Depois de anos escrevendo canções atravessadas pela urgência, Bia Ferreira chega a Améfrica interessada em expandir o centro emocional de sua obra. Sem abandonar a dimensão política que consolidou sua trajetória, a cantora e compositora se aproxima agora da dança, da leveza, do calor e da espiritualidade em um disco que entende a celebração também como forma de existência.
Com produção musical assinada pela própria artista em parceria com Vinicius Lezo, Améfrica busca uma reconexão coletiva: a partir do reggae, dos ritmos nordestinos, das musicalidades afro-caribenhas e latino-americanas.
“Eu queria fazer um disco que nos lembrasse da nossa alegria. A gente já fala muito sobre dor, violência e sobrevivência – porque tudo isso existe – mas nosso povo também ama, dança, faz festa, se apaixona e sente prazer. Isso também sustenta a vida. E acho que, no final das contas, esse repertório nasceu muito da minha vontade de celebrar quem nós somos sem deixar que outras narrativas atravessem, o tempo todo, a nossa existência”.
Ao cantar em português, espanhol, inglês e francês, a artista tenta encurtar distâncias entre povos que sempre estiveram mais próximos do que aprenderam a imaginar. Inspirado no conceito de Lélia Gonzalez, Améfrica entende o continente como espaço de continuidade entre comunidades afro-diaspóricas e originárias das Américas.
“Améfrica é uma forma de homenagear os povos que construíram a cultura que atravessa esse continente. Muito do que a gente entende como música, festa, espiritualidade e beleza vem dessas heranças.”
Ao longo de dez faixas, o trabalho acompanha diferentes estados de presença, deslocamento e comunhão. Na abertura, “Améfrica” transforma o disco em um ponto de encontro entre idiomas, ritmos e geografias. Em “Paz para o Espírito”, a artista desloca o olhar para dentro, enquanto “Conte Comigo” amplia a ideia de amor para além das relações românticas.
Em “Leve” e “Pote Fundo”, reggae, baião e xote aparecem em canções guiadas pela dança e pela circulação entre ritmos populares. Já “Nós” e “O Seu Silêncio” aproximam natureza, espiritualidade e coletividade em faixas que entendem o reggae como música feita para lembrar que ninguém existe sozinho.
A parceria com La Dame Blanche em “Algoritmo” introduz uma ruptura no percurso do álbum. A faixa questiona os impactos emocionais das redes sociais e da lógica algorítmica sobre as relações humanas, antes de o disco reencontrar a celebração em “Pra Alegria Se Achegar”.
Na reta final, Bia revisita “Cota Não É Esmola”, canção que marcou sua trajetória e reaparece agora sob outra perspectiva. Se antes a música se afirmava como denúncia urgente, aqui ela surge também como gesto de continuidade – uma obra que permanece viva enquanto o restante do álbum aponta para novos caminhos.
“Eu pensei AMÉFRICA como uma experiência viva. Esse é um disco feito para o palco, para o encontro, para cantar junto, conversar e sentir coletivamente. Se o amor é revolucionário e a alegria é subversiva, então subvertamos”, finaliza.
A ideia é ser um EP curto (até por isso o nome) pensando numa estética psicodélica e de rock experimental, e em uma das músicas até uma referência as Guaranyas Paragaias. Eu sou a Lüz Leffa, uma artista travesti de Porto Alegre-RS, e produzi esse EP independentemente e com a ajuda da minha amiga Valentina Coelho na produção de agumas das músicas..
Em 2022, os punks austríacos do Sweatpants Party lançaram um álbum de estreia homônimo que encapsulava uma mistura soberba de pop punk afiado e o som clássico dos Ramones. Era o tipo de disco que parecia pronto para enfrentar o Screeching Weasel em seu próprio terreno, mas com uma combinação de músicas divertidas e um vocalista muito menos propenso a agredir mulheres em público, na verdade superou os veteranos de Chicago, pavimentando o caminho para mais sucesso no futuro. Dois anos depois, "Wee Little Songs" levou o som da banda ainda mais para o território do Weasel e, ao condensar doze músicas em apenas oito minutos, o material remetia às faixas divertidas dos antigos discos do Apers, de Kevin Aper. Se você não amou a turma do Sweatpants depois disso, é provável que nunca ame.
O EP de 2025, 'Fanno Bella Figura', mostra a banda expandindo seus horizontes, se não em termos de arranjos, pelo menos em termos de duração das músicas. Essa abordagem mais ampla significa que algumas faixas não são tão impactantes, mas como vitrine para músicos punk de qualidade, tudo funciona muito bem.
'Fai Il Bravo' começa com um riff que mistura punk melódico e influências dos Ramones, permitindo que um baixo profundo e uma guitarra pulsante assumam o protagonismo. A pulsação implacável significa que a esperada leveza não está presente de imediato, mas após a entrada em um refrão onde uma melodia com toques de bubblegum pop, alguns vocais em grupo e uma pegada mais Ramones tomam conta, a música começa a soar um pouco mais como o Sweatpants tradicional. Os vocais roucos de Kevin Aper são inconfundíveis, é claro, e quando a música atinge um clímax grandioso, ela tem todos os ingredientes para se tornar uma das favoritas dos fãs. 'Roberto Baggio' evoca uma homenagem a Screeching Weasel/Riverdales num piscar de olhos, aproveitando ao máximo acordes de guitarra abafados e velozes em um verso preciso, antes de um refrão empolgante atingir o ouvinte com um coro de vozes. Ao transitar para algo um pouco mais voltado para o power pop no interlúdio, a banda demonstra não ter medo de melodias mais grandiosas, mas para os puristas do pop punk, um solo de guitarra arrebatador e um vocal poderoso conduzem a segunda metade desta curta faixa à glória.
Adotando tons mais melódicos do The Mr. T Experience em sua introdução, "Calogero" promete muito e certamente não decepciona quando se estabelece em um punk influenciado por Apers, onde a bateria sólida e as guitarras marcantes fornecem o pano de fundo perfeito para um vocal distinto. Então, no ponto em que você poderia pensar que tudo caiu na zona de conforto, uma ponte mais calma traz um som de baixo poderoso e permite que o vocal cresça gradualmente em um refrão empolgante para um grande final. Embora muitos elementos aqui se inclinem para um pop punk convencional, quando as coisas são executadas tão bem, os resultados são impossíveis de não amar. Talvez soando um pouco óbvio demais no início, "Lignano" impacta como uma mistura de músicas antigas do Apers com um toque de influência dos também europunks do The Manges. Essa segurança do pop punk permite que a inserção de um interlúdio de reggae seja ainda mais eficaz. Aparentemente, a música está ali para provar que o Smashing Pumpkins não está seguindo uma fórmula pop punk genérica, mas, ao mesmo tempo, não soa forçada de forma alguma. Com ótimas harmonias e um refrão igualmente forte, mesmo com seus elementos previsíveis, este certamente é um dos destaques do EP.
Para finalizar, o Sweatpants Party mostra toda a sua força com a acessível "Goleador", que começa com um riff clássico no estilo Ramones, permitindo que guitarras rítmicas marcantes sejam sobrepostas por solos arrebatadores, antes de mergulhar em um mundo de vocais roucos e guitarra abafada. Conforme a música se firma, a sonoridade muda para algo que lembra um ou dois clássicos do Apers, com os vocais principais de Kevin acompanhados por um tom mais melódico no refrão. De certa forma, a faixa atinge seu ápice por volta dos dois minutos, alcançando o auge do punk melódico com uma estrutura verso/refrão/verso/refrão, mas a melodia se expande, primeiro com algumas pausas, depois com um falso final, antes de retornar com força total com alguns minutos de vocais em grupo, entregando uma infinidade de "doo doo doo"s até o fade out. Poderia-se argumentar que esta versão parece estar apenas estendendo o conteúdo da versão de estúdio – cinco minutos é um tempo verdadeiramente épico em termos de pop punk, especialmente se compararmos com tudo o que foi lançado anteriormente pelo Sweatpants – mas é fácil imaginar essa música fazendo sucesso com o público em shows ao vivo.
Embora nem sempre tenha a mesma imediaticidade do álbum de estreia ou o fator diversão de 'Wee Little Songs', este é um passo interessante para o Sweatpants Party. As melhores faixas são punk o suficiente para figurarem ao lado dos melhores trabalhos anteriores da banda, e é mais um lançamento punk que prova que, quando a música tem um apelo universal e instantaneamente reconhecível (pelo menos nos círculos do pop punk), refrões com melodias em outros idiomas não conseguem abafar um bom riff. É um lançamento muito mais voltado para fãs do que poderia ter sido, mas um pouco mais de inventividade musical em alguns momentos mostra que eles não estão estagnados, ao contrário de alguns de seus contemporâneos. No geral, este é um lançamento decente que merece ser ouvido pelos fãs mais dedicados de pop punk/Ramonescore.
Em 2024, o Sun Atoms lançou o álbum "Everything Forever", um disco que superou as expectativas criadas por uma série de excelentes singles lançados anteriormente. Um dos destaques desse lançamento, "Narco Polo", abandonou os sons baseados em guitarra em favor de uma mistura de funk e art pop, apresentando uma pegada à la Talking Heads e uma profusão de samples para criar uma atmosfera que prioriza tanto a construção quanto o ritmo constante.
Naturalmente, uma gravação tão dependente de um groove inabalável é ideal para uma reinvenção, e 'Narco Polo Remixes' apresenta duas versões bem diferentes de uma faixa já excelente. Primeiro, o remix de JunX começa com uma batida pulsante e um som de teclado que lembra o código Morse, indicando imediatamente que algo foi drasticamente retrabalhado. Com uma batida forte, o remix assume a atmosfera de uma gravação clássica da era 'Maxinquaye' do Tricky, provando ser perfeito para um vocal profundo e sussurrado. Sem o funk e a fluidez, há algo um pouco ameaçador no resultado, mas a abordagem mais suave combina perfeitamente com os tons vocais profundos de Isaac Brock. No meio da faixa, percebendo que as coisas precisam de uma sacudida, um mundo de sintetizadores surge para dar a tudo um som à la Chemical Brothers, proporcionando o pano de fundo perfeito para uma voz mais frenética. Isso traz uma mudança dramática, mas nunca artificial, construindo de forma harmoniosa sobre um som já excelente. Em se tratando de remixes, este provavelmente não substituirá a versão original no seu apreço, mas é uma alternativa agradável.
Com uma pegada mais dançante, o remix da NRC não perde tempo em lançar batidas fortes sobre um sintetizador minimalista, optando por uma qualidade brilhantemente mecânica. Essa atmosfera quase inumana se encaixa perfeitamente com o vocal, que assume um papel secundário – neste caso, com trechos retirados de contexto para criar um novo elemento musical. Como era de se esperar, após se fixar no ritmo quase imediatamente, a faixa não o abandona, a ponto de a atmosfera original não mudar significativamente ao longo dos quase seis minutos. Essa abordagem repetitiva também não se torna entediante: o que ela realmente consegue – e com muita eficácia – é apresentar a música a um público totalmente novo, que certamente a apreciará por seus próprios méritos, mesmo que provavelmente não goste muito do trabalho original do Sun Atoms.
Há momentos aqui, particularmente no segundo remix, em que o material original e seus elementos mais melódicos parecem secundários. Quem gostar disso superficialmente não necessariamente se apaixonará por Sun Atoms... e quem gostar do LP Sun Atoms não necessariamente se apaixonará por este, mas isso não impede que 'Narco Polo Remixes' seja interessante à sua maneira. Em termos de lançamentos, é uma verdadeira curiosidade, mas quem souber apreciar a sonoridade geral certamente encontrará prazer.
Em sua formação original, a banda de reggae-ska-punk Sublime deixou o mundo com dois álbuns excelentes: "40oz To Freedom", de 1992, e "Sublime", de 1996. Entre esses dois essenciais, o mais experimental "Robbin' The Hood" apresentou algumas ótimas faixas, mas carecia do dinamismo dos outros discos, com o material mais claramente finalizado intercalado com vinhetas narrativas e peças acústicas. Para o fã mais paciente, o álbum ofereceu uma visão mais ampla de como a banda funcionava; nunca presos a um único estilo, Bud, Eric e Bradley sempre estiveram dispostos a experimentar.
Após a morte prematura de Bradley Nowell, logo após o lançamento do best-seller "Sublime", a banda praticamente acabou, mas manteve seu legado vivo com uma série de lançamentos ao vivo e material inédito resgatado dos vastos arquivos da banda. Ao longo dos anos, os fãs mantiveram um grande interesse por material nunca antes ouvido, por mais cru que fosse. …E então, em 2025, eles receberam o prêmio máximo: uma nova gravação de "Sublime", com o filho de Bradley, Jakob, juntando-se a Eric e Bud, assumindo o lugar do pai – um papel antes considerado praticamente impossível de ser preenchido. Ficou claro, logo na primeira audição de "Esinada", que essa união daria certo. A música capturou um som que poderia facilmente figurar entre as melhores faixas de "Sublime", mas, mais importante, o vocal de Jakob estava perfeito. Ao longo da música, ele reproduziu com perfeição os tons e inflexões vocais emotivos do pai, a ponto de ser praticamente impossível para qualquer pessoa, exceto o fã mais obcecado, diferenciá-los.
"Esenada" ocupa um lugar de destaque como a faixa de abertura do quarto álbum (oficial) do Sublime, "Until The Sun Explodes", e realmente define o tom para o disco de vinte e uma faixas. Ela imediatamente evoca um groove reggae clássico, onde o baixo e a bateria realmente lembram algumas das faixas menos conhecidas do álbum homônimo da banda, de 1996, o que demonstra uma grande força musical. O baixo soa muito legal com efeito imediato, trazendo uma pegada forte, mas melódica, a um riff de andamento médio, mas é quando os vocais entram que a faixa ganha vida. Jakob Nowell entrega uma performance fantástica, não apenas sentindo a música, mas soando como se o espírito de seu pai estivesse presente na melodia. Para o fã, isso não é apenas legal... é assustador; como ouvir algo retirado dos arquivos e repaginado para uma nova era. 'Figuroa' segue um modelo muito semelhante, mas se você é fã da banda há anos, há uma emoção genuína em ouvir Eric e Bud criarem um groove novo e forte, mesmo que soe notavelmente como uma jam clássica do Sublime, talvez até um pouco batida. O trabalho de guitarra rítmica, com som nítido, introduz um arranjo reggae lento, e o baixo de Eric traz uma boa dose de peso. Os scratches de toca-discos levam a música um pouco mais longe do reggae tradicional e para o mundo de sons crossover do Sublime, mas nunca soam intrusivos; em vez disso, complementam um groove profundo enquanto Jakob entrega um vocal realmente descolado e relaxado. Conforme a faixa avança, ele se lança em uma melodia mais incisiva, soando ainda mais como Bradley, enquanto um teclado estridente adiciona um som que remete aos sintetizadores das gravações dub do final dos anos 70 do arquivo da Island Records. Sem pressa, 'Figuroa' mostra o novo Sublime em ótima forma, oferecendo o tipo de faixa que os fãs mais antigos vão adorar.
Para quem busca ainda mais velocidade, "Backwoods" dispara a toda velocidade, entregando um ska de alta octanagem que fica entre as gravações mais rápidas do Sublime no passado e uma faixa do início da carreira do Suicide Machines, da época de "Destruction By Definition". A decisão de equilibrar o ska com um riff punk caótico conecta a música um pouco mais ao universo do Suicide Machines, enquanto alguns interlúdios em andamento médio – com a voz de Eric em destaque na mixagem – mantêm um som e uma sensação inegavelmente clássicos do Sublime. Há, sem dúvida, faixas melhores em "Until The Sun Explodes", mas, em termos de condensar a maior parte dos interesses musicais da banda em três minutos, este álbum faz um ótimo trabalho. A faixa em andamento médio "Favorite Song" aborda o tema do tédio antes do show e como a música que você ama não consegue mascarar nenhuma fragilidade emocional. Musicalmente, é um dos pontos altos do álbum, já que sua postura tradicional de reggae permite que Eric trabalhe muito bem no baixo e, no geral, tudo soa como um claro retorno ao LP 'Sublime', de uma forma que fará você perceber que esse renascimento da banda é muito natural.
Outro destaque do álbum, "Wizard" entrega um ska impecável, com Eric e Bud se entregando a um arranjo que ecoa o anterior "Wrong Way" com seu estilo impactante, e, mais uma vez, a performance de Jakob está à altura da de seu pai. Na verdadeira tradição do Sublime, os riffs de reggae e ska mais tradicionais são equilibrados por um solo de guitarra incendiário, adicionando uma inclinação rock, mas sem forçar demais, antes do groove mais pesado de "Can't Miss You" soar como uma sobra de "40oz…" com graves reforçados. Guitarras distorcidas liberam brevemente o lado mais roqueiro do Sublime, com um riff que parece que poderia se encaixar em "All You Need" a qualquer momento, e ao fazer isso, despertam o passado de uma forma que soa essencial no presente.
Com um som de guitarra com efeito de fase dominante e solos furiosos, "Personal Hell" destoa um pouco, quase quebrando o ritmo do álbum, mesmo que influências de ska se sobreponham aos aspectos mais ruidosos da faixa. Mas tudo volta aos trilhos rapidamente com "FTR", a tentativa mais descarada do disco de capturar o som clássico do Sublime e criar um single radiofônico. O ritmo relaxado mistura o reggae suave característico do Sublime com algo um pouco mais tropical, combinando com uma presença vocal mais emotiva. A maior pista de plágio, no entanto, vem de um solo de guitarra acústica que quase espelha o solo do hit americano "What I Got". Mesmo assim, em termos de plágio do próprio trabalho, Eric e Bud acertam em cheio. O mesmo acontece com "Trey's Song", que começa com um riff e uma atmosfera perigosamente próximos de algumas faixas da banda de meados dos anos 90, mas ainda assim consegue cativar com um charme descontraído, misturando influências de reggae com uma leve pegada de rock alternativo, que se intensifica na metade da música graças a alguns solos de guitarra marcantes. Para dar um toque extra de atitude, a participação especial de HR – do Bad Brains – preenche um breve interlúdio com muito eco, adicionando uma vibe reggae mais profunda. Os elementos podem ser previsíveis, mas se combinam com muito estilo.
A maior parte deste álbum é boa a ótima, mesmo com algumas surpresas musicais menos bem-sucedidas: a lenta e acústica "Casino Tormina" dá a Jakob um pouco mais de espaço para se expressar vocalmente, e embora esteja longe de ser a faixa mais interessante do álbum, desempenha um papel importante ao remeter a algumas das primeiras faixas mais suaves e demos acústicas da banda, enquanto as inspiradas no audioverité "The Problem With That…" e "Maybe Partying Will Help" soam como uma clara referência aos elementos mais experimentais presentes em "Robbin' The Hood", mas possivelmente fazem um trabalho melhor ao apresentar as vozes sampleadas sobre linhas de baixo dub absolutamente matadoras. Mesmo as poucas referências ao punk neste álbum – embora ainda não seja o ponto forte do Sublime – capturam uma energia real, e com uma dessas performances furiosas gravadas com as lendas do skate punk Pennywise, os fãs de punk e ska dos anos 90 ganham um interesse extra. Mesmo no final de um disco (reconhecidamente) bastante longo, a banda traz uma faísca com a faixa-título – outra música que mescla a energia de 'Wrong Way' com a pegada reggae de alguns destaques de '40z…', antes de 'Thanx Again', uma homenagem descarada ao álbum de estreia com créditos para familiares, amigos e colaboradores lidos com entusiasmo sobre um arranjo rocksteady, trazer tudo a um final adequado e muito natural.
Embora haja momentos em que as tentativas de reviver o som clássico do Sublime sejam executadas com tanta cautela – e, no fim das contas, com tanta eficácia – que a busca pela autenticidade acabe por dissipar um pouco da energia e da espontaneidade, e cinquenta e sete minutos seja um pouco longo, 'Until The Sun Explodes' é, em grande parte, um ótimo álbum. É certamente mais consistente do que 'Robbin' The Hood' e melhor do que as muitas sobras que compunham coletâneas como 'Everything Under The Sun' jamais poderiam ter sido, em outra vida. Como uma homenagem de um filho à vida e ao legado musical de seu pai, mesmo com alguns tropeços ocasionais, este álbum soa como a nota perfeita e sincera; se por acaso for a palavra final na história do Sublime, é um epitáfio digno, sem dúvida. Uma audição recomendada tanto para fãs quanto para ouvintes curiosos.
Ao utilizar batidas eletrônicas e sons reverberados para abrir este EP, KiKi Holli + The Remedy demonstram imediatamente o interesse em levar seu público a um lugar que parece um pouco distante. Há muito pouco de orgânico no som, mas, neste caso, "distante" não significa "frio". Conforme os primeiros versos de "Something About You" se desenrolam, fica claro que a música bebe de diversas fontes, mas existe praticamente em seu próprio universo. Os ritmos desta faixa remetem ao movimento trip hop dos anos 90; os acordes de guitarra elétrica, aplicados com parcimônia – cortantes e precisos, mas nunca intrusivos – conferem uma qualidade de trilha sonora de filme, lembrando alguns temas de James Bond da década de 90, mas, em contraste, o vocal principal de Holli assume uma presença suave, lamentando cada verso como se estivesse imerso em um arranjo soul/R&B. …E é essa voz que ajuda a música a brilhar de verdade, convidando o público a mergulhar mais fundo no universo da banda, mesmo quando a música pode parecer um pouco distante. É preciso ouvir o álbum algumas vezes para que sua verdadeira magia se revele, mas quando tudo começa a fazer sentido, é bem provável que o ouvinte considere o estilo vocal de Holli incrivelmente cativante e queira ouvir mais. Talvez muito mais.
Com o violão acústico, "The Garden" oferece um contraste imediato com a faixa de abertura e, em seguida, apresenta uma ótima batida de bateria que confere um toque indie ao arranjo. Não se trata, porém, de uma faixa "indie" propriamente dita; o vocal principal suave pende um pouco mais para o dream pop; uma profusão de vozes sobrepostas cria uma harmonia grandiosa no pré-refrão e além, oferecendo uma vibe pop adulta retrô, e, por fim, um som de cordas complementa tudo, criando algo um pouco mais imponente. Holli contribui com um ótimo vocal principal do início ao fim, e embora o refrão não seja necessariamente imediato, a cantora demonstra estar ciente da melodia extra que sua presença musical marcante agrega – e isso é mais do que suficiente para fazer a faixa funcionar com maestria.
Tudo muda novamente quando as guitarras vibrantes, os graves encorpados e os sintetizadores envolventes de "So Far Away" evocam o som do The Cure de 1985-87, uma influência ainda mais acentuada por um solo de guitarra ocasional que lembra vagamente faixas como "Just Like Heaven". Além disso, um vocal poderoso traz um tom diferente a alguns sons familiares, e a decisão de Holli de cantar em um registro ligeiramente mais grave adiciona ainda mais atmosfera à música. Esta é a faixa mais cativante do EP, mas possivelmente a menos original. No entanto, com um arranjo nostálgico e ótimos vocais, ela certamente animará qualquer playlist de streaming bem selecionada, enquanto "Brand New Day" reintroduz as batidas programadas para criar uma ligação com a faixa de abertura. Aqui, os ritmos marcantes assumem uma postura diferente, reforçando uma faixa que soa como uma homenagem a "Ooh La La" do Goldfrapp. Naturalmente, esse arranjo maior, quase arrogante, permite que Holli mostre ainda mais sua potência vocal ao longo da música, e ela aproveita ao máximo alguns refrões muito radiofônicos. Os toques de metais que surgem em meio aos teclados são um pouco destoantes, uma referência ao passado, mas isso não estraga uma música que, de resto, é ótima.
Há vários motivos para conferir este EP, mas seu ponto alto é uma versão inspirada. A música "Don't Change", do INXS, sempre foi uma das melhores da banda (sua posição como faixa final do álbum "Shabooh Shoobah", de 1983, lhe garante o título de uma das melhores faixas de encerramento de álbum de todos os tempos), e parece ser uma daquelas canções que brilham independentemente de quem a interprete. Como parte do repertório do The Remedy, ela ganha uma nova roupagem grandiosa como uma balada lenta e envolvente, com a voz poderosa de Holli em destaque. Com o arranjo, antes típico de rock de estádio, reduzido a um mundo de violões dedilhados e teclados monótonos, a abordagem minimalista obriga o ouvinte a se concentrar na voz. Apresentada em um estilo à la Lana Del Rey, a melodia soa incrível, e a presença marcante de KiKi faz com que a letra suplicante soe ainda mais comovente do que nunca. Se a versão original de "Don't Change" se tornou, de alguma forma, uma daquelas músicas que você gostaria de nunca mais ouvir, esta versão pode facilmente mudar sua opinião. É linda.
De certa forma, a versão cover ofusca as próprias composições de Kiki, em parte devido à grande familiaridade com o material original, mas há muito o que apreciar aqui. "Something About You" proporciona uma ótima audição do começo ao fim, expandindo o potencial do single anterior, "Running Out of Time". Com um conjunto de músicas que se recusam a ser rotuladas — pop adulto com toques retrô alternativos e música eletrônica leve sendo a descrição mais próxima, mas que não faz jus aos excelentes arranjos —, este EP merece o tempo necessário para que algumas faixas brilhem, mas, ao oferecer uma abordagem inteligente a influências já conhecidas, é uma audição altamente recomendada.
No início de 1974, Bryan Ferry já havia alcançado o estrelato no Reino Unido. Em apenas dois anos, gravou dois álbuns de grande sucesso com o Roxy Music, participou dos programas Top of the Pops e The Old Grey Whistle Test e ainda encontrou tempo para gravar seu próprio álbum de covers, o brilhantemente inventivo "These Foolish Things". Essa estreia solo atingiu um público um pouco maior do que o Roxy Music, de sonoridade mais experimental, e alcançou o top 5 da parada de álbuns do Reino Unido.
Ferry estava compreensivelmente ansioso para repetir o sucesso e, munido de uma ampla seleção de músicas de outros artistas, entrou em estúdio na primavera de 1974 para gravar um novo álbum. Embora "Another Time, Another Place", de 1974, tenha seus momentos interessantes, é um daqueles discos que mostram como tentar recriar uma fórmula rapidamente e sem muita reflexão nem sempre funciona. Abordado com a mentalidade certa, seu caráter despreocupado soa quase corajoso à sua maneira – Ferry definitivamente não se preocupou com o que seus fãs poderiam gostar; é inegavelmente um disco que ele fez para seu próprio entretenimento –, mas só isso já o torna mais difícil de amar do que seu antecessor imediato.
A faixa mais conhecida do álbum, uma versão incrível de "The In Crowd", apresenta a interpretação de Ferry do antigo lado R&B que, obviamente, soa mais funk e artística do que a gravação do Ramsey Lewis Trio, ou mesmo do que todas as outras. Logo de cara, com um piano elétrico oscilante contra uma linha de baixo impactante, a música tem todas as características do material mais acessível do Roxy Music e soa como a sucessora mais natural de qualquer coisa de "These Foolish Things". No primeiro verso, Bryan está com a voz especialmente boa, cantando como uma mistura de herói glam rock desvairado com um artista de cabaré excêntrico, enquanto o guitarrista Davy O'List (ex-Roxy Music e The Nice) manda ver nos acordes de guitarra poderosos. Mais magia genuína vem de uma seção de metais bem arranjada, que executa o refrão familiar com intenção, mas, em uma perspectiva mais ampla, o brilho desta versão reside na insistência de Ferry em fundir alguns traços clássicos do R&B com a estética do Roxy Music. De fato, conforme a música avança, a influência do Roxy Music se torna mais evidente à medida que os riffs se intensificam. Eventualmente, a guitarra solo sufoca tudo com um feedback estridente e ruídos angulares que não demonstram qualquer consideração pelo resto da canção. Também excelente, uma versão de "Walk A Mile In My Shoes", de Joe South, recebe um tratamento similar, repleto de groove. Desde o início, soa ótimo, com guitarras vibrantes e uma seção rítmica impecável, criando algo que nunca soa muito distante de uma obra de Delaney Bramlett de 1970. Os vocais de Ferry oscilam entre um canto artístico e uma malícia irreverente, pontuados por um conjunto completo de backing vocals que dão tudo de si. Na segunda estrofe, tudo se intensifica com a adição de trombones estridentes e uma crescente sensação de urgência. Na última rodada de refrões, as backing vocals femininas atacam a melodia com toda a força, um trompete improvisado evoca as qualidades multifacetadas das gravações dos Beatles de 1967, um clavinet funky e guitarras com wah-wah preenchem o espaço, até que palmas reforçam esse arranjo eclético. 'Another Time, Another Place' está longe de ser um disco perfeito, mas esta faixa demonstra com maestria a capacidade de Ferry de se reinventar quando a inspiração realmente surge.
Menos interessante, embora executada com competência, "Funny How Time Slips Away" – uma música escrita por Willie Nelson e apresentada a Ferry por Billy Walker – é outra faixa onde a seção de metais brilha, enquanto Davy O'List improvisa com John Porter em um duelo de guitarras. Sua mistura de R&B e pop/rock coloca Ferry no molde de Joe Cocker e, embora sua banda pareça estar trabalhando muito mais do que ele próprio, os vocais têm força e, talvez mais do que em qualquer outro lugar neste álbum, uma sensação de diversão é genuinamente transmitida.
Para os fãs do material de Ferry voltado para o funk – como sua versão de "You Won't See Me" dos Beatles e uma versão solo de "Remake/Remodel" do Roxy Music, que será gravada em breve – uma gravação de "What A Wonderful World" de Sam Cooke traz algo interessante. Ela destaca o amor eterno de Ferry por músicas soul antigas, mas, mais importante, mostra o quão habilidoso ele se tornou durante a década de 1970 em dar seu toque pessoal a esses gêneros. Aqui, ele mantém a melodia vocal familiar, mas a combina com um arranjo leve de calipso. Nas décadas de 60 e 70, os músicos britânicos tinham uma fascinação pelo calipso, o que às vezes trazia resultados questionáveis; Felizmente, Ferry teve o bom gosto de interpretar a música com sua voz natural, e não com um sotaque jamaicano caricato (como na péssima versão de Carly Simon para "De Bat Fly In Me Face"), mas é justo dizer que qualquer arranjo de calipso feito por artistas de rock tende a ser datado, e este não é exceção. A música se torna mais do que palatável graças à ótima forma da banda: o baixista John Wetton (na época, membro do King Crimson) arrasa do começo ao fim, com notas fortes e vibrantes, enquanto Paul Thompson, colega de Bryan no Roxy Music, mantém um groove impecável na bateria. Há também um uso interessante de metais, que aparecem ocasionalmente de uma forma retrô, porém triunfante, e embora a música funcionasse perfeitamente bem sem uma banda de steel drum, ela está presente mesmo assim, apenas para contribuir com a atmosfera.
A obrigatória versão de Dylan vem na forma da já bastante regravada "It Ain't Me Babe". Embora não seja tão épica ou ousada quanto a interpretação de "A Hard Rain's Gonna Fall" do ano anterior, é uma ótima gravação, que desloca o foco tonal da balada folk para o soul pungente, com um arranjo que por vezes lembra a versão de "I Shall Be Released" da The Band, misturada com algo da Stax. Assim como na versão de Sam Cooke, Wetton brilha como um músico verdadeiramente inovador, mas a presença de um órgão à la Garth Hudson (tocado pelo próprio Ferry) e metais em ascensão também contribuem bastante para tornar a música mais interessante do que parece à primeira vista. Também se destaca a interpretação vibrante de "Fingerpoppin'", de Ike Turner, que eleva os metais a níveis empolgantes, reintroduz clavicórdios com influência do funk e leva os vocais de apoio a um frenesi. Quando o saxofone inicia um solo empolgante e toda a banda se entrega completamente por trás dos sons errantes do trombone, o arranjo realmente decola… Mas, ao final, fica claro que se tratava de um exercício para exibir alguns ótimos músicos de estúdio, e não de uma tentativa de Ferry de alcançar o estrelato.
Infelizmente, quando as escolhas de Ferry neste LP não funcionam, elas realmente não funcionam. É o caso da interpretação da antiga canção do crooner "Smoke Gets In Your Eyes", que tem a infeliz distinção de ser a segunda faixa do lado A, com o efeito de descarrilar o álbum em tempo recorde. Uma daquelas músicas que você ama ou odeia, na melhor das hipóteses, a versão de Ferry não é particularmente boa. Apesar de começar com um arranjo fluido de piano e cravo, a maior parte do interesse se dissipa assim que Ferry começa a cantar. Ele opta por abordar tudo de uma maneira bastante tradicional, cantando com intenção, enquanto as cordas crescem e o baixo e a bateria marcam o tempo. É apenas com um floreio orquestral no interlúdio – mais próximo de "Be My Baby" do que de qualquer coisa do repertório de antigos standards – e uma subsequente mudança de ritmo, passando da balada retrô para o rock pop animado, que as coisas melhoram. As coisas melhoram, sim – o baixo de John Wetton está preciso; A bateria está agradavelmente alta na mixagem – mas não tem jeito de negar que tudo soa extremamente brega. Cada audição evoca a mesma imagem mental de Ferry em seu modo "lagarto de lounge" total, como retratado na capa desesperadamente cafona do álbum.
Os melhores momentos do álbum correm o risco de serem completamente ofuscados por uma versão de "You Are My Sunshine". Já com décadas de existência e fora de época em 1974, a decisão de Ferry de regravar essa música no auge do glamour do glam rock parece particularmente absurda. Com a maior parte da canção executada em ritmo de lesma e com a atmosfera de uma balada de prisioneiro do sul profundo dos Estados Unidos, a versão é genuinamente deprimente. Nem mesmo os melhores esforços do trombone desesperadamente melancólico de Chris Pyne e de um saxofone meio intrusivo acrescentam nada de interessante, enquanto o grupo de backing vocals – incluindo Vicki Brown – soa meio entediado. Regravar essa velha canção fúnebre certamente foi um erro, mas optar por estendê-la para quase sete minutos a torna quase torturante. É tão ofensivamente ruim que até mesmo uma gravação sentimental de "Help Me Make It Through The Night", de Kris Kristofferson, parece melhor do que realmente é. Na realidade, esta gravação mostra Ferry em seu momento mais desinspirado, com um esforço vocal mínimo ao longo de quatro minutos, enquanto a música recicla, sem qualquer inspiração, trechos de todas as versões da faixa que você já ouviu. Muitas vezes, mesmo quando os covers de Ferry não funcionam, seu raciocínio por trás deles é claro, ou sua banda leva algo familiar para uma nova direção. Aqui, todos os envolvidos simplesmente ligam o piloto automático, como se estivessem gravando para um LP do Rod Stewart pós-1974 e pensando apenas no pagamento. Nunca chega a ser terrível, mas também não é nada interessante; se tivesse sido gravada durante as sessões do álbum anterior, talvez nem tivesse entrado no corte final.
Felizmente, no final de quarenta minutos um tanto irregulares, 'Another Time…' entrega mais uma pérola absoluta na forma da faixa-título. Talvez sua grandeza resida no fato de não ser uma releitura de algo familiar, mas sim uma composição original. Primeira música autoral de Ferry fora do Roxy Music, ela tem muito a oferecer, sugerindo que poderia facilmente ter entrado no álbum 'Country Life', se não tivesse encontrado seu lugar aqui. Ao longo de cinco minutos, a banda está em chamas: Ferry abre com um piano majestoso e um vocal em registro mais agudo que remete instantaneamente a trechos da estreia com o Roxy, antes de se ramificar para introduzir um arranjo completo onde um baixo funk sublinha um groove tenso e glam. Enquanto Wetton toca com toda a sua energia, guitarras slide agressivas desenvolvem ecos futuros de 'All I Want Is You', do Roxy; até mesmo o ritmo tem momentos que ameaçam deslizar para 'Out of The Blue', conforme a música progride. Na segunda metade da faixa, um riff lento e melancólico toma conta, permitindo que Ferry explore todo o seu potencial vocal, enquanto uma profusão de sintetizadores reforça uma atmosfera inquietante. A música em si não é memorável em termos de refrão ou outros ganchos óbvios; como as melhores músicas do Roxy Music da época, ela se insinua e se transforma antes de finalmente conquistar o ouvinte, mas quando isso acontece, torna-se uma das favoritas. É uma mudança drástica em relação aos covers de Sam Cooke e Bob Dylan, mas, em última análise, essencial tanto para elevar o nível geral de qualidade do álbum quanto para finalizá-lo com força. Junto com "Walk A Mile In My Shoes", torna muito mais fácil perdoar os deslizes de "Another Time…".
Apesar de soar como um trabalho feito às pressas em termos de seleção de músicas – ou pelo menos como um caso de alguém que aproveitou o momento oportuno – e com o tempo não sendo muito generoso, 'Another Time, Another Place' nunca foi o álbum mais essencial de Bryan Ferry, e é difícil imaginar que uma visão revisionista mude isso. No entanto, foi um sucesso em seu lançamento, alcançando o top 5 da parada de álbuns do Reino Unido – na verdade, ficando uma posição acima de 'These Foolish Things'. Também rendeu a Ferry dois singles no top 20: 'The In Crowd' e 'Smoke Gets In Your Eyes' (gosto não se discute, como diz o ditado). Décadas depois, ainda é um disco voltado principalmente para fãs, mas entre 'The In Crowd', a faixa-título e a impactante 'Walk a Mile In My Shoes', apresenta uma trilogia de clássicos incontestáveis, tornando-o digno de ser adicionado à sua coleção relacionada ao Roxy Music.
Goodnight, Dear foi relançado na Europa como "Nothin' But the Blues" pela Dixie Frog Records (França).
Com sede em Huntsville, a banda, localizada perto de diversas cidades com casas de shows de blues, realiza cerca de 200 apresentações por ano, conquistando fãs fiéis por onde passa. A banda frequentemente acompanha o mestre da gaita Jerry "Boogie" McCain e Bo Diddley quando este se apresenta no Alabama. Esses músicos de blues fizeram quatro turnês pela Europa recentemente e tocaram em diversos cruzeiros da Themequest International, o "Livin' the Blues". A lista de estrelas do blues com quem a banda já tocou inclui Koko Taylor, Bobby Bland e Lazy Lester, Kenny Neal, John Mayall e Little Milton. Gallaher relembrou um dos momentos mais marcantes de sua carreira: o dia em que Bobby Bland o chamou de bluesman. Ele disse que seu estilo de tocar guitarra vem da observação de pianistas, e tenta adaptar o que ouve na guitarra. Ele afirmou que músicos como Roosevelt Sykes, Sunnyland Slim e Otis Spann influenciaram seu estilo mais do que muitos outros guitarristas (o sempre modesto Gallaher disse que não quer constranger os grandes guitarristas dizendo que tenta soar como eles). Ele e os membros de sua banda compuseram diversas músicas, mas quando se apresentam ao vivo, não dão destaque às suas composições originais, pois não querem que o público mude sua perspectiva ao ouvi-las. Eles querem que a plateia aprecie o programa inteiro. No entanto, Gallaher sempre faz questão de reconhecer o trabalho dos mestres do blues cujas músicas a banda interpreta.
Qual o segredo do sucesso desses músicos? Microwave Dave & the Nukes querem apenas tocar a música que amam, tocar com os músicos com quem amam tocar e tocar para as pessoas para quem amam tocar — transmitindo a tradição como fizeram os mestres do blues antes deles. Quase um terço de seus shows beneficia outras pessoas, seja em programas de blues nas escolas, apresentações de sociedades de blues, concertos em presídios ou lares de idosos. E Gallaher também encontra tempo para apresentar "Talking the Blues With Microwave Dave", programa que foi indicado ao prêmio Keeping the Blues Alive em 1995, duas vezes por semana em uma rádio pública.
Simplificando, este é um grupo que quer fazer as pessoas felizes com sua música e, a julgar pela reação do público em uma apresentação recente, eles são um sucesso incrível."
Hoje, ele é o rei do blues de Chicago, reinando absoluto assim como seu ídolo e mentor, Muddy Waters, fez antes dele. Mas houve um tempo, não tão distante assim, em que Buddy Guy sequer conseguia negociar um contrato decente com uma gravadora. Os tempos certamente mudaram para melhor — os três primeiros álbuns de Guy pela Silvertone, na década de 90, ganharam Grammys. Eric Clapton declara abertamente que Buddy Guy é seu guitarrista de blues favorito, assim como muitos outros fãs ao redor do mundo.
A energia contagiante na guitarra e a energia ilimitada no palco sempre foram marcas registradas de Guy, juntamente com um estilo vocal sofrido, quase tão característico quanto seu trabalho incendiário e veloz na guitarra. Ele percorreu um longo caminho desde seus primórdios na cena blues de Baton Rouge na década de 1950 — em seus primeiros shows com o líder da banda "Big Poppa" John Tilley, o jovem guitarrista teve que tomar uma mistura nauseante de antisséptico Dr. Tichenor e vinho para afastar um caso grave de pânico de palco. Mas, quando se juntou à banda do gaitista Raful Neal, Guy já havia superado seu nervosismo.
Guy viajou para Chicago em 1957, pronto para conquistar a cidade. Mas os tempos foram difíceis inicialmente, até que ele se destacou como artista (assim como outro de seus ídolos da infância, Guitar Slim, havia feito em sua cidade natal). Não demorou muito para que o novato se estabelecesse. Ele se relacionava com a elite do blues da cidade: Freddy King, Muddy Waters, Otis Rush e Magic Sam, que apresentou Buddy Guy ao chefe da Cobra Records, Eli Toscano. O resultado foram dois singles impactantes de 1958 para a subsidiária Artistic da Cobra: "This Is the End" e "Try to Quit You Baby" exibiam uma forte influência de B.B. King, enquanto "You Sure Can't Do" era uma homenagem descarada a Guitar Slim. Willie Dixon produziu as faixas.
Quando a Cobra faliu, Guy sabiamente seguiu Rush para a Chess. Com o lançamento de seu primeiro single pela Chess em 1960, Guy não devia mais influência musical a ninguém. "First Time I Met the Blues" e sua sequência, "Broken Hearted Blues", eram blues lentos, intensos e torturados, que exibiam brilhantemente a guitarra de Guy, rica em efeitos de alavanca, e seus vocais estridentes e ferozes.
Embora ele tenha reclamado frequentemente que Leonard Chess não o deixava aumentar o volume da guitarra o suficiente, a alegação não se sustenta: o catálogo de Guy pela Chess entre 1960 e 1967 continua sendo seu trabalho mais satisfatório. A cadenciada "Let Me Love You Baby", as apaixonadas e melancólicas "Ten Years Ago", "Stone Crazy", "My Time After Awhile" e "Leave My Girl Alone", e a vibrante "No Lie" figuram entre os melhores discos de blues dos anos 60. Durante sua passagem pela Chess, Guy trabalhou arduamente como guitarrista de estúdio, contribuindo com solos para gravações de artistas como Waters, Howlin' Wolf, Little Walter, Sonny Boy Williamson e Koko Taylor (em seu sucesso "Wang Dang Doodle").
Ao deixar a Chess em 1967, Guy foi para a Vanguard. Seu primeiro LP pela gravadora, A Man and the Blues, seguiu a mesma linha impecável de seu trabalho na Chess e continha a vibrante "Mary Had a Little Lamb", mas This Is Buddy Guy e Hold That Plane! se mostraram um pouco menos consistentes. Guy e o gaitista Junior Wells eram amigos de longa data e tocavam juntos em Chicago (Guy gravou a guitarra no seminal álbum de Wells de 1965, Hoodoo Man Blues, lançado pela Delmark e inicialmente creditado como "Friendly Chap" devido ao seu contrato com a Chess). Eles gravaram juntos para a Blue Thumb em 1969 como Buddy and the Juniors (o pianista Junior Mance sendo o outro Junior) e para a Atlantic em 1970 (sessões coproduzidas por Eric Clapton e Tom Dowd), e em 1972 para o excelente álbum Buddy Guy & Junior Wells Play the Blues. Buddy e Junior fizeram turnês juntos durante os anos 70, e suas brincadeiras espirituosas foram imortalizadas em Drinkin' TNT 'n' Smokin' Dynamite, uma gravação ao vivo feita no Festival de Jazz de Montreux de 1974.
A reputação de Guy entre deuses da guitarra rock como Eric Clapton, Jimi Hendrix e Stevie Ray Vaughan era insuperável, mas antes de seu álbum vencedor do Grammy em 1991, Damn Right, I've Got the Blues, lançado pela Silvertone, ele surpreendentemente não havia lançado um álbum nos Estados Unidos em uma década. Foi então que a popularidade de Buddy Guy realmente decolou – ele começou a lotar auditórios e a aparecer na televisão aberta (David Letterman, Jay Leno, etc.). Feels Like Rain, seu segundo álbum, lançado em 1993, foi uma grande decepção artística, a menos que se aprecie a ideia bizarra de um dos maiores bluesmen do mundo fazendo duetos com o cantor country Travis Tritt e o cantor de rock exageradamente dramático Paul Rodgers. Em comparação, Slippin' In, de 1994, produzido por Eddie Kramer, foi um grande passo na direção certa, sem duetos horríveis e com uma predominância de incursões genuínas no blues. Last Time Around: Live at Legends, um trabalho acústico com seu parceiro de longa data, Junior Wells, foi lançado em 1998. Em 2001, Guy mudou de rumo e foi para o Mississippi gravar o tipo de blues modal de juke-joint apreciado por Junior Kimbrough, RL Burnside e a turma da Fat Possum. O resultado foi Sweet Tea: indiscutivelmente um de seus melhores álbuns e, ainda assim, uma completa anomalia em seu catálogo. Curiosamente, ele optou por lançar Blues Singer em 2003, outro trabalho totalmente acústico que ganhou um Grammy. Para Bring 'Em In, de 2005, ele voltou ao mesmo formato de seus primeiros álbuns pela Silvertone, com produção refinada e alguns artistas convidados. Skin Deep foi lançado em 2008 e contou com participações especiais de Susan Tedeschi, Derek Trucks, Eric Clapton e Robert Randolph. Snakebite foi lançado em 2009.
Um show de Buddy Guy às vezes pode ser uma experiência frustrante. Ele pode estar no meio de algo absolutamente arrepiante, para então interromper abruptamente no meio da música, ou ignorar seu próprio repertório vasto para oferecer imitações de Clapton, Vaughan e Hendrix. Mas Guy, cujo clube continua sendo o mais bem-sucedido ponto de encontro para fãs de blues em Chicago (você provavelmente o encontrará sentado no bar sempre que ele estiver na cidade), é sem dúvida o artista de blues reinante da Cidade dos Ventos — e ele reina com benevolência.
o mais perto que Buddy Guy provavelmente chegará de recapturar o som há muito perdido da Chess Records. Gravado ao vivo em sua popular casa noturna em Chicago, Buddy Guy's Legends, com a banda Saturday Night Live Band, do guitarrista GE Smith, e o pianista Johnnie Johnson dando um suporte exuberante, Guy revisita suas raízes em interpretações suntuosas de "I've Got My Eyes on You", "Ain't That Lovin' You", "My Time After Awhile" e "First Time I Met the Blues". Nada de solos extravagantes baseados no rock ou homenagens a Cream/Hendrix/Stevie Ray; este é o álbum de Buddy Guy que os puristas anseiam há cerca de um quarto de século.
Faixas;
01 - I've Got My Eyes On You 02 - Sweet Black Angel (Black Angel Blues) 03 - Talk To Me Baby 04 - My Time After Awhile 05 - I've Got News For You 06 - Damn Right I've Got The Blues 07 - First Time I Met The Blues 08 - Ain't That Lovin' You 09 - Let Me Love You Baby
As atividades da banda se iniciaram no dia 4 de janeiro de 1994. De lá até os dias atuais, a banda lançou sete álbuns de estúdio, sendo o mais recente trabalho lançado em 2018, "Route One"
Com o tempo, as primeiras gravações da banda chamaram a atenção da gravadora Smekkleysa / Bad Tast Records, que foi criada pelos membros da banda Sugarcubes.[8]
Em 1997,[2] o primeiro CD, Von (em português: "esperança") foi lançado comercialmente apenas na Islândia, graças ao trabalho nos estúdios na Bad Taste.[8] O álbum foi relançado em 2004 sob o selo da One Little Indian.[1][9]
No ano seguinte, foi lançada uma coletânea remixada, chamada de Von brigði. O nome é, na verdade, uma brincadeira com as palavras em islandês: Vonbrigði significa "decepção", mas Von brigði significa "variações do Von".[7][10] O álbum é também conhecido por um nome alternativo em inglês, Recycle Bin.[11]
O reconhecimento veio com o segundo álbum, Ágætis byrjun (Um Bom Começo), de 1999, lançado internacionalmente e no qual se juntou à banda Kjartan Sveinsson. A boa reputação do disco foi se espalhando pelo mundo nos dois anos seguintes. A crítica aclamou-o como um dos melhores álbuns de todos os tempos, comparando a banda com gigantes da música, como o Radiohead. Três músicas, Ágætis Byrjun, a música-título, o primeiro single, Svefn-g-englar e a então inédita Njósnavélin (que se tornaria sem título n°4) foram trilha do filme Vanilla Sky, de Cameron Crowe. Suas músicas também apareceram na série 24 Horas e no filme The Life Aquatic with Steve Zissou, e ainda em um filme da BBC, The Girl in the Café, onde se ouve Starálfur.
Após o lançamento de Ágætis byrjun, a banda ficou mais conhecida pela maneira singular com que Birgisson toca sua guitarra: com um arco de violoncelo, acentuado por um reverb, criando um efeito flutuante, único.
Em 2001, Sigur Rós comemoraram a fundação de seu estúdio com a gravação de um EP apresentando um pescador islandês chamado Steindór Andersen. O EP contém seis músicas, todas contendo Steindór Andersen recitando rímur, um estilo de métrica da poesia tradicional islandesa, com acompanhamento musical de Sigur Rós em três músicas. A última música do EP, "Lækurinn", é um dueto com Sigurður Sigurðarson. Mil cópias do EP foram lançadas e vendidas durante a turnê do primeiro semestre de 2001.
( ) (2002)
O baterista Ágúst deixou a banda após a gravação de Ágætis byrjun e foi substituído por Orri Páll Dýrason. Em 2002, o antecipado terceiro álbum () foi lançado. Nem o álbum, nem canções possuíam título, sendo a denominação do álbum "Untitled" (Sem título) e cada uma das músicas: "untitled no. 1" (sem título número 1), "untitled no. 2" (sem título número 2) etc. A banda acabou batizando-as depois em seu website com os nomes utilizados cotidianamente no trabalho da banda: Sem título 1 - vaka (o nome da filha de Orri), Sem título 2 - fyrsta (a primeira), Sem título 3 - samskeyti (anexo), Sem título 4 - njósnavélin (a máquina de espionagem), Sem título 5 - álafoss (o local do estúdio da banda), Sem título 6 - e-bow (Georg usa um e-bow em seu baixo nessa canção), Sem título 7 - dauðalagið (a música da morte), Sem título 8 - popplagið (a música pop). Todas as canções do álbum foram escritas em vonlenska (algo como esperancês), uma língua inventada por Jónsi, sem significado semântico algum, mas foneticamente parecida com o islandês. Tecnicamente uma glossolalia. Supôs-se que o ouvinte é quem deveria criar um significado particular para as letras e escrevê-lo nas páginas em branco do encarte do disco. O álbum possui um caráter minimalista tanto em sua concepção, com o fato de não ter título, nem letras, nem material artístico no encarte, como em sua composição e foi muitas vezes descrito como "atmosférico". O álbum é dividido em dois, com uma pausa de 30 segundos entre as primeiras e as últimas quatro músicas.
Em outubro de 2003, Sigur Rós se juntou ao Radiohead para compor a trilha da espetáculo Split Sides, de Merce Cunningham. As três músicas do Sigur Rós foram reunidas no EP chamado Ba Ba Ti Ki Di Do, e lançadas em março de 2004. O disco de estreia da banda, Von (1997), foi finalmente lançado nos Estados Unidos e no Reino Unido, em outubro de 2004.
Takk... (2005)
O quarto álbum, Takk..., foi lançado em 13 de setembro de 2005 e apresenta canções com um estilo intermediário entre o segundo e terceiro discos. Em entrevista para um curto documentário sobre o filme, disponível em seu website oficial, a banda disse que este poderia ser considerado o seu "álbum feliz", depois da atmosfera profunda e melancólica dos últimos álbuns. A banda explorou mais a sonoridade e a estrutura do rock do segundo disco, com uso mais amplo de guitarra, assim como o uso extensivo de pianos, teclados, celesta (emprestado da cantora islandesa Björk) e o retorno da parceria com o quarteto islandês de cordas Amiina, composto de amigas da banda. As músicas são cantadas tanto em islandês, quanto em vonlenska. A banda dispôs, em seu site, o download de Glósóli, no dia 15 de agosto. Hoppípolla, o segundo single oficial, foi lançado em 28 de novembro, junto com um remake de Hafsól (Sol do Oceano), canção do primeiro álbum Von. Ambos os singles tiveram videoclipes lançados. Hoppípolla foi amplamente usada pela BBC, tanto em alguns de seus programas, como a propaganda da série documental de natrureza, Planet Earth (Planeta Terra), quanto na cobertura dos jogos da seleção inglesa de futebol, durante a Copa do Mundo de 2006. Também apareceu no trailer do filme Children of Men. Consequentemente, a demanda pelo single cresceu, e a EMI fez aumentar a produção. O nome do álbum é a palavra islandesa para "obrigado" e foi batizado assim depois da calorosa recepção que a banda teve em sua terra natal, a que ela retribuiu com uma extensiva turnê pelo interior do país.
Um novo EP, Sæglópur, foi lançado em 10 de julho de 2006, em alguns países, e em 8 de agosto nos Estados Unidos. A previsão de lançamento do EP era 8 de maio, mas com o repentino sucesso de Hoppípolla, foi adiado. O compacto contava com três novas canções: Refur, Ó Fridur e Kafan.
Em julho de 2006, Sigur Rós terminou uma turnê mundial que passou pela Europa, Estados Unidos, Canadá, Austrália, Nova Zelândia, Hong Kong e Japão, e seguiu fazendo shows pela Islândia em julho, em diversas cidades e também em vilarejos e locais pouco habitados, gravando-os para a futura coletânea de filme, DVD e álbum ao vivo, Heima, lançado em 2007. O filme foi apresentado em diversos festivais pelo mundo em 2007 e 2008.
Með suð í eyrum við spilum endalaust (2008)
Em 2008, a banda lançou Með Suð Í Eyrum Við Spilum Endalaust. Foi o 5.º álbum de estúdio, e o primeiro a trazer uma letra em inglês, “All Alright”. O trabalho não é tão obscuro e ambiente quanto os anteriores, dando lugar a melodias mais alegres e determinadas influências do folk. Foi o terceiro disco a contar com a participação do quarteto Amiina nas cordas.
Inni (2011)
No dia 11 de agosto de 2011, o site oficial de Sigur Rós publicou um trailer do projeto chamado Inni, um DVD e um CD duplo das apresentações ao vivo em Londres, dirigido por Vincent Morisset. O filme foi apresentado no 68.º Festival Internacional de Cinema de Veneza e teve lançamento oficial em novembro de 2011.
Valtari (2012)
Valtari é o sexto álbum de estúdio da banda e foi lançado no dia 23 de maio de 2012 pelo selo Parlophone. Em uma sessão de perguntas e respostas proporcionada pela banda no Reddit, revelou-se a saída de Kjartan Sveinsson do grupo.
Kveikur (2013)
Kveikur é o sétimo álbum de estúdio do Sigur Rós, lançado em 17 de junho de 2013 pelos selos XL Recordings e Krunk. Foi o primeiro trabalho do grupo como trio, após a saída do tecladista Kjartan Sveinsson, apresentando uma sonoridade mais pesada e industrial em comparação aos álbuns anteriores.[12]
Átta (2023)
Átta é o oitavo álbum de estúdio do Sigur Rós, lançado em 16 de junho de 2023 pelos selos BMG e Krunk. O disco marcou o retorno do tecladista Kjartan Sveinsson à banda após quase uma década afastado. Gravado ao longo de vários anos, o álbum combina arranjos orquestrais com a sonoridade atmosférica característica do grupo.[13]
Vonlenska é um termo usado para definir a língua ininteligível usada pela banda. Em Inglês, Vonlenska é chamada de Hopelandic, o que seria algo como esperancês. Diferentemente de outras línguas construídas, que podem ser usadas para comunicação, Vonlenska serve somente para dar ritmo e melodia às músicas, sem uma gramática específica. Todas as músicas do álbum () são em Vonlenska.
Letras em Vonlenska
Do Álbum Von:
"Von"
Do Álbum Ágætis byrjun:
"Olsen Olsen"
"Ágætis byrjun" (final)
Do ÁlbumTakk...:
"Hoppípolla" (Seguindo a linha "En ég stend alltaf upp")
