , "When the World Cried" e " Caught in a Lie ".

01	-	Caught in a lie
02	-	When the world cried
03	-	Love in vain
04	-	Fear of flying
05	-	The toughest race
06	-	Julia
07	-	The first time
08	-	You.re all I need
09	-	All through the night
10	-	Set me free

MUSICA&SOM ☝

SENHA:

Ya ya: Scarred - 1984

Ya ya fue una banda originaria de Inglaterra, con un estilo Pop en sus inicios y más AORezco en sus posteriores entregas, conformada por los músicos Lea Hart en la voz y guitarras (colaboró en el álbum Bad reputation de Joan Jett prestando su voz y tocando la guitarra rítmica; también fue vocalista de Fastway para la entrega de On target en 1989 y Bad bad girls en 1990), Ray Callcut en la guitarra, Terry Stevens en el bajo y Graham Garretten la batería.

Su primer álbum fue nombrado Scarred y publicado en 1984 por la compañía discográfica Scotti Bros.

01	-	Don't talk
02	-	She don't wanna know
03	-	We've only tonight
04	-	Those eyes
05	-	Dead lovers
07	-	Just go
08	-	Talk to me
09	-	Cut me up
10	-	Are you ready

MUSICA&SOM ☝

SENHA: