CRONICA - URSULA CREEK | Ursula Creek (1976)

 

Embora o Southern Rock estivesse em alta nos anos 70, algumas bandas associadas ao gênero tiveram o privilégio de alcançar sucesso e reconhecimento, enquanto muitas outras permaneceram desconhecidas e, na melhor das hipóteses, só alcançaram status de cult mais tarde. URSULA CREEK foi uma dessas "deixadas para trás".

Afinal, quem era URSULA CREEK? Um grupo de Illinois, mais precisamente de uma pequena cidade chamada San Jose (que não tem nada a ver com a cidade californiana de mesmo nome), formado em 1974. Composto por quatro músicos, o URSULA CREEK lançou seu único álbum, sem título, em 1976, quando ainda não tinha gravadora.

Este único álbum do URSULA CREEK situa-se na encruzilhada do Southern Rock, Hard Rock e Rock Psicodélico. As faixas que melhor sintetizam esses estilos são "Movement G", uma música tecnicamente complexa em andamento médio que se destaca principalmente pelo seu solo instrumental, que demonstra o talento dos músicos; "Have You Got The Time", uma faixa bem construída com um solo particularmente marcante; e "Highlights Of The World", uma canção energética e empolgante que certamente fará você bater o pé. A banda de Illinois provou ser ainda mais empolgante com "Gypsy On The Road", um hino de Southern Hard Rock vibrante com influências de Boogie-Rock, repleto de energia, despreocupado ao extremo, impulsionado por um piano envolvente e feito sob medida para incendiar uma apresentação ao vivo. Além disso, "Callin' My Name" é uma faixa de hard rock com influências sulistas, firmemente enraizada em meados dos anos 70, com sua seção de baixo e bateria pulsante e envolvente que surpreende com uma pausa inesperada no meio dos riffs. Enquanto isso, a faixa de andamento médio "Will You Shine" se destaca pelo contraste entre um refrão lento e etéreo que surpreende e versos mais rítmicos, resultando em uma música agradável, porém sem grandes destaques. "Until The Music Ends", com um espírito mais fundamentalmente sulista, é mais agradável por sua energia contagiante e por sua capacidade de manter o ouvinte na expectativa, com os músicos dando tudo de si. O URSULA CREEK oferece um pouco de variedade com "Dying For You", uma faixa que começa como uma balada rural antes de se desviar para um som psicodélico de blues-rock/folk-rock, mas o resultado é um tanto decepcionante, já que a banda de Illinois deu a impressão de que poderia ter feito melhor. Quanto às duas baladas do álbum, elas têm conotações folk, até mesmo psicodélicas: "Pictures Of Red Roses", com um caráter melancólico, não é nada excepcional, enquanto "Rainy Days", salpicada com um toque de amargura e discretas notas de piano e flauta, é mais elaborada e de bom gosto.

Este único álbum do Ursula Creek é, no geral, decente e aceitável, mas não um clássico essencial. A segunda metade do álbum parece mais inspirada que a primeira. Os músicos demonstraram sua habilidade e há alguns bons solos de guitarra. É principalmente um disco cult, talvez valha a pena tê-lo em uma coleção.

Lista de faixas :
1. Callin' My Name
2. Dyin' For You
3. Until The Music Ends
4. Pictures Of Red Roses
5. Movement G
6. Will You Shine
7. Gypsy On The Road
8. Rainy Days
9. Have You Got The Time
10. Highlights Of The World

Formação :
Ed Culbertson (vocal, bateria),
Kenny Kastner (guitarra),
Gene Singley (baixo),
Steve Voss (teclados)

Produtor : Jerry Brightman

CRONICA - MAMA’S PRIDE | Uptown & Lowdown (1977)

 

O primeiro álbum do MAMA'S PRIDE acabou passando despercebido quando foi lançado em 1975. A falta de sucesso, ou pelo menos de visibilidade, não desanimou o grupo de St. Louis, que decidiu perseverar.

Em 1977, o MAMA'S PRIDE tentou a sorte novamente com material inédito, que apareceu em seu segundo álbum,  Uptown & Lowdown , produzido por Jim Mason.

Comparado ao álbum anterior, a banda de St. Louis evoluiu.  Uptown & Lowdown  é um disco mais diversificado, com elementos funk mais proeminentes. Esses elementos são perceptíveis em "Lucly Lady", uma faixa bem construída que transita entre o rock sulista e o funk-rock, com vocais de apoio femininos cheios de alma e uma boa dose de slide guitar; e em "The End Of Our Road", uma curta peça de blues-rock que, refletindo bem, lembra um pouco o trabalho de James Brown em alguns momentos. Para oferecer uma mudança de ritmo, o MAMA'S PRIDE apresentou "Can I Call You A Cab", uma composição de boogie-rock com vocais de apoio no estilo doo-wop e algumas notas alegres de piano que tornam a música cativante e animada, um excelente remédio para a melancolia. "Merry Go Round", uma faixa de rock sulista com toques de folk-rock e até country, é bem elaborada, com seu refrão sustentado por vocais de apoio vibrantes e alegres. "Now I Found You", situada algures entre o Hard Funky e o Southern Rock, é bastante enérgica, transbordando entusiasmo, com cantores, vocais de apoio e músicos perfeitamente sincronizados. Os músicos demonstraram uma ambição ainda mais impressionante em "She's Stranger To Me Now", uma composição épica de Southern Rock, enriquecida por arranjos melódicos meticulosamente elaborados e um refrão cativante e arrebatador, perfeitamente adequado para uma banda sonora de faroeste. Tal como no álbum anterior, duas faixas particularmente bem elaboradas e longas destacam-se aqui. Primeiro, temos "You Can't Fool Yourself", um blues-rock de andamento médio com 7 minutos e 12 segundos que te agarra pela garganta, ostenta arranjos suntuosos e exuberantes, e apresenta o vocalista em transe, possuído, o que acentua seu aspecto contagiante. Depois, temos "Long Time", uma composição de 9 minutos e 48 segundos que mostra a banda de St. Louis navegando entre o southern rock e o rock progressivo, marcada por uma atmosfera épica, levando você a uma jornada, e, na metade da música, a faixa decola, o ritmo acelera e as guitarras dominam, culminando em solos em uma jam session alucinante como um espetáculo final de fogos de artifício.

Em conclusão,  Uptown & Lowdown  é um álbum sólido com ótimos solos de guitarra. Embora não seja fantástico, este disco é bem produzido, e o MAMA'S PRIDE confirmou seu status como um forte concorrente na cena do Southern Rock, mesmo que não tenha conseguido desafiar os principais nomes do gênero. Após este álbum, a banda de St. Louis fez turnês por alguns anos, depois se separou em 1982, antes de se reunir em 1992 para fazer turnês apenas ocasionalmente.

Lista de faixas :
1. Can I Call You A Cab
2. She's A Stranger To Me Now
3. Lucky Lady
4. You Can't Fool Yourself
5. The End Of Our Road
6. Merry Go Round
7. Now I Found You
8. Long Time

Formação :
Pat Liston (vocal, guitarra, teclados),
Danny Liston (vocal, guitarra),
Max Baker (guitarra),
Joe Turek (baixo),
Dickie Steltenpohl (baixo),
Kevin Sanders (bateria),
Paul Willett (teclados)

Gravadora : Atco Records

Produtor : Jim Mason

CRONICA - PEARL HANDLE BAND | Pearl Handle (1982)

 

Southern Rock nos anos 80?!? Bem, por mais estranho que possa parecer para muitas pessoas, definitivamente existiu, e até mesmo além de bandas como BLACKFOOT, MOLLY HATCHET, OUTLAWS, DOC HOLLIDAY e 38 SPECIAL. Vários grupos, trabalhando nos bastidores, tentaram reacender a chama do Southern Rock, particularmente durante a primeira metade da década de 80, e PEARL HANDLE BAND foi um deles.

Estruturada em torno de 4 músicos, a PEARL HANDLE BAND apresentava um cartão de visitas nada convencional, já que vinha de Chicago (uma cidade não conhecida por abrigar bandas de Southern Rock); Formada em 1974, essa banda ainda teve que esperar 8 anos antes de finalmente lançar o que permanece sendo o único testemunho discográfico de sua existência:  Pearl Handle , um álbum composto por 7 faixas.

A PEARL HANDLE BAND entregou um álbum intransigente, sem baladas. É uma coleção de faixas eletrizantes de Hard Rock/Southern Rock/Boogie-Rock movidas a adrenalina. A impactante "Better And Better", tocada no limite, demonstra que esses músicos entregam o que prometem sem se conter, fato confirmado pela eletrizante "Can't Live With You Without You Blues", pela crua e visceral "Stranded On A Deadend Street", puro Rock n' Roll em sua essência, e pela acelerada "Late Night Lover", um Hard Rock n' Roll tocado em ritmo alucinante que mostra uma banda em chamas, sempre no limite e pronta para a pancadaria. Uma faixa como "Young Stuff" é clássica, mas seu ritmo contagiante a torna especial, assim como a cadenciada "Lucille" se mostra bastante agradável, antecipando até mesmo o que o Georgia Satellites faria alguns anos depois. Quanto a "Going Down Again", trata-se de uma esplêndida composição de Southern Rock, do tipo frequentemente produzido durante sua era de ouro: com seu ritmo contagiante, melodias cativantes, refrão escondido, guitarras gêmeas e batida vibrante, tinha tudo para dar certo e pode, décadas depois, ser considerada uma daquelas joias escondidas dos anos 80, um daqueles hinos pouco conhecidos do Southern Roc

Em 1982, a Pearl Handle Band lançou um álbum repleto de energia e entusiasmo. Eu diria até que  Pearl Handle  é uma daquelas raras joias do Southern Rock que merecem ser redescobertas, pois o álbum é um deleite musical. É uma pena que o Southern Rock estivesse passando por um período de baixa popularidade em 1982, porque este álbum tinha potencial para atrair um público mais amplo, apesar da ausência de baladas. De qualquer forma, a Pearl Handle Band se separou um ano após o lançamento. 

Lista de faixas :
1. Better And Better 
2. Going Down Again
3. Young Stuff
4. Stranded On A Deadend Street
5. Late Night Lover
6. Lucille
7. Can't Live With You Without You Blues

Formação :
George Millspaugh (vocal, guitarra),
Danny Hurc (guitarra),
Mickey Gentile (baixo),
Dean Aliotta (bateria)

Gravadora : Brylen Records

CRONICA - WHISKEY MYERS | Whiskey Myers (2019)

 

Desde sua estreia em estúdio em 2008, o WHISKEY MYERS construiu uma sólida reputação ao perpetuar com paixão e sinceridade o legado do Southern Rock e do Classic Rock americano. Após quatro álbuns, a banda texana demonstrou potencial suficiente para atrair a atenção de fãs e daqueles que sentem nostalgia por esse estilo musical.

Ainda liderada pelo vocalista/guitarrista Cody Cannon, a WHISKEY MYERS lançou seu primeiro álbum, sem título, em 27 de setembro de 2019, com uma capa branca bem simples.

É evidente que os caras do WHISKEY MYERS têm um domínio notável de sua arte e se esforçam para maximizar sua eficácia, o que fica claro em faixas típicas de Hard Rock/Southern Rock, como a empolgante "Mona Lisa", incrivelmente contagiante, imparável tanto em energia quanto em melodia; a envolvente "Die Rockin'", groovy ao extremo, divertida, com qualidades viciantes e dignas de hit, aprimorada por vocais de apoio femininos e guitarras vibrantes com grande efeito; a bluesy "Little More Money", bastante simples em sua concepção, mas eficaz graças às suas melodias oscilantes e brilhantes; e "Hammer", uma faixa de andamento médio, de tirar o fôlego e cativante, que te pega de jeito, salpicada com gaita e, em parte graças à voz cativante de Cody Cannon, dá a essa faixa uma sensação de "quero mais". Na mais pura tradição do Southern Rock, "Bitch" é uma faixa curta e vibrante, tão cativante quanto realista, marcada por um solo penetrante e estridente que vai direto ao ponto. A faixa de andamento médio "Glitter Ain't Gold" se destaca com seu solo de guitarra deslumbrante e um refrão emocionante e visceral cantado em uníssono. Confiantes em sua força, os WHISKEY MYERS não têm medo de inovar e parecem perfeitamente à vontade em faixas com influências de Blues-Rock como "Gasoline", uma música de andamento médio com guitarras ásperas e afiadas, sustentadas por um vocal caloroso e rouco, um ritmo simples e metronômico e um refrão provocante. "Kentucky Gold", outra música de andamento médio que é um hino do rock de raiz em todos os sentidos, se destaca com suas melodias cativantes e viciantes e seu caráter épico marcante; poderia até ser a trilha sonora perfeita para um faroeste. Numa vertente mais country-rock, funciona igualmente bem, como evidenciado por "Rolling Stone", uma faixa descontraída e agradável, repleta de vibrações positivas, com um refrão esplêndido que se canta alegremente em conjunto, e "Houston County Sky", uma canção clássica, mas muito agradável, cativante pela sua simplicidade que transporta o ouvinte para bem longe da América superficial e desagradável que tem sido retratada desde meados dos anos 90. Entre o country e o folk, "Running" é uma canção minimalista que se revela simultaneamente suave e cativante, com as suas melodias delicadas que acariciam o ouvido, o seu ótimo refrão e a forma inesperada como se desenvolve durante o solo. Este álbum completa-se com três baladas. "Bury My Bones", que se enquadra num estilo country/sulista, é clássica, mas repleta de belas melodias, particularmente no bandolim, possui uma certa sensibilidade e é um prazer ouvi-la. Mais enraizada na tradição sulista, "California To Caroline" é discreta, sem floreios em suas estruturas melódicas, possui a dose certa de emoção, e "Bad Weather", que se estende por mais de 6 minutos, é caracterizada por um suntuoso solo de guitarra, até mesmo com duas guitarras, e destaca as qualidades dos músicos como um todo.

O quinto álbum do WHISKEY MYERS é uma obra-prima completa, e a banda, liderada por Cody Cannon, atingiu sua plena maturidade, seu ponto de equilíbrio. Todas as composições são eficazes, envolventes e acertam em cheio. Os músicos demonstraram maestria na criação dessas melodias, e os vocais de apoio femininos, frequentemente utilizados, são usados ​​com grande efeito. A banda realmente se entregou por completo, resultando em seu melhor álbum até o momento, algo que era esperado e analisado por muitos, dada a qualidade de seus lançamentos anteriores. Este álbum homônimo alcançou o 6º lugar nas paradas americanas, o que permanece sendo o melhor desempenho do WHISKEY MYERS até hoje.

Lista de faixas :
1. Die Rockin'
2. Mona Lisa
3. Rolling Stone
4. Bitch
5. Gasoline
6. Bury My Bones
7. Glitter Ain't Gold
8. Houston County Sky
9. Little More Money
10. California To Caroline
11. Kentucky Gold
12. Running 
13. Hammer
14. Bad Weather

Formação :
Cody Cannon (vocal, guitarra),
John Jeffers (guitarra, vocal),
Cody Tate (guitarra),
Jamey Gleaves (baixo),
Jeff Hogg (bateria),
Tony Kent (percussão)

Etiqueta : Wiggy Thump

Produtor : Whiskey Myers

Carly Rae Jepsen - Day and Night (2026)

 

Day and Night (2026)

Carly Rae Jepsen

Neste álbum, Carly Rae reafirma seu título de compositora pop mais prolífica da atualidade. " Day" já é forte por si só, mas "Night" explode as portas do prédio. Há algo para todos os gostos, e ainda assim o conjunto se mantém coeso — uma espécie de especialidade dela, aliás. Dá para ouvir influências que vão de Kaytranada a Julia Holter, passando por Electric Guest. "Super Sage" talvez seja sua música mais emotiva e pessoal até agora, "Amalfi Coast" a mais dançante, e "On Wires" certamente a mais roqueira. Ela faz tudo soar fácil e incrivelmente divertido.

Gilla Band - Pugnello (2026)

Pugnello (2026)

Gilla Band

Desde sua formação, a Gilla Band vem acelerando implacavelmente e abrindo caminho em uma cratera inescapável no cenário pós-punk moderno. Após causar um grande impacto com sua monstruosa versão do hino techno " Why They Hide Their Bodies Under My Garage" , a banda continuou a deformar seu som a ponto de ser difícil até mesmo chamá-los de banda de rock. Seus riffs se tornaram mais amorfos e atonais, sua bateria passou de um punk thrash para um caos mecânico, e mais recentemente eles assumiram o controle quase que inteiramente da produção com "Most Normal" , criando um som que deveria ter cada cópia rotulada como prejudicial à audição. A cada álbum, parecia mais e mais improvável que eles conseguissem manter esse ritmo, e aqui estou eu com o que se configura como sua obra mais sombria, feia e assustadora até o momento.

Se "Pugnello" for sua porta de entrada para a Gilla Band, considere-a um batismo de fogo. "The Angelus" , cujo nome remete à devoção ao Senhor, soa mais como um apelo desesperado por intervenção divina. Um zumbido de guitarra paira como um órgão de igreja enquanto Dara declama um sermão incoerente. Embora seus versos estejam repletos das imagens excêntricas típicas da Gilla Band, quando a faixa começa a ceder à bateria eletrizante e ao ruído horripilante da guitarra, seu discurso desconexo se torna muito mais perturbador. Suas frases desconexas são gritadas como a agonia frenética de um cérebro em colapso perpétuo, culminando em golpes de ruído ensurdecedores que deixam o ouvinte abalado. Apenas com essa abertura cataclísmica, qualquer noção de alívio é dissipada, e as nove músicas seguintes mantêm o coração do ouvinte em estado de choque.

Enquanto o álbum anterior era preciso e cortante, o som mais desgrenhado e brutal construído em "Pugnello" gera muito mais inquietação. O pavor surge como ondas nauseantes de graves que espreitam nas profundezas de "Placeholder" , na caçada implacável de "Jacobsons" , no lugar completamente alienígena e hostil que é " Three Hands Clapping" . Pelo menos nos álbuns anteriores da Gilla Band, era possível dizer que a energia e os trejeitos de Dara pareciam um pouco mais intensos e maníacos do que nas faixas instrumentais, mas com "Pugnello" a sensação é de que ele está sendo engolido e atormentado por esses grooves cortantes e torrentes grotescas de ruído. Quando sua presença acaba sendo a força que ancora uma música, algo está profundamente errado.

A fisicalidade do último álbum permanece proeminente, mas os tons turvos e a mixagem opressiva tornam a adaptação muito mais difícil. Cada faixa é uma emboscada. Mesmo assim, você pode se pegar delirando em meio a esse inferno completamente escuro. Crisp PopNas profundezas deste álbum, surge como um estranho sósia da música eletrônica, silhuetado por luzes estroboscópicas tênues, mas com uma forma um tanto desfigurada e desumana para ser confortável. Vai fazer seus pés se mexerem, se você vai acabar dançando ou fugindo, é incerto. Acho que a constante fuga da familiaridade é tão emocionante quanto alienante, e um dos maiores trunfos do álbum. Mesmo quando há um ritmo ou riff estável ao qual se agarrar, sempre haverá uma ladainha de ruídos e distorções bizarras que aguçam seus sentidos. Por onde começar com The Megazord ? Construído a partir do que soa como lamentos agonizantes e interferência de rádio paranormal, fundidos com níveis sísmicos de graves, parece menos uma música e mais uma sessão espírita conduzida inteiramente por pedais de guitarra e samplers.

Não sei exatamente para que tipo de pessoa eu recomendaria este álbum, não é como se você pudesse definir com precisão o estilo ou o som dele. Mesmo para fãs antigos, é difícil se acostumar com a atmosfera densa e distorcida de Pugnello. Sustos rápidos são fáceis de assimilar, mas a corrente subterrânea de horror absoluto e mania não é para os fracos de coração. Um álbum que você deve manter trancado no sótão depois de terminar de ouvir.