"Walking on Thin Ice" também é o nome de uma compilação dos trabalhos de Yoko Ono de 1971/85, lançada pela Rykodisc em 1992.
terça-feira, 17 de fevereiro de 2026
YOKO ONO - WALKING ON THIN ICE - 1981
"Walking on Thin Ice" também é o nome de uma compilação dos trabalhos de Yoko Ono de 1971/85, lançada pela Rykodisc em 1992.
PAUL McCARTNEY - COME ON TO ME - 2018
"Come On to Me" foi lançada por Paul McCartney, pela Capitol Records em 20 de junho de 2018 como single, com "I Don't Know" do lado B, e também como carro-chefe de Egypt Station, o 17º álbum de estúdio de Paul. "Come On to Me" chegou ao número dez na parada Adult Contemporary Songs da Billboard, a primeira aparição no Top 10 de McCartney desde 1993. A faixa foi gravada no Henson Studios em Los Angeles, com sessões adicionais gravadas no Hog Hill Mill (Sussex) e em Abbey Road. Na véspera do lançamento de Egypt Station, McCartney cantou a música ao vivo no The Tonight Show com Jimmy Fallon.
“Come On To Me” é o tipo de música de paquera. Eu imagino a mim mesmo, provavelmente nos anos 60, indo a uma festa, vendo alguém e pensando ‘ok, como eu posso chegar nessa pessoa?’. Então, é uma canção imaginária, fantasiosa sobre um cara vendo alguém e pensando ‘nós devíamos encontrar um lugar para ficarmos sozinhos aqui, e talvez trocar informações e coisas assim. E, ei, você parece ter sorrido e dito para mim que queria muito mais do que uma conversa casual. Então, eu vou até você, ou você vem até mim?'”.
KIM CARNES - SUCESSO ESMAGADOR!
1981, sem dúvida nenhuma, foi o ano de Kim Carnes. Naquele ano, nenhuma outra música chegou sequer perto, do sucesso alcançado por “Bette Davis Eyes” na voz de uma estranha “nova" revelação da música pop - Kim Carnes, que então já tinha mais de dez anos de carreira. “Bette Davis Eyes” foi escrita em 1974 por Donna Weiss e Jackie DeShannon. Neste mesmo ano DeShannon a incluiu no seu álbum New Arrangement. Mas nada que se comparasse com a versão arrasadora de Kim Carnes. Sucesso esmagador, “Bette Davis Eyes” passou nove semanas consecutivas no primeiro lugar da Billboard Hot 100, tendo sido vendidas oito milhões de cópias do álbum Mistaken Identity, que incluía a canção. Kim Carnes, mais que merecidamente, ainda levou dois Grammys naquele ano, como “Melhor canção” e “Melhor álbum”. Ainda em 81, foi lançado no Brasil, o compacto com "It's Not The Spotlight" pela A&M, vendendo inicialmente mais de 15 mil cópias. "Spotlight" foi composta por Gerry Goffin e Barry Goldberg, e já tinha sido gravada por Rod Stewart em seu álbum Atlantic Crossing de 1975, mas que também nem se compara com o vozeirão de Kim Carnes. Na época em que explodiu, Carnes já tinha 36 anos, agora ela está com 78.
Beggars Opera "Lose a Life (a nano opera based on a true story)" (2010)
Primeiramente, um pouco de contexto: eletrossensibilidade é um termo da área da ecomediologia que descreve a sensibilidade exacerbada de uma pessoa a campos eletromagnéticos de diversas frequências, desde
eletricidade estática até micro-ondas. Segundo a Organização Mundial da Saúde, aproximadamente 5% dos indivíduos no planeta são eletrossensíveis. Essa porcentagem inclui Ricky Gardiner, líder da banda BO . Para conscientizar o público sobre esse problema incomum, porém significativo, a esposa de Gardiner, a cantora e tecladista Virginia Scott, tomou uma atitude ousada: criou uma mini-ópera baseada em sua experiência ao testemunhar o sofrimento do marido. Assim, "Lose a Life" é um álbum profundamente pessoal para ambos, "uma biografia sonora daqueles anos marcados pela minha luta contra o pesadelo da eletrossensibilidade", como Ricky descreve. Aliás, a terapia utilizada durante o tratamento de Gardiner incluía uma série de restrições ao uso de eletrodomésticos — de televisores, computadores e tocadores de CD a fornos de micro-ondas e celulares. Assim, gravar a música para "Lose a Life" é uma verdadeira façanha para o artista, agora idoso, que conseguiu inundar o disco com vibrantes partes de guitarra elétrica. Agora vamos ao que interessa.Comparado ao álbum "Close to My Heart" (2007), a criação atual do Beggars Opera...A obra não só se apresenta mais coesa, como também estilisticamente distinta. Virginia, que assumiu a direção do projeto, construiu a estrutura composicional do programa de acordo com as leis da ópera clássica. No entanto, isso praticamente não afetou os arranjos. O tom dramático da narrativa é estabelecido pela introdução "Electrofire Invasion". Esses 11,5 minutos instrumentais, em sua maior parte, se desenrolam segundo uma orquestração de teclado solene e melancólica, complementada pela execução precisa do baterista Tom Gardiner e reforçada pelos sopros estridentes dos exercícios de guitarra de Ricky. A apoteose dessa rapsódia cósmica é o grito de socorro: "Estou em perigo de incêndio elétrico... salve-me..." O episódio nº 2, "Electro Half Light", dá continuidade a esse clima de introspecção sombria à sua maneira, mesclando as linhas progressivas da ópera trance com os motivos inesperados de uma giga escocesa. "Masts on My Roof" é uma oportunidade maravilhosa para a Sra. Scott demonstrar seu talento vocal. Para um efeito ainda maior, a textura coral dos refrões é baseada em múltiplas sobreposições de vozes. E todo esse esplendor tímbrica, ressonante e cristalino, coexiste harmoniosamente com grooves distorcidos e texturas de sintetizador espaçosas, que lembram paisagens sonoras. Na faixa de andamento médio "Cosmic Tango", os riffs expressivos de cordas do gênio criativo saturam cada célula da música com correntes sinceras, enquanto a percussão polifônica e o teclado que emolduram a conclusão adicionam uma dose saudável de pathos. O ápice artístico do conceito pode ser considerado o capítulo "Dr. Carlo" – um prog-rock hipnótico criado segundo uma receita extremamente original. O desfecho da obra é o final instrumental "Tango for the End of Time", formado por um entrelaçamento complexo de passagens pseudo-sinfônicas e técnicas de hard rock de médio alcance; um esboço incomum concebido para despertar no ouvinte uma grande sede de vida.
Em resumo: um lançamento bastante forte e elegante da dupla familiar de longa data. Recomendo conferir.
St. Elmo's Fire "Artifacts of Passion" (2001)
O St. Elmo's Fire surgiu em Cleveland, Ohio, em 1979. O destino concedeu a essa banda seminal americana apenas dezoito meses de existência, após os quais
ela desapareceu da memória dos fãs. Mas a história não terminou aí. O vocalista do St. Elmo's Fire, Paul Kollar (baixo, guitarra, teclados, percussão), preservou cuidadosamente o arquivo de gravações da banda. Em 1998, ele lançou um teste na forma do álbum ao vivo "Splitting Ions in the Ether", complementado por trinta minutos de material inédito. A reação do público foi extremamente positiva, então Kollar decidiu continuar. Depois de vasculhar minuciosamente o legado criativo dos anos anteriores, ele lançou "Artifacts of Passion", marcando o retorno do St. Elmo's Fire ao público. E, honestamente, valeu a pena.As expansivas paisagens instrumentais da banda são amplamente inspiradas tanto por narrativas mitológicas do folclore europeu e asiático quanto por misteriosos artefatos arqueológicos descobertos por exploradores em tempos recentes. Daí a atmosfera de mistério indelével que permeia praticamente todas as faixas do álbum. A enigmática obra "The Dead Sea Scrolls" abre portas para o desconhecido. Sua distinta linha melódica do Oriente Médio é baseada no som ocasional do shoifer (um antigo instrumento de sopro hebraico) e em um colorido tapete de teclados, incluindo sintetizadores analógicos (como um chamberlin, um tipo de mellotron), pelos quais Jack McCarthy é o responsável. A empolgante peça "North-West Territory", composta por Kollar, apresenta uma mistura lúdica de art rock vibrante e folk animado de origem geográfica incerta. Este estudo de cinco minutos pode ser considerado essencialmente uma apresentação beneficente de Miner Gleason, cujas empolgantes partes de violino nunca cessam durante toda a performance. A monumental "Contortions of the Balrog" é talvez a melhor faixa do álbum. A influência estilística do King Crimson é clara , mas isso não indica plágio ideológico. Esta é uma das primeiras obras que Paul compôs em parceria com o guitarrista Eric Feldman. O enredo, inspirado nos heróis da famosa epopeia do Professor J.R.R. Tolkien ,, se desenrola como um intrincado filme cinematográfico. A elaboração da textura pela guitarra é particularmente eficaz – desde a paisagem sonora à la Frippe, "tensões líquidas", até os riffs agressivos e cortantes, típicos de filmes de crime. No esboço "Esmerelda", o sonhador Kollar habilmente entrelaça elementos esquemáticos de raga indiana na estrutura de uma polca pseudo-escandinava em tom menor, resultando em uma variação harmoniosa sobre o tema do choque de culturas. Concebida em 1975, "The Nemo Syndrome" é o único ponto vocal na estrutura do álbum, combinando hard rock vibrante com paisagens sonoras sintetizadas subaquáticas extremamente expressivas. O panorama subsequente não se desvia das tradições do caleidoscópio global tomado como linha geral: aqui temos um afresco acústico irlandês com raízes ("Erin & The Green Man"); um avant-rock incrível e potente, com tons carmesins ("The Abduction of the Adolescents"); Uma canção bucólica e descontraída, com forte presença da gaita de foles de Howard Sanford ("Lake Effect"); e um country progressivo completamente diferente de tudo ("Dog-Eared Page"), simbolizando o fim da festa.
Em resumo: uma curiosa jornada sonora para um público amplo de fãs de rock étnico-fusion progressivo. Altamente recomendado.
Jean-Pierre Rampal & Claude Bolling "Suite for Flute and Jazz Piano" (1975)
O fato de essa dupla ter se concretizado é um presente inestimável do destino para os fãs de experimentação estilística. O luminar do pianismo jazzístico, Claude Bollin (n. 1930), é um
compositor renomado e virtuoso intérprete, reconhecido não só na França, mas também nos Estados Unidos, desde meados da década de 1970. Já o parisiense Jean-Pierre Rampal (1922-2000), durante o período mencionado, desfrutou do status de um dos maiores flautistas de todos os tempos. Suas gravações de concertos clássicos de Vivaldi , Haydn , Bach , Telemann e outros precursores da escola sinfônica europeia alcançaram incrível popularidade entre o público exigente. Assim, ambos iniciaram sua colaboração como mestres inigualáveis – cada um em seu próprio campo. Isso tornou ainda mais empolgante para os artistas a tentativa de revelar um lado inesperado ao ouvinte.A "Suíte para Flauta e Piano Jazz" de Bollin, de 1973, foi provavelmente concebida a pensar em Rampal. Afinal, só este músico brilhante possuía as habilidades técnicas necessárias para revelar a complexa beleza das nuances sonoras e a sutil poética da suíte de câmara do Maestro Claude. No entanto, a expectativa ansiosa da colaboração com o grande instrumentista de metais era tingida por uma nota de dúvida. Será que o "acadêmico" Jean-Pierre seria capaz de captar plenamente a essência complexa do jazz? Será que ele conseguiria encontrar o tom certo e sustentar o grau necessário de intensidade emocional? Essas preocupações, porém, provaram-se completamente infundadas: Rampal tocou com tal brilhantismo e fervor espiritual que nada melhor poderia ter sido imaginado.
Ao ouvir as colisões narrativas da criação conceitual de Bollin, percebe-se subconscientemente: diante de nós está um verdadeiro panorama artístico, realizado exclusivamente por meios acústicos. Flauta, piano e seção rítmica (Max Edige - contrabaixo, Marcel Sabiani - bateria) trabalham juntos para tecer uma magia natural a partir de fios leves e etéreos. Mas, claro, os papéis principais aqui pertencem à dupla. E eles certamente não perdem a oportunidade de se declararem em toda a extensão de seus talentos. Na resposta encantadora do mago Claude, ocorre uma síntese inédita de elementos: o swing tradicional adquire uma dimensão qualitativamente nova graças a uma intricada complexidade com técnicas barrocas ("Baroque and Blue", "Fugace"); as enigmáticas escapadas do piano tornam-se mais acessíveis pelos refinados floreios neoclássicos da flauta ("Véloce"), enquanto as valsas pastorais com um toque de folclore ("Irlandaise") são surpreendentemente filtradas harmoniosamente através de um prisma jazzístico preciso. Por vezes, até mesmo os próprios membros da banda não conseguem resistir ao esplendor fantástico dos trinados cristalinos e notavelmente antiquados (um exemplo típico é "Sentimentale"), e então a melodia flui numa cascata suave, sem receio de quaisquer artifícios...
Em resumo: um lançamento luxuoso e, à sua maneira, revolucionário, que permaneceu 530 semanas nas paradas da Billboard e lançou as bases para o movimento da "música crossover". Altamente recomendado.
East of Eden "East of Eden" (1971)
No final da década de 1960, os londrinos do East of Eden eram considerados entre os inovadores do rock progressivo. Juntamente com The Nice , King Crimson , Van der Graaf Generator , Yes e Pink Floyd , eles desenvolveram artisticamente uma textura que, de uma forma ou
de outra, definiu a direção do desenvolvimento de muitos músicos amantes da arte. E fizeram isso com extrema complexidade. Deixando a pirotecnia da guitarra e do teclado para virtuosos como ELP ou Yes , a banda esculpiu composições incrivelmente interessantes baseadas no jazz, com inúmeras referências às harmonias exóticas do Oriente árabe, diluindo habilmente o coquetel encantador com ritmos de reggae e passagens acadêmicas ultrarrelevantes extraídas da obra do classicista húngaro Béla Bartók (1881-1945). Essa tática deu muito certo, como evidenciado pelo LP "Snafu", que alcançou o top 30 dos álbuns britânicos de 1970. Quase na mesma época, o East of Eden passou por outra mudança de formação , levando a uma reconsideração da direção musical da banda. David Jack (vocal, baixo, saxofone, flauta) assumiu a liderança, auxiliado pelo guitarrista Jim Roach, o violinista/instrumentista de sopro Dave Arbus e o baterista Jeff Allen. Em fevereiro de 1971, o East of Eden entrou no Islands Studios, onde gravou seu terceiro álbum.O material, composto exclusivamente pelo maestro Jack, presenteou os fãs extasiados com uma mistura impecável e robusta de blues-prog tenaz, generosamente adornada com as vinhetas de violino de Arbus. Suas partes marcantes na faixa de abertura, "Wonderful Feeling", cortando a paisagem sonora, são verdadeiramente notáveis. Sem querer diminuir as contribuições dos outros instrumentistas, é Dave Arbus quem realmente brilha aqui. O ponto alto sensual do programa é a deslumbrante e divertida balada "Goodbye", com os vocais roucos de David e o violão discreto, uma seção rítmica sólida e belos solos de flauta do virtuoso Arbus. Após essa digressão lírica, a sedutora e funk "Crazy Daisy" se torna uma audição particularmente cativante. Na obra-prima visceral "Here Comes the Day", East of Eden entrega uma dose simplesmente matadora de blues prog pesado, deixando os fãs de música retrô sem palavras. Esse turbilhão quente certamente envolverá qualquer um que esteja familiarizado com os nomes The Yardbirds e Led Zeppelin.Uma inversão singular da peça mencionada anteriormente é o estudo soberbamente orquestrado "Take What You Need", também enraizado nas complexidades da escala blues. A faixa mais progressiva é o belíssimo esboço "No Time", cujos horizontes se estendem do folk e da psicodelia ao puro avant-garde noise. Com a composição final virtuosa "To Mrs. V" (saxofone vibrante, baixo pulsante e cordas intensas), a banda, liderada por David Jack, entrega um final ousado para o deleite de uma plateia receptiva.
Em suma: um magnífico exemplo de blues-rock progressivo, que recomendo de coração a uma ampla gama de amantes da música.
Janne Schaffer "Stämningsfullt - En Vinterresa" (2009; 2 CD)
Lançar álbuns temáticos por volta do Natal é quase uma tradição para muitos artistas na Europa e nos Estados Unidos. Assim, em 2009, às vésperas do feriado, a figura de proa da cena da guitarra sueca , Janne Schaffer
, decidiu presentear o público com uma coleção de músicas excepcionais. Esta extensa compilação de 32 faixas abrange um período significativo de 20 anos – de 1985 a 2005. No entanto, as peças são tão habilmente estruturadas que criam uma impressão surpreendentemente coerente (ainda que não conceitual). O primeiro disco, intitulado "Christmas Spirit", não reserva grandes surpresas. Trata-se, de fato, de uma coleção de hinos tipicamente sublimes que cumprem plenamente o tema proposto. Curiosamente, das dezesseis faixas incluídas, apenas uma ("Som ett nyfött barn") é de autoria de Schaffer. A maior parte das peças, porém, são arranjos de melodias tradicionais suecas, apropriadamente repaginadas em um estilo art-rock (os arranjos são de autoria do organista Leif Strand). Apoiadas pelo coro juvenil Nacka sångenensemble , as peças expressam claramente uma força espiritual com um toque de pathos apropriado. A maestria sutil de Janne está oculta por trás de uma abundância de partes vocais e de teclado (aliás, praticamente todas as músicas contam com dois ou três tecladistas simultaneamente — o já mencionado Strand, Bo Westman e, às vezes, até mesmo o próprio maestro Björn Jason Lindh ) que evocam a obra contemporânea de Vangelis . Somente em raras passagens sem palavras (como "Det är en ros utsprungen" ou "Som ett nyfött barn") é que a execução matizada de Schaffer se destaca. Entre as obras solenes e tranquilas, destacam-se: a dançante "Klang min vackra bjällra", com seu clima lúdico e a flauta espirituosa do velho Björn; O truque artístico étnico-folk "Vi ska ställa till en rolig dans / Räven raskar över isen", também apoiado pelos metais e pela sólida paleta de contrabaixo de Lars Danielsson ; além do pungente estudo atmosférico ambiente "Adventsland", trazido à vida por Lind, sozinho. Mas essas são joias isoladas, espalhadas pelo plano geral como isca. A seção mais intrigante no contexto do lançamento, sem dúvida, é o CD nº 2, intitulado "Instrumentala klassiker" (a tradução, creio eu, não é necessária). É aqui que ocorre o verdadeiro milagre da transformação sonora, algo que todo admirador do talento de Janne Schaffer tem o direito de esperar . Surpresas espreitam literalmente a cada esquina. Isso inclui motivos de "Stairway to Heaven", do Led Zeppelin, organicamente integrados à estrutura do estudo solo "Tid", e a cativante e emotiva rapsódia nórdica "Norrland", com as incomparáveis passagens de flauta de Björn Lind .E o comovente esboço neoclássico "Claire", delicadamente matizado pelo som da seção de cordas da Orquestra Sinfônica da Rádio Sueca... Para os amantes do prog fusion, há uma coletânea de "delícias" ("Berzelii park", "En hemlighet", "Förspel till månen", "Jag vill ha en egen måne", etc.). Mas a verdadeira essência reside nas histórias que penetram os recônditos da alma. As composições emblemáticas de Lind ("Brusa högre lilla å", "Morgon i Älgå", "Härifrån till evigheten"), interpretadas por Janne e com o total apoio do autor, renascem, imbuídas de calor, profundidade e sabedoria, adquirindo o status de contos atemporais que podem curar com mais eficácia do que qualquer remédio. Isso também foi apreciado pelos ouvintes, graças aos quais "Stämningsfullt - En Vinterresa" passou uma semana na posição 51 da lista dos 60 álbuns mais vendidos da Suécia em 2009.Em resumo: uma coleção brilhante de performances capaz de satisfazer os gostos dos amantes de música mais exigentes. Não recomendo perder.
Silk Degrees (Columbia Records, 1976), Boz Scaggs
Poucos discos carregam nas veias o exato instante em que um artista encontra o próprio destino. William Royce Scaggs, ou simplesmente Boz Scaggs, vinha de uma trajetória marcada por frustrações elegantes: bons álbuns, ótimas resenhas, e um lugar cativo nos círculos “de culto”, mas nunca um verdadeiro toque de ouro popular. Cantor de voz macia como um veludo envelhecido, criado entre o blues texano e a soul music das cidades negras americanas, ele cruzou os anos 1960 entre bandas como Steve Miller Band, discos intimistas e retomadas constantes — até chegar a 1976. Aquele ano, para Boz Scaggs, não foi apenas um ano: foi uma revelação sonora chamada Silk Degrees.
Gravado em Los Angeles com músicos que, pouco depois, formariam o grupo Toto, Silk Degrees é um tecido sonoro incrivelmente bem costurado entre funk brando, soul sofisticado, pop urbano e baladas que flutuam como barcos numa baía. Um disco feito de groove adulto, com arranjos que brilham sem excessos, como um terno sob medida. É o momento em que Scaggs, então com 32 anos, deixa de ser promessa e se torna referência. Nada ali é casual: a escolha dos músicos, a precisão da produção, o repertório calibrado com mão de alfaiate. Tudo sob a batuta de Joe Wissert, que sabia reconhecer um disco histórico à distância.
Antes de Silk Degrees, Scaggs já colecionava álbuns interessantes — Moments (1971), My Time (1972), Slow Dancer (1974) — mas sempre transitando entre gêneros sem encontrar o ponto exato de combustão comercial. Slow Dancer já mostrava uma guinada soul mais madura, graças ao produtor Johnny Bristol (1939-2004). Mas foi em Silk Degrees que o músico encontrou um idioma próprio: um soul branco com acento californiano, de alma negra mas pele pop, envolto em cordas e metais que pareciam cintilar à luz do sol de Hollywood.
Depois do disco, veio o reconhecimento definitivo: Grammy de “Melhor Canção de R&B” com “Lowdown”, milhões de cópias vendidas (mais de cinco milhões só nos EUA), posição nº 2 na Billboard 200, repercussão em rádios pop, soul e adult contemporary — algo raríssimo. Foi o trampolim para que David Paich, Jeff Porcaro (1954-1992) e David Hungate formassem o Toto, ao mesmo tempo em que consolidava Boz Scaggs como um dos nomes mais elegantes daquela geração.
A sonoridade de Silk Degrees é um convite à contemplação. É soul de gravata, funk de sapato italiano, mas com o coração palpitando como os grandes clássicos de Marvin Gaye (1939-1984) ou Smokey Robinson. As faixas passeiam entre o pop dançante, a balada de orquestra e o R&B com leve perfume de discoteca. Há ali uma sensualidade discreta, elegante, que nunca cai no exagero. Tudo é medida e sutileza.
A crítica percebeu rápido. O Village Voice chamou o álbum de “white soul com senso de humor”. Para Alex Henderson, do AllMusic, Scaggs havia encontrado um R&B acessível sem perder substância. E o público confirmou — quatro singles estouraram: “It’s Over”, “Lowdown”, “Lido Shuffle” e “What Can I Say”. A balada “We’re All Alone”, quando regravada por Rita Coolidge, viraria outro sucesso mundial. Silk Degrees virou sinônimo de refinamento pop, educando os ouvidos de uma geração inteira sobre o que era soul adulto.
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| Imagem do encarte do álbum Silk Degrees. |
Silk Degrees começa com um golpe certeiro e irresistível: “What Can I Say” já chega pulsando em um groove que parece feito para sorrir. Os sopros embebidos na alma da Filadélfia, o baixo colado na pele e os teclados de David Paich formam uma abertura tão envolvente que é impossível não entrar no clima. Pop com alma, pop com carne. Logo depois, “Georgia” desliza como uma estrada melancólica vista da janela. Cordas sofisticadas, falsete triste e elegância absoluta, como se a dor vestisse terno e luvas. É soul branco com pedigree, lembrando hits do início dos anos 1970, mas com um refinamento maior, como se escapasse por pouco da palavra “clássico”.
Em “Jump Street”, o disco dá uma guinada para algo mais esfumaçado, um rock sujo com slide guitar que lembra Faces e um clima de pub londrino. Não é a faixa mais inspirada, mas quebra a doçura com uma pitada de suor honesto. Na sequência, “What Do You Want the Girl to Do” traz o Boz mais descontraído, quase levitando sobre os sopros festivos e os vocais de apoio femininos. A leveza é contagiante e o diálogo entre voz e sax cria um daqueles instantes pequenos e inesquecíveis que ficam na memória muito depois que a canção termina.
“Harbor Lights” encerra o lado 1 num tom profundamente melancólico – uma balada marítima, cheia de mares e distâncias que parecem autobiográficas. A voz de Scaggs repousa sobre o Rhodes como se buscasse um pouco de abrigo no próprio som. Triste, suave e bonita, como um bilhete deixado no cais. E então vem “Lowdown”, abrindo o lado B com majestade. Aqui, tudo se encaixa: o funk contido como uma pantera em câmera lenta, o falsete sedutor, os sopros, a guitarra no ponto exato. É a música que deu identidade ao álbum e, em muitos sentidos, o seu coração groove.
“It’s Over” mantém o charme com um soul pop à moda californiana, lembrando Elton John sem imitação. Um piano vibrando sob o sol, refrão que fica na cabeça e aquele clima de conversível cruzando Venice Beach. Já “Love Me Tomorrow” traz um reggae leve misturado com soul, timbales que preveem o Toto, e um groove ensolarado que parece feito para o fim de tarde. Nada grandioso – justamente por isso, delicioso.
A seguir, “Lido Shuffle” explode como a faixa mais divertida e espontânea do disco. Pausas, retomadas, metais brilhando e um refrão que convida ao canto coletivo. Como um primo extrovertido do Steely Dan: menos cerebral, mais calor humano. É difícil não se pegar cantando o “Whoa-oh-oh-oh” antes do refrão. E o fim chega com perfeição em “We’re All Alone” – balada cintilante, cordas que abraçam e Boz cantando como um Sinatra da era disco, cheio de controle emocional, mas transbordando sentimento. É despedida arrebatadora: uma chuva fina que cai devagar, deixando o ouvinte imóvel, em silêncio, depois que o som termina.
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| Detalhe da foto da capa do álbum. |
Silk Degrees passou 115 semanas na Billboard, vendeu mais de cinco milhões de cópias, ganhou Grammy e transformou “Lowdown” num hino do soul adulto. E o mais impressionante: envelheceu bem. Ainda toca em rádios de smooth jazz, em playlists retrô, em bares elegantes. É daqueles discos que não dependem da nostalgia — eles geram a nostalgia.
Jornais elogiaram o casamento entre produção sofisticada e feeling verdadeiro. Outros disseram que o disco era "perfeito até demais", quase anônimo de tão redondo — mas esse é justamente seu charme. Um álbum sem arestas, mas cheio de alma.
Para Boz Scaggs, aquele disco não foi apenas sucesso. Foi consagração. Aos 32 anos, ele provou que um artista branco podia dialogar com a tradição negra da soul music com respeito, amor e sofisticação, sem cair em caricaturas. A carreira seguiria com bons discos, mas Silk Degrees permaneceu como o Everest – o ponto mais alto, onde tudo se alinhou: voz, repertório, músicos, produção e clima cultural.
Ele mesmo disse que ao ouvir os playbacks em 1975, sabia que algo especial tinha nascido. Foi ali que assinou com o empresário Irving Azoff, preparando o terreno para a explosão. O resto é história gravada em vinil.
Após tantas décadas desde o seu lançamento, o que Silk Degrees nos diz? Talvez que ainda existe lugar para discos elegantes, maduros, com suingue e sentimento, feitos sem pressa, em que cada nota respira. Mas será que ainda se fazem álbuns tão genuínos — comercialmente bem-sucedidos, artisticamente impecáveis — como esse?
Essa é a beleza do disco: ele ainda soa verdadeiro. E talvez a grande pergunta que ele nos devolve seja justamente essa: hoje, em meio a algoritmos e pressa, ainda temos espaço para um álbum tão adulto, tão refinado, tão cheio de alma quanto Silk Degrees?
Faixas
Lado 1
- "What Can I Say" (Boz Scaggs - David Paich)
- "Georgia" (Scaggs)
- "Jump Street" (Scaggs – Paich)
- "What Do You Want the Girl to Do" (Allen Toussaint)
- "Harbor Lights"(Scaggs)
Lado 2
- "Lowdown" (Scaggs – Paich)
- "It's Over" (Scaggs – Paich)
- "Love Me Tomorrow" (Paich)
- "Lido Shuffle"(Scaggs – Paich)
- "We're All Alone"(Scaggs)
"What Can I Say"
"Georgia"
"Jump Street"
"What Do You Want the Girl to Do"
"Harbor Lights"
"Lowdown"
"It's Over"
"Love Me Tomorrow"
"Lido Shuffle"
"We're All Alone"
DE Under Review Copy (ENTES QUERIDOS)
ENTES QUERIDOS
Em 1985 ficaram em 2º lugar no Festival Nacional da Nova Música Rock e foram considerados banda revelação do ano e esperança de 1986. Em 1986, com um novo vocalista, Lourenço Rocchi (ex-Culto da Ira), mudam de nome para Fado Colorado e concorrem ao 3º Concurso RRV. Os outros elementos eram Jorge Paxá (bateria), Hermínio Tavares (guitarra), Rogério Correia (baixo), Alfredo Allen (guitarra) e José Augusto (percussão). Zé Augusto (voz), Herminio Tavares (guitarra), Rogério Paulo (baixo) e Jorge Costa (bateria) retomam a designação Entes Queridos e em 1987 gravam a cassete "Desta Vez Para Sempre...", editada em regime de edição de autor. Entre 1987 e 1988, Herminio Tavares toca com os GNR com quem grava o EP "Videomaria". Depois de 8 meses nos GNR volta aos Entes Queridos. Em 1990 gravam o teledisco de "A Bela Aurora" para o programa Pop Off. O grupo é um dos finalistas do Concurso Rock/Pepsi. José Augusto Pereira (voz e teclas), Jorge Costa (bateria), João Alírio (baixo) e Hermínio Tavares (guitarra) gravam o álbum "Folhas Caídas", produzido pelo grupo e por Fernando Augusto Rocha, que é lançado pela MTM. Ricardo Nunes (Af Gang) participa nos coros e Pedro Abrunhosa (A Maquina do Som) toca contrabaixo no tema "Dentro do Jardim".
DISCOGRAFIA
DESTA VEZ PARA SEMPRE [Tape, Edição de Autor, 1987]
FOLHAS CAÍDAS [LP, MTM, 1991]
CASSETES
Demo Tape 1988 (8 Temas, 30:25)
Guimarães 1988 (6 temas, 24:56)
Demo Tape 1990 (7 Temas, 24:37)
DESTA VEZ PARA SEMPRE [Tape, Edição de Autor, 1987]
FOLHAS CAÍDAS [LP, MTM, 1991]
CASSETES
Demo Tape 1988 (8 Temas, 30:25)
Guimarães 1988 (6 temas, 24:56)
Demo Tape 1990 (7 Temas, 24:37)
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