Me Chama pra Dançar (2026), primeiro álbum de Amanda Gabana, vai além do convite ao ouvinte: ela apresenta o seu universo, onde romances, desilusões e recomeços ganham forma por meio do pop brasileiro e de ritmos que atravessam o país. Entre uma faixa e outra, a cantora deixa um lembrete importante: a vida muda de compasso o tempo todo, e talvez a melhor forma de atravessar os diferentes capítulos sem deixar de dançar. Atuando na cena musical de Porto Alegre desde 2020 - tanto em sua carreira autoral quanto como vocalista da roda de samba LGBTQIA+ Caçamba e trombonista de fanfarras da cidade - Amanda faz do primeiro álbum um cartão de visitas que revela, acima de tudo, uma artista interessada em derrubar fronteiras. O ponto de partida é o pop, mas logo ele se expande para abraçar guitarradas paraenses, brega, pagode, milonga e vanerão, desenhando um Brasil que conversa consigo mesmo sem perder o sotaque gaúcho.Esse trânsito entre territórios é o grande acerto de Me Chama pra Dançar. Amanda Gabana não trata os ritmos brasileiros como citações ou ornamentos exóticos. Eles participam ativamente da narrativa, dando personalidade às canções e conduzindo emoções distintas. A faixa-título, ao lado da paraense Raidol, cria uma ponte direta com o brega de Belém. "Sarro" transforma a milonga em uma experiência quase performática, incorporando sapateado, castanholas, leques e palmas. Já o pagode ganha ainda mais significado com a participação da Caçamba, reafirmando a dimensão coletiva e afetiva que atravessa o disco.
Do Rio de Janeiro, Gustavo Jobim compõe música com sons eletrônicos, num estilo baseado no toque humano. Com uma abordagem artesanal, prioriza mãos nas teclas criando camadas de harmonias, melodias e ritmos, usando teclados e módulos vintage. "Nova!" é seu novo trabalho, um álbum com 8 faixas naquela pegada eletrônica meio retrô, meio cyberpunk, definitivamente experimentando sempre...
Deardarkhead cria um som soberbo em "Letting Go". Construída a partir de uma linha de baixo sólida, a faixa adota um groove de andamento médio e o sobrepõe a uma guitarra vibrante com uma melodia de sonoridade bastante lírica. O timbre da guitarra solo é belíssimo, adicionando um toque gótico bem comercial a um som já excelente. Uma faixa fundamental em um álbum instrumental, a música aqui é tão forte que a ausência de vocais não faz falta, apesar de Deardarkhead geralmente encontrar espaço para uma voz espacial, com efeitos de estúdio, para adicionar uma camada extra de atmosfera. Com pouco mais de três minutos de duração, essa música não se apoia em nenhum tipo de enrolação, e conforme as últimas notas se dissipam, você pode sentir uma vontade irresistível de apertar o botão de repetir... Esta é uma faixa absolutamente deslumbrante, e acabou sendo a maneira perfeita de divulgar "The Pendulum Swings" em um lançamento antecipado, já que, embora o resto do álbum seja bastante variado, ele frequentemente se assemelha a esta faixa de uma forma que realmente não decepciona.
O primeiro álbum completo da banda em um quarto de século mergulha em um universo de influências pós-punk e góticas inteligentes, entregando dez faixas brilhantemente construídas que demonstram com facilidade a maestria instrumental do Deardarkhead. A decisão de remover os vocais desta vez foi acertada; o espaço extra permite que as guitarras ocupem o centro do palco com mais frequência, exibindo a performance soberba de Kevin Harrington, cuja abordagem atmosférica se entrelaça com o trabalho de baixo robusto de Brandon Howard. Há elementos na faixa de abertura, "Flamethrower", que remetem ao som shoegaze mais antigo da banda, mas, em geral, apresenta o som de músicos ocupando um novo espaço, com Kevin inserindo riffs ocasionalmente mais pesados, compartilhando uma pegada mais roqueira, que funciona brilhantemente em contraste com a influência baggy da bateria. Mais do que nunca, isso demonstra a habilidade da banda em criar um groove; muito menos dependente de atmosferas do que alguns dos trabalhos anteriores, esta é uma abertura impactante que realmente prende a atenção. Com uma forte influência gótica no riff principal, inspirada principalmente nos anos 80 e na era "Dreamtime" do The Cult, "Coming Undone" opta por uma sonoridade igualmente pesada, porém com uma pegada mais familiar. O solo de guitarra de Kevin se destaca, com um timbre levemente ecoado e filtrado que adiciona um brilho especial ao som roqueiro, enquanto a seção rítmica se encaixa perfeitamente em um groove irresistível. Se você se encantar com o novo som do Deardarkhead ao final dessa faixa, certamente encontrará interesse musical no restante do álbum.
Adotando uma abordagem mais leve e se apoiando um pouco mais no som indie anterior, o timbre das guitarras que compõem "Tears" soa um pouco nostálgico, mas o som de baixo mais pesado de Brandon garante que esta faixa seja muito mais do que uma simples reciclagem. Um "refrão" mais roqueiro permite que Kevin se solte, demonstrando novamente a força motriz por trás de uma banda que sabe instintivamente como criar riffs incríveis, mas a verdadeira estrela desta faixa é o baterista Robert Weiss. Ele impulsiona tudo com uma performance precisa que deve muito mais ao passado shoegaze da banda. Eventualmente, os riffs mais roqueiros assumem o protagonismo, preenchendo a parte final desta excelente faixa com ótimos sons. Combinando indie pesado, post-rock tenso e uma pitada de gótico, esta é um verdadeiro destaque do álbum, capturando o "novo" Deardarkhead em plena forma. Em seguida, sugerindo um grande contraste, a vibrante "Sad Songs (And Better Days)" consegue combinar uma guitarra rítmica dream pop com uma linha de baixo inspirada em Peter Hook, direcionando tudo para um som indie robusto que a banda parece dominar com facilidade. Há momentos em que parece impossível desviar o olhar do brilhante riff de baixo, mas Kevin também brilha na guitarra, soando especialmente confiante ao executar um riff pós-punk em alto volume. Na verdade, este álbum não poderia ser mais diferente de alguns dos trabalhos anteriores do Deardarkhead, mas certamente não é pior por isso – é emocionante ouvir a banda realmente explorando novos horizontes em termos de riffs.
Em "In Another Life", o Deardarkhead mergulha ainda mais fundo no universo do som gótico do final dos anos 80, com a ajuda de uma linha de baixo pulsante e riffs de guitarra profundos que exploram os recônditos mais sombrios de uma melodia arrebatadora. Mantendo a coadjuvante do álbum, "Letting Go", um timbre de guitarra mais brilhante e vibrante complementa solos marcantes, frequentemente remetendo a influências do gótico e do pós-punk, mas também carregando um leve eco dos primeiros trabalhos do The Fierce & The Dead. A criação de uma atmosfera envolvente é impecável, e mesmo que soe um pouco familiar à banda, está longe de ser repetitiva. Em outras faixas deste disco sem grandes pretensões, você encontrará uma bateria mais incisiva no coração de "Black Pearls", que se encaixa surpreendentemente bem em um universo de influências shoegaze mais puras que remetem ao passado do Deardarkhead, e a faixa-título que apresenta outra linha de baixo proeminente cortando uma parede de timbres de guitarra cintilantes, inclinando-se para um som e influências mais familiares do início da década de 1990. Essa familiaridade parece alimentar a veia criativa da banda, resultando em algo que, embora se beneficiasse de um toque mais dream pop, captura os músicos em boa forma e, para os fãs do som de guitarra de Kevin, pode até soar melhor com o tempo.
Muita coisa pode mudar em vinte e cinco anos, até mesmo a perspectiva de uma banda veterana do cenário alternativo. O Deardarkhead poderia ter feito um retorno há muito esperado com algo que espelhasse os redemoinhos shoegaze de sua coletânea 'Oceanside', mas, como se vê, a decisão da banda de abandonar um som anterior em favor de algo um pouco mais direto rendeu bons frutos. A música aqui é fantástica; os arranjos melancólicos exploram alguns sons maravilhosamente retrô que, espera-se, agradarão aos ouvidos dos fãs mais experientes, ao mesmo tempo que capturam um som e uma energia que nunca se tornam cansativos, mesmo para quem ouve pela primeira vez. Um disco recomendado.
Com a quantidade de música nova lançada no mundo moderno, é muito fácil perder as coisas boas. Esse fato não passou despercebido pelo The Morning Line. Seu lançamento de 2026, "Stars", oferece um resumo prático dos melhores momentos do catálogo da banda de São Francisco, incluindo até mesmo alguns singles lançados naquele ano. É mais do que uma coletânea comum; para quem acompanha a banda há algum tempo, ainda há interesse, já que "Stars" se dá ao trabalho de remixar algumas das faixas lançadas anteriormente para deixá-las com uma qualidade ainda melhor. Levando isso em consideração, e de qualquer forma que se analise, "Stars" tem todos os ingredientes para ser um disco que definirá a carreira da banda, apresentando uma mistura soberba de rock universitário, power pop e outros sons retrô.
Essa extensa jornada começa com 'Anhedonia (Start Again)', originalmente presente no álbum 'North' de 2019. Os riffs de rock com forte inspiração nos anos 90 que permeiam a faixa evocam uma nostalgia fantástica, com sons que lembram Better Than Ezra e Soul Asylum, presenteando o ouvinte com um universo de guitarras cristalinas sobre uma batida constante em 4/4. Não é uma música particularmente chamativa, mas entre um vocal extremamente acessível e acordes suaves em abundância, seu som revivalista é muito atraente. Se esta for sua primeira experiência com The Northern Line, certamente será cativante o suficiente para te deixar com vontade de ouvir mais. Uma nova versão de 'Spellbound' soa muito mais grandiosa, capturando uma ótima unidade entre o baixo e a guitarra, apresentando um riff descendente simples sobre uma base rítmica tipicamente anos 90. Mais uma vez, podemos encontrar ecos do subestimado Better Than Ezra aqui, mas a confiança na voz de Stephen Smith confere ao The Morning Line charme suficiente para soar como algo mais do que uma banda que olha para o passado.
Uma enorme volta ao álbum de estreia da banda, de 2007, "Everybody Else Does" oferece uma sólida mistura de roots rock e americana, com guitarras cristalinas e vocais relaxados. O que o arranjo da música perde em complexidade, compensa com puro charme melódico, com a voz de Stephen soando ótima em contraste com o trabalho descomplicado de guitarra de Brian Mello. A versão remixada aqui apresentada destaca o baixo pela primeira vez, dando à música uma sonoridade mais calorosa do que algumas partes do álbum de estreia, puramente por limitações orçamentárias. Os fãs certamente irão gostar de ouvir essa música da maneira como ela foi claramente concebida, e o mesmo vale para a mais calma "Jet Set Stars", que parece apresentar uma mixagem ligeiramente melhor, sem perder o espírito faça-você-mesmo da versão original. Com influências de The Connells e Toad The Wet Sprocket impulsionando um som excelente, esta é outra brilhante volta aos anos 90, com belas harmonias sustentando um refrão simples, porém eficaz. Boa parte da futura grandeza do The Morning Line já pode ser ouvida aqui.
Se essas faixas soam retrô, a banda se entrega totalmente ao estilo old school na um pouco mais suave "All Mine", onde um arranjo melódico de rock universitário é ocasionalmente salpicado por riffs de guitarra à la Byrds, antes de um vocal arrebatador elevar o interlúdio de uma forma que parece um pouco mais voltada para o power pop. Talvez não seja tão imediata quanto algumas das melhores músicas de The Morning Line, mas com outro ótimo vocal e uma bateria soberba, certamente será reavaliada quando as pessoas a redescobrirem como parte desta coletânea bem bacana. A pegada semiacústica funciona melhor em "Stars To Me", uma faixa que mistura roots rock e power pop, remete sutilmente à melodia vocal de "Till I Hear It From You", do The Gin Blossoms, e, por fim, apresenta um solo de guitarra bem leve, usando notas brilhantes para animar o clima, mas sem ofuscar o vocal decididamente relaxado de Smith.
A novíssima "90s Pickup" começa com alguns acordes grandiosos, algo entre The Connells e o início da carreira do Matchbox Twenty em termos de sonoridade e timbre, mas a rápida chegada de um dedilhado limpo e cristalino sela o negócio. Em cerca de três compassos, a banda encontra um estilo retrô de pop rock/power pop transbordando amor e nostalgia, com um vocal limpo e levemente roots que dá o tom perfeito a uma ótima melodia. Depois de conquistar a atenção do público, a música cresce rapidamente, primeiro com um pré-refrão que intensifica a pegada roots com a ajuda de um slide guitar suave, mas atinge o ápice em um refrão power pop incrível, onde um vocal mais harmonioso assume o protagonismo. Mas o The Morning Line não se contenta em parar por aí: um interlúdio melódico adiciona uma ótima mudança de tom e uma dose extra de melodia, garantindo que quem já gosta da música vai adorá-la. Em termos de refrão, talvez não seja tão direto quanto o verso merecia, mas em termos de melodia e sensação geral, esta é uma música de primeira linha do Morning Line.
'This Lens', por outro lado, é um pouco mais gradual. O arranjo em andamento médio faz ótimo uso da mistura acústica-elétrica, e a maneira como as notas graves e marcantes do baixo assumem a liderança dá um grande impulso a uma melodia simples. Um pouco menos Soul Asylum e muito mais influenciada por Edward O'Connell/Pete Droge, há uma agradável fusão de power pop e americana em ação, que aproveita ao máximo o trabalho de guitarra de Mello, mas também realça um pouco mais a riqueza natural da voz de Smith. Analisando mais a fundo, no entanto, a falta de um refrão imediatamente cativante faz com que a música tenha que carregar um pouco mais o peso, antes que um interlúdio grandioso finalmente libere a melodia mais empolgante da canção. Em termos de arranjo, isso faz com que 'This Lens' pareça um pouco irregular, mas é quase certo que os fãs de longa data do Morning Line vão adorar o que ouvirão.
Um dos destaques do álbum 'Scene' de 2022, 'Back On Earth' mantém a sonoridade consagrada de Soul Asylum com toques de Kevin Salem, mas evita soar como uma mera repetição de faixas anteriores do The Morning Line, aplicando uma paleta musical que é, de alguma forma, mais ampla e, ao mesmo tempo, mais contida, se é que isso faz sentido. Embora os vocais e a melodia principal sejam ótimos, e o momento em que a bateria entra tardiamente seja potencialmente ainda melhor, o ponto alto da faixa vem de Mello adotando um sotaque descendente dos anos 50, sublinhado por um glockenspiel bem suave, criando uma atmosfera levemente cinematográfica. 'Nostradamus', por sua vez, é um rock universitário dos anos 80 explosivo e veloz, que evoca nostalgia de uma maneira um pouco diferente, mas demonstra igualmente o talento do The Morning Line. Os vocais de Smith ficam em algum lugar entre Elvis Costello e Dave Pirner; a música percorre um minuto e quarenta e nove segundos em ritmo acelerado, sem nunca olhar para trás... e o resultado é genuinamente ótimo. Isso demonstra a facilidade com que a banda consegue tocar rock, mesmo que a maior parte do seu material se baseie em uma qualidade mais lenta e, muitas vezes, muito mais melódica.
Em outro momento, "1982" é uma faixa que muitas vezes soa como algo de 1982, só que tocada de forma um pouco mais agressiva. As qualidades ligeiramente nasais da voz de Smith combinam perfeitamente com a música, e os ritmos precisos e as guitarras cristalinas representam o power pop perfeito. Quando complementado por sintetizadores new romantic, o resultado é algo que pode se tornar um clássico instantâneo. Para os fãs do início da carreira de Matthew Sweet, é uma audição obrigatória, especialmente porque é uma música tão marcante que você vai querer cantarolar já na primeira vez que ouvir. Outro destaque de "North", o uso de guitarras com reverb e uma batida de bateria constante em "Tripwire" evoca memórias da trilha sonora do filme "Red Rock West", e embora a princípio possa parecer que você está prestes a ouvir algo que soa como Chris Isaak de mau humor, quando as peças se encaixam, soa mais como uma faixa bem obscura de Neil Young & Crazy Horse. O vocal ligeiramente descontraído de Smith complementa as guitarras levemente distorcidas; O ritmo lento parece trazer "Cortez The Killer" para uma era mais moderna e, eventualmente, um vocal de apoio estridente acentua a sensação de estar perdido em uma vasta extensão desértica. A única desvantagem é o uso de teclados onde um arranjo completo de cordas seria apropriado, mas nem todos têm o orçamento necessário para tal extravagância. O mais óbvio – e importante – em relação à inclusão desta música nesta antologia é que ela mostra como, embora o The Morning Line tenha uma zona de conforto musical definida, eles soam igualmente fortes quando se desafiam ou se permitem explorar novos horizontes.
A vertente acústica sempre foi uma parte importante do som do Morning Line, e isso é brilhantemente representado aqui por "Last One of The Losers", uma balada introspectiva e melancólica que permite a Smith adotar um tom vocal mais melancólico em uma faixa que possui uma qualidade mais orgânica graças à sua seção rítmica minimalista e tons sussurrados, e pela ligeiramente misteriosa "Grand Ave." – outra música que apareceu em sua forma original no álbum "Stay My Satellite" de 2007 – que quase opta por uma abordagem folk cósmica, sem jamais perder de vista o espírito do Morning Line. Naturalmente, essas são músicas que podem não se destacar à primeira audição, mas com o tempo, suas qualidades profundas e sinceras têm o potencial de conquistar um público fiel.
Com vinte e uma faixas que oferecem uma visão geral decente da trajetória de uma banda dedicada no underground do rock americano, 'Stars' é uma excelente aquisição. Se você ainda não teve o prazer de ouvi-los, vale a pena baixar 'Stars To Me', 'Back On Earth', '90s Pickup', 'Everybody Else Does' e '1982', mas, considerando que é uma coletânea, todas as faixas são boas ou ótimas, com pouquíssimas faixas dispensáveis. Para o novato ou para o fã – mas especialmente para o novato – esta é uma audição altamente recomendada.
Assim como seu antecessor, "In Japan", "Like To Get To Know You Well", o segundo lançamento visual de longa duração de Howard Jones, lançado em 1984, passou muitos anos relegado ao limbo do VHS, pelo menos para o público do Reino Unido. Ganhou um lançamento em Laserdisc no Japão, mas só mais de trinta anos depois o programa finalmente estreou em alta definição na Grã-Bretanha. Finalmente trazido aos fãs merecedores através do extenso programa de relançamentos de HoJo pela Cherry Red Records, que rendeu – entre outras coisas – enormes box sets de "Humans Lib" e "Dream Into Action", e um luxuoso conjunto de 5 CDs com gravações relacionadas à BBC, o tão aguardado relançamento vai além, combinando o material de vídeo original com uma trilha sonora completa em CD pela primeira vez.
Embora os elementos visuais do show, filmado no High Wickham Town Hall, nem sempre sejam particularmente impressionantes – o show minimalista de dois homens, com Jones ao lado de seu antigo colaborador, o mímico Jed Hoile, lembra bastante 'In Japan' em alguns momentos – ele na verdade parece um pouco mais "ao vivo" e menos "frio" do que seu antecessor, devido ao que parece ser um ambiente um pouco mais intimista. Além disso, agora que os visuais podem ser apreciados sem a necessidade de forçar a vista através de uma névoa analógica, fica óbvio que Howard está realmente curtindo a experiência de tocar para o público de sua cidade natal. Para aqueles que têm boas lembranças das primeiras aparições de Howard no Top of The Pops, provavelmente haverá algum entretenimento em Jed fazendo movimentos que misturam balé e kung fu improvisado durante 'Hunt The Self', usando suas correntes características durante 'Conditioning' antes de se jogar pelo palco e fazer uma dança escocesa extremamente constrangedora, e aparecendo em uma performance dividida – parte mímico, parte empresário – durante uma ótima versão de 'Equality'. Lamentavelmente, o DVD ainda apresenta apenas nove faixas do programa, e na era das enormes TVs, do Blu-ray e das apresentações em 4K, as limitações do material original às vezes ficam evidentes, mas o esforço feito para dar ao material original a melhor despedida possível ainda é louvável.
O DVD é um lançamento bem-vindo, sem dúvida. No entanto, 'Like To Get To Know You Well' atinge seu ápice no CD recém-lançado, oferecendo aos fãs um item extra para suas coleções. Como ele apresenta o show completo, preenchendo as lacunas, as quinze performances no disco de áudio proporcionam uma experiência muito mais satisfatória. Mesmo sem os recursos visuais, a atmosfera capturada neste show é magnífica.
Fica imediatamente claro que Jones está num clima bastante brincalhão, pois logo após subir ao palco e preparar o loop de sintetizador para "Hunt The Self", ele interrompe, de forma atrevida, a voz de "New Song" para a diversão da plateia, criando uma combinação musical um tanto inusitada. Conforme o verso de "Self" se desenvolve rapidamente, a performance demonstra uma energia enorme, e o áudio remasterizado da Cherry Red está especialmente impactante, um ótimo presságio para a próxima hora. Na transição para "Pearl In The Shell", que será lançada em breve, a energia não diminui; em relação à gravação de estúdio que está por vir, esta versão é um pouco diferente, com HoJo justapondo notas de baixo mais marcantes com uma interpretação mais solta do riff principal, mas a essência de um single excelente é mais do que evidente. A menos tocada "Always Asking Questions" apresenta algo que parece um pouco mais especial, e com um áudio carregado de notas de sintetizador slap bass contrastando com um vocal fluido, chega perto de soar como uma raridade do início da carreira da banda. É definitivamente mais interessante do que a gravação de estúdio de "Humans Lib".
Claramente compreendendo que um bom show ao vivo precisa de uma mudança de ritmo de vez em quando, a balada ao piano "Don't Look At The Rain" – ainda inédita na época – oferece algo que soa um pouco mais sofisticado. Apesar do nervosismo evidente de Howard ao fazer o anúncio no palco, ele parece assumir uma calma adequada assim que a performance solo atinge seu ritmo, inegavelmente suave. Um leve nervosismo é, na verdade, preferível à arrogância que transparece quando Howard apresenta "Equality". Explorando os temas da canção sobre a luta contra o preconceito, ele diz a todos que "não importa se você vem do Japão ou de High Wycombe... ou se você é negro, branco ou amarelo ...". Que duro. Quarenta anos depois, referir-se às pessoas como "amarelas" soa incrivelmente desconfortável; especialmente considerando a natureza da própria música. No entanto, a interpretação da música seguinte acerta em cheio no quesito emocional, com o ritmo eletrizante em velocidade vertiginosa e o riff principal soando como um hino tema de série de TV dos anos 80. Além disso, alguns dos vocais mais agressivos têm um impacto ainda mais natural, contribuindo para que a música se torne um dos pontos altos de um ótimo show.
Em outras partes do show, que abrange os principais pontos dos dois primeiros lançamentos de Howard, você encontrará versões sólidas do clássico "What Is Love?" e da ainda recente "Like To Get To Know You Well", uma versão estendida de "Conditioning" que espelha o show anterior no Japão, inserindo um solo de teclado atonal e uma divertida giga escocesa como peça central, e a sempre bem-vinda "New Song", que se beneficia muito com um pouco mais de piano, como na gravação de estúdio "New Song (New Version)", que será lançada em breve no álbum "Howard Jones: The 12” Album". O único momento em que este show ao vivo realmente deixa a desejar é durante a então novíssima "Bounce Right Back", já que os vocais de rap soam um tanto estranhos e, décadas depois, realmente datados. Embora ainda seja o ponto fraco do show, essa parte funciona melhor no DVD, já que os visuais mostram HoJo e Jed em trajes de filme noir, oferecendo algo um pouco mais teatral, que distrai da música de uma maneira bastante bem-vinda.
Os aspectos mais divertidos deste show são claramente sentidos mais uma vez no início do bis, quando HoJo retoma o riff inicial de "New Song" pela segunda vez – resultando em gritos de alegria audíveis da plateia – para então cantar "Ding Dong Merrily On High" de forma um tanto desafinada por cima, antes que o final do show pareça ser ainda mais prejudicado por uma história confusa sobre Ruth, David e Dennis, um trio de amigos com um relacionamento complicado que resulta em um deles indo embora para Stoke e outro se tornando um " polidor de pirâmides no Egito ". Para quem não é fã, isso pode se tornar cansativo rapidamente após a primeira ouvida, mas a plateia é interessante: é possível ouvi-los cantando claramente junto com os pontos principais dessa história sem pé nem cabeça, mostrando como essa plateia local é formada por fãs fervorosos que assistiram a dezenas e dezenas dos primeiros shows de Howard. Trazendo tudo de volta ao foco, "Humans Lib" soa como um clássico do synth pop anos depois, encerrando um show ótimo de forma épica.
Para quem já comprou outros relançamentos de Howard Jones – especialmente a versão expandida de 'Human's Lib' – e para quem guarda com carinho a fita VHS original de 'LTGTKY', este lançamento será uma compra prioritária. Em termos de marcos importantes no início da carreira de Howard Jones, pode-se argumentar que chegou cerca de quinze anos depois do que merecia; porém, é difícil encontrar defeitos na maior parte do que é oferecido aqui. Assim como o lançamento anterior de arquivo de 2026, 'Live At The Marquee', há uma energia incrível capturada neste show e, como tal, os fãs considerarão este combo CD/DVD mais do que uma atualização que vale a pena.
Naqueles dias sombrios da pandemia de 2020 e com tudo entrando em confinamento, o mundo tinha uma infinidade de ótimas músicas para nos entreter em casa. Um dos lançamentos de metal mais interessantes daquele ano veio do From Under Concrete Kings (é de se perguntar quantas combinações diferentes de palavras foram consideradas para criar essa sigla), que misturava elementos de hardcore e groove metal com a estética de bandas como Between The Buried & Me, criando algo que não só tinha uma energia incrível, como também era muito menos previsível do que "o normal".
Seis anos depois, 'Impulse Tension' explora um desejo semelhante de subverter as fronteiras do metal, mas não se trata de uma mera repetição do que já foi feito. Na verdade, os primeiros compassos da faixa de abertura não sugerem nada particularmente "metal". Em vez disso, o ouvinte se depara com linhas melódicas de piano e um vocal fluido, mais próximo do universo do Styx, ou até mesmo de Jim Steinman. É apenas um artifício, claro, já que 'Anew From Bones' explode com riffs de thrash metal precisos e vocais limpos, revelando uma admiração pelo Trivium clássico, antes de mergulhar tudo em um mundo hardcore com um vocal gutural à altura. São três estilos bem diferentes exibidos em apenas alguns minutos, antes do piano retornar para um breve interlúdio e tudo tomar um novo rumo com uma quebra clássica do hardcore. Este seria o lugar perfeito para terminar, mas a banda FUCK foi além, incluindo um riff de groove metal – apresentando um dos timbres mais devastadores da guitarrista Alecia Marinelli – que complementa perfeitamente um vocal genuinamente intenso, e ainda consegue incorporar uma métrica mais associada ao metal progressivo, simplesmente porque pode… Em mãos menos talentosas, este EP poderia ter atingido seu ápice mais cedo.
Optando por algo mais pesado, "A Mirror's Loathing" mergulha de cabeça com um metalcore abrasador, cujos riffs principais cumprem a intenção hardcore, impulsionados por ritmos poderosos e potentes da bateria de Eric Sheppard. Essa é a base perfeita para vocais extremos, e mesmo quando a faixa desacelera para introduzir um grindcore pesado por volta da metade, a banda não demonstra qualquer sinal de contenção. Há algumas passagens melódicas sutis, e uma referência ao Killswitch Engage com a ajuda de um refrão arrebatador, impulsionado por mais alguns riffs old school e um vocal limpo. Se comparada diretamente com a faixa de abertura, não há o mesmo nível de inventividade aqui, mas para aqueles que acompanham a banda há algum tempo e estão familiarizados com os dois primeiros EPs, essa faixa provavelmente se tornará uma das favoritas. Começando com riffs clássicos de hardcore e solos de guitarra soberbos, "Obfuscation" captura imediatamente o FUCK em sua plenitude, antes de uma rápida mudança musical introduzir um trabalho de baixo poderoso de Josh Previte. Em seguida, a banda explora um prog metal impressionante, repleto de riffs angulares e compassos sinuosos. Mesmo quando a parte final dessa performance insanamente pesada se apoia em um hardcore soberbo combinado com vocais que se aproximam de um gutural de death metal, e todos se aproximam ao máximo de sua zona de conforto, a energia presente é simplesmente imensa.
Para concluir, "Covert Cadaver" oferece ao ouvinte algo bem diferente mais uma vez, ao combinar um riff clássico de metalcore com um vocal limpo que remete um pouco mais ao gótico e ao emo. Os aspectos mais melódicos brilham mais tarde, quando um vocal limpo e potente atinge um tom choroso, mais próximo do metal melódico do que do metalcore tradicional do FUCK. Com o acompanhamento das guitarras gêmeas de Alecia e Josh (que tocam guitarra solo e rítmica, além do baixo), tudo soa soberbo. Em uma faixa repleta de riffs incríveis, é impressionante como os vocais assumem o protagonismo e se tornam o ponto alto: o contraste entre a interpretação de Joseph Izayea e Josh Previte – uma gutural, a outra limpa – confere ao FUCK uma qualidade genuinamente marcante que, aqui talvez mais do que nas outras faixas, eleva o nível da música.
Assim como outros trabalhos do From Under Concrete Kings, 'Impulse Tension' é sempre interessante e demonstra um comprometimento absoluto dos músicos envolvidos. Esses caras são músicos excelentes – isso fica claro desde o início – mas a constante transição entre estilos metálicos pode parecer um pouco cansativa para quem não está igualmente envolvido com o material. O que este EP ainda representa, sem dúvida, é uma obra que deixa bem claro que essa banda de Massachusetts continua sendo uma das propostas mais interessantes da cena metal, mesmo que seu som não agrade a todos. Para quem busca uma abordagem ousada dentro das raízes sólidas do metalcore, 'Impulse Tension' certamente vale a pena conferir.
Para quem não conhece, o catálogo de Tom Waits pode parecer bastante intimidante. Tom não só é abençoado com uma voz por vezes desafiadora, como seus álbuns mostram a evolução do estilo do lendário cantor e compositor ao longo do tempo. Seus primeiros álbuns o apresentam como o típico cantor de baladas de bar, com uma voz relativamente limpa; ao longo dos anos 70, sua interpretação torna-se mais rouca, até mesmo mais obscura, apesar do estilo central da música permanecer o mesmo. Nos anos 80, Tom começou a canalizar Kurt Weill e sua música tornou-se mais interessante, mais rítmica, um mundo à parte do homem que nos deu "Ol' 55". No final dos anos 90 e além, Waits quase soava como um homem trabalhando em um universo próprio: os fãs tinham a mesma probabilidade de ouvi-lo berrando algo em alemão sobre uma base musical digna de uma canção de pirata quanto de ouvi-lo contando histórias ao piano.
Apesar de ser um lançamento curto, 'Blind Love' deixa claro que Eddie Skuller ama Tom Waits e percorreu uma jornada notável através de um catálogo fantástico e, por vezes, assustador ao longo dos anos. Isso fica evidente em sua escolha de homenagens: além de resgatar 'Downtown Train' (uma música suavizada, mas que acabou se tornando mais famosa na voz de Rod Stewart), para este EP de quatro faixas, Skuller mergulha fundo no catálogo de Waits em busca de inspiração.
A faixa-título é uma das menos celebradas do essencial "Rain Dogs" de Tom Waits. Situada perto do final de um álbum extenso, ofuscada pelo clássico "Walking Spanish", a canção com toques country não é uma das melhores do disco. Nas mãos de Eddie Skuller, no entanto, funciona muito bem. Skuller aproveitou a oportunidade para simplificar a música, apresentando a guitarra rítmica como se fosse ouvida através de um antigo cilindro de cera, e também adicionou uma base rítmica mais áspera – uma batida forte que, na verdade, está mais em sintonia com o trabalho do próprio Tom, da época de "Mule Variations". A música é brilhantemente contrastada por um vocal maravilhosamente claro, com Eddie dando vida à letra com um grito potente. Teria sido tão fácil optar por um canto suave, alinhando-a aos primeiros trabalhos de Waits; em vez disso, a interpretação encorpada de Skuller funciona tanto como uma bela homenagem a uma faixa menos conhecida quanto como uma ótima introdução para quem não a conhece.
"House Where Nobody Lives" (do álbum "Mule Variations", de 1999) mantém sua profunda tristeza e apresenta uma melodia lenta e melancólica que oferece a Skuller bastante espaço para desenvolver sua voz. A pureza de sua interpretação pode soar estranha para um fã de Waits (a versão original apresenta o próprio Waits com uma voz bastante... devastada, para dizer o mínimo), mas, com o tempo, é possível apreciar bastante a música. O intérprete dá vida a uma letra pungente, enquanto a adição de ruídos invertidos que complementam o arranjo musical trazem um toque mais característico de Waits à tona. As guitarras jazzísticas da versão original ficam em segundo plano aqui, mas Eddie garante que um timbre retrô de guitarra esteja presente do início ao fim, tornando esta uma versão bem completa. "You Can Never Hold Back Spring" foi gravada por Waits para o filme "The Tiger and The Snow", de 2005, e lançada em sua coletânea de raridades e curiosidades "Orphans", no ano seguinte. Apesar de ser uma obra da fase mais tardia de Tom Waits, a música mostra Waits em plena forma vocal, um estilo que Skuller manteve aqui. Na verdade, muito pouco foi feito para alterar a melodia original. Vale a pena ouvir, claro, simplesmente porque a voz mais suave de Eddie torna a faixa muito mais palatável para aqueles que nunca se apaixonaram pela rouquidão de Waits, e a maneira como ele combina um tom mais jazzístico com um contrabaixo acústico minimalista forma a base de uma ótima música para ouvir tarde da noite. Seus tons mais leves também realçam um pouco mais a emoção de uma letra repleta de angústia suave, que se encaixa perfeitamente com alguns acordes de guitarra aplicados com parcimônia, mantendo um timbre à la Marc Ribot.
Para completar o lançamento, temos a versão de Eddie para a bem mais famosa "Downtown Train". É a gravação menos interessante do EP, em parte porque já foi tocada à exaustão em covers de Waits, mas também porque Tom escreveu canções muito mais interessantes ao longo das décadas. Mesmo assim, esta versão é boa o suficiente: permite ao artista bastante espaço para mostrar mais uma vez sua voz confiante, enquanto, musicalmente, o violão e o baixo abafados criam uma atmosfera noturna semelhante à de "You Can Never Hold Back Spring", tornando-a uma ótima companhia. Talvez devêssemos culpar Rod por fazer essa faixa soar um pouco... brega. [ Uma dica adicional: vale a pena conferir a versão de Bob Seger, simplesmente porque soa muito como uma composição original de Seger em suas mãos mais do que capazes .]
É sempre um prazer quando outros artistas escolhem celebrar a obra de Tom Waits. Isso dá uma nova vida às suas fantásticas canções para aqueles que acham sua voz um desafio e, assim como as melhores homenagens a Dylan, às vezes pode apresentar algumas ótimas, porém menos conhecidas, faixas a novos ouvidos. Nesse sentido, Eddie Skuller fez um ótimo trabalho aqui, apesar de sua homenagem ser tão concisa. Substituir a já batida "Downtown Train" por algo mais interessante teria tornado tudo ainda melhor, mas se um dos "hits" de Tom foi considerado uma isca essencial para os curiosos, pelo menos ajudará a atrair mais ouvintes.
Quando Kurt Baker se mudou do Maine para Madrid, embarcou numa jornada musical importantíssima. A formação do Kurt Baker Combo não só lhe permitiu experimentar um som garage rock um pouco mais cru em comparação com a sua KB Band, sediada nos EUA, como também o levou a expandir os seus horizontes, colaborando com a banda de power pop Bullet Proof Lovers, apresentando um punk rock de primeira qualidade como membro dos K7s e até participando em gravações da banda punk espanhola Nuevo Catecismo Católico. No geral, foi um período extremamente prolífico.
Acontece que Kurt conseguiu gravar um álbum completo durante o confinamento de 2020, antes de retornar aos EUA, e as gravações permaneceram inéditas. Há planos para que o álbum completo chegue aos fãs, mas, enquanto isso, Baker – em conjunto com a gravadora americana Wicked Cool Records – compartilhou "Wonder Woman", uma faixa que, segundo a assessoria de imprensa de Baker, evoca "o rock dos anos 70 em sua forma mais pura e mulheres super-heroínas".
As influências dos anos 70 são sutis como um soco na cara logo de cara, quando "Wonder Woman" começa com uma bateria à la Peter Criss, antes de introduzir um riff de guitarra que demonstra uma predileção por partes do álbum de estreia do The Runaways, o que parece bastante apropriado, considerando o tema da música. Conforme a música avança, porém, o público ouvirá mais do melodismo característico de Baker se destacando. O verso contrapõe um vocal peculiarmente sinuoso a uma batida constante, reforçada pelo cowbell, antes de Kurt e sua banda explodirem em um refrão harmonioso que mistura seu estilo power pop característico com uma sonoridade pesada dos anos 70, buscando pura emoção retrô. Algumas audições revelam o melhor do refrão marcante, tornando esta faixa um clássico de Baker, apesar da mudança estilística. Apesar de tantos elementos fortes, a música corre o risco de ser ofuscada por um riff poderoso que preenche o interlúdio, mostrando uma influência inegável do Slade, que Baker domina com maestria. Isso não é necessariamente algo ruim, é claro…
Dando continuidade à faixa, o lado B mergulha ainda mais fundo no universo do Slade, com Baker desenterrando a faixa menos conhecida da banda de Birmingham, "When Fantasy Calls" (originalmente presente no álbum "Whatever Happened To Slade", também de 1977). O arranjo escolhido espelha a faixa original em quase todos os aspectos: o riff inicial impacta com uma pegada pesada, as guitarras distorcidas e o baixo com fuzz remetem a um glam rock mais agressivo, e o próprio riff exala uma arrogância contagiante desde o início. Um solo de guitarra com forte influência de blues leva tudo ainda mais para o reino do puro charme retrô, e uma ótima produção realça o som da bateria. Naturalmente, a grande diferença aqui reside no vocal. Baker não chega aos pés da crueza e da grandiosidade de Noddy Holder, mas sabiamente ele nunca tenta imitá-lo, optando por uma versão mais potente de seus timbres habituais, escondida atrás de filtros com eco para realçar ainda mais o som retrô. Seria muito fácil escolher um dos sucessos e favoritos do público do Slade para compor um lado B, mas Baker demonstra sua verdadeira paixão pela banda com esta gravação, não apenas por escolher uma faixa de um álbum, mas por optar por uma de um dos períodos de menor popularidade do Slade. É louvável que ele se entregue completamente à música. Mesmo que você nunca tenha ouvido a versão original, há muito o que apreciar aqui.
A influência descarada dos anos 70 que permeia essas faixas revela um lado bem diferente do talento de Kurt Baker, apresentando sonoridades que alguns de seus fãs talvez não estejam acostumados ou até mesmo não esperem. Contudo, ambas as gravações capturam um som excelente – um som empolgante, inclusive – e uma força musical que sugere que há muito potencial a ser explorado na insistência de Baker em revisitar o passado. São músicas para serem ouvidas em alto volume para uma experiência completa. Os amantes do bom rock retrô não se decepcionarão.
Em 2025, a banda irlandesa de synth-pop Tiny Magnetic Pets lançou "Harmonious Grey", um EP de quatro faixas que combinava composições excelentes com sons inspirados nos anos 80 e 90. A faixa principal, "Low Places", misturava a veia pop da banda com um riff de sintetizador grave e um tanto sinistro, criando um refrão ainda mais cativante do que qualquer letra.
Um ano depois, eles soam ainda melhor. "Lost My Guiding Light (Again)" mostra o lado mais comercial da banda. Ao usar um riff em loop que fica entre o Giorgio Moroder clássico, o som de Vince Clarke e o início do New Order, a banda criou algo cativante com efeito imediato. Musicalmente, supera tudo em "Harmonious Grey" (por melhor que seja), mas é a forma como esse riff é usado em contraste com elementos mais humanos que realmente impulsiona a faixa. Apesar do desafio de um ritmo marcante, a vocalista Paula Gilmer opta por uma performance leve e fluida, mais em sintonia com o dream pop e o som delicado da lendária banda Saint Etienne. Embora isso, sem dúvida, resulte em algo mais "radiofônico", Paula nunca soou melhor, e essa escolha estilística cria algo belíssimo em termos pop. É certamente uma mudança vital para a banda quando se trata de vender um refrão pop soberbo e garantido para ficar na cabeça. Esta é uma faixa absolutamente maravilhosa.
Completando o EP 'Astralux', a banda busca inspiração em 'Harmonious Grey' e apresenta dois remixes de 'Low Places' com sonoridades bem diferentes, cortesia do DJ Paul Dakeyne, do Ministry of Sound. O primeiro, intitulado 'Darkeyne Mix', apresenta uma batida de bateria intensa e um groove com graves marcantes, além de cortes ocasionais na voz para criar refrões repetitivos. Há vários momentos em que a mão frenética de Dakeyne ofusca os tons mais melódicos de Gilmer, mas o resultado ainda tem seus méritos, principalmente quando a voz se dissipa para revelar um groove ainda mais dançante e sons de sintetizador adicionais. Embora bastante distante do material original, este remix agradará àqueles que desejam revisitar o som do Ministry do final dos anos 90. 'Darkeyne Acid Dub' funciona ainda melhor como uma faixa independente, já que é quase totalmente desprovida de vocais e se concentra em um riff de baixo oscilante sobre ritmos impactantes, criando algo que soa como um cruzamento entre uma faixa obscura do Ministry of Sound e os trabalhos do Meat Beat Manifesto. Os fãs podem questionar a validade disso em relação ao catálogo do Tiny Magnetic Pets, mas, assim como os remixes de David Holmes e Sabres of Paradise para faixas do Therapy? nos anos 90, essa faixa funciona melhor se apreciada como uma obra inédita.
Pode-se dizer que o elemento remix deste lançamento não necessariamente agradará a todos que buscam um trabalho inédito do Tiny Magnetic Pets. Além disso, pode-se argumentar que as três faixas não oferecem aos fãs material suficiente para uma audição completa. No entanto, a faixa principal, "Astralux", é tão forte que vale a pena o pequeno preço do download só por ela. "Lost My Guiding Light (Again)" é facilmente a melhor música lançada pelo grupo nos últimos dez anos.
Eis uma descoberta magnífica para todos os amantes do Krautrock experimental dos primórdios. "Edge Of Time" é um álbum de folk-avant-garde holográfico puro, gravado no início de 1970 por um quarteto com membros da Alemanha, Polônia e Hungria. Dom definitivamente se inclina mais para o lado acústico e onírico do que para o elétrico, com percussão suave, instrumentos acústicos, sintetizadores espaciais e muita flauta. Sem dúvida, este era um verdadeiro quarteto astral que, através de sua música alucinógena, leva você a uma viagem espacial. Ouço traços do início do Pink Floyd e até mesmo do Cluster em sua música, mas o que prevalece é a originalidade da música de Dom. A Second Battle fez um trabalho fantástico ao preservar e remasterizar este álbum com perfeição, com várias faixas bônus excelentes e uma arte de capa interessante. Psicodelia progressiva eletrônica em sua melhor forma.
5 estrelas DOM é uma daquelas bandas "desconhecidas" que lançaram apenas um ótimo álbum e desapareceram para sempre, como Yatha Sidhra, Arzachel e Älgarnas Trädgård (apesar de terem lançado um álbum perdido não faz muito tempo). Edge of Time te levará a uma jornada psicodélica em apenas 36 minutos. O que temos aqui é um material acústico minimalista misturado com órgãos suaves, flautas encantadoras e sons estranhos. Então, dê umas tragadas e comece a sonhar, pois o som geral deste álbum proporciona um estado onírico.
Com o uso limitado de vocais neste álbum, acredito que isso adiciona um efeito maior ao ouvinte, sendo que os únicos vocais de fato estão na faixa-título, que combina com o poema na capa do álbum. Fora isso, são apenas sussurros e gemidos suaves. Até mesmo os vocais na faixa-título são muito monótonos e oníricos, tornando-a a parte mais dramática do álbum (aos 5:27), juntamente com algumas das músicas mais belas que já ouvi, especialmente o solo de flauta. Cerca de metade do álbum é preenchida com ruídos e sons estranhos, comuns na cena Krautrock. Aliás, se você prestar atenção em "Silence", eles até usaram a virada de bateria de "In The Court Of The Crimson King" (faixa-título) logo antes do riff final. Qualquer fã de King Crimson reconhecerá essa virada de bateria. Embora seja muito sutil, você terá que ouvir com atenção para percebê-la. A maior parte do material acústico "de fato" é semelhante em certo sentido, mas não decepciona. O uso de percussão, órgãos, flautas e baixo ajuda a manter o interesse ao longo de todo o álbum.
Este álbum é uma joia rara, então, se você estiver disposto a pagar mais de US$ 500 ou £ 200 pelo vinil, ele está esperando por você no eBay neste exato momento. Portanto, aconselho que compre o CD, se possível, ou faça o download do álbum. As faixas extras presentes no CD não têm nada de especial. As quatro primeiras faixas extras eram material que, acredito, deveria estar no próximo álbum do DOM, intitulado "Flotenmenschen". A última faixa bônus, "Let Me Explain", é uma música inédita composta especialmente para o lançamento do CD. Nada de espetacular aqui. Então, se você é fã de álbuns raros e obscuros de rock/folk dos anos 70, este é para você. Especialmente para os fãs de Krautrock.
Álbum de estúdio, lançado em 1972
Lista de faixas
1. Intruitus (8:55) 2. Silence (8:53) 3. Edge Of Time (9:05) 4. Dream (9:37)
- Reiner Puzalowski / guitarra, flauta, voz - Hans Georg Stopka / órgão, guitarra, voz - Laszlo Baksay / baixo, voz - Gabor Baksay / percussão, flauta, voz
