Mestisay é um grupo musical canário fundado em 1978 na ilha de Gran Canaria por Manuel González, aluno do tocador de timple Totoyo Millares. O grupo reúne cerca de vinte jovens apaixonados pela música folclórica canária. Inicialmente, começaram como um grupo neo-folk, seguindo os passos de grupos insulares como Los Sabandeños, com uma estética de coral folclórico. Ao longo de seus mais de 25 anos de história, passaram por diversas fases e exploraram diferentes estilos musicais. Com cerca de quinze álbuns lançados, contam com colaborações notáveis com artistas como Amancio Prada, Carlos Cano, Joan Manuel Serrat e Dacio Ferrera. A trajetória musical do Mestisay (também conhecido na década de 1980 como a "Companhia Canária de Canção Folclórica") esteve intimamente ligada à de diversos poetas insulares, como Pedro Lezcano, cujos textos foram utilizados no lançamento do álbum Romance del Corredera, em 1985 . Por outro lado, em 1994, o Mestisay gravou "Querido Néstor", uma homenagem ao multifacetado artista de Gran Canaria, Néstor Álamo, que, como tributo, reúne os melhores momentos de sua obra musical. O Mestisay é considerado pela crítica um dos grupos de música popular espanhola com maior alcance internacional. Após percorrer todos os cantos das Ilhas Canárias com suas canções, esse reconhecimento internacional os levou a se apresentar nos melhores palcos da Argentina, Uruguai, Venezuela, Cuba e Nicarágua. Também se apresentaram em diversas cidades espanholas, incluindo Madri, Bilbao, Valência e Vigo, entre outras. No final da década de 1990, o grupo Mestisay se reduziu a um duo formado por Manuel González, fundador original do grupo, e Olga Cerpa, vocalista que se juntou a eles em meados da década de 1980. Nos anos seguintes, continuaram a produzir álbuns e espetáculos baseados em grupos folclóricos, cantores e poetas da América Latina, celebrando o seu 25.º aniversário com uma produção intitulada " Toda una vida" (Uma Vida Inteira) , que abrangeu todas as fases do grupo. O ponto culminante foi em outubro de 2008, com o lançamento de " Pequeño fado y otras canciones de amor" (Pequeno Fado e Outras Canções de Amor ), onde a voz de Olga abrilhantou um repertório de boleros acompanhada por músicos de fado portugueses. " Viento de la Isla" (Vento da Ilha ) (1998) foi produzido pelo português Julio Pereira e contou com a participação do cantor português de origem moçambicana, João Afonso. As suas canções são histórias do quotidiano, sensações de um tempo e contos de uma vida, unidos por melodias doces e vozes calorosas. Um álbum repleto de alegria e melancolia, elaborado com um toque de alta qualidade.
tracks list: 01. Agüita 02. Na Machamba 03. A donde voy 04. Pobre corazón 05. Se va a salir 06. Atocha 53 07. Trovador de sueños 08. La historia de Julia 09. Niña Candela 10. Aguardiente de caña 11. Utopía 12. Le debo la vida al cielo 13. Viento de la Isla
Nine Heavens (2008) é o segundo projeto de Niyaz , que transcende não apenas fronteiras culturais e estilísticas, mas também séculos, criando "Música do Mundo para o Século XXI" baseada na poesia persa medieval e em canções folclóricas persas com mais de trezentos anos. Neste segundo álbum, Niyaz desdobra o material composto, presenteando-nos com um primeiro disco de estúdio com nove faixas inéditas e um segundo disco com oito delas em versões acústicas. Poemas sufistas do folclore tradicional turco, poemas de Amir Khosrau Dehlavi (poeta persa do século XIII e fundador do qawwali, gênero com rica tradição na Índia e no Paquistão), poemas do grande místico islâmico Rumi e poemas persas do século XVIII são entrelaçados com uma programação eletrônica requintada, representando mais um passo na busca de Niyaz por uma coexistência perfeita entre as raízes árabes mais tradicionais e a música ocidental mais moderna.
tracks list:
Disc One - Nine Heavens 01. Beni Beni 02. Tamana 03. Feraghi - Song of Exile 04. Ishq - Love and the Veil 05. Allah Mazare 06. Iman 07. Molk-E-Divan 08. Hejran 09. Sadrang
Disc Two - Nine Heavens - The Acoustic Sessions 01. Allah Mazare (acoustic) 02. Beni Beni (acoustic) 03. Sadrang (acoustic) 04. Tamana (acoustic) 05. Feraghi - Song Of Exile (acoustic) 06. Hejran (acoustic) 07. Ishq - Love and the Veil (acoustic) 08. Molk-E-Divan (acoustic)
Chris Stapleton é cantor, compositor, guitarrista e produtor musical. Ele se mudou para Nashville, Tennessee, em 2001 para cursar engenharia, mas depois decidiu seguir carreira na música. No mesmo ano, Stapleton assinou com a Sea Gayle Music, que passou a compor e publicar suas músicas. Antes de se tornar artista solo , Chris Stapleton foi o vocalista de duas bandas, The Jompson Brothers e The SteelDrivers. Ele também tem créditos como compositor ou coautor de mais de 170 canções. Alguns dos artistas que fizeram sucesso com músicas escritas por Stapleton incluem Adele, Dierks Bentley e Brad Paisley. Stapleton ganhou dez prêmios Country Music Awards, sete prêmios da Academy of Country Music Awards e cinco prêmios Grammy. Ele lançou quatro álbuns de estúdio, três videoclipes, um EP, 15 singles, seis singles promocionais e oito outras músicas que entraram nas paradas de sucesso. Aqui estão as 10 melhores músicas de Chris Stapleton de todos os tempos.
10. You Should Probably Leave (2021)
Stapleton lançou "You Should Probably Leave" como o segundo single de seu quarto álbum de estúdio, "Starting Over". A música foi escrita por Stapleton, Chris DuBois e Ashley Gorley, e produzida por Stapleton com Dave Cobb. Embora Stapleton só tenha lançado o single em 2021, a canção foi composta em 2014 e ele já a havia apresentado em Nashville com sua esposa, Morgane. A música fala sobre um relacionamento intermitente.
9. Blow (2019)
Ao longo de sua carreira, Chris Stapleton colaborou com outros artistas. Uma de suas melhores colaborações foi "Blow", música de 2019 gravada com Bruno Mars e Ed Sheeran , que alcançou a 17ª posição na parada Mainstream Rock. Apesar de Mars e Sheeran terem discutido durante a produção da canção, Mars afirmou posteriormente que foi um privilégio trabalhar com ambos.
8. Traveller (2015)
O site Stereo Gum lista "Traveler" como uma das melhores músicas de Chris Stapleton de todos os tempos. Foi o primeiro single e título do álbum de estreia de Stapleton. Foi o primeiro single do artista a entrar na Billboard Hot 100, alcançando a 87ª posição. Obteve ainda mais sucesso na parada Hot Country Songs, chegando ao 17º lugar.
7. Fire Away (2015)
Chris Stapleton e Danny Green compuseram juntos "Fire Away", single do álbum de estreia de Stapleton, "Traveler". Stapleton criou o conceito do videoclipe que acompanha a música, estrelado por Ben Foster e Margarita Levieva e dirigido por Tim Mattia. A canção e o vídeo retratam as diferentes fases do relacionamento de um casal e mostram momentos marcantes em suas vidas, como a compra de uma casa juntos. No entanto, os momentos felizes vão se desvanecendo gradualmente. Em 2016, o vídeo ganhou o prêmio de Videoclipe do Ano no Country Music Association Awards.
6. Parachute (2016)
Stapleton coescreveu "Parachute" com Jim Beavers. A música fala sobre um homem que promete cuidar da mulher que ama, e o ritmo animado da canção é acompanhado por violão e banjo. "Parachute" foi o terceiro single lançado do álbum de estreia de Stapleton, "Traveler". A canção alcançou o 12º lugar na parada Hot Country Songs dos Estados Unidos.
5. Nobody to Blame (2015)
"Nobody to Blame" foi o segundo single lançado do álbum "Traveler". Alcançou o 10º lugar na parada Country Airplay dos EUA, o 11º lugar na parada Country do Canadá e o 13º lugar na parada Hot Country Songs. Stapleton coescreveu essa música com Barry Bales e Ronnie Bowman. Ela fala sobre um homem relembrando o fim de um relacionamento.
4. Millionaire (2018)
Chris Stapleton é conhecido por suas canções melancólicas, mas "Millionaire" é um de seus singles mais animados. O site The Boot sugere que isso se deve ao fato de Stapleton não ter escrito a música, já que ela foi composta por Kevin Welch em 2002. Kevin Welch também foi o primeiro artista a lançar a faixa, e outra versão foi lançada por Solomon Burke em 2006. Stapleton foi o terceiro a lançar "Millionaire" como single, e a música conta com a participação de sua esposa, Morgane, nos vocais de apoio do refrão. A faixa faz parte de "From a Rom, Vol. 2", o terceiro álbum de estúdio de Stapleton.
3. Broken Halos (2017)
"Broken Halos" é o único single de Stapleton a alcançar o topo da parada Country Airplay dos EUA. Também chegou ao terceiro lugar nas paradas country do Canadá e ao quinto lugar na parada Hot Country Songs dos EUA. A faixa faz parte do álbum "From a Room: Volume 1". Foi composta por Stapleton e Mike Henderson, e a letra fala sobre pessoas que faleceram prematuramente.
2. Starting Over (2020)
O segundo single de Stapleton a alcançar o topo da parada Hot Country Songs da Billboard foi "Starting Over", o primeiro single e que dá título ao seu quarto álbum de estúdio. Em 2020, Stapleton apagou todos os seus perfis nas redes sociais e, em seguida, publicou um vídeo com uma prévia de "Starting Over" e "Watch You Burn". "Starting Over" foi o primeiro single de Stapleton em dois anos.
1. Tennessee Whiskey (2015)
"Tennessee Whiskey" foi uma faixa do álbum de estreia de Stapleton e foi lançada como single promocional em 2015. Foi o primeiro single de Stapleton a alcançar o topo da parada Hot Country Songs da Billboard. "Tennessee Whiskey" também é o único single de Stapleton a entrar no Top 20 da Billboard Hot 100. Mais de 1,975 milhão de cópias foram vendidas e o single recebeu a certificação de 7x Platina pela RIAA. Stapleton não foi o primeiro a lançar essa música, já que ela foi escrita por Dean Dillon e Linda Hargrove e gravada originalmente por David Allan Coe .
" Six Blade Knife " é uma daquelas canções que encapsula perfeitamente a atmosfera minimalista e elegante que o Dire Straits cultivou em seu álbum de estreia homônimo de 1978. É uma música que, embora menos popular que "Sultans of Swing", revela em sua aparente simplicidade uma profundidade emocional e uma maturidade artística surpreendentes para uma banda que estava apenas se apresentando ao mundo.
Desde os primeiros acordes, a guitarra de Mark Knopfler estabelece um tom sombrio e contido. O riff principal, repetitivo e quase hipnótico, funciona como um mantra que acompanha a narrativa lírica. Aqui, Knopfler demonstra sua característica técnica de dedilhado, evitando excessos técnicos em favor de uma fraseologia mais expressiva e sutil. Sua guitarra não busca deslumbrar com velocidade, mas sim envolver o ouvinte em uma atmosfera íntima e delicadamente inquietante.
A letra de “ Six Blade Knife ” fala de um relacionamento destrutivo, um vínculo emocional tão intenso que beira a toxicidade. A metáfora da faca de seis lâminas é poderosa: representa uma arma emocional capaz de ferir em múltiplas direções, uma força que penetra na alma do narrador e o subjuga completamente. Versos como “Sua faca de seis lâminas pode fazer qualquer coisa por você” e “Ela corta meus pesadelos também” sugerem uma fascinação misturada com dor e resignação. A voz de Knopfler, calorosa, porém tingida de melancolia, reforça essa sensação de vulnerabilidade.
A instrumentação é minimalista, porém eficaz. John Illsley no baixo e Pick Withers na bateria mantêm um ritmo comedido e contido, quase como se fossem cúmplices do estado emocional do narrador. A ausência de arranjos excessivos é uma virtude: cada nota importa, cada silêncio é significativo, e o espaço entre os instrumentos cria uma sensação de tensão subjacente.
“ Six Blade Knife ” também reflete a influência do blues na música do Dire Straits , embora reinterpretada com uma abordagem europeia mais refinada. A canção não transborda lamentos ou pirotecnia sonora; é um blues urbano mais sutil, com uma atmosfera cinematográfica que evoca noites solitárias e pensamentos obsessivos.
" Six Blade Knife " é uma joia escondida no repertório do Dire Straits . Ela prova que Mark Knopfler e sua banda tinham um estilo inconfundível desde o início: elegante, discreto e profundamente emotivo. Embora não tenha sido um sucesso de estádio, é uma peça essencial para entender a sensibilidade artística que definiria a carreira do grupo.
"I Will Survive", de Gloria Gaynor: o hino atemporal da resiliência.
Quando Gloria Gaynor lançou “ I Will Survive ” em outubro de 1978, provavelmente ninguém imaginava que a canção se tornaria um fenômeno cultural e um hino atemporal de empoderamento. Mais de quatro décadas depois, ela continua a ressoar poderosamente em clubes de dança, filmes, protestos sociais e playlists em todo o mundo. Seu apelo duradouro não deriva apenas de seu irresistível som disco, mas também de sua mensagem de resiliência, que ressoa com diversas gerações e contextos.
A história por trás de “ I Will Survive ” é quase tão poderosa quanto a própria canção. Seus compositores, Dino Fekaris e Freddie Perren, a escreveram após um período difícil na vida de Fekaris, que havia sido demitido da Motown Records. Em vez de se entregar ao desespero, ele canalizou sua frustração e esperança na letra, que se tornou um manifesto de autoafirmação. A voz que narra essa história começa quebrada, questionando como conseguirá seguir em frente após um término devastador, mas gradualmente ganha força até se proclamar dona do próprio destino: “Eu sobreviverei; enquanto eu souber amar, sei que continuarei viva”.
Musicalmente, a canção é uma maravilha da disco do final dos anos 70. O baixo sincopado, os arranjos vibrantes de cordas e a percussão precisa criam uma atmosfera energética que convida ao movimento, mas também permite que a emoção da letra brilhe. O destaque é a performance vocal de Gaynor: poderosa, modulada, capaz de transmitir vulnerabilidade nos versos iniciais e uma confiança avassaladora no refrão. Seu timbre mescla dor, coragem e, por fim, celebração, refletindo o processo de cura emocional que a canção descreve.
Embora "I Will Survive" tenha sido inicialmente gravada como lado B do single "Substitute", logo chamou a atenção dos DJs em clubes de Nova York. Sua popularidade disparou e, em março de 1979, alcançou o primeiro lugar na Billboard Hot 100. Esse sucesso surpreendeu até mesmo a própria Gaynor, que gravou a música usando um colete ortopédico devido a uma recente cirurgia na coluna. Essa circunstância física, longe de enfraquecê-la, parece ter fortalecido a interpretação emocional da gravação, conferindo-lhe uma sensação ainda mais autêntica de luta e resiliência.
O impacto cultural de “I Will Survive” é monumental. Rapidamente se tornou um hino feminista, interpretado como uma canção de independência para mulheres que se libertavam de relacionamentos tóxicos ou situações opressivas. Mais tarde, a comunidade LGBTQ+ a adotou como um símbolo de resiliência diante da discriminação e da dor, especialmente durante a crise do HIV/AIDS na década de 1980. Sua mensagem universal transcendeu as pistas de dança, tornando-se um elemento central de celebrações, protestos e momentos de empoderamento pessoal.
No cinema e na televisão, a canção foi utilizada em inúmeras produções, desde The Replacements até Priscilla, a Rainha do Deserto, consolidando seu lugar no imaginário coletivo. Também foi regravada por artistas de diversos gêneros, de Diana Ross a Cake, demonstrando sua versatilidade e capacidade de se adaptar a novos estilos sem perder sua essência.
A letra de “ I Will Survive ” é simples, porém poderosa. Começa com um tom sombrio — “No começo eu estava com medo, eu estava petrificada” — refletindo o choque inicial de um término de relacionamento. No entanto, conforme a música avança, a protagonista descobre sua força interior, passando por uma transformação emocional que culmina no refrão triunfante. Essa trajetória narrativa é parte da magia da canção: é quase uma história em si, na qual o ouvinte pode projetar suas próprias experiências de perda e recuperação.
Além disso, é importante reconhecer o contexto histórico em que surgiu. No final da década de 1970, a música disco estava no auge como um espaço de liberdade e expressão para mulheres, pessoas negras e a comunidade gay, em contraste com uma sociedade que ainda demonstrava forte resistência a esses movimentos. Nesse ambiente, " I Will Survive " não era apenas uma música para dançar, mas também um símbolo de autonomia e desafio diante da adversidade.
Hoje, mais de 40 anos depois, a canção continua relevante. Em 2016, foi selecionada para preservação no Registro Nacional de Gravações da Biblioteca do Congresso por ser "culturalmente, historicamente ou esteticamente significativa". E seu poder emocional permanece intacto: basta ouvir o refrão para sentir uma onda de energia positiva e coragem.
"I Will Survive" é muito mais do que um sucesso musical. É um testemunho do poder da música para confortar, curar e empoderar. Com sua voz e interpretação, Gloria Gaynor transformou uma história de coração partido em um hino universal de resiliência que continua a inspirar milhões a se reerguerem repetidamente, independentemente das circunstâncias.
Incluída no álbum de estreia homônimo do Dire Straits (1978) , "Water of Love" é uma daquelas canções que, embora não tenha sido um grande sucesso como "Sultans of Swing ", ressoou profundamente devido ao seu peso emocional e atmosfera melancólica. Escrita por Mark Knopfler , é uma poderosa metáfora para a necessidade de amor e consolo em meio a uma profunda seca emocional, na qual o protagonista se sente abandonado e sedento em um vasto deserto.
“Water of Love” é uma mistura musicalmente bem-sucedida de blues e country, com um ritmo lânguido e um slide guitar que quase parece chorar por aquela solidão e angústia. A performance de Knopfler é, como sempre, discreta, mas repleta de sentimento. A produção é simples, sem enfeites desnecessários, permitindo que a letra e o violão brilhem intensamente. A percussão de Pick Withers e o baixo de John Illsley fornecem um acompanhamento elegante e discreto, conscientes de seu papel como um acompanhamento discreto e intimista.
"Water of Love" foi lançada como single na Holanda e na Austrália, onde obteve sucesso moderado. No entanto, seu verdadeiro valor reside em ser a canção que melhor representa o tom reflexivo e sereno do álbum de estreia do Dire Straits , repleto de músicas sobre relacionamentos fracassados e temas introspectivos, em uma obra que mergulha em uma visão romântica, porém desiludida, do mundo. "Water of Love" é muito mais do que uma canção de amor triste, ou uma canção sobre a ausência de amor, pois sua aparente simplicidade esconde uma das melhores e mais profundas obras do Dire Straits em seu auge e em sua forma mais pura
"Sultans of Swing", o primeiro single do Dire Straits, lançado em maio de 1978, não causou grande alvoroço na Grã-Bretanha. Então, as coisas começaram a melhorar quase que aleatoriamente. O álbum de mesmo nome foi lançado em outubro. As vendas foram muito lentas, embora tenha conquistado rapidamente o disco de ouro na Holanda. "Recebi uma ligação da gravadora me dizendo que tínhamos vendido 25.000 álbuns", lembra Illsley. "Então chegou aos Estados Unidos e decolou. As rádios começaram a tocar 'Sultans of Swing' sem parar. E conforme os Estados Unidos a adotaram, ela voltou para o Reino Unido e foi relançada, o que foi realmente peculiar. Começou a se espalhar como fogo em palha." A música alcançou o 8º lugar nas paradas do Reino Unido e o 4º lugar na Billboard Hot 100 dos EUA. Existem duas versões desta música. A versão de estúdio tem 5 minutos e 48 segundos, enquanto a versão estendida do Alchemy Mix tem 10 minutos e 55 segundos. Esta última é cem vezes melhor que a primeira. O solo que Mark Knopfler tocou na versão estendida de Alchemy alcançou o 22º lugar na lista dos melhores solos de guitarra da Guitar World e o 32º lugar na lista da revista Rolling Stone.
É possível que, se o Dire Straits não tivesse gravado "Sultans of Swing", a música talvez nunca tivesse sido gravada. Quatro versos, um solo de guitarra, outro verso, outro solo, e só — quase seis minutos. Sem refrão ou ponte? Quase inédito. Felizmente, o compositor também era um artista, e que artista! Um grande compositor, um grande guitarrista, um vocalista singular: Mark Knopfler, vocalista do Dire Straits, era tudo isso, e quando o mundo finalmente ouviu o álbum de estreia da banda em 1978, uma estrela nasceu. Knopfler teve a ideia para a música depois de ver uma banda local tocar numa noite chuvosa em Ipswich, Suffolk, Inglaterra, para uma plateia de apenas alguns bêbados. No final da noite, o membro da banda encerrou a apresentação, segundo Knopfler, dizendo: "Boa noite e obrigado. Nós somos os Sultans of Swing." Na época de sua criação, Knopfler achou a música sem graça, mas isso mudou quando ele comprou sua primeira Stratocaster em 1977. "Ela simplesmente ganhou vida assim que a toquei naquela Stratocaster de 61, que permaneceu minha guitarra principal por muitos anos e foi basicamente a única que usei em nosso primeiro álbum. As novas mudanças de acordes simplesmente surgiram e se encaixaram." A música, que gira em torno dos trompetes tocando em uma pequena banda de jazz Dixieland, foi lançada justamente quando o mundo da música estava imerso no movimento punk e no torpor ainda persistente da disco music. Com Sultans of Swing, uma lufada de ar fresco invadiu o final dos anos 70. Claro, Donald Fagen e Tom Waits estavam escrevendo letras incríveis sobre personagens que você adoraria conhecer, e Jeff Beck e Eddie Van Halen eram guitarristas excepcionais. Mas Knopfler, à sua maneira, fazia ambas as coisas tão bem quanto, ou melhor do que, qualquer outro, e não parecia ter nenhuma influência óbvia do rock, a menos que se considere Dylan. Assim como seu contemporâneo e futuro parceiro de duo, Sting, as ideias de Knopfler eram intelectual e musicalmente estimulantes, mas também acessíveis ao ouvinte comum. Era quase como jazz para leigos. Sultans of Swing foi uma lição de prosódia e execução primorosa de guitarra que raramente foi igualada desde então.
A sensação que sempre tenho ao ouvir Bang Bang Boom Boom , o sexto álbum de estúdio de Beth Hart , é como estar sentada diante de uma boa amiga, conversando sobre a vida enquanto tomamos uma xícara de café, em meio a risos e lágrimas. Lançado na Europa em 5 de outubro de 2012 e nos Estados Unidos em 13 de março de 2013, pelo selo Provogue/Mascot , este álbum é um turbilhão de emoções que te agarra desde a primeira nota e não te solta mais. Produzido pelo renomado engenheiro de som Kevin Shirley , conhecido por seu trabalho com gigantes como Led Zeppelin e Joe Bonamassa , o álbum contém uma excelente mistura de blues, rock, jazz, gospel e um toque de vaudeville que faz com que cada música pareça uma pequena apresentação. Com 11 faixas originais creditadas a Beth , e uma versão ao vivo de " I'd Rather Go Blind" como faixa bônus em algumas edições, o álbum alcançou o 3º lugar na parada de álbuns de blues da Billboard americana , conquistando também o mercado musical em pelo menos outros 10 países.
Quando gravou Bang Bang Boom Boom, Beth já havia superado uma série de tempestades pessoais que poderiam ter destruído qualquer um: vício, um diagnóstico de transtorno bipolar e a perda da irmã devido a complicações da AIDS. Mas ela possuía aquela habilidade única de transformar a dor em música que toca a alma. Este álbum sucedeu sua bem-sucedida colaboração com Joe Bonamassa em Don't Explain (2011), um álbum de covers que lhe deu um novo fôlego. Com Kevin Shirley no comando, a cantora e compositora encontrou um espaço para ser ela mesma, mas com um toque mais maduro, menos cru do que em álbuns anteriores. Ela mesma disse que este álbum foi como um renascimento, um momento para olhar para frente sem esquecer as cicatrizes do passado. E isso transparece; cada música é uma janela para sua alma, mas também uma celebração da vida. Gravado no Revolver Studios em Thousand Oaks, Califórnia, Bang Bang Boom Boom foi o resultado de Beth finalmente se sentir livre para experimentar, e Kevin Shirley , com sua experiência, soube como dar-lhe asas para transitar entre vários gêneros sem jamais perder a essência do blues. O resultado foi um álbum que transmite a sensação de um abraço caloroso em um dia frio, mas também de uma declaração poderosa.
As 11 canções que compõem Bang Bang Boom Boom são como capítulos de um livro, cada uma contando uma história diferente, mas todas unidas pela voz de Beth , que varia de um sussurro vulnerável a um rugido que arrepia a espinha. O álbum abre com Baddest Blues , e a primeira coisa que vem à mente é: "Que maneira de começar !". É uma balada ao piano que envolve e cativa. Beth, com honestidade crua, canta sobre um amor que é como uma droga, e sua voz oscila entre a fragilidade e uma intensidade que, por vezes, me lembra Janis Joplin. É a primeira música, e Beth já expôs sua alma sem medo. Bang Bang Boom Boom , a faixa-título, é pura diversão, uma homenagem ao jazz e ao vaudeville com trompetes e um ritmo que dá vontade de dançar. Enquanto ouço, imagino Beth em um vestido brilhante no palco, cantando em um clube dos anos 1920. A música é sedutora e divertida, mas esteja avisado: ela carrega aquela dor subjacente que sempre está presente em sua música. "Better Man" exala energia rock com um toque de blues, e é perfeita para mostrar o lado mais feroz de Beth . A letra fala sobre buscar algo melhor em um relacionamento, e a instrumentação, com guitarras poderosas e um ritmo contagiante, tem uma pegada clássica de rock. A cantora demonstra sua grande versatilidade, transitando sem esforço da vulnerabilidade a uma atitude desafiadora. E então chegamos àquela que, para mim, é a joia da coroa do álbum, " Caught Out in the Rain". Se você quer entender por que Beth Hart é uma rainha do blues, aqui está a resposta. Essa música, com cerca de sete minutos de duração, é uma jornada emocional na qual Beth alterna entre sussurros e gritos que penetram como adagas. É uma daquelas músicas que te convidam a ouvi-la na solidão do seu quarto, um blues lento e melancólico, perfeito para uma noite chuvosa em que você precisa extravasar tudo o que está guardando dentro de si. Com " Sing My Thing Back Around", ela dá outra guinada e consegue me fazer sorrir. Com um toque de big band e metais que soam como uma festa, a música tem aquela vibe de jazz clássico, e me sinto transportado para um clube cheio de fumaça e risadas. " With You Everyday" é como uma carta de amor cantada, e Beth mais uma vez mostra seu lado mais terno e introspectivo. O piano suave e delicado ao fundo e a melodia te envolvem enquanto Beth sussurra, com a alma exposta, sobre um amor que arde profundamente e nunca desiste.
Continuamos ouvindo "Thru the Window of My Mind" ; com pianos que pulsam como um coração, é uma daquelas canções que nos dão esperança. Beth nos convida a deixar a luz entrar após um período sombrio. "Spirit of God ", com um toque de gospel e uma pitada de vaudeville, e vocais de apoio perfeitamente integrados à voz de Beth , tem uma energia capaz de fazer até os descrentes se levantarem de seus assentos. " There in Your Heart " é uma balada jazzística com um solo de guitarra que alguns ousaram afirmar ser de Joe Bonamassa, embora isso não seja creditado. A canção, ao mesmo tempo suave e poderosa, tem um toque nostálgico, com Beth cantando sobre estar presente no coração de alguém, mesmo em seus momentos mais sombrios. "The Ugliest House on the Block" é, para mim, outra joia do álbum. A letra conta a história de uma casa que pode parecer imperfeita por fora, mas está cheia de amor por dentro, uma clara metáfora para a própria vida de Beth . Com um ritmo que mistura blues, pop, reggae em alguns momentos e um toque de humor, a música nos lembra que, na verdade, a beleza reside nas imperfeições. Encerrando o álbum está "Everything Must Change ", uma balada que... convida à reflexão. Aborda a passagem do tempo e a aceitação da mudança. O piano é suave e delicado, e a voz de Beth transmite uma sabedoria conquistada com esforço. Ela nos convida a deixar o passado para trás e abraçar o que está por vir. Para mim, é o final perfeito para o álbum, deixando-me com uma sensação de calma, paz e esperança. O álbum contém uma faixa bônus, uma versão ao vivo de " I'd Rather Go Blind" com Jeff Beck , gravada no Kennedy Center Honors de 2012. Beth e Beck homenageiam Buddy Guy com uma performance que fez toda a plateia, incluindo Barack e Michelle Obama, se levantar. Se ainda não estava claro, o que duvido, essa música mostra por que Beth é uma das melhores vozes de sua geração. Estamos falando de uma versão cover da grande Etta James, e isso não é pouca coisa.
Beth está magnífica neste álbum, absolutamente maravilhosa. E depois há o toque de Kevin Shirley ; não se pode falar de Bang Bang Boom Boom sem mencionar este produtor brilhante. A sua produção é como a moldura perfeita para uma pintura perfeita: realça a voz de Beth sem a sobrepor. Alguns acharam que os arranjos eram um pouco excessivos por vezes, com guitarras e metais que podiam distrair dos vocais de Beth . Para mim, tudo está no seu devido lugar, perfeitamente equilibrado, e Shirley conseguiu captar a energia bruta de Hart , dando-lhe um som polido, com os géneros a entrelaçarem-se sem esforço. É um álbum que soa como blues, mas também como rock, jazz, gospel e até reggae por vezes. É o álbum perfeito para fechar os olhos, deixar-se levar e sentir cada palavra.
