Desde o seu início, há mais de vinte anos, o Madredeus procurou transmitir poesia através da música, expressar coisas impossíveis de comunicar de qualquer outra forma. Ao longo destes anos, levaram este maravilhoso projeto pelo mundo em milhares de concertos, transmitindo e difundindo o seu amor pela música, o seu amor pelos mistérios da "saudade", uma obra única que dificilmente pode ser definida por um único termo.
A banda, embaixadora da cultura portuguesa em todo o mundo, era liderada pelo guitarrista clássico Pedro Ayres Magalhães, juntamente com Teresa Salgueiro (voz), José Peixoto (guitarra clássica), Carlos Maria Trindade (sintetizadores) e Fernando Júdice (guitarra acústica). O álbum "O Paraíso" , lançado em 1997, solidificou as bases da sua música e a imagem do grupo. As suas composições, requintadas tanto na letra como na interpretação, seguem um estilo simples dominado pela guitarra, teclados suaves e a doce voz de Teresa Salgueiro, confirmando o seu estatuto como uma voz de destaque na música portuguesa, com uma ampla extensão vocal e evocações quase marianas, e uma presença de palco que a tornou uma figura chave em entrevistas e concertos.
track list : 01. Haja o que Houver 02. Os Dias são à Noite 03. A Tempestade 04. A Andorinha da Primavera 05. Claridade 06. A Praia do Mar 07. O Fim da Estrada 08. Agora (Canção aos Novos) 09. À Margem 10. Carta para Ti 11. Coisas Small 12. Não Muito Distante 13. O Dream 14. O Paraíso
Em 1998, Rachid Taha lançou o álbum Diwân , com versões de canções clássicas do mundo árabe. Oito anos depois, lançou a segunda parte, um álbum onde recria canções que representam seu passado. A memória compartilhada de "Diwân", que significa "assembleia" em sua origem persa, deriva de sua vocação como cronista: "Eu queria compartilhar as coisas que sabemos que nos fazem mais felizes. As coisas que nos fazem apreciar a vida e uns aos outros um pouco mais. Conhecer a história nos permite seguir em frente, encontrar um terreno comum ." No álbum, também produzido por Steve Hillage , encontramos canções que claramente fazem parte da herança da cultura árabe, particularmente aquelas sobre "o que está errado" ("Ghanni Li Shwayya", da diva da música Oum Kaltoum), "memórias do filme onde um beijo apaixonado aparece pela primeira vez" ("Gana El Hawa", de Abdel Halim Hafez, o dândi egípcio da música), ou sobre imigração, "as canções que eram ouvidas nos cafés parisienses depois do expediente" ("Ecoute Moi Camarade", de Mohamed Mazouni). "Agatha", uma canção do camaronês Francis Bebey, é uma das melhores canções antirracistas, salpicada de ironia e humor, onde o uso de um instrumento tradicional mandinga como a kora adiciona um toque rítmico e harmônico espetacular. Em suma, Diwân 2 é uma releitura da herança musical clássica de Rachid Taha, filtrada por suas experiências musicais na Europa, resultando em um álbum fascinante.
Lista de faixas : 01. Ecoute Moi Camarade 02. Rani 03. Agatha 04. Kifache Rah 05. Joséphine 06. Gana El Hawa 07. Ah Mom Amour 08. Mataouel Dellil 09. Maydoum 10. Ghanni Li Shwaya
Rachid Taha é um dos pioneiros do rock árabe na década de 1980, época de crescente consciência política entre os filhos de imigrantes, principalmente da Argélia, que começavam a reivindicar seu espaço na sociedade francesa. Músico prolífico de Oran (a capital do raï), suas canções sempre buscaram mesclar o folclore mediterrâneo com o rock, conscientizando sobre as formas de exclusão por meio de sua música, que defende a fusão e o intercâmbio cultural.
Diwân (1998) e Diwân 2 (2006) são duas de suas obras mais representativas. Produzidos por Steve Hillage , ambos os álbuns revisitam grandes compositores e intérpretes da música árabe, como Farid El Atrache (do Egito), Abderrahmane Amrani (Dahmane El Harrachi), autor do sucesso "Ya Rayah", e outros clássicos do Marrocos e da Argélia, como Mohamed Mazouni, estrela da música franco-árabe na década de 1970 com a canção "Ecoute Moi Camarade". "Agatha" (presente em Diwân 2 ), uma canção do camaronês Francis Bebey, é uma das melhores canções antirracistas, repleta de ironia e humor, onde o uso de um instrumento tradicional mandinga, como a kora, adiciona um toque rítmico e harmônico espetacular. As canções são cantadas em francês e árabe, utilizando instrumentos tradicionais como o oud, flautas e darbukas, evocando a atmosfera esfumaçada dos cafés de Oran e Cairo. O efeito hipnótico da música é reforçado pela participação do Cairo String Ensemble, do virtuoso tocador de oud Hakim Hamadouche , da cantora Amina Alaoui , nascida no Marrocos , e do percussionista egípcio Hossam Ramzy . Imperdível.
Lista de faixas : 01. Ya Rayah 02. Ida 03. Habina 04. Bent Sahra 05. Ach Adani 06. El H'Mame 07. Enti Rahti 08. Menfi 09. Bani Al Insani 10. Malheureux Toujaurs 11. Aiya Aiya
"Is This Love" é uma das canções mais icônicas de Bob Marley and The Wailers , lançada em 1978 como parte do álbum Kaya . Nesta música, Bob Marley revela seu lado mais romântico, sem se afastar de seu estilo reggae característico ou se aventurar no reino das baladas melódicas ou românticas, permitindo-nos apreciar o ritmo enquanto ele se pergunta se "o que estou sentindo é amor".
O ritmo de "Is This Love" é caloroso e relaxante, porém sugestivo e dinâmico, com acordes suaves e percussão irresistível que evocam no ouvinte uma sensação entre calma e felicidade. Na Espanha, tornou-se ainda mais popular por incluir na letra um exemplo claro do que se conhece como "momento tenente", em que uma frase em inglês ("I wanna love you") é ouvida claramente como se fosse em espanhol ("Agua en el hoyo").
Brincadeiras à parte, o álbum foi bem recebido internacionalmente na época de seu lançamento, alcançando o nono lugar nas paradas de vendas do Reino Unido, mas se tornou um sucesso internacional quando foi incluído na lendária coletânea Legend (1984) , com as melhores canções da carreira de Bob Marley , um álbum com o qual toda uma geração de ouvintes nos anos oitenta descobriu o saudoso músico jamaicano.
Antes de a MTV o consagrar como um dos ícones do pop dos anos 80, Robert Palmer era conhecido apenas no Reino Unido. Mas com uma batida funky contagiante, elevada pela filosofia de "Everyday People", do Sly & the Family Stone ("Seja amarelo, preto ou branco/Todo homem é igual por dentro") e vocais à la Marvin Gaye, "Every Kinda People" se tornou a primeira música de Robert Palmer a cruzar o Atlântico e fazer sucesso nos Estados Unidos. Tornou-se seu primeiro hit no Top 20, alcançando o 16º lugar nas paradas pop em 1978. A canção, com seus três minutos de duração, é rica em cordas celestiais, toques de steel pan caribenho e instrumentação típica das ilhas, e, ao se dissipar, deixa um gostinho de quero mais. Ao contrário do que alguns supõem, a música não foi escrita por Palmer; foi composta por Andy Fraser, membro da banda de rock Free e compositor do maior sucesso do grupo, "All Right Now". Como prova da natureza irresistível da música, artistas como Amy Grant e Randy Crawford já fizeram covers dela. Curiosidade: a marcante linha de baixo foi composta pela lenda da Motown, Bob Babbitt, que lançou as bases para os Funk Brothers e tocou baixo no icônico álbum de Marvin Gaye, What's Going On.
O álbum Double Fun, que inclui "Every Kinda People", é uma vitrine do som característico do músico britânico nos anos 70. Pode ser um pouco surpreendente que Robert Palmer tenha nascido na Inglaterra, já que sua música raramente soava britânica. Isso certamente se aplica a Double Fun, que tem uma sonoridade americana, talvez influenciada pela gravação em Nova York e pela participação de músicos americanos. Robert Palmer é influenciado pelo soul, rhythm & blues e funk dos anos 70, mas também aproveita a popularidade da música disco na época. O álbum soava particularmente bem em 1978 e ainda soa bem hoje — uma ótima opção para uma tarde chuvosa de sábado, mas mesmo em uma noite quente de verão, ele continua a encantar.
Em "Every Kinda People", Robert Palmer celebra as ricas diferenças culturais que tornam o mundo tão interessante. De muitas maneiras, somos todos iguais: todos buscamos sobreviver e todos buscamos amor, mas é preciso gente de todos os tipos para fazer o mundo funcionar. Tal é o espírito da canção que Palmer mencionou ter recebido muitas cartas de organizações religiosas agradecendo-lhe pela positividade que ela transmite. Segundo Palmer, a letra original, escrita por Andy Fraser, era mais política. Palmer a modificou para focar mais na conexão humana. O riff que você ouve foi criado no baixo, e Robert Palmer simplesmente o transpôs para outros instrumentos; isso ocorreu durante um período em que Palmer estava experimentando com diferentes sonoridades. A canção tem uma clara influência caribenha, o que não é surpreendente: ele morava em Nassau na época. Alguns anos antes, Palmer havia feito uma versão popular da canção calipso "Man Smart (Woman Smarter)". Com esse sucesso, Palmer assinou com a Island Records e gradualmente conquistou fãs e respeito por sua ousada paleta musical. Ele compôs muita música com baterias eletrônicas e sintetizadores no início dos anos 80, antes de alcançar seu grande sucesso em 1985 com "Addicted To Love".
Segundo a teoria dos "Seis Graus de Separação", proposta pelo escritor húngaro Frigyes Karinthy em seu conto "Links" (1929) , qualquer pessoa está conectada a qualquer outra por meio de uma cadeia de conhecidos composta por, no máximo, seis elos. Eu nunca havia parado para pensar se, no caso de Jairo Zavala , o músico madrilenho por trás do projeto Depedro , essa teoria se confirmava, mas, nos últimos dias, diversas coincidências me levaram a refletir sobre essa rede de conexões, e senti que era o momento perfeito para resenhar seu álbum Depedro (2008) , uma fusão brilhante de folk, rock, música tradicional latina e influências mexicanas e americanas, fruto de sua colaboração com a banda Calexico , cujos integrantes Joey Burns e John Convertino contribuíram para o álbum, assumindo a produção.
Meu conhecimento do universo Depedro , até então, se limitava a algumas estrelas em forma de canções, e a pessoa responsável por me apresentar a elas é um grande amigo que chamarei de "Miguelito", como o título de uma das músicas do álbum. Anos atrás, Miguelito e eu embarcamos em um projeto musical amador que nos levou a tocar em lugares tão diversos quanto uma escola em Villaverde e a Plaza del Pilar em Zaragoza, entre outros. As músicas que meu amigo me recomendava de vez em quando eram, na época, minha única conexão com Depedro . Uma dessas músicas era a alegre "Como el Viento" (Como o Vento), a ótima canção que abre o álbum, uma faixa com uma melodia suave e agradável sobre a sensação de bem-estar que se experimenta quando se está perto de um ente querido, e uma das músicas que eu já conhecia. A outra era "Te sigo soñando" (Eu Ainda Sonho com Você) , uma das canções mais introspectivas e emotivas do álbum.
Já faz muito tempo desde que "Miguelito" e eu começamos a tocar juntos, mas, além disso, nossa amizade permaneceu intacta. Por isso, "La memoria" (minha música favorita do álbum) não me decepcionou quando fui convidada para a festa de aniversário de um amigo em comum com Depedro (a quem chamarei de "Llorona", por uma questão de confidencialidade e para ter uma desculpa para falar sobre a impressionante releitura em dueto com Fuel Fandango do clássico mexicano) e, assim que tive a oportunidade de conversar com ele, pedi que tirasse uma foto comigo para mostrar ao meu amigo.
"O que posso fazer por você?", meu amigo poderia ter perguntado quando lhe escrevi contando sobre aquele encontro, mas, em vez disso, ele me disse que também tivera a oportunidade de conhecê-lo... E isso foi tão inesperado quanto o fato de que, em um álbum predominantemente em espanhol e repleto de influências latinas, canções como "Two Parts in One", "Tomorrow" ou até mesmo "Don't Leave Me Now" — uma faixa que combina letras em espanhol com um refrão em inglês — surgem de tempos em tempos. Ao pesquisar as informações do álbum, compreendi essas influências ao descobrir que ele havia sido gravado em Tucson, Arizona, mas o que eu não conseguia explicar era aquela estranha sensação de que as conexões entre os diferentes lugares estavam, surpreendentemente, se unindo.
E eles ficaram ainda mais convencidos quando, pouco depois, encontrei outro amigo, a quem chamarei de "Comanche" por causa de seu moicano oportuno, para irmos à feira de colecionadores de discos, e contei a ele como havia encontrado Depedro . "Você conhecia o Jairo? Ele estudou comigo em Aluche!", disse ele, sorrindo, e essa foi a gota d'água na teoria do Sr. Karinthy . No caminho para casa, enquanto ouvia as notas otimistas e evocativas de "La brisa ", cheguei à conclusão de que, correndo o risco de estar "errado" e sem a intenção de incomodar ou ser um estorvo, valeria a pena aproveitar um dos elos desse estranho fenômeno para enviar a Depedro esta humilde resenha, idealmente antes de dezembro , porque com o inverno tudo fica mais frio, embora existam canções como a de mesmo nome que nos ajudam a atravessá-lo de forma mais agradável.
Com esses pensamentos confusos girando na minha cabeça, cheguei à reta final do álbum e ainda tive tempo de descobrir ótimas músicas como "Sobre una línea" e "Running Scared ", além daquele toque de sensibilidade de ouro que é "Perfect Time" (com Russian Red ), que encerra um álbum quase perfeito em grande estilo. Basta alguns cliques no Spotify ou no YouTube Music para confirmar que estou certo. Enquanto você decide se quer ouvi-lo, vou dedicar meu tempo livre a ouvir mais álbuns do Depedro. Com esse objetivo em mente, fui à Wikipédia consultar sua discografia, apenas para descobrir, para minha surpresa, que em toda essa cadeia de conexões e coincidências, eu ainda não sabia que ele tem um álbum intitulado "Casualidades" ... Sem dúvida, essa será a próxima parada nesta emocionante jornada pelo universo Depedro.
Em 1977 , aproveitando sua crescente popularidade nos Estados Unidos, Rory Gallagher decidiu gravar em São Francisco sob a direção do produtor Elliot Mazer . Após a conclusão das gravações, durante as quais já haviam surgido atritos entre o guitarrista irlandês e o produtor, e depois da mixagem do álbum, Rory expressou sua insatisfação com o resultado final, chegando a discutir com Elliot . Tanto o produtor quanto a gravadora Chrysalis queriam lançar o material, mas Rory tinha uma carta na manga: ele tinha a palavra final sobre o produto, pois mantinha o controle total sobre sua música. Como resultado, perdeu uma quantia considerável de dinheiro, mas sabia que dessa forma ninguém poderia interferir em sua música. No documentário altamente recomendado sobre o guitarrista, " Rory Gallagher: Ghost Blues - The Story of Rory Gallagher" , seu irmão Dónal , que também é seu empresário, fala sobre esse episódio. Rory disse a ele que não iria lançar o material e, considerando os prazos apertados com a gravadora Chrysalis , o estresse para Dónal naquele momento foi imenso. Rory guardou as gravações de São Francisco em uma gaveta , e algumas delas foram lançadas em 2011 sob o título Notes from San Francisco .
Chegamos a um ponto em que Rory decidiu não lançar o trabalho finalizado, e sua gravadora, Chrysalis , não ficou nada satisfeita , já que o tempo estava se esgotando e Rory tinha um novo álbum para entregar. Longe de se abalar, Rory tomou uma decisão: dispensou toda a banda que o acompanhava nos últimos cinco anos, com exceção de seu inseparável baixista, Gerry McAvoy , e contratou o baterista Ted McKenna , retornando à formação típica de power trio que ele tanto amava. Com essa formação, ele foi para o Dierks Studios em Colônia, Alemanha, para trabalhar com Dietr Dierks , produtor de vários álbuns do Scorpions , entre outros, e em um mês gravou Photo Phinish , outro ótimo álbum, conseguindo cumprir os prazos da gravadora.
Incluída neste magnífico álbum, no início do lado B, está outra das faixas de destaque do disco, " Shadow Play ", uma composição de Rory em um violão de 12 cordas enquanto estava na Irlanda, acamado por causa de uma gripe. É uma música que Rory frequentemente tocava ao vivo , e é justamente nesse contexto que a faixa realmente brilha, com o guitarrista executando solos arrebatadores que parecem alcançar o céu. Esta é uma das músicas mais reconhecidas de Rory , frequentemente usada em seus shows até seus últimos dias, o que diz muito sobre sua importância em seu repertório. Além de refletir temas de luta interior e busca por significado, a música também captura a essência de Rory Gallagher como um artista introspectivo e apaixonado, com uma capacidade inata de nos levar a uma montanha-russa de emoções através de sua lendária Fender Stratocaster .
