Arlo Parks - Ambiguous Desire (2026)

Ambiguous Desire (2026)

Arlo Parks

Os métodos com que Arlo Parks consegue criar um ambiente musical acolhedor, convidativo e relaxante estão em constante evolução, mas uma coisa permanece constante: sua capacidade de alcançar esse resultado. Seu trabalho mais recente a leva a mergulhar no mundo da música eletrônica britânica, abraçando breakbeats suaves, nuances sutis de garage e toques de deep house, combinando tudo isso para criar um álbum com uma atmosfera envolvente e natural. Talvez seu álbum mais noturno até o momento, Arlo permeia a cultura noturna de Londres e Nova York com uma visão, talvez a mais equilibrada sobre festas que já ouvi.

Como sempre, ela se apresenta como uma voz amigável, guiando o ouvinte pela atmosfera com uma narrativa eficaz, composta por anedotas e reflexões, entrelaçando passado, presente, alegria e tristeza na dinâmica que só uma boa noite com amigos pode proporcionar. Apesar da ótima atmosfera, não acho que nada aqui seja excepcionalmente bem elaborado, com apenas alguns refrões marcantes ou momentos instrumentais excepcionais, e não estou convencido de que este álbum seja o mais eficaz para quem ainda não é fã do estilo poético de Arlo. Este é um álbum que te convida a entrar no mundo dela mais do que qualquer outro que já tenha feito, e embora haja momentos gratificantes a serem vividos lá dentro, o cenário noturno é um ambiente incomum para Arlo, que talvez não seja o mais fácil para se deixar levar. Os fãs, porém, vão se emocionar tanto com este álbum quanto com qualquer outro dela; é mais um abraço caloroso de Arlo, e era só isso que eu queria ouvir.

Squarepusher - Kammerkonzert (2026)

Kammerkonzert (2026)

Squarepusher

Tom Jenkinson não é estranho ao mundo do jazz e, por extensão, à música clássica. Sendo um músico com formação clássica e talvez o mais versado musicalmente da primeira geração de ex-alunos da Warp Records, ele continuamente expandiu os limites da composição em seus trabalhos. Mesmo seu álbum de estreia, Feed Me Weird Things , já demonstrava uma aptidão para ir além dos cânones do jungle e do drum 'n' bass, sendo pioneiro em um estilo que mais tarde seria conhecido como drill 'n' bass. Ele também tentou ir além do mundo da música eletrônica pura; Music Is Rotted One Note e o EP que o acompanha, Budakhan Mindphone, foram tentativas de fazer jazz de uma maneira singularmente caótica. Embora desde então, além das breves incursões que foram o pouco interessante e desconexo álbum ao vivo Solo Electric Bass 1 , a ambientação com guitarra da trilha sonora de Daydreams , da CBeebies , e as faixas avulsas em seus álbuns subsequentes, não houve uma verdadeira tentativa de explorar essa formação clássica em um ambiente distante da música eletrônica, até o lançamento de Kammerkonzert.

Este disco se apresenta imediatamente como Squarepusher se aventurando no mundo do jazz moderno e da música clássica; há uma ênfase óbvia nos sons dos instrumentos acústicos, mas sempre há uma sensação de familiaridade presente. A intensidade característica, o movimento constante e o crescimento incessante de suas faixas permanecem, executados com uma nova paleta sonora, embora não abandone completamente seu legado. O virtuosismo no baixo continua presente, assim como os sintetizadores TB-303, as baterias eletrônicas e as batidas de bateria, mas neste novo ambiente há uma sensação de novidade presente nesses elementos. Como elementos isolados, eles não diferem muito de trabalhos anteriores; a programação da batida de bateria em "K4 Fairlands", por exemplo, está longe de ser a mais complexa que Tom Jenkinson já colocou em um disco. No entanto, aqui, seu papel complementar às composições complexas os faz parecer mais formais, com uma elegância herdada do ambiente que revitaliza esses sons.

Em termos dos principais elementos inovadores do disco, os instrumentos acústicos, sua aplicação não se afasta das características composicionais dos trabalhos anteriores do Squarepusher, embora aqui com um senso de sofisticação e refinamento ainda maior. As faixas mais lentas e contemplativas, como "K5 Fremantle" e a faixa de encerramento "K14 Welbeck", são exemplos claros disso. A primeira parece estar em sintonia com faixas como "Goodnight Jade" de Feed Me Weird Things , "Aqueduct" de Just a Souvenir e partes de Music Is Rotted One Note.Embora aqui com um estilo mais refinado e movimentos mais esporádicos, este último em linha com a dupla 'Tommib' e 'Tommib Help Buss' dos selos Go Plastic e Ultravisitor , respectivamente, ainda que desta vez num estilo mais barroco.

Em faixas mais convencionais para Squarepusher, como o bloco que vai de 'K7 Museum' a 'K13 Vigilant' — com exceção de 'K8 Park', outra faixa de ritmo lento, e 'K12 Uplands', uma faixa curta, mas agradável, guiada por arpejos, que parece funcionar como um minuto de respiro após a intensa 'K10 Terminus' — há uma clara influência do drill 'n' bass, mas com a densidade sonora não sendo conduzida por breaks de bateria, e sim por frases extremamente complexas e pela sobreposição de instrumentos, com cada faixa apresentando uma abordagem ligeiramente diferente. 'K7 Museum' continua a sobrepor elementos e a desenvolver os já presentes ao longo de seus quase 7 minutos de duração, de forma semelhante às faixas do Ultravisitor. A já mencionada 'K10 Terminus' é uma faixa intensa, que continua a iterar sobre um solo inicial de cravo e, ao estilo Squarepusher, cresce ao longo de toda a música, embora aqui termine de forma um tanto melancólica. 'K11 Tideway' pode ter um ritmo mais lento, mas há uma sensação de movimento e iteração constantes presentes do início ao fim; nenhum elemento parece se repetir literalmente, cada seção parece adicionar novos instrumentos e frases completamente novas que são imediatamente respondidas, o que leva a um final potente onde todos os elementos introduzidos se encontram.

Há uma estranha sensação de familiaridade em todo o disco; Jenkinson parece aplicar técnicas de composição semelhantes às de seus trabalhos anteriores, juntamente com técnicas de processamento de som digital (DSP) já conhecidas, mas esta paleta sonora proporciona uma perspectiva nova e única. É um disco intenso, denso e eclético, mas, no estilo clássico do Squarepusher, recompensa quem presta atenção. A música clássica é uma companhia estranhamente adequada aos elementos da música de Tom Jenkinson, conferindo-lhes uma peculiar elegância e sofisticação. Se alguém pensava que Squarepusher não tinha novas ideias depois do particularmente eletrônico Dostrotime , que, por sua vez, seguia a linha do seu antecessor Be Up a Hello , este disco prova o contrário: ele também sabe ser barroco.

Lone - Hyperphantasia (2026)

 

Hyperphantasia (2026)

Lone

Desde que me lembro, sempre busquei o que eu chamaria de música mais "colorida" que existia. Quando criança, as músicas favoritas de todo mundo pareciam ser diferentes das minhas ou se limitavam a um gênero; enquanto isso, eu pulava de Vincent Persichetti para When I Think of You, para Invisible Touch , para I Wish , e não conseguia explicar o porquê. Só conseguia imaginar. Isso é mais... colorido. Mais avançado. Mais vibrante. Psicodélico. E aí alguém dizia: "Ah, psicodélico? Tipo The Doors !" Não, não como eles. O que era? Por que eu gostava do que gostava? Tudo o que eu sabia era que, em geral, era mais difícil tocar ou compor. Só os artistas considerados verdadeiros gênios da música conseguiam manter o ritmo. Stevie Wonder . Brian Wilson . Quincy Jones, quando está no auge da sua criatividade.

Então, é claro, acabei no mundo acadêmico da música, impulsionado a aprender mais sobre o que eu amava e a nunca ganhar um centavo na vida. Ótima escolha, Kacho, escolha maravilhosa. Mas pelo menos eu conseguia definir e descobrir novas músicas dessa forma: o que me atraiu em um nível primordial foi a riqueza da harmonia terciária expandida e não convencional. Progressões de acordes, loops de acordes. Sétimas maiores, nonas maiores. Frequentemente no jazz, mas mais brilhantes e claras na música eletrônica. Stereolab . O melhor do N*E*R*D .

E foi esse conhecimento que me permitiu comunicar rapidamente o que eu amava em Pineapple Crush , do Lone (te devo uma, Azealia Banks ), e depois no incrível Galaxy Garden : Lone é um mestre dos acordes, um mago dos acordes, o Destruidor de Acordes (com as devidas desculpas ao Maxo : só pode haver um). Ele trabalha em suas progressões de acordes como um miniaturista trabalha nas dobras de cada página minúscula de um livro minúsculo, acertando tudo em sua mente e dominando a técnica mesmo sem formação em teoria musical. De alguma forma, trabalhar naquilo que mais amo não me traz nenhum retorno cultural! Quem se importa, em grande escala, com acordes? Quando foi a última vez que uma multidão de adolescentes gritando lotou um show caríssimo em uma arena só porque os acordes eram bons? A excelência harmônica é fruto de muito trabalho. Mas não importa: todo esse esforço compensa para meus ouvidos problemáticos, especiais e com zumbido desde os 4 anos de idade.

Assim como eu diria sobre o catálogo do Stereolab , Lone é impecável graças à sua incrível riqueza harmônica; gênero que se dane. E cada álbum até então explorou um gênero específico, um período histórico, do Big Beat ao Tropical e ao Hip-Hop. Meu álbum menos favorito do Lone poderia facilmente entrar no meu Monte Rushmore de álbuns: ainda brilhante, só que talvez não seja exatamente o meu estilo.Isso está sempre dentro da sua cabeça., seu último álbum. Continua maravilhoso, e fico feliz que ele tenha conseguido lançar seu Ambient Chill Out durante a pandemia. Ele também integrou a voz em sua música pela... bem, não foi a primeira vez, mas foi a primeira vez que teve destaque. Tem coisas ótimas nisso, só não era muito a minha praia. Então é brilhante. Só um pouquinho menos. Hidden by Horizons é uma faixa atemporal de qualquer forma.

Hyperphantasia é o primeiro álbum do Lone em que, em vez de um novo gênero, ele pega o conceito de sampleamento vocal e o espalha por suas explorações anteriores, da vibe Airglow Fires de Throw the Ember à essência de Levitate na incrível Waterfall Reverse . Os vocais estão por toda parte - a ponto de um som two-step ganhar uma qualidade estilística extra. Acho que Affinity (Cloud Four Four Mix) combina com toda aquela música soul house do RuPaul's Drag Race . Vamos colocar essa lá, sério. Nunca tinha pensado isso sobre uma música do Lone antes! Mas o melhor uso dos vocais em Lone acontece quando, como sugere um de seus interlúdios, a letra não importa; ela se torna distorcida e textural, acentuando a música. "Scattergun" é um exemplo matador disso, com uma sonoridade à la Giant Claw, que valoriza a sensação da voz humana, o timbre de uma vogal, não o significado de uma palavra. "Triton" também vem à mente, com a distorção harmônica da voz focando naquelas agradáveis ​​e intensas chamas sonoras de alta frequência, com mais ataque do que os sintetizadores de alta intensidade perto do final da faixa, um verdadeiro instrumento tímbrico e percussivo, em vez do método acústico normal de expressão da voz.

(Falando em intermezzos: sua avaliação de Hyperphantasia dependerá, em certa medida, da sua opinião sobre algumas dessas faixas que funcionam como intermezzos : faixas intermediárias, que definem o clima, que contam uma história. Aqui, os intermezzos são (Mind Apple Intro); Opening a Portal; Photographs That Don't Exist; Sickly, Sweetly, Summer Movie; Fruit Rots, Water Floats Downstream . Você poderia chamar esses pequenos trechos de "pulos". Eu acho que são adequados e justificam uma audição completa.)

Voltando ao meu ponto forte, porém: o que realmente se destaca, como sempre aconteceu com Lone, mas amplificado aqui, são seus acordes. Os loops giratórios de acordes de nona maior de Hyperphantasia , movidos em planos astrais através e apesar dos modos, tonalidades e áreas tonais convencionais, transbordando cores que a Pantone ainda não nomeou, rivalizam com qualquer um de seus trabalhos anteriores, no mínimo, e frequentemente os superam, como mencionado anteriormente em Waterfall Reverse.como um dos meus favoritos (fazendo uma pausa monocromática inteira ao estilo Photek só para garantir que você não se dessensibilize com sua glória majestosa e colorida). O álbum termina, de forma controversa, com uma faixa de Liquid DnB um pouco menos colorida, com percussão orgânica, mais parecida com seu álbum anterior. Mas isso é proposital. É para te acalmar, te conduzir de volta à realidade. Afinal, termina com um pequeno ritual de relaxamento zen. Ele está cuidando de você com Ascension.png, apenas relaxe.

Hyperphantasia é um álbum bom o suficiente do Lone para substituir Galaxy Garden na minha lista de acordes neste site - uma lista que construí ao longo de anos, gritando-a para o vazio para qualquer um cujo cérebro por acaso funcionasse como o meu, buscando o verdadeiro cromatismo no sentido literal, não teórico da música, a psicodelia harmônica. Pelo menos alguém como eu pode encontrar algo de que goste, pela primeira vez. E essa é uma lista onde Galaxy Garden estava no topo, o melhor dos melhores. Hyperphantasia não apenas entra nessa lista, como desbanca Galaxy Garden, uma obra-prima, do meu Monte Rushmore (desculpe, amigo, um por artista!) com a maestria de Leonidas.

Hyperphantasia, hein? Quer saber o que eu ouço na minha cabeça? Um álbum da década, é isso que eu ouço.

concealer. - This Room Could Be Heaven. (2026)

This Room Could Be Heaven. (2026)

concealer.

This Room Could Be Heaven. oferece tudo o que um álbum de estreia poderia oferecer, e um pouco mais. É uma representação perfeita do metalcore em seu auge, especialmente em termos de melodia e emoção, com refrões que poderiam facilmente pertencer a qualquer disco emo de meados dos anos 2000, e riffs mais pesados ​​e dissonantes que me lembram qualquer faixa de Heaven Let Them Die . É sincero, honesto e, mais importante, catártico, com destaques como Color Slowly Fading ou …And the Sunlight Spoke sendo algumas das melhores músicas de emo metalcore que já tive o prazer de ouvir. Os interlúdios não acrescentam muito, com exceção de The Stillness Between Us , que achei um bom experimento tentando mesclar trip hop, post-rock e várias outras influências.

ROCK ART

 

Memórias, Momentos e Músicas: Rita Lee – “Arrombou a Festa” e “Arrombou a Festa II”

 

Em seu quarto álbum de estúdio, “Fruto Proibido” de 1975, Rita Lee descreve uma mulher contestadora e sem medo na faixa Luz Del Fuego, retrato da artista, dançarina, precursora do naturismo e feminista. A contestação e o destemor de Luz Del Fuego, que causaram furor no Brasil das décadas de 1940 e 1950, podem ser atribuídos à própria Rita.

Uma das qualidades que mais admiro em Rita Lee é sua habilidade de juntar contestação e deboche. Foi com esse espírito irrequieto que ela lançou, em 1976, a música Arrombou a Festa. Segundo a própria Rita, a sua intenção era “escandalizar os bons costumes da MPB”. E não fica pedra sobre pedra na galhofa musical que tem ironia e cutucadas nos músicos brasileiros que estavam em evidência àquela época.

A pândega começa pelo título da música que é uma paródia de um sucesso de Roberto Carlos: Festa de Arromba. A chacota vai comendo solta ao longo da música, alguns artistas são tratados de forma mais branda, mas para maioria sobra ironia e sátira.

É claro que uma parte dos “homenageados” não gostou nem um pouco da gozação feita por Rita, em parceria com Paulo Coelho, e aconteceram algumas reações exaltadas do público com a troça aos seus ídolos. Segundo Rita Lee a sua pilheria só poupou Elis Regina.

Alguns anos depois do lançamento de Arrombou a Festa, Rita “arrombou de novo a festa” da MPB. Em seu álbum “Rita Lee”, de 1979, o primeiro em parceria com o guitarrista, e seu companheiro, Roberto de Carvalho. Este álbum, dos sucessos Mania de Você, Chega Mais e Doce Vampiro, marca uma guinada do rock para um estilo musical mais abrangente e foi um sucesso como Rita jamais havia experimentado.

Rita e Roberto

A última faixa deste álbum, Arrombou a Festa II, traz uma nova lista de artistas “agraciados” com a ironia de Rita Lee. Novamente em parceria com Paulo Coelho, Rita Lee zomba até dela mesma na frase: “E a Rita Lee parece que não vai sair mais dessa / Pois pra fazer sucesso arrombou de novo a festa”

A segunda arrombada segue a mesma linha musical que a primeira, com algumas diferenças rítmicas: a primeira era um rock, a segunda vem acrescida com um tempero de disco music, que era a onda daquele momento no Brasil. A excelente banda Tutti Frutti, que acompanhou Rita entre 1973 e 1978, só participou da primeira música.

Hoje, talvez, as duas canções possam ser consideradas politicamente incorretas, mas é exatamente isto que as torna tão divertidas.

VÍDEOS

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Arrombou a Festa

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Arrombou a Festa II

Wendy Carlos, pioneira do sintetizador

 

Wendy Carlos

Dedicado à Dra. Margareth Giglio e a toda equipe do Projeto

Transexualizador do Hospital Estadual Alberto Rassi – HGG

Quem assiste ao filme “Laranja Mecânica” de Stanley Kubrick deve ter notado a exuberância de sua trilha sonora. A música está muitas vezes em primeiro plano e não apenas como complemento à ação. Logo no início do filme, se tivermos ouvidos atentos, notaremos que a música tem um brilho diferente, isto porque grande parte do que se ouve no filme foi executado pela musicista Wendy Carlos em instrumentos musicais eletrônicos, os sintetizadores.

A música e a eletrônica estão presentes na vida de Wendy Carlos desde sua infância.  Aos seis anos ela aprendeu a tocar piano e, alguns anos depois, se graduou em Música e Física na Brow University de Rhode Island, EUA.

Na década de 1960, o engenheiro Robert Moog criou o primeiro sintetizador comercial da história. Naquela época era um equipamento complicado e difícil de operar, porém o sintetizador Moog atraiu a atenção de Wendy Carlos que começou a utilizá-lo para criar e executar música.

Wendy Carlos e o sintetizador Moog

Nascia assim a parceria entre Robert Moog e Wendy Carlos, com esta ajudando o inventor a aperfeiçoar seu instrumento.

Um marco da utilização de sintetizadores na música é o álbum “Switched-on Bach”, de 1969, onde Wendy Carlos, com a colaboração de Benjamin Folkman e Rachel Elkind, gravou peças do compositor alemão Johann Sebastian Bach totalmente executadas em instrumentos eletrônicos.

Este álbum, pioneiro na utilização de sintetizadores como instrumentos musicais, foi um sucesso de vendas e Wendy recebeu três prêmios Grammy por ele.

Capa do álbum “Switched-on Bach”

A colaboração com Kubrick começou na finalização do filme “Laranja Mecânica”, quando Wendy adaptou eletronicamente peças clássicas e compôs alguns temas inéditos para a trilha sonora. Uma das adaptações mais impactantes que aparecem no filme é o do quarto movimento da Sinfonia nº 9 de Beethoven, quando o protagonista Alex está sendo submetido ao “Tratamento Ludovico” para condicionar seus impulsos violentos. O filme foi lançado em 1971.

Wendy Carlos também foi pioneira pelo fato de ser uma das primeiras artistas trans da música. Ela nasceu em 1939 com o nome de Walter Carlos, em Rhode Island, EUA. Ela relatou que se percebeu como mulher desde os seus cinco anos de idade. No final da década de 1960, ela começou seu tratamento de reposição hormonal e, graças ao sucesso comercial do disco “Switched-on Bach”, ela realizou a cirurgia de redesignação sexual em 1972 e assim pode adotar oficialmente o nome Wendy.

Wendy quando ainda se chamava Walter

VÍDEOS

Infelizmente há poucos vídeos com as músicas de Wendy Carlos no Youtuve.

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