Pell Mell - A Coleção Completa com 4 CDs em uma caixa

A obra completa de sete álbuns em quatro CDs numa única caixa,

"Die Moldau" de 1981, lançada pela primeira vez na tonalidade e andamento corretos, e

"Skyrider 2", o último álbum da banda, nunca antes lançado.

    Formato: CD.
    Selo: Made In Germany (MIG).
    Gênero: Progressivo.

"Pell Mell - A Coleção Completa", a obra total da banda de rock clássico mais famosa da Alemanha, liderada pelo violinista virtuoso e líder Thomas Schmitt, está sendo lançada agora como nunca antes - em uma embalagem sofisticada com detalhes em dourado vaporizado.

A coleção contém sete álbuns em quatro CDs, cinco do Pell Mell e dois de seu sucessor, Skyrider, cobrindo todo o período de 1971 a 1981, a era do "Deutschrock" do início ao fim.

Todo o material foi completamente remasterizado digitalmente. Um livreto de 24 páginas com fotos inéditas e novas notas de encarte de Cornelius Hudalla completa o pacote. Hudalla não só teve um papel fundamental na produção desta coleção, como também, sendo ex-empresário e produtor de dois desses álbuns, possui um conhecimento privilegiado e inigualável dos bastidores. Gostaríamos de ressaltar o alto valor desta caixa e os altos padrões da banda Pell Mell.

Edição limitada a 1.000 unidades em todo o mundo.

CD1

Marburg (1972)
01. The Clown and the Queen (8:50
02. Moldau (5:30)
03. Friend (7:11)
04. City Monster (8:41)
05. Alone (9:25)

From the New World (1973)
06. From The New World (16:03)
07. Toccata (4:03)
08. Suite I (8:02)
09. Suite II (11:24)



CD2

Rhapsody (1975)
01. Frost of an Alien Darkness (9:20)
02. Wanderer (2:32)
03. Can Can (3:36)
04. Prelude (3:17)
05. Desert in Your Mind (6:17)
06. The Riot (6:06)
07. Paris the Past (8:07)

Only A Star (1978)
08. Count Down (4:52)
09. Daydreamer (4:34)
10. Only a Star (4:19)
11. Across the Universe (6:14)
12. Disillusion (8:43)
13. Trailors in Movie Halls (3:44)
14. Phoebus Is Dead (7:11)



CD3

Moldau (1981)
01. Moldau Part One (5:34)
02. The Farmers Wedding (3:28)
03. The Nymph Dance (3:17)
04. Moldau Part Two (7:43)
05. Gliding (2:40)
06. Dark Valley Part One (3:32)
07. Dark Valley Part Two (2:23)
08. Dark Valley Part Three (4:32)
09. Dark Valley Part Four (4:38)


CD4

Skyrider (1980)
01. Skyrider - On My Line I (0:18)
02. Skyrider - Skyrider (2:08)
03. Skyrider - Great Beautiful Crime (4:30)
04. Skyrider - Time of the Season (4:06)
05. Skyrider - Written on a Granite Hill (3:51)
06. Skyrider - I Don't Wanna Leave You Now (4:12)
07. Skyrider - On My Line II (4:02)
08. Skyrider - Up to Sky (3:05)
09. Skyrider - Love's In My Eyes (3:42)
10. Skyrider - Save Two Birds (5:06)
11. Skyrider - Fighter of the Sun (4:03)

Skyrider 2 (1982)
12. Skyrider - Looks Like Rain (4:41)
13. Skyrider - Loadie (4:27)
14. Skyrider - Rock'n'Roll on the Highway (3:04)
15. Skyrider - Broken Harmony (6:27)
16. Skyrider - Right in Your Hands (4:33)
17. Skyrider - Song for Rosalie (3:51)
18. Skyrider - Hello Angel (3:57)
19. Skyrider - I'm in Love (3:49)
20. Skyrider - Heart on Ice (4:05)

MUSICA&SOM ☝

It’s All Meat “It’s All Meat” 1970

 

It's All Meat foi uma banda do final dos anos 60 e início dos 70, originária de Toronto, que lançou este excelente álbum em 1970 (Columbia). Antes disso, o It's All Meat era conhecido como The Underworld. O Underworld lançou um single garageiro soberbo e cru ("Go Away"/"Bound" - pelo selo Regency) em 1968 e também gravou algumas ótimas músicas inéditas em acetato. Como mencionado anteriormente, alguns dos membros do The Underworld formariam o It's All Meat. Em 1969, este novo grupo lançaria seu primeiro compacto, "Feel It", juntamente com "I Need Some Kind of Definitive".
Compromisso.” O lado A combina a energia do MC5 com a atitude descolada do New York Dolls e apresenta bastante feedback e ótimos solos de guitarra. 
É um dos grandes nomes do proto-punk.

Seu álbum foi lançado no ano seguinte e apresentava 8 faixas originais inéditas, escritas pelo baterista Rick McKim e pelo tecladista/vocalista Jed MacKay. Há um conjunto de ótimos e sólidos rocks garageiros à la Rolling Stones que formam o eixo deste LP: “Make Some Use Of Your Friends”, “Roll My Own”, “You Brought Me Back To My Senses” e “You Don't Know The Time You Waste”. Esta última faixa seria lançada como o segundo e último single da banda, mas “Roll My Own” e “Make Some Use Of Your Friends” eram igualmente boas, com ótimos solos de guitarra psicodélicos e vocais crus. Outras faixas notáveis ​​flertavam com o blues (“Self-Confessed Lover”) e o folk-rock (“If Only”), mas os momentos mais brilhantes do LP eram suas duas composições maratonas de 9 minutos. “Crying Into A Deep Lake” era pura psicodelia à la The Doors, com teclados espaciais e vocais sombrios influenciados por Jim Morrison. A outra faixa longa, “Sunday Love”, soa como uma estranha mistura de Lou Reed e John Cale, com muito ruído psicodélico de guitarra e passagens suaves com uma pegada folk, salpicadas com leves teclados garageiros. Assim, embora essas duas últimas faixas sejam bem longas, elas nunca se tornam cansativas e são audições obrigatórias tanto para fãs de garage rock quanto de psicodelia. A produção do álbum oscila entre um som de gravação primitivo e o brilho típico de uma grande gravadora, resultando em um resultado perfeito.

It's All Meat é uma viagem excelente e consistente do começo ao fim. É um dos melhores álbuns de garage rock da fase final (bem final mesmo) que conheço. Os sons de hard rock e proto-punk do álbum lhe conferem uma pegada visceral e marcante. It's All Meat foi relançado em 2000 pela Hallucinations.
Escrito por Jason | 22 de abril de 2009
 

Faixas:
1. You Don't Notice The Time You Waste
2. Make Some Use Of Your Friends
3. Crying Into The Deep Lake
4. Roll My Own
5. Selfconfessed Lover
6. If Only
7. You Brought Me Back To My Senses
8. Sunday Love

Formação/Músicos:

Rick Aston/baixo, vocal
Jed MacKay/órgão, piano
Rick McKim/bateria
Wayne Roworth/guitarra, vocal
Norm White/guitarra

MUSICA&SOM ☝

The Fents ~ USA ~ Los Angleles, California

 

First Offense (1983)

Não há dúvidas de que First Offense é um álbum de 1983, especialmente após ouvir a faixa de abertura. O baixo slap funky, os sintetizadores e a produção impecável são apresentados logo de cara, oferecendo um início um tanto duvidoso. Talvez um First Offense, de fato. Mas The Fents eram muito mais interessantes do que isso, e conforme o álbum se desenrola, uma sofisticada mistura de jazz instrumental e rock emerge, com ritmos complexos, solos incendiários e sonoridades mais cruas. A própria banda foi influenciada por alguns dos principais artistas de fusion da época, como Bruford, Holdsworth e Dixie Dregs, e a influência desses artistas é evidente em todo o trabalho.

Ao ouvir o álbum pela primeira vez desde então, também queria mencionar a sua força melodológica. O álbum continua a brilhar enquanto outros do mesmo gênero perderam o seu encanto com o tempo.

The Other Side (1987)

Conheço o The Fents desde o final dos anos 80 (graças ao Jeff da PPR), mas esta é a primeira vez que ouço o segundo álbum deles, o mais acessível. Ele pulou o projeto CDRWL, já que foi lançado em CD desde o início. Finalmente consegui uma cópia em uma loja local. Para ser sincero, não tinha grandes expectativas, imaginando que seria moderno, polido e digital demais para o meu gosto. Algo parecido com Spyro Gyra, por exemplo, sem os saxofones. E se dependesse do tecladista Adam Holzman, eles teriam cumprido minha previsão – o timbre dele grita final dos anos 80. Mas o guitarrista Ted Hall não quis nem ouvir falar nisso e detona na guitarra com um som de uma década atrás. Invocando os espíritos coletivos de Terje Rypdal e David Torn, Hall arrasa, especialmente no lado B, conforme o álbum começa a se revelar. Minha audição começou bem e acabou ficando ótima. Há muito espaço para crescimento aqui. Uma grata surpresa.

BIOGRAFIA DOS Capsicum Red

 

Capsicum Red

Capsicum Red foi um grupo de rock progressivo italiano formado em 1970.

História

Mais que a própria carreira, o Capsicum Red é recordado pelo fato de o seu guitarrista, Red Canzian, posteriormente fez parte do renomado grupo pop Pooh, ainda em atividade, como baixista, se tornando titular de uma carreira de enorme sucesso.

O Capsicum Red, ao invés, na sua breve existência, permaneceram na obscuridade. Em 1971, o grupo realizou o seu primeiro single, Ocean, que obteve um bom sucesso pelo fato do título do disco e o nome fazerem crer que não eram italianos. Ocean se tornou a sigla da transmissão televisiva ...e ti dirò chi sei, foi lançado na Grécia e França.

Logo depois foi criado um outro single, Tarzan, mas o tipo de música estava longe da atmosfera progressiva, que chegou apenas em 1972 com a realização do álbum Appunti per un'idea fissa. A música era progressiva com forte influências sinfônicas, sobretudo nas suítes presentes no lado "A", cujo título Patetica, remete logo a Ludwig Van Beethoven. De fato, a suíte é derivada da homônima Sonata para piano número 8 do compositor alemão.

Em 1973, sem ter conseguido grande consenso, o grupo se dissolveu. Canzian passou a fazer parte do Osage Tribe e depois, como já dito, no Pooh.

Paolo Steffan com um outro músico, Gianni Genova, dá vida ao duo Genova & Steffan, cuja intenção country se desenvolve em um pop melódico, contudo, de pouco sucesso. Em setembro de 1980, Claudio Ramponi entra no Everest, que porém, se dissolve logo depois da gravação do segundo single "Daisy/Volare piano". Em 1984, inicia uma colaboração com Pino Donaggio na realização de trilhas sonoras para o cinema americano, enquanto em 1996 começa um parceria com Le Orme.

O baterista Roberto Balocco tinha anteriormente militado no Panna Fredda, participando da gravação do álbum homônimo. Como outros grupos de rock progressivo dos anos 1970, o Capsicum Red foram redescobertos. O álbum foi reeditado em CD, em 1991 pela Artis Records e, em 1995, pela Vinyl Magic, incluindo mais músicas dos dois 45 rotações. A mesma gravadora também o relançou em vinil.

Formação

• Red Canzian - guitarra, voz
• Paolo Steffan - baixo, voz, piano
• Mauro Bolzan - teclado
• Roberto Balocco - bateria

Discografia

33 rotações

• 1972 - Appunti per un'idea fissa (Bla Bla, BBL 11051)
• 2008 - Appunti per un'idea fissa (Vinyl Magic, VM 050LP; reedição dol álbum de 1972)

45 rotações

• 1971 - Ocean/She's a stranger (Bla Bla, BBR 1306)
• 1971 - Tarzan/Shangrj-La (Bla Bla, BBR 1322)
• 1972 - In una sera/Un fiore (Bla Bla, BBR 1332)

CD

• 1991 - Appunti per un'idea fissa (Artis Records, ARCD 029; reedição do álbum de 1972)
• 1995 - Appunti per un'idea fissa (Vinyl Magic, VM 050; reedição do álbum de 1972, com uma canção do 45 rotações)

33 rotações com outros artistas

• 1972 - Tarzan (Bla Bla, BOP 90001, com Black Sunday Flowers, Osage Tribe e Well's Fargo; O Capsicum Red estão presentes com Tarzan, Shangrj-la, Ocean e She's a stranger)

45 rotações publicados no exterior

• 1971 - Ocean/She's a stranger (Philips, 6115 001; publicado na França)
• 1971 - Ocean/She's a stranger (DPA, n.5203; publicado na Grécia)

MUSICA&SOM ☝

Manic Street Preachers – Everything Must Go (1996)

 

Os galeses Manic Street Preachers são um caso especial nos caminhos da Britpop. Nasceram do punk, navegaram géneros e amplas águas musicais até aos dias de hoje e, nunca sendo um total fenómeno crítico e comercial, sempre foram uma banda muito respeitada e valorizada.

Everything Must Go, de 1996, é essencial no percurso de James Dean Bradfield e amigos. Foi o quarto disco de originais dos Manics, o primeiro a ser gravado sem o guitarrista Richey Edwards, que havia desaparecido em parte incerta um ano antes. Foi o disco do salto para a primeira linha dos Manic Street Preachers: o lado mais punk e rude ficou grosso modo para trás, mas, aqui, o grupo não abandona o rock – antes conjuga com sapiência momentos mais introspetivos, instrumental e liricamente, com explosões e gritos do Ipiranga.

«A Design For Life» e «Australia». Estes foram os temas mais difundidos de Everything Must Go, mas os méritos desta empreitada são maiores: a elegância pop de «The Girl Who Wanted to be God», por exemplo e a fúria rock’n’roll – a recordar os tempos anteriores – de «Kevin Carter» são exemplos de um disco que pinga música por vários lados e em diferentes canais, mas cuja água advém de toda uma mesma nuvem de intensidade e dramatismo.

Os Manics são um porto seguro da pop britânica. Ainda vivem, lançaram este ano o 12.º álbum de originais e se nem todos chegaram à eternidade, o bom senso força-nos também a dizer que em todos há bons momentos, letras, guitarras, bom gosto pop. E Nicky Wire será sempre um dos nossos tipos preferido da britpop. Grande banda que por vezes nos esquecemos o quão boa é.

Kula Shaker – K (1996)

 

O revivalismo psicadélico invadiu a corrente da britpop com um álbum que não pede desculpas pelas suas influências. K dos Kula Shaker vai directo às raízes do psicadelismo britânico e junta-lhe a frescura do movimento dos anos 90, com uma pitada da pop orelhuda à Blur ou o rock mais enérgico dos Oasis.

A verdade é que as bandas da Britpop nunca se movimentaram longe das lições dos anos 60, reciclando ideias pop dos Beatles, dos Kinks ou dos The Who e sempre com uma forte identidade britânica.

Mas os Kula Shaker foram mais longe e recuperaram o misticismo à George Harrison até então esquecido pela pop.

A banda liderada por Crispian Mills revelou logo com a estreia em 1996 com o single «Tattva» um enorme interesse pela cultura oriental, injectando no tema texturas da música indiana e letras em sânscrito. Aos instrumentos tradicionais do ocidente juntavam-se a cítara e as tablas, por exemplo.

E, de facto, esta junção era algo que faltava à música popular há vários anos. Existem pelo caminho algumas experiências, é certo, mas tudo relativamente obscuro. Um dos exemplos que me ocorre é precisamente de 1996 e no último disco dos Screaming Trees, a mais psicadélica banda a sair do grunge de Seattle, onde é possível ouvir igualmente alguns instrumentos exóticos. Por isso mesmo, Dust é uma das obras-primas esquecidas dos anos 90, mas que fez uma óptima despedida dos Screaming Trees.

Já os Kula Shaker surgiram numa época em que a indústria fonográfica britânica protegia e impulsionava a sua música. E, numa altura em que as grandes editoras procuravam a próxima banda capaz de emular o sucesso dos Oasis, capazes de estabelecer pontes entre os diferentes públicos, alternativo ou mais comercial, os Kula Shaker foram uma das grandes apostas em pleno auge da britpop.

Ao vencerem um prestigiado concurso de bandas em 1995, partilhando o pódio com os Placebo, asseguraram um contrato discográfico com a Columbia.

Na altura, já o grupo de Crispian Mills estava plenamente imbuído do misticismo psicadélico de outros tempos; o resultado desse fascínio pelo oriente leva Mills a alterar o nome do grupo, que chegou a chamar-se The Kays.

Inspirado por um imperador do século nono e ao mesmo tempo figura sagrada da cultura da Índia, o Rei Kulashekara, cujo significado se refere a alguém com sorte ou auspicioso, Mills transformou os The Kays em Kula Shaker.

Após a edição do primeiro single, os Kula Shaker continuaram a manifestar a sua aproximação ao psicadelismo dos 60s com o segundo: «Grateful When You’re Dead». A clara homenagem aos Grateful Dead, com um rock abrasivo à Jimi Hendrix, fez os Kula Shaker entrar no Top 40 e dessa forma chamar atenção dos media.

O grupo regressou às tabelas com uma nova gravação de «Tattva», a mesma que iria figurar no álbum de estreia. E, com o quarto lugar do Top assegurado, estava dado o impulso para K, o primeiro disco de Kula Shaker editado em Outubro de 1996.

De forma surpreendente, o revivalismo psicadélico do grupo de Londres começou a conquistar o mundo. K bateu recordes de vendas, tornando-se à época o disco de estreia que mais rapidamente vendeu, superando outro nome do movimento britpop, um ano antes: as Elastica.

Contudo depressa se percebeu que a opinião sobre os Kula Shaker não eram unânimes entre o grande público. Se por um lado havia quem saudasse o rejuvenescimento do psicadelismo, houve quem criticasse a banda por se colar tanto às referências dos anos 60, em particular aos Beatles e às canções de George Harrison. Registe-se que em K existe muito para comparar aos Beatles, logo pela capa, que reúne uma série de personalidades ou personagens conhecidas, à semelhança de Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band de 1967. Mas aqui os Kula Shaker reúnem quem tivesse a letra «k» em comum, como por exemplo Karl Marx, John F. Kennedy, Grace Kelly, Martin Luther King ou mesmo King Kong ou Krishna.

Ainda assim as fortes críticas negativas que os Kula Shaker enfrentaram não os demoveram, e disparam com o último single de K, o tema «Govinda», mesmo no final do ano. Quem os acusara de terem estado muito próximos do misticismo psicadélico dos 60s encontrou os Kula Shaker a cantar totalmente em sânscrito, rodeados de cítaras e tablas. Mais «in your face» do que isto era impossível.

De resto são as canções mais orientais de K que ainda hoje perduram, como é o caso de «Govinda» ou «Tattva».

O sucesso de K deu aos Kula Shaker um Brit Award, na categoria de Revelação do Ano.

Logo a seguir, mais uma vez encostaram-se aos anos 60, numa nova reinterpretação de «Hush», tema popularizado pelos Deep Purple. A nova versão deu aos Kula Shaker o maior êxito da carreira, quando o single ocupou a segunda posição da tabela de vendas.

Após K os Kula Shaker ainda editaram um segundo disco, em 1999: Peasants, Pigs & Astronauts. No entanto, na altura já o movimento da britpop estava moribundo, assim como o fascínio pelo psicadelismo. Aos poucos, os elementos dos Kula Shaker foram-se dedicando a outros projectos. O grupo acabou oficialmente em 2005.

Porém regressaram no ano seguinte, editando mesmo um novo disco, Strangefolk, em 2007, embora sem o sucesso comercial de outros tempos. Um último disco chegou em 2010, Pilgrim’s Progress, mas igualmente ignorado pelo grande público, apesar das óptimas críticas.

Naturalmente que a actualidade da música britânica, com o regresso do psicadelismo mais pop, representado em bandas como os Temples, permite antever um regresso dos Kula Shaker, que deram o último concerto em 2010.

Se esse regresso em plena febre psicadélica não fizer parte dos planos de Crispian Mills, então resta-nos colocar os álbuns do grupo a tocar, em particular K que ainda hoje soa refrescante, apesar do imenso reciclar de ideias dos anos 60. Mas a sensibilidade pop do grupo, aliada a uma enorme energia e respeito pela cultura oriental, faz deste disco um dos trabalhos mais notáveis da geração da britpop.

E não é por acaso que o disco regressou em 2011 ao mercado, quando celebrou 15 anos. O álbum veio com dois CD, com alguns extras nunca antes editados e um DVD com um documentário sobre este registo crucial dos anos 90, que de certa forma antecipa um pouco da actualidade musical em que se vive um novo reciclar das ideias da era psicadélica.

Felizmente é fácil provar esta teoria… ponham o disco mais uma vez a tocar e deixem-se levar pela viagem psicadélica de K, a estreia dos Kula Shaker em 1996.

The Verve – Urban Hymns (1997)

 

Apenas dois anos após a célebre batalha entre Oasis e Blur, com os Pulp e Suede a serem actores secundários mas com força suficiente para rivalizarem com os contendores em questão, eis que surge, de um modo completamente inesperado, um outro pretendente ao trono do reino da pop britânica. Liderados pelo carismático Richard Ashcroft, os Verve, eram até 1997, data do lançamento deste Urban Hymns, apenas uma obscura banda de culto, daquelas que parecia que nunca acabaria por chegar aos tops da NME, Melody Maker ou Top of The Pops. Puro engano. Ashcroft e companhia apenas estavam à espera que o mundo os ouvisse e saberiam que o seu tempo chegaria. E chegou mesmo, para logo após desaparecerem quando estavam no auge da sua carreira. Irónico.

Os The Verve, originalmente formados como apenas “Verve”, são/eram (riscar a que preferir) uma banda de Wigan, nascida em 1989, no mesmo ano que os Stone Roses se deram a conhecer ao mundo e tinha como integrantes Nick McCabe, Simon Jones, Peter Salisbury e, claro está, Richard Ashcroft. Ashcroft e McCabe eram a alma da banda. McCabe trazia aquele tipo de guitarra tipicamente inglesa dominado por laivos de shoegaze e psicadélia, enquanto Ashcroft tinha uma aura ao nível de um Jim Morrison mesclado de Mick Jagger.

O seu primeiro disco, Storm in Heaven, lançado em 1993, foi bem recebido pela crítica mas acabaria por não ver igual reacção no público, acabando por falhar em termos de vendas. Para piorar o cenário, a editora de Jazz, Verve, processou a banda de Ashcroft pelo uso do mesmo nome, obrigando-os a mudar para “The Verve”. Infelizmente para a banda, andar nas barras dos tribunais acabaria por se tornar um hábito…

Dois anos mais tarde a banda lançaria A Northern Soul que, tal como o disco anterior, seria mais um fracasso de vendas o que levaria Richard Ashcroft a desistir dos The Verve pela frustração de ter dado tudo na concepção deste segundo disco, e, segundo o próprio, completamente pedrado em ecstasy.

Não durou muito até à ressaca passar e fazer com que Ashcroft voltasse a reunir os The Verve. Quem não estava para aí virado era Nick McCabe que recusaria o regresso, sendo substituído pelo guitarrista e teclista, Simon Tong. E como a história dos The Verve é feita de avanços e recuos, McCabe resolve juntar-se à banda, formando um quinteto e entrando em estúdio para aquele que seria o teu terceiro disco de originais.

«Bitter Sweet Symphony» é lançada a 16 de Junho de 1997 e um terramoto atinge Inglaterra com epicentro em Wigan. Não mais aquele rapaz com ar escanzelado e cara encovada teria mais que se preocupar com dinheiro para pôr pão na mesa. O primeiro single de Urban Hymns, disco que seria lançado a 30 de Setembro, atingia o estrelato e os Verve saíam da caverna que tanto ansiavam por sair e ver a luz e passavam a ombrear com os grandes da Britpop, Oasis, Blur, Suede e Pulp. Para os mais desatentos, já em Morning Glory, de 1995, Noel Gallagher dedicara «Cast No Shadow» a Richard Ashcroft, nunca pensando que estes acabariam por chegar tão alto.

Ainda antes de Urban Hymns chegar às lojas, «The Drugs Don’t Work» punha meio mundo a cantar sobre os malefícios da droga, numa balada tipicamente à anos 90. Os Verve estavam lá em cima e isso já ninguém lhes tiraria, ou não?

Quando tudo parecia estar a correr sobre rodas, uma bomba cai sobre Ashcroft e companhia. Allen Klein, director da ABCKO, empresa que detinha os direitos musicais de algumas bandas, especialmente os Rolling Stones, incluindo o seu produtor Andrew Loog Oldham, fez mais uma das suas. Após ter dado cabo das finanças dos Beatles na altura do Let It Be e consequente fim da banda, ainda pilhou os bolsos de George Harrison acusando-o de plágio em «My Sweet Lord» com a «He’s So Fine» das Chiffons.

Ao que parece a banda de Wigan tinha pedido autorização a Andrew Loog Oldham para usar um sample dum arranjo instrumental seu de «The Last Time», música original dos Rolling Stones, a que este acedeu. Quando Klein viu o sucesso de «Bitter Sweet Symphony ameaçou Ashcroft com a retirada de Urban Hymns das lojas enquanto «Bitter Sweet Symphony não fosse creditada 100% a Jagger/Richards, excluindo as letras de Richard.

Magoado com esta decisão, Ashcroft veio a público dizer que «Bitter Sweet Symphony» era a melhor música que os Rolling Stones tinham lançado em vinte anos.

Com «Lucky Man» e «Sonnet», os The Verve mostravam que o incidente do plágio não os afectava e que Urban Hymns não podia ser menosprezado. «Lucky Man» será para todo o sempre um daqueles hits dos finais dos anos 90, onde a guitarra acústica e a voz delicodoce de Ashcroft jogam na perfeição com os arranjos instrumentais da música, enquanto «Sonnet» será sempre a outra balada a rivalizar com «Drugs Don’t Work».

Bastariam estes quatro singles para fazerem de Urban Hymns um disco tremendo mas isso seria pouco para um disco que tem 14 músicas e, embora nunca tenham sido alvo de lançamento individual, músicas como a trippy «Catching The Butterfly», a abrasiva «The Rolling People» que tem algumas semelhanças com a «The Four Horsemen» da banda grega, The Aphrodite’s Child e as instrospectivas «One Day» e «Velvet Morning» dão a consistência necessária para que este álbum fizesse com que os The Verve não fossem apenas mais uma banda de rodapé da pop britânica.

A banda, essa, acabaria por se trair a si própria, implodindo mesmo na altura mais forte da sua carreira, quando Nick McCabe resolve deixar a banda no meio duma tour, alegando não ter suporte mental para uma vida na estrada. A banda acabaria por ainda se aguentar uns meses até terminar oficialmente em 1999.

Richard Ashcroft lançar-se-ia numa carreira a solo, de início promissora e de sucesso com Alone With Everybody, ancorado na «A Song For The Lovers» mas acabaria, também ele, por desaparecer sem deixar grande rasto.

Os The Verve acabariam por se juntar para gravar Forth, para espanto de muita gente. No entanto, tal como no pré-Urban Hymns, ninguém lhes passou grande cartão e voltaram para a tal caverna que tanto lutaram por sair…

Grouper – Ruins (2014)

 

Silêncio agora. Na teoria, o que este álbum precisaria é de silêncio, silêncio total e absoluto, para uma correcta e frutuosa absorção do mesmo.

Mas, sejamos sinceros, será que alguém, no ano da graça de 2014, consegue ter 40 minutos de silêncio total à sua volta? Sem um carro a buzinar, uma ambulância a passar na rua, um telemóvel a tocar ou vibrar, uma televisão ligada? Sem ninguém à volta a chamar, sejam mulher, marido, filhos, pais? (incrível como a evolução nos levou a este ponto em que perdemos uma coisa tão importante como o silêncio, ainda mais agravado pela diversidade e quantidade de obras para serem apreciadas que necessitam de total concentração, mas adiante). Pois bem, eu também não conseguindo os tais 40 minutos, decidi enfrentar o touro pelos cornos e lancei-me na sua audição no pior sítio possível – no carro, no percurso casa – trabalho pela manhã. Tinha tudo para correr mal e chegar ao meu destino 40 minutos depois sem reter uma nota que seja, sem um gostinho do que é este Ruins. Segunda circular adentro, tudo parado, carros a forçar mudanças de via, aviões a passar por cima da cabeça. Isto enquanto decorria o primeiro minuto do álbum e recordo-me de começar a ouvir um piano e uma voz ao fundo. Instalou-se. O carro de trás buzinou para andar. Fiz-lhe um olhar chateado pelo retrovisor, mas ele tinha razão, o carro da frente já lá ia e eu parado, estático, e os das outras faixas a aproveitarem para se meterem. Andei uns metros e parei novamente. Senti os prédios à volta a desaparecerem e a serem substituídos por uma paisagem rochosa, um mar mexido lá ao fundo, a perder de vista. O piano a pairar, a voz a fazer-me levitar. O carro do lado, feito de metal, a desaparecer. Depois o do outro. O de trás a ser varrido. Ainda tenho algumas memórias do da frente, a chamar-me para ir atrás dele. Uma placa a dizer IC 19 em frente. Os sentidos a confundirem-se, o tacto agarrado a um volante, mas a visão a mostrar um campo verdejante, o olfacto a sentir o mar o ouvido no piano e na voz. Um labirinto onde entrei e onde não foi fácil encontrar a saída. Um farol que apareceu ao virar da encosta, a iluminar o mar e a terra. A história do General Holifernes, chefe máximo das tropas assírias sob o rei Nebuchadnezzar. O agarrar-se a algo com todas as forças. Uma força transcendente feita de ar. Sintra. Como é que cheguei aqui?

Allah-Las – Worship the Sun (2014)

O segundo disco dos Allah-Las, Worship the Sun, foi lançado a Setembro deste ano e passou(-nos) relativamente despercebido – o que, atendendo à forma como nos seduziu o primeiro (Allah-Las), indicia qualquer coisa. Não que seja um mau disco, digo-o já.

É verdade que a música dos Allah-Las não é fácil: joga com a contenção, com as sombras e a densidade enevoada dos instrumentos, que se parece voluntariamente distanciar dos rótulos que lhe atiram e dos fenómenos que lhe são contemporâneos (mesmo na música que esses mesmos rótulos parecem abarcar). Do homónimo Allah-Las, em 2012, saía algo que era por aqui descrito como «música de surf semi-depressiva», e que bem colava esse rótulo quando comparado com os outros mais genéricos que a crítica habitualmente lhe dirigia – do surf rock ao garage rock, terrenos muito delimitados para a visão exterior da banda.

Dois anos volvidos, a recepção deste Worship the Sun poderá eventualmente ser ingrata; com algum tempo passado (não muito, mas ainda assim algum) e a surpresa que nos tinha causado o disco de estreia, o sentimento que este novo lançamento me deixa é agridoce: há, enfim, o lado positivo, com momentos nostálgicos como a faixa-título, que me recorda aquelas músicas tristemente coloridas da segunda metade dos 60s, ajustada à marca Allah-Las; as bonitas notas de guitarra ouvidas em «Recurring» quando a preguiça sonhadora se parece eternizar; a singularidade criativa da instrumental «Ferus Gallery» e a portentosa linha de guitarra de «No Werewolf». Mas há também um lado negativo que me ensombra a crítica: a sensação de que este seria o momento ideal para lançar um disco de qualidade altíssima, sem oscilações e com grandes canções, mesmo que não fugindo sobremaneira ao registo dos Allah-Las; e o início do disco, com as três primeiras faixas, torna a audição mais difícil, porque passamos os primeiros oito minutos e qualquer coisa a sentir que já ouvimos isto deles (e, o que adensa a coisa, que já lhes ouvimos isto a ser feito melhor).

«Better than Time» é a canção-chave desta canção: a décima segunda faixa é aquela que nos faz realmente ter pena que todo o disco não se assemelhe a ela: mais polida, com a mesma marca de distância e relaxamento pós-qualquer-coisa, embora com uma melodia intocável, de refrão certeiro e cantável; contudo, além disto, acerto total na criação desse lugar de fuga à vida diária e à música que ouvimos diariamente, que sempre caracterizou os Allah-Las.

Este é, acima de tudo, um disco complicado, com o jogo de expectativas a influenciar na análise de um disco que, por si só, será seguramente bom. E é um disco, é certo, em crescendo. Mas senti sempre que a competência e o impecável bom gosto destes músicos merecia uma maior ambição – talvez na produção, não sei. Até certo ponto, perde-se o sentido de relevância que a estreia prometia; se este é um disco que não tem propriamente tempo e viaja através do passado e da distância, pessoalmente teria sonhado com uma viagem ainda mais conseguida.