ROCK ART

 

Quilapayun - Basta (1969)

 O grupo chileno Quilapayún formou-se em 1965, compondo letras inspiradas em questões sociais do país e combinando-as com arranjos musicais autóctones. Em 1966, a banda conquistou o primeiro lugar no Festival de Festivales, lançando seu primeiro álbum no mesmo ano. O cantor e compositor folclórico Victor Jara auxiliou a banda na promoção de sua música e na produção do álbum Canciones Folkloricas de America. Como embaixador da Nova Canção Chilena, o Quilapayún realizou sua primeira turnê europeia em 1968. Devido às mudanças políticas e sociais no Chile no início da década de 1970, o grupo viveu em outros países por mais de uma década.

Basta (Chega!/Das genügt!) é um álbum lançado por Quilapayún em 1969. Reúne uma coleção eclética e diversificada de canções populares/folclóricas e hinos de diferentes partes do mundo: da América Latina, da antiga URSS e da Itália. Este álbum inclui "La muralla"/O muro - uma das canções folclóricas mais populares da América Latina - baseada no texto de um poema do poeta cubano Nicolás Guillén.

Os arranjos vocais são meticulosos na maioria das canções e atingem seu ápice nas gravações de "Bella Ciao", "Por montañas y praderas" e "Patrón". Este álbum – assim como X Vietnam – exemplifica uma das características mais inovadoras e distintivas da Nova Canção Chilena: seu internacionalismo.



A declaração a seguir foi feita por Quilapayun e constava nas notas do encarte do álbum original Basta, lançado em 1969 , e na reedição do álbum na Itália, em 1974. (Portanto, não está presente nesta edição). Esta declaração, contudo, pode não constar nas reedições em CD mais recentes desta gravação.

A importância do papel que a arte desempenha para os movimentos revolucionários do nosso povo foi abordada pela primeira vez em nosso país por uma carta histórica – que serve de introdução a esta gravação – assinada pelo primeiro líder da causa proletária no Chile, Luis Emilio Recabarren.

Desde a sua criação, o nosso grupo definiu o seu trabalho como comprometido com os interesses do proletariado e não ocultou, nem jamais ocultará, os seus objetivos políticos. Isto nasce da necessidade de permanecermos sempre fiéis à verdade nascente que impulsiona e mobiliza o nosso povo rumo à hora da sua autêntica realização histórica.

Todos os artistas que têm a oportunidade de dedicar seu trabalho à causa revolucionária devem fazê-lo, cumprindo assim não só sua responsabilidade para com a classe trabalhadora, mas também para com a própria arte. Em uma era de exploração e miséria, de subjugação, de guerras cruéis e injustas, de egoísmo desenfreado e de repressão que viola a vontade do povo, que busca se libertar do imperialismo e do capitalismo, os artistas que se mantêm neutros e se beneficiam de sua posição privilegiada na sociedade – que, de mil maneiras, visa suborná-los e aliená-los – traem a própria essência da arte.

Uma essência que anseia por libertar, educar e elevar a humanidade.

A sociedade burguesa quer que a arte seja mais um fator que contribui para a alienação social; nós, artistas, devemos transformá-la em uma arma revolucionária, até que a contradição existente entre arte e sociedade seja finalmente superada.

Essa superação se chama revolução, e seu motor e agente fundamental é a classe trabalhadora. Nosso grupo, fiel aos ideais de Luis Emilio Recabarren, vê seu trabalho como uma continuação do que já foi alcançado por muitos outros artistas populares/folclóricos. Este lado das trincheiras foi ocupado por artistas cujos nomes estão para sempre ligados à luta revolucionária do nosso povo; o primeiro Luis Emilio Recabarren, os mais recentes: Violeta Parra e Pablo Neruda. O exemplo que nos deram é a luz que nos guia.

Lista de faixas:

1. “A la mina no voy” (Não volto à mina) (Folclore colombiano)
2. “La muralla” (O muro) (Nicolás Guillén - Quilapayún)
3. “La gaviota” (A gaivota) (Julio Huasi – Eduardo Carrasco)
4. “Bella ciao” (Folclore italiano - Hino dos Partisans italianos)
5. “Coplas de Baguala”/Canções Copla de Baguala (Folclore argentino)
6. ”Cueca de Balmaceda” (Dança Cueca para Balmaceda) (Popular)
7. ”Por montañas y praderas (Sobre montanhas e pradarias) (Hino do Exército Vermelho Soviético)
8. ”La carta” (A carta) (Violeta Parra)
9. ”Carabina 30-30" (da Revolução Mexicana)
10. ”Porqué los pobres no tienen...” (Porque os pobres não têm...) (Violeta Parra)
11. ”Patrón” (Senhorio)(Aníbal Sampayo - povo uruguaio)
12. ”Basta ya” (Das genügt!) (Atahualpa Yupanqui)

Pessoal

* Eduardo Carrasco
* Carlos Quezada
* Willy Oddó
* Patricio Castillo
* Hernán Gómez
* Rodolfo Parada

MUSICA&SOM ☝

Quilapayun - Umbral (1979)

 Entre os discos pertinentes à discografia de Quilapayún são os mais fortes, podemos apresentar o salto do canto político para a criação e o surrealismo. Vozes e música, uma grande combinação.

01 Arriba en la Cordillera
02 El Arbol de los Libres
03 Ronda del Ausente
04 La Vida Total
05 Paloma Quiero Contarte
06 Complainte de Pablo Neruda
07 Transiente
08 Canción Para Victor Jara
09 Vamos Mujer
10 Discurso del Pintor Roberto Matta
11 Quand Les Hommes Vivront d'Amour
12 Americas (Cantate Popular)

MUSICA&SOM ☝

Klaus Shulze - Picture Music (1975)

 

                                Excelente adição a qualquer coleção de rock progressivo.
4 estrelas . Embora Irrlicht seja provavelmente mais importante historicamente, por ter sido lançado primeiro, Klaus Schulze atinge rapidamente a maturidade com este álbum. De certa forma, a música é muito semelhante à do Tangerine Dream (grupo que ele ajudou a fundar com Edgar Froese, mas do qual saiu após o primeiro álbum), mas também é possível reconhecer claramente que este álbum é uma obra de Schulze. Nessa época, o uso de sequenciadores era relativamente comum (como com Eno, Jarre e Oldfield), mas esta ainda era claramente uma música ousada.



Hoje, com a tecnologia moderna, é fácil descartar um álbum como esse dizendo que eles conseguiram fazer isso porque foram os primeiros a possuir sintetizadores, mas naquela época, apenas uma pessoa verdadeiramente aventureira (como as mencionadas acima) poderia ter criado sons tão incríveis. Não tão excelente quanto Timewind ou Blackdance, mas ainda assim vale muito a pena ouvir. 

4 estrelas. "Picture Music" foi gravado em 1973, mas só foi lançado em 1975 por algum motivo. Este é um álbum significativo, pois Klaus introduz aquelas batidas pulsantes que o TANGERINE DREAM ainda não havia começado a usar. É muito mais fácil de digerir do que seu álbum de estreia, "Irrlicht", embora haja uma passagem em "Mental Door" que é um pouco difícil. O álbum apresenta duas suítes que ocupam um lado inteiro do disco. "Totem" apresenta batidas pulsantes enquanto dois sons diferentes, semelhantes a sintetizadores, tocam por cima e ao redor, criando uma paisagem sonora espacial. O ritmo acelera após 12 minutos e se estabiliza um pouco aos 19 minutos, quando a batida para. O órgão entra no final, e a música termina em um tom bem espacial. "Mental Door" também é espacial, com diferentes sons entrando e saindo da paisagem sonora cósmica. Um som mais alto e desconcertante surge com ruídos trêmulos aos 8 minutos. Eu gosto quando a bateria entra depois dos 9 minutos. A intensidade é liberada após 17 minutos e meio. Isso soa muito melhor à medida que se torna espacial com a excelente bateria de Klause. Pensei que ele tivesse se aposentado da bateria. Haha. Ótima maneira de encerrar o álbum. Imperdível para os fãs de prog eletrônico.

Faixas

: 1. Totem (23:34)
2. Mental Door (23:03)
Duração total: 46:37

Músicos:

Klaus Schulze / todos os instrumentos

MUSICA&SOM ☝

Claudio Rocchi ~ Italy

 

Essenza (1973)

Essenza é o quarto álbum solo de Claudio Rocchi. A primeira faixa apresenta vozes com efeito de phasing, tablas, sintetizadores com drones (semelhantes aos primeiros trabalhos de Battiato) e a voz de um menino recitando algo em italiano. Isso me lembra o álbum de estreia do Picchio dal Pozzo e me arrepia. Outras faixas contam com flauta, saxofone, órgão, piano e bastante violão dedilhado. Rocchi canta de uma maneira muito peculiar, embora não tão diferente de outros artistas do mesmo estilo na cena italiana dos anos 70. Aliás, algumas partes me lembram o álbum de Sergius Golowin, considerando a evidente atmosfera psicodélica. O efeito de phasing contribui bastante para essa percepção.

E 21 anos depois, estou de volta para uma revisita. A resenha acima certamente resume meu ponto de vista atual. Não mencionei que há um elenco de apoio considerável para Rocchi neste trabalho, principalmente a dupla que formou o Albergo Intergalattico Spaziale, além de Elio D'Anna, do Osanna. A música pertence tanto ao folk quanto ao rock progressivo. Como observado na recente resenha de Arturo Stalteri sobre Andre Sulla Luna, a comparação automática é com Franco Battiato, embora não seja totalmente precisa. Alan Sorrenti, da época do Aria, seria outra referência. Algumas das passagens de teclado me lembram Stalteri, aliás.

BIOGRAFIA DOS Gwendal

 

Gwendal

Gwendal é uma banda francesa de música celta e bretã.

Fundada no outono de 1972 por Jean-Marie Renard e Youenn le Berre (Primeiro Prêmio do Conservatoire de Brest em flauta) .

Constituição do grupo

• Jean-Marie Renard (1972-81) - guitarras
• Youenn le Berre - flauta, gaitas, bombardas
• Robert Le Gall (1975-) - violino, guitarra
• François Ovide (1981-...) - guitarras

e vários músicos mais ,variando com o tempo

Discografia

• Irish Jig (1974)
• Joe can't reel (1975)
• Rainy day (À vos désirs) (1977)
• 4 (Les mouettes se battent) (1979)
• En concert (1981)
• Locomo (1983)
• Danse la musique (1985)
• Glen river (1989)
• Pan Ha Discan (1995)
• War Raog (2005)
• The rolled tit

Recompilatórios

• Les Plus Belles Chansons de Gwendal (1994)
• Aventures Celtiques (1998)

MUSICA&SOM ☝

Os Replicantes - "O Futuro é Vortex" (1986)

 

"A fudê!"

final de "Porque Não"

A palavra “Vortex” já significou muitas coisas na minha vida. Meu primeiro encontro com ela foi em meados dos anos 70, numa máquina de fliperama, aquelas antigas, de bolinha, imortalizadas no musical “Tommy”.  Os desenhos da máquina eram futuristas, misturando sexo e violência em doses perfeitas para a adolescência.  Na minha interpretação, esses desenhos representavam um planeta distante, cheio de monstros e mulheres maravilhosas. Eu jogava e, mesmo perdendo as cinco bolas rapidamente, curtia o visual.

Lá pelo final de 1983, Os Replicantes estavam fazendo suas primeiras músicas, e eu, as primeiras letras. Creio que “Nicotina” (grande letra do Cláudio Heinz) foi a primeira canção a ficar pronta.  E, logo depois, numa ordem difícil de recuperar, vieram “Ele quer ser punk”, “Porque não”, “O princípio do nada” e “O futuro é Vortex”.  Com certeza aquelas imagens da velha máquina de fliper ajudaram na evocação de um planeta hostil em que “pra comer tem que matar”. Quando lançamos nosso compacto-duplo, uma das quatro músicas era “O futuro é Vortex”, e, na hora de escolher o nome do nosso selo, foi fácil: selo Vortex.

Alguns anos depois, na hora de decidir como o nosso primeiro LP se chamaria, alguém sugeriu (provavelmente eu mesmo, mas não tenho certeza) que o disco se chamasse “O Futuro é Vortex”. Foi uma  boa escolha. Ele estava cheio de canções de ficção científica, e esse título era uma boa síntese. A palavra voltaria na nossa primeira fita VHS, “Os Replicantes em Vortex”. Enfim, aquele planeta parecia ser um bom local para Os Replicantes quando eles fugiam da Terra.

Em 1987, quando a banda resolveu abrir um lugar para ensaiar, vender fitas cassete e beber cerveja (mas eu bebia conhaque...) o nome ficou Vortex. Não creio que foi falta de imaginação, e sim a vontade de usar uma marca que já estava plenamente identificada com a estética da banda. O bar (ou o que quer que fosse) durou apenas um ano, mas que ano... Dezenas de lançamentos, dezenas de shows transmitidos por circuito fechado, dezenas de noites memoráveis com os amigos, regadas a punk rock e loucura. O bar Vortex faz parte das memórias afetivas de muita gente.

Finalmente, Vortex também foi o nome de fantasia da produtora de vídeo que tenho em sociedade com a Luciana Tomasi, que nasceu como “Invideo”, lá em 1982. No final dos anos 90, achamos que “Invideo” era muito careta e mudamos para... “Vortex”. A denominação veio até 2011, quando saímos da Casa de Cinema e resolvemos mudar para “Prana Filmes”. Hoje, portanto, Vortex é uma máquina de fliper que não existe mais, um bar que não existe mais, um nome de fantasia que não existe mais, um selo musical que não lança nada há uns 20 anos (mas quem sabe, no futuro...), um LP fora de catálogo e uma fita VHS que ninguém consegue ver mais. Mas “O futuro é Vortex”, a música, ainda está  muito viva. No show dos Replicantes, dia 9 de dezembro, será executada, com pompa e circunstância, celebrando os 30 anos da banda. Quem viver, verá.  Mas, cuidado!, o futuro é Vortex.

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FAIXAS - "O Futuro é Vortex":

1. "Boy do Subterrâneo" (Carlos Gerbase, Heron Heinz) – 2:22
2. "Surfista Calhorda" (Carlos, Heron) – 3:30
3. "Hippie-Punk-Rajneesh" (Carlos, Heron) – 2:43
4. "One Player" (Carlos, Cláudio Heinz) – 2:43
5. "A Verdadeira Corrida Espacial" (Carlos, Cláudio) – 2:24
6. "O Futuro é Vortex" (Carlos, Heron) – 2:17
7. "Choque" (Carlos, Heron) – 3:03
8. "Ele Quer Ser Punk" (Carlos, Cláudio) – 2:06
9. "Motel da Esquina" (Cláudio) – 2:24
10. "Mulher Enrustida" (Cláudio, Heron) – 0:52
11. "Hardcore" (Carlos, Heron) – 2:20
12. "O Banco" (Heron, Luciana Tomasi) – 2:19
13. "Censor" (Carlos, Heron) – 2:01
14. "Porque Não" (Carlos, Cláudio, Heron) – 1:14

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Ouça:

Os Replicantes- O Futuro é Vortex

Red Hot Chilli Peppers - "Blood Sugar Sex Magik" (1991)

 

"They're Red Hot"

Robert Johnson

Eles pintaram como uma interessante surpresa ali pela metade do anos 80 com sua mistura rock-funk-rap. Não que aquilo fosse uma absoluta novidade, mas o som daqueles malucos do Red Hot Chilli Peppers trazia um pouco mais de malícia, de tempero, de pimenta. Mas tinha outro diferencial em relação a outras bandas que tentassem fazer aquele tipo de som: um baixista habilidosíssimo de formação no hard-rock e punk, mas de influências jazzísticas notórias.
Os primeiros discos da banda causaram boa impressão, prometiam mas não pareciam tirar o máximo que eles podiam dar, em "Mother's Milk" de 1989 já mostravam um som mais encorpado, mas foi em "Blood Sugar Sex Magik" de 1991, seu 5° trabalho que os Red Hot Chilli Peppers, com a ajuda do mestre de estúdio, Rick Rubin, conseguiram lapidar seu som e produzir uma das obras-primas dos anos 90.
O funk dos caras estava calibrado, as composiçõe mais ousadas e seguras, as tentativas iam na mosca e Flea, o homem do baixo, estava, especialmente, endiabrado.
"The Power of Equality" vem à frente já para comprovar tudo isso: com uma linha de baixo swingada, a guitarra preenchendo os espaços e o vaocal rappeado de Kieds, abre o disco em grande estilo.
"If You Have to Ask" tem um refrão totalmente Funkadelik, num funk à antiga com uma guitarra novamente muito bacana. Aliás, mesmo sem grandes arroubos, com um estilo discreto, jogando mais pro time do que em nome da glória pessoal, o guitarrista John Frusciante mata a pau em várias como na gostosa "Apache Rose Peacock", na embalda "Funky Monks" e na selvagem "Greeting Song".
Com uma evidente ão do produtor, "Breaking the Girl", uma das grandes dos disco, é ousada em sua concepção com suas influências indianas, instrumentação com flautas e com ênfase no trabalho de bateria e percussão.
Não há como não destacar "Give It Away", o grande hit do álbum. Um funkaço alucinado com um a guitarra retinindo, uma incrível linha de baixo sinuosa e escorregadia, e um dos refrões mais bacanas e originais da história do rock.
Na sequência já vem outra das minhas preferidas onde uma batida marcada e pesada seguida de um riff com wah-wah apresentam "Blood Sugar Sex Magik" que tem outra interpretação marcante de Anthony Kieds, quase sussurrando nos versos e expplodindo em vigor nos refrões.
E tem a ótima "Suck My Kiss", forte ,aressiva e pesada; "The Righteous and the Wicked " com outro baixão mataror de Flea; a superlegal "Naked in the Rain"; e a boa "My Lovely Man" que homenageia o ex-guitarrista falecido Hillel Slovak.
A rotação só baixa mesmo no disco com "I Could Have Lied" e "Under the Bridge", uma balada sobre drogas com um coral apoteótico no final. "Sir Psycho Sexy" poderia tranquilamente ter a honra de fechar o disco  pela grandiosidade que vai assumindo ao longo de sua extensão de mais de 8 minutos, mas a tarefa fica bem nas mãos de "They're Red Hot", cover de Robert Johnson aceleradíssima e ensandecida, que faz jus aos adjetivos que carregam no nome: Eles são relamente quentes!
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FAIXAS:
1. "The Power of Equality" 4:03
2. "If You Have to Ask" 3:37
3. "Breaking the Girl" 4:55
4. "Funky Monks" 5:23
5. "Suck My Kiss" 3:37
6. "I Could Have Lied" 4:04
7. "Mellowship Slinky in B Major" 4:00
8. "The Righteous and the Wicked" 4:08
9. "Give It Away" 4:43
10. "Blood Sugar Sex Magik" 4:31
11. "Under the Bridge" 4:24
12. "Naked in the Rain" 4:26
13. "Apache Rose Peacock" 4:43
14. "The Greeting Song" 3:14
15. "My Lovely Man" 4:39
16. "Sir Psycho Sexy" 8:17
17. "They're Red Hot (Robert Johnson)" 1:11

Raul Seixas - "Metrô Linha 743" (1984)

 

"Não interessa,
 pouco importa, fique aí!
Eu quero saber
o que você estava pensando
Eu avalio o preço
me baseando no nível mental
Que você anda por aí usando
E aí eu lhe digo o preço
que sua cabeça
agora está custando."

Raul Seixas

Em 1984 acontecia a campanha ‘Diretas Já’ em apoio à proposta de eleições diretas para presidente. Um dos maiores movimentos políticos que a sociedade brasileira já testemunhou. E neste mesmo ano Raul Seixas lançava mais um disco, intitulado de "Metrô Linha 743" pela gravadora Som Livre (e que foi reeditado em 2004). Um álbum que eu acho sensacional e por isto destaquei algumas faixas (da edição de 84) que acredito que podem resumir o clima desta produção fonográfica e o que ela tem a ver com a gente enquanto membro da sociedade brasileira nos dias de hoje.

A primeira faixa é a que nomeia o álbum ‘Metrô Linha 743’ e eu a referencio aqui: ‘Ele ia andando pela rua meio apressado/ Ele sabia que estava sendo vigiado/ Cheguei para ele e disse: ei amigo, você pode me ceder um cigarro?/ Ele disse: eu dou, mas vá fumar lá, do outro lado/ Dois homens fumando juntos pode ser muito arriscado’, uma evidente alusão ao fato de que o governo militar não via com bons olhos quem andava em grupo, pois a união faz a força.

O irreverente Raul

sempre dando um nó no Sistema

E quando se fala em Raul não se pode separar a sua obra da política e dos movimentos sociais. Assim sendo, a próxima que invoco é a ‘Canção do Vento’, porque em meu modo de olhar solidifica a ideia de que o músico sentia (e boa parte da nação também) a necessidade de derrubar o regime militar para que fosse possível redescobrir um novo Brasil. Esta é a intenção autoral que assimilo ao ouvi-la, e tudo isto me soa como maturidade profissional extrema para que Raul pudesse chegar onde queria com a sua mensagem e a letra diz tudo: ‘Lá vai o vento, Brasil adentro’.

Por isto, a energia que envolve o disco ‘Metrô Linha 743’ me parece sim, um tanto quanto política, não por nada teve a música ‘Mamãe Eu Não Queria’ censurada, pois nesta faixa, o músico Raul aborda que: ‘O exército é o único emprego para quem não tem nenhuma vocação’, questionando a obrigatoriedade do serviço militar.

E neste álbum também são resgatadas duas canções, a primeira delas é ‘O Trem Das Sete’ conforme transcrevo: ‘Ói, já é vem, fumegando, apitando e chamando os que sabem do trem/ Ói, é o trem/ Não precisa passagem nem mesmo bagagem no trem/ Quem vai chorar?/ Quem vai sorrir?/ Quem vai ficar?/ Quem vai partir?’, uma contundente menção ao seguinte conceito imposto pelo regime militar através de campanhas publicitárias: ‘Brasil: Ame-o ou deixe-o!’ e que originalmente faz parte do disco ‘Gita’ (ano de 74).

A segunda é intitulada de ‘Eu Sou Egoísta’ e aponto a letra: ‘Eu vou, sempre avante no nada infinito/ Flamejando meu rock, o meu grito/ Minha espada é a guitarra na mão’, e nesta canção o músico proclama com todas as letras que a sua arte é a sua arma contra o Sistema e a faixa citada faz parte originalmente do disco ‘Novo Aeon’ (ano de 75).

Assim sendo, penso que o álbum ‘Metrô Linha 743’ reafirma a postura que o maquinista Raul sempre impôs para o Sistema e a indústria fonográfica durante toda a sua carreira: para lançar Raulzito era preciso vender um artista questionador e que fazia uso da sua arte para expressar as suas ideias e estabelecer um canal de comunicação com as pessoas.

E o Sistema sempre soube que deveria podar Raul em tudo que pudesse e o quanto mais fosse possível. Contudo, Raulzito fazia ideia de que a sua postura o vestia de indecente, impróprio e indecoroso perante as gravadoras e o governo e compreendia que isto lhe custaria algo, e o uso da metáfora foi a sua grande arma para encarar a censura e veicular a sua música.

Porém, o Sistema não recusa dinheiro, e isto manteve o nosso Raulzito na cabeça das pessoas por todo este tempo graças ao poder da mídia. E certamente é por isto que quando saio para tomar umas a mais e ouvir um som em algum bareco, lá pelas tantas alguém grita: ‘toca Raul’, e na minha visão, isto não tem preço.

Acho que o ‘Metrô Linha 743’ de Raul Seixas tem tudo a ver com política e com a nossa sociedade atual, porque de alguma maneira este álbum contribuiu para com a postura que muitos de nós assumimos hoje, assim como com a democracia da qual todos nós usufruímos. É por isto que em minha visão, a arte tem um papel muito maior do que o entretenimento e assume o desafio de formar opinião.

E para finalizar aproveito e deixo a listagem com todas as faixas que compõem o álbum pela ordem. Um grande abraço e até mais, valeu mesmo, sorte, luz e Raulzito, sempre!

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FAIXAS:

1. Metrô Linha 743 (Raul Seixas)
2. Um Messias Indeciso (Raul Seixas / Kika Seixas)
3. Meu Piano (Raul Seixas / Kika Seixas / Cláudio Roberto)
4. Quero Ser O Homem Que Sou (Dizendo a verdade) (Raul Seixas / A. Simeoni / Kika Seixas)
5. Canção do Vento (Raul Seixas / Kika Seixas)
6. Mamãe Eu Não Queria (Raul Seixas)
7. Mas I Love You (Pra Ser Feliz) (Rick Ferreira / Raul Seixas)
8. Eu Sou Egoísta (Raul Seixas / Marcelo Motta)
9. O Trem das 7 (Raul Seixas)
10. A Geração da Luz (Raul Seixas / Kika Seixas)

*11. Anarkilópolis (Raul Seixas/Sylvio Passos) Metrô Linha 743.
(*Em 2004 o disco foi reeditado com a inédita ‘Anarkilópolis’, não lançada na época).