Present - This Is Not The End (2024)

 

Nossa lista de álbuns recomendados começa com o lendário grupo belga Present (um dos grandes bastiões do melhor do rock de vanguarda, do rock de câmara e do Rock In Opposition). Apesar do título, este álbum será, infelizmente, o último lançamento da banda, já que seu líder e compositor, Roger Trigaux (ex-Univers Zero), faleceu durante as gravações. O álbum é uma verdadeira obra-prima, combinando rock pesado com música de câmara de influência clássica e zeuhl como nenhum outro. Como todos os seus outros trabalhos, é uma demonstração deslumbrante de maestria musical, abundante em combinações precisas de instrumentos sincopados, todos aparentemente vindos de direções diferentes, mas que, no fim, funcionam juntos como um todo coeso. Esses caras costumavam lançar um álbum quase que diariamente, imagino que por causa do trabalho envolvido na produção desse tipo de música, mas a cada lançamento, eles quebravam paradigmas, tanto pela natureza imaginativa de seu trabalho quanto por sua qualidade artística (e me lembro do impacto que foi seu álbum anterior, de 2009, considerado por diversas publicações especializadas como o melhor álbum daquele ano). Este será também um dos melhores álbuns que poderemos apreciar em 2024, e pelas críticas que li, por enquanto, está em primeiro lugar e será difícil destroná-lo. Uma maravilha musical e uma homenagem póstuma a Roger Trigaux, um verdadeiro gênio da música angular. Acho que é óbvio que este álbum é altamente recomendado!

Artista: Present
Álbum: This Is Not The End
Ano: 2024
Gênero: RIO/Avant-Prog
Duração: 46:43
Referência: Discogs
Nacionalidade: Bélgica

Após uma longa espera, o Present retornou neste caótico ano de 2024 com seu novo álbum completo. E, mais uma vez, é uma fera, algo a que esta banda já nos acostumou. As composições, todas escritas por Trigaux, utilizam repetição, contraponto complexo, interação intrincada entre instrumentos, mudanças rápidas de compasso e um ataque instrumental poderoso.

Present sempre foi um projeto que priorizou a qualidade em detrimento da quantidade. No entanto, seu álbum anterior foi lançado há 15 anos, um intervalo muito longo entre álbuns. Além disso, parece que Trigaux não se envolveu em nenhuma outra atividade musical desde então, então o lançamento deste ótimo álbum não é apenas muito bem-vindo, mas também milagroso, especialmente considerando que o líder do projeto partiu para novos mundos e universos antes da conclusão das gravações.

O mais louco é que, apesar do título do álbum, o futuro da banda parecia ter chegado ao fim após a trágica morte de Trigaux em 2021, no meio da gravação deste, o oitavo álbum da banda. Mas os membros conseguiram ressuscitar os mortos ( com o Present , não conseguiram fazer o mesmo com Trigaux), e os mortos retornaram para seu capítulo final, pelo menos com Roger Trigaux no comando. Resta saber o que acontece agora, porque, a julgar pelo título do álbum, a história pode continuar.

E agora, um comentário de terceiros que ilustra um pouco melhor do que se trata o álbum.

“This is NOT the end” refere-se ao fato de que, apesar da morte do líder de longa data da banda, Roger Trigaux, em março de 2021, enquanto gravavam o álbum, a banda não se separou e acabou lançando o disco três anos depois. No entanto, este é, de fato, o trabalho final do grupo. A morte leva as pessoas, mas a arte permanece; a criação não tem fim, nunca morre, parece ser o significado deste título obviamente contraditório. Não há dúvida de que este álbum póstumo da banda belga é um evento altamente significativo, em geral, para o rock experimental e, especificamente, para a história de um movimento musical, estético e político tão importante quanto o Rock In Opposition. Present é um dos grupos que definiram o som e o estilo inovador do RIO e surgiu após a saída de Trigaux de outro grupo fundamental do gênero: Univers Zero, também uma banda ativa, que lançou seu trabalho mais recente, “Lueur”, em 2023. 
E que maneira impecável de dizer adeus, de declarar mais uma vez que estamos “presentes”, apesar da morte. “This Is Not The End” é um álbum à altura dos melhores trabalhos do Present. É composto por três composições, todas escritas por Trigaux. A faixa central, com mais de 26 minutos de duração, 'This Is Not The End / Part 1', é instrumental e complementada por duas faixas com letras faladas. A primeira, 'Contre', apresenta letras do poeta francês nascido na Bélgica Henri Michaux, e a segunda, 'This Is Not The End / Part 2', apresenta escritos de Edgar Allan Poe. Música complexa, enigmática e profunda, que dialoga com figuras essenciais da literatura mundial. Como se pode ler no texto promocional da Cuneiform, a música do Present é uma mistura surpreendente de heavy rock com influências clássicas e zeuhl. Trigaux observou na época que ele “usa longas repetições e polirritmias para levar não só o ouvinte, mas a mim mesmo, a um paroxismo de intensidade”.
Essas análises definem consistentemente a experiência de ouvir um álbum que não dá descanso ao ouvinte do começo ao fim. A faixa de abertura, 'Contre', com quase oito minutos, é um soco implacável de veemência e entusiasmo musical. Os ataques instrumentais angulares e incomumente expressivos são complementados por vocais semi-falados, entregues de forma agressiva. Os instrumentos elétricos são usados ​​em excesso, beirando o ruído, enquanto os elementos orquestrais — violino e clarinete — são igualmente brilhantes e melodicamente radicais. 'This Is Not The End / Part 2' vem a seguir. Com mais de 12 minutos, é a faixa mais solene do álbum, uma espécie de marcha que passa por diferentes estágios, desde o fúnebre e sagrado até o majestoso, mas nunca escapando da densidade caracteristicamente cativante da banda.
'This Is Not The End / Part 1', que encerra o álbum, é uma obra monumental. Quase meia hora de repetições, contrapontos e mudanças inesperadas de compasso, numa fusão intrincada de música contemporânea — cuja paleta sonora é uma mistura de rock pesado e sufocante, música clássica do século XX (especialmente música de câmara) e influências das grandes bandas que precederam Present: Magma, Soft Machine e o início do King Crimson. "O resultado final são obras deslumbrantemente precisas de instrumentos sincopados, todos aparentemente vindos de ângulos diferentes, mas que, em última análise, funcionam juntos como um todo coeso", acrescentam apropriadamente as notas do encarte da Cuneiform. Uma peça de dinâmica instrumental ousada e mudanças constantemente surpreendentes, com melodias que colidem e convergem em constante fusão, numa construção sonora diversa: guitarras elétricas, piano, baixo, bateria e instrumentos acústicos. A essência dos timbres do rock de câmara, como também é conhecido o estilo de algumas bandas do RIO. O resultado é uma música viciante, profundamente atual e, ao mesmo tempo, atemporal e imprevisível.
Não podemos deixar de terminar com o já clássico grito de guerra de Trigaux, que nunca perde sua força e verdade: “O rock é uma luta, um protesto contra a injustiça, uma forma de resistir a tudo que degrada a humanidade e seu meio ambiente, uma forma de construir um mundo mais parecido conosco, um mundo baseado no respeito próprio e no respeito mútuo. Sem coerção e sem concessões. Mais do que nunca, o rock precisa inovar, provocar, confrontar. Mais do que nunca, o rock precisa estar na oposição.” Que assim seja.

 
Héctor Aravena A.

Uau, que palavras! Merecem ser consagradas em algum lugar entre as lendas deste blog. E como sempre digo, nada se compara a ouvi-las, então aqui está para você começar a apreciar esta maravilha musical.

Aqui você tem três faixas longas, com uma faixa final que é a cereja do bolo deste que é o melhor álbum do mundo do RIO. Uma extensa canção de 26 minutos e meio que oferece a jornada mais sombria de toda a obra. Algo como um efeito combinado mais extremo das duas primeiras faixas, oferecendo ritmos Zeuhl esporádicos, mas também explosões de puro caos, e tornando-se ainda mais sinistra à medida que constrói seu ímpeto pesado e denso. Uma maravilha que é a cereja do bolo.

Resumindo, esta é uma obra angulosa, difícil e agressiva, talvez não para todos, embora eu acredite que qualquer pessoa que goste de boa música possa apreciá-la depois de algumas audições, e quero dizer apreciá-la de verdade, então não seja idiota e não a perca!

Um álbum que coroa a glória futura e sela a magnificência presente, com a promessa de que isto não acabou e que continuaremos a desfrutar deles no futuro, mas isso ainda está por ver...

Você pode ouvi-la no site da gravadora:
https://cuneiformrecords.bandcamp.com/album/this-is-not-the-end-2

Lista de faixas:
1. Contre (7:58)
2. This Is Not the End, Part 2 (12:15)
3. This Is Not the End, Part 1 (26:30)

Formação:
- Roger Trigaux / teclado, vocal, composição
- François Mignot / guitarra
- Pierre Chevalier / piano, teclados, vocal
- Dave Kerman / percussão
- Keith Macksoud / baixo
- Kurt Budé / saxofone, clarinete, clarinete baixo
- Liesbeth Lambrecht / violino
- Udi Koomran / som

Zevious - Passing Through The Wall (2013)

 

Continuamos com os álbuns (quase) desconhecidos e altamente recomendados. A capa já avisa: nada de cores, nada de sorrisos. Vamos falar do excelente e melhor álbum (pelo menos por enquanto) de uma banda de Avant-Prog, Math Rock e Brutal Prog. Este é o terceiro álbum na discografia deste trio brutal e poderoso, e se encaixa perfeitamente naquela bela categoria de música que você ama ou odeia, sem meio-termo. Pessoalmente, é um dos meus tipos de música favoritos: desafiador, complexo, feroz, visceral, cheio de polirritmias, mudanças, improvisações controladas, e o resultado é um trio que soa como se Don Caballero, King Crimson (da era 1975) e Voivod tivessem se cruzado em uma festa pós-show para músicos de math rock malucos e perigosos. Atenção, este álbum não é para todos e se encaixa nas águas turvas do que chamamos de "música para amar ou odiar, sem meio-termo". É o momento perfeito para quebrar a cabeça neste fim de semana. 

Artista:  Zevious
Álbum:  Passing Through The Wall
Ano:  2013
Gênero:  RIO / Avant-Prog / Math rock / Brutal prog
Duração:  48:44
Referência:  Discogs
Nacionalidade:  EUA

Zevious é aquele trio nova-iorquino que, se você os encontrar na rua, provavelmente vai te lançar um olhar do tipo "eu sei mais do que você". Formada pelos primos Jeff e Mike Eber (bateria e guitarra, respectivamente) e pelo baixista Johnny DeBlase, a banda começou como um experimento de jazz em 2006, mas eles logo se cansaram do swing e partiram para a guitarra elétrica. Mike trocou seu contrabaixo por uma Telecaster afiada, e DeBlase se mudou para uma nova cidade, trocou de instrumento e mudou de atitude.

Parece música construtivista soviética dos anos 1920 com a guitarra de Fripp sobreposta. Que música fantástica. Obrigado por me deixar descobrir essa preciosidade.

Fabián Fini na página do Facebook do blog Cabeza.

 

Após dois álbuns e diversas turnês, o Zevious chegou a "Passing Through The Wall" com a ideia fixa de hipnotizar o ouvinte com padrões polirrítmicos, melodias que desafiam a lógica e estruturas diabólicas. O objetivo, segundo eles, é induzir um estado de transe, e eles conseguem: este álbum é uma parede de som que te desafia a rompê-la, mesmo que isso signifique bater a cabeça contra ela. Mike Eber explica assim:

 

“Em cada música, exploramos um conceito específico, e neste álbum arriscamos com camadas de tempo. Às vezes, cada um de nós toca em uma fórmula de compasso diferente e, como se isso não bastasse, adicionamos mais uma por cima.”

 

Matemática para criar um som impossível, porém impecável, capturado por uma produção cristalina tão nítida que você quase consegue ouvir o suor escorrendo dos instrumentos. São 48 minutos de música instrumental feroz e concisa, com a dose certa de agressividade para fazer seu vizinho pedir para você abaixar o volume ou se mudar. Ou chamar a polícia, se nenhuma dessas opções funcionar.

 

A própria capa avisa: nada de cores, nada de sorrisos. Preto e branco, austero, porque acho que está nos dizendo: "Aqui não há diversão, mas há rigor intelectual". Este é rock instrumental, mas com uma pegada de math rock. É um álbum fácil? Não. É um álbum amigável? Menos ainda. Não há desenvolvimento linear aqui, nem melodias cativantes. Há repetições, dissonâncias e uma bateria que parece estar lutando contra a guitarra em um círculo de ritmos cruzados. Mas se você se atrever a se aventurar no deserto congelado de Zevious , encontrará detalhes e atmosferas que não existem em nenhum outro lugar. 

E para explicar um pouco do que se trata tudo isso, temos nosso comentarista involuntário de sempre, que nos conta o seguinte sobre este pequeno e fantástico projeto...

Atravessando Paredes com Zevious e seu Poderoso Som Progressivo:
Hoje, voltamos nossa atenção para o ZEVIOUS e seu novo álbum, “Passing Through The Wall”. Este power trio americano de Nova York ostenta um som progressivo com influências de jazz-rock e psicodelia, compartilhando muitas afinidades com ATTENTION DEFICIT, XAAL, BOZZIO LEVIN STEVENS e, claro, o clássico King Crimson. A ideia de formar um grupo surgiu em 1999, quando o guitarrista Mike Eber e o baixista Johnny DeBlase se conheceram na Pensilvânia, ainda no ensino médio. Ao longo dos anos, após se estabelecerem em Nova York e receberem a companhia do primo de Mike, o baterista Jeff, o trio foi formalmente estabelecido com a missão de criar música vigorosa e experimental que mescla rock e jazz dentro de uma estrutura sonora distintamente progressiva, com expansões adicionais inspiradas por math rock e prog metal. Após um álbum de estreia em 2008, onde o trio enfatizou a instrumentação acústica, e um álbum mais explicitamente eletrizante lançado um ano depois, intitulado “After The Air Raid”, é justo dizer que o ZEVIOUS já havia estabelecido completamente sua identidade musical. Agora, com “Passing Through The Wall”, temos um testemunho da maturidade e robustez de sua visão musical: vamos analisar o repertório do álbum em detalhes.
'Attend To Your Configuration' abre o álbum com uma arquitetura de cadências requintadamente vigorosa: em apenas 2 minutos e 45 segundos, o trio oferece uma aula magistral de como lidar com síncope e polirritmia para completar uma paisagem musical suntuosamente densa. 'Was Solls' vem a seguir, oferecendo mais do mesmo, enquanto adiciona elementos de King Crimson e math rock. Enquanto isso, 'Pantocyclus' se inclina mais diretamente para o padrão do math rock com um filtro psicodélico decididamente pesado. Até agora, temos uma sequência de 13 minutos caracterizada por um dinamismo sofisticado, onde a extroversão exuberante e a tensão intensa se fundem em um som compacto que preenche os espaços com imensa facilidade. 'White Minus Red' é essencialmente um retorno entusiasmado à tensão polirrítmica de 'Attend To Your Configuration', mas com maior expansividade (é a segunda faixa mais longa do álbum, com quase 7 minutos), o que significa que o trio agora pode explorar atmosferas neuróticas com mais ênfase. Jeff Eber é um baterista que nunca deixa de brilhar, mas é justo mencionar sua performance brutalmente precisa em 'White Minus Red' – verdadeiramente impressionante! 'Crime Of Separate Action' é outra faixa relativamente longa, na qual a banda tece uma sequência fabulosa de riffs e várias cadências.
'Entanglement' revela uma curiosa mistura de psicodelia quase punk e math rock à la HELLA: o vigor ludicamente dadaísta da faixa representa um clímax frenético de rock dentro do repertório geral do álbum. 'A Tiller In The Tempest' revisita um território explorado anteriormente em 'Was Solls', mas com uma aura de elegância ligeiramente mais pronunciada, enquanto a faixa-título prioriza um groove jazz-rock para focar em um tema baseado em uma simplicidade eficaz. Nunca deixa de nos surpreender como esses três músicos conseguem fundir suas mentes individuais em uma inteligência musical tão intrincada. 'This Could Be The End Of The Line' apresenta diversas semelhanças com 'Attend To Your Configuration', o que é bastante apropriado para antecipar a conclusão iminente do álbum. De fato, os oito minutos finais de “Passing Through The Wall” são ocupados por “Playing The Cold Trade”, uma faixa que se insinua no território do pós-rock sobre uma estrutura rítmica de avant-jazz: é como se a banda estivesse contemplando o crepúsculo de um dia que logo se tornaria velho, após se entregar a várias formas de sofisticada celebração progressiva enquanto o sol brilhava intensamente. Essa é uma ideia genial, que oferece um contraste marcante com faixas como “White Minus Red”, “Entanglement”, “Was Solls” e “This Could Be The End Of The Line”, que se estabeleceram como expressões centrais do modus operandi da banda.
Considerando “Passing Through The Wall” como um todo, é uma obra que reafirma a posição do ZEVIOUS como uma força importante na vanguarda do rock americano. Esse trio realmente tem algo especial, visto que a cada novo lançamento eles ressurgem com vigor renovado e uma impressionante audácia criativa. O ZEVIOUS merece atenção especial!
Classificação: 8,5/10

César Inca

 
A banda consegue transitar de cânticos monótonos para um caos desenfreado em questão de segundos, sempre com precisão cirúrgica, e o vídeo a seguir demonstra isso perfeitamente. Então, vamos começar a ouvir...?

Resumindo: "Passing Through The Wall" é um álbum que não vai te abraçar, mas vai cuspir na sua cara e sacudir seu cérebro, deixando você se perguntando o que diabos acabou de ouvir. É a trilha sonora ideal para quando você quer se sentir um pouco desconfortável, mas de um jeito bom. Porque, às vezes, ser irritante é uma arte, e esses americanos entenderam isso perfeitamente... não, não estou falando do Trump, bem, ele também era, mas de uma forma diferente, menos artística e construtiva.

Você pode ouvir o álbum na página deles no Bandcamp:
https://cuneiformrecords.bandcamp.com/album/passing-through-the-wall

Lista de faixas:
1. Attend To Your Configuration (2:47)
2. Was Solls (6:02)
3. Pantocyclus (4:07)
4. White Minus Red (6:55)
5. Crime Of Separate Action (6:32)
6. Entanglement (4:19)
7. A Tiller In A Tempest (3:15)
8. Passing Through The Wall (4:22)
9. This Could Be The End Of The Line (2:23)
10. Plying The Cold Trade (8:02) 

Formação:
- Mike Eber / guitarras
- John DeBlase / baixo
- Jeff Eber / bateria

Satánicos Marihuanos - Satánicos Marihuanos I (2017)

 

Mais do melhor do rock peruano. Satánicos Marihuanos é um ritual psicodélico latino-americano movido a cannabis. Uma banda de stoner rock com toques de doom, esse power trio consegue fazer até as pedras vibrarem. Aqui está o álbum de estreia deles, repleto de ritmos pesados, psicodelia densa e colossal, e riffs que martelam cabeças e consciências. A oferta bestial e lisérgica desses peruanos faz sua estreia no blog. Eles não inventam nada de novo, mas o que fazem, fazem muito bem, mesmo estando completamente fora de si.

Artista: Satanicos Marihuanos
Álbum: Satanicos Marihuanos I
Ano: 2017
Gênero: Stoner rock
Duração: 36:34
Nacionalidade: Peru


Satánicos Marihuanos é uma das bandas mais representativas da cena rock peruana, carregando consigo um som seco e devastador que gradualmente te arrasta cada vez mais fundo para o seu próprio universo musical.
Deixo vocês com um comentário sobre o álbum em questão...

Corpos desmembrados jazem no chão enquanto as musas se entregam aos prazeres de um ritual em honra ao bode. A erva aromática é queimada até que sua densa nuvem se eleve e desapareça no manto negro da noite. As fronteiras do proibido foram rompidas pelo poder da fumaça; o diabo toma pela mão os homens que escolheram cruzar o limiar, conduzindo-os a territórios desconhecidos onde tudo é possível e não existem correntes. 

Essa descrição faz parte do que podemos observar na ilustração de José Gabriel Alegría Sabogal, que serve de capa para o primeiro álbum do Satánicos Marihuanos, uma banda peruana de stoner rock instrumental que leva o poder alucinógeno da cannabis ao extremo para nos conduzir a jornadas densas onde o ruído assume o controle dos neurônios com a intenção de alcançar a libertação corporal e atingir um estado catártico de libertação e fúria sem qualquer controle.

A banda Satánicos Marihuanos foi formada no início de 2013 em Lima, Peru, com a intenção de criar um som pesado de stoner rock influenciado por doom, sludge, blues elétrico e hardcore. Naquela época, a banda era composta por Andrés Silva no baixo, Gabriel Carcelén na guitarra, Renato Sauri na bateria e Alejandro "Chaich" Suni nos vocais; mas após um ano desenvolvendo seu som e compondo algumas músicas originais, Suni deixou o grupo.

Longe de desaparecer, o Satánicos Marihuanos se transformou em um power trio instrumental, endurecendo seu estilo com base na afinidade por bandas como Black Sabbath, Belzebong, Electric Wizard e WeedEater. A partir daí, tudo ficou claro para esses caras: criar música com acordes distorcidos e transgressivos que rompessem com a ordem estabelecida, refugiando-se no poder psicótico da maconha como ponto de convergência e inspiração.

Seu nome provocativo diz muito sobre seu desejo de desafiar os preconceitos da sociedade. O livre-arbítrio é confundido com libertinagem, mas a mera possibilidade de escolha deveria ser suficiente para que todos fizessem o que bem entendessem. No entanto, tudo é rotulado como demoníaco, mas é justamente aí que tudo pode acontecer sem limites. É por isso que os Satanic Marijuana Smokers soam tão ferozes, porque desafiam aqueles que os estigmatizaram; e aí reside seu potencial criativo.

Foi somente em abril de 2017 que a banda conseguiu lançar seu álbum de estreia homônimo, publicado pela Necio Records, que demonstra a dedicação de três caras comprometidos em levar seu conceito sonoro aos limites. O álbum é o resultado de diversas gravações feitas em diferentes momentos, que foram mixadas e masterizadas por João Orosco e Eduardo Albareda no Estúdio Fonoteca. Guitarras rítmicas e bateria, baixo e solos de guitarra completam a construção das quatro faixas de estúdio, além de uma faixa gravada ao vivo no Eco Studio. 

O álbum de estreia do Satánicos Marihuanos oferece uma gama de sons, desde o stoner rock mais distorcido e saturado de fuzz, como em "Stone Pleasure", até a viagem lisérgica de "Poseído por la luna" (Possuído pela Lua), com suas atmosferas nebulosas que por vezes apresentam passagens místicas e psicodélicas ou nos arrastam para o abismo profundo da perdição. "Troined" apresenta uma faixa sólida baseada no hard blues elétrico (uma música escrita durante o período vocal da banda), mas quando chegamos a "Weed Napalm", tudo se transforma em um ritual sombrio que busca nos envolver em sua densa nuvem de aroma doce.

A faixa-título, que também dá nome ao álbum, é uma declaração de intenções, um aviso contundente que começa com uma linha de baixo hipnótica, permitindo que a guitarra exploda em notas cósmicas. Gradualmente, a música nos transporta para um sabá de bruxas onde quase podemos ver demônios e bruxas dançando ao nosso redor, mas uma vez absorvidos pelo som monótono, tudo se torna tribal até que a música explode em velocidade vertiginosa. Stoner, rock ocultista e até grindcore condensados ​​em apenas cinco minutos — uma amostra de tudo o que os Satanic Marijuana Bandits são capazes de fazer...

"Com a minha turma, queimamos a fraqueza e a erva... Maconha!! Rock n' Roll!!"

Satánicos Marihuanos são um excelente exemplo da cena musical em ascensão no Peru. Ao lado deles, bandas incríveis como El Jefazo, Ancestro, Cuarzo, Brothers of the Sun, Pradhana e Reino Ermitaño demonstram o crescente interesse do país pelo stoner rock e suas diversas possibilidades sonoras. A cena andina está em expansão, atraindo bandas de outros países para se apresentarem no Peru, como foi o caso do Comeculebras, da Patagônia argentina. Os ouvintes estão voltando sua atenção para os Andes para descobrir o que está acontecendo por lá, então não deve ser surpresa ouvir falar de muitas outras bandas em breve, incluindo material inédito do Satánicos Marihuanos.

Terremoto México

Você pode ouvir aqui:
https://satanicosmarihuanos.bandcamp.com/

Lista de faixas:
1. Stone Pleasure
2. Troneited
3. Possessed by the Moon
4. Satanic Marijuana
Grown-Ups 5. Weed Napalm
6. Evil Bong (Faixa bônus – Sessão ao vivo no Eco Studio)


Formação:
- Andrés Silva / Baixo
- Renato Sauri / Bateria
- Gabriel Carcelen / Guitarra

Alice Cooper School’s Out (1972)

 

A questão que se coloca é se  Alice Cooper  representa uma ameaça à civilização em si ou apenas ao nosso amado rock and roll. Tanto pais quanto filhos costumam ver Alice como alguém que corrói a civilização, o que, respectivamente, deploram e celebram. Alice é, ao mesmo tempo, ator, roqueiro, comediante, louco e exorcista, a culminação das tendências subversivas do rock. Essa é a reputação que ele cultiva cuidadosamente. O que  School's Out  confirma é o que eu já suspeitava há tempos: que a profusão de papéis de Alice se anula por si só; que, como assassino cultural, ele é completamente inofensivo.

Como um típico charlatão americano à moda antiga, ele não é nada inofensivo. A este jornal, ele afirmou simplistamente que “o público é masoquista… tudo o que o público quer é sexo e violência”. Ao New Musical Express, “na verdade, nosso show não tem propósito algum”. Ele se descreveu como ator em primeiro lugar e roqueiro em segundo, roqueiro em primeiro lugar e músico em segundo, um explorador dos impulsos mais sombrios das pessoas, um humorista negro. Essa confusão transparece em sua música: na maioria das vezes, sinceramente, não sei como reagir. Certamente não estou aterrorizado ou com repulsa, embora sinta que, em certos momentos, eu deveria estar e me digam que os outros estão. Muitas vezes, me inclino a rir, mas mais da burlesca do que da sátira. Há também pouca sensação de que as aberrações públicas de Alice sejam um desdobramento de sua demonologia privada. Cadeira elétrica, forca, serpente, camisa de força — esses são os símbolos arbitrários do horror em nossa sociedade, calculados para desencadear uma reação imediata, intensa e previsível. Sem dúvida, Alice é um pouco insano, mas nada muito grave; ainda assim, seu ato, que a essa altura já foi completamente exposto como tal, guarda uma conexão mais do que acidental com a personalidade de Alice fora dos palcos.

Como artista do suspense, Alice é certamente inepto; assim como seus recursos visuais e seu vocabulário, suas vinhetas são invocações, como se a combinação correta de consoantes e vogais devesse produzir horror instantâneo. Sua fórmula simplista demais trata o público com condescendência: se o suspense e o medo genuínos são a especialidade de Alice, certamente o ocasional "sangue", "bebês mortos" ou as histórias frágeis que ele lhes atribui não são suficientes para despertar um medo real. Mais importante, a história e sua encenação carecem da plausibilidade psicológica necessária para o terror verdadeiro. Como ator, suas caracterizações são extremas demais para que consigamos suspender a descrença. Parafraseando Aristotélico por um instante, a catarse da qual Alice fala com tanta frequência nunca acontece porque nunca temos certeza absoluta de que se trata  apenas  de uma atuação. Ele nunca precisa ser totalmente convincente dramaticamente porque sua personalidade privada, que guarda relação com seu papel no palco, nunca é, ao contrário da de todos os outros bons atores, completamente deixada de lado. Ele também nunca se atreve ao desafio maior de representar (ou expressar) sua neurose à maneira de Laing ou Janov, como fizeram David Bowie, Arthur Lee e John Lennon. A autossátira de Alice, sua inverosimilhança, sempre o livram de problemas. Esteticamente, Alice trapaceia.

Mas o cerne da questão é o que Alice quer dizer com rock and roll, ou melhor, o que o rock and roll significa para ele. Circunstancialmente, Alice não acredita na  suficiência  do rock, revestindo-o, como faz, com o macabro. Alice Cooper provou em  Love It To Death  ser uma banda de rock coesa e respeitável. Especificamente, estabeleceu a relevância das letras na música heavy metal. Também demonstrou que, com o comprometimento necessário, Alice poderia ser um roqueiro de verdade. Mas comprometimento e um senso palpável de identidade são, acima de tudo, o que falta a Alice Cooper, e isso o torna um ator ambíguo, para não dizer falso, humorista negro, louco, xamã e, finalmente, músico. À medida que os recursos da banda, a multiplicidade de alternativas disponíveis, se expandem (juntamente com a sensação de que tudo é permitido), o foco da banda torna-se cada vez menos definido. O estilo de rock apresentado em  Love It To Death  foi atenuado a tal ponto que o rock de Alice, assim como a corda ou a cadeira elétrica de Alice, existe como um acessório para a banda, mais um adereço para as fantasias de Alice.

Nem todo o  álbum School's Out  é rock, no entanto. Boa parte dele é música para musicais da Broadway ou trilhas sonoras de filmes, o que condiz com o tão alardeado teatralismo de Alice. Mas em um álbum que tão obviamente se rende à mística do rock dos anos 50 — o rock como protesto social — esse material é especialmente desconcertante. A julgar por  School's Out,  com sua dívida para com Leonard e Elmer Bernstein, suas tramas, suas colagens sonoras, Alice Cooper está mais alinhado com a vertente do Emerson, Lake & Palmer, que ostenta o kitsch como arte, do que com a monomania furiosa do Black Sabbath. Esse tipo de música é tão ruim para adolescentes quanto para seus pais.

A música-título é emblemática de toda a confusão. Ostensivamente uma atualização dos hinos inspiradores de Chuck Berry, aqui, Alice nos diz que as aulas acabaram não apenas para o verão, mas “para sempre”. “A escola foi destruída” atinge novos patamares de escapismo. “School's Out”, escrita em um verão sem canções de verão e, portanto, um clássico instantâneo, também é um manifesto instantâneo. Infelizmente, sua patente insinceridade a derrota. Uma série de trocadilhos — “Bem, não temos classe e não temos princípios” — inteligentes por si só, são excessivamente autoconscientes, elegantemente espirituosos demais para servirem como um grito de guerra. O verso final da estrofe — “Não conseguimos nem pensar em uma palavra que rime” — entrega tudo. Alice está empregando as emoções mais explosivas à sua disposição e está brincando conosco. Ou ele é extremamente cínico, ou está tentando, indiretamente, neutralizar o poder de sua mensagem.

Quem não prestar atenção será enganado; quem prestar, deve se sentir insultado. A música inteira obviamente não pretende ser uma sátira — é veemente demais para isso —, mas também não tem a determinação de uma marcha de Kanter. Se Alice quer desabafar, que o faça com convicção. Caso contrário, temos mais um híbrido doentio, prova, mais uma vez, de que Alice não sabe o que quer nem quem é. Em “Desperado”, do  álbum Killer,  Alice canta “Eu sou um assassino, eu sou um palhaço”. Não precisamos de um Arthur Bremer do rock and roll.

“School's Out” é tão sem rumo musicalmente quanto liricamente. Há tantos temas e digressões que o ímpeto e a unidade necessários para uma música como essa estão ausentes. “Luney Tune”, a faixa seguinte, lembra “I'm 18” e é a melhor música do álbum. É relativamente simples, exceto por um final cacofônico bem-sucedido. “Gutter Cat vs. the Jets” apresenta Alice primeiro como uma personagem felina da Disney/Crumb; fazendo uma alusão a Lady Macbeth (“Eu não conseguia tirar o sangue das minhas mãos”); depois como uma briguenta de verdade. Os sons de um estrondo são precedidos por um sintetizador tocando o tema dos Jets de  West Side Story.  “Blue Turk” continua a atmosfera de trilha sonora; sobre o caso amoroso de Alice entre os shows, sua música poderia ser descrita como “Jim Morrison encontra a Pantera Cor-de-Rosa”. Você vai querer estalar os dedos.

“My Stars”, com o que parece ser Franz Liszt ao piano, tem uma leve pegada de ficção científica; “Public Animal (nº 9)” é uma canção com influências da Motown. Ela descreve os percalços de uma aluna problemática — “Ela queria um Einstein, mas ganhou um Frankenstein”. “Alma Mater”, com Alice imitando Paul McCartney, é a única faixa realmente espirituosa do álbum. Uma despedida carinhosa da antiga Cortez High School, é uma típica farsa dos Mothers. O grande final é “Grand Finale”, uma versão sintetizada e orquestrada de “Walk On The Wild Side” que termina com uma reprise do tema dos Jets.

Em seu estilo mediano e retrógrado, este é um álbum ambicioso. Nesse contexto, as imagens mórbidas características — “Minhocas atravessando seu cérebro”, etc. — parecem mais gratuitas do que nunca. A música é mais pictórica, estruturada, amplamente teatral, ornamentada e complexa do que jamais foi, mas a consequência é minar o que este álbum pretende ser: um hino à rebeldia adolescente.

Sim, você dirá, mas eles devem estar fazendo algo certo para vender tantos discos. É verdade que são uma banda extremamente arrogante que vislumbrou o que o público quer. Eles não sabemexatamente o que estão fazendo, mas fazem com desenvoltura. Mas logo as contradições inerentes à banda ficarão evidentes. Estou esperando que David Bowie, um travesti mais convincente, chegue por aqui. Uma experiência com Bowie talvez nos garanta que não seremos enganados novamente.

Alice Cooper Love It To Death (1971)

 

Alice Cooper, 1971; é quase de partir o coração. Alice lançou dois LPs naquele ano,  Love It to Death  e  Killer,  e ambos incluem algumas faixas de hard rock incrivelmente boas, combinadas com sua cota de fracassos, incluindo uma tediosa faixa de nove minutos em  Love It to Death  ("Black Juju") e a igualmente entorpecente "Halo of Flies", com mais de oito minutos, em  Killer.  Eu sei que as bandas eram frequentemente obrigadas por contrato a produzir dois LPs por ano naquela época, e isso pode ou não ter tido algo a ver com o número limitado de faixas fabulosas em ambos os álbuns. Mas imagine, por um momento, se Alice Cooper tivesse lançado apenas um álbum em 1971, um álbum contendo as melhores músicas de ambos os LPs. O produto final teria sido brilhante e um dos melhores LPs de hard rock de todos os tempos.

Infelizmente, não dá para voltar no tempo — se desse, eu voltaria aos tempos áureos, quando eu podia fumar muita maconha sem ficar paranoico — e ficaremos para sempre presos a dois álbuns que poderiam ter sido incríveis, mas que foram prejudicados por faixas fracas demais para serem considerados ótimos.

Quanto à banda, eles começaram em Los Angeles pelo selo Straight de Frank Zappa, mas após as vendas decepcionantes de seu segundo LP (  Easy Action, de 1970 ), mudaram-se para Pontiac, Michigan, onde se encaixaram perfeitamente com bandas como The Stooges e MC5. O próprio Cooper atribuiu o fracasso da banda em Los Angeles às drogas: "Los Angeles simplesmente não entendeu", afirmou. "Eles estavam todos sob o efeito da droga errada para nós. Eles estavam sob o efeito de LSD e nós basicamente bebíamos cerveja. Nos encaixamos muito melhor em Detroit do que em qualquer outro lugar."

Foi o terceiro álbum,  Love It to Death,  que mudou tudo para a banda, formada por Vince Furnier, também conhecido como Alice Cooper, nos vocais, Glenn Buxton na guitarra solo, Michael Bruce na guitarra rítmica e teclados, Dennis Dunaway no baixo e Neal Smith na bateria. A notoriedade crescente da banda por suas performances de palco elaboradamente macabras e figurinos andróginos também contribuiu para o sucesso. Os jovens nas casas de shows adoravam e transformaram o single "I'm Eighteen" em um hino adolescente, e Alice Cooper nunca mais olhou para trás. A imagem de Cooper com maquiagem facial extravagante e uma jiboia enrolada no pescoço tornou-se parte de nossa herança cultural, tão importante quanto Abraham Lincoln assinando a Declaração de Independência ou Lee Harvey Oswald atirando em Jack Ruby.

Mas não estou aqui para exibir meu conhecimento enciclopédico da história americana. Estou aqui para analisar  Love It to Death,  que começa de forma milagrosa com três ótimas músicas, apenas para tropeçar e cair de cara no esgoto do rock com “Black Juju”, que soa como o filho retardado de Deep Purple e The Doors. Batidas de tom-tom, um órgão sinistro e muito progressivo, e os vocais iniciais de Cooper dão lugar a uma péssima imitação de The Doors, e eu talvez não me importasse tanto se a música não fosse pelo menos seis minutos longa demais. Particularmente irritante é a passagem silenciosa por volta dos 4:30. Tudo o que se ouve é Cooper sussurrando e um tique-taque como uma bomba que nunca explode, que é o verdadeiro problema aqui. Jim Morrison e sua banda podem ter sido pomposos e propensos a escrever elegias excessivamente longas, mas pelo menos sabiam como criar uma catarse, algo que Alice Cooper tenta fazer em “Black Juju”, mas falha miseravelmente. Garage prog não é um gênero por um motivo, e esta música é o exemplo perfeito.

Mas voltemos aos promissores começos do LP. “Caught in a Dream” é punk do início dos anos setenta, com Cooper aproveitando a ótima melodia da música e soando muito, muito frustrado. É uma peça complementar a “I'm Eighteen”, com sua letra sobre estar preso entre a juventude e a vida adulta, e Buxton e Bruce mantêm o ritmo com um trabalho de guitarra estelar, incluindo um ótimo solo do primeiro que poderia (e não estou brincando) passar por um do Lynyrd Skynyrd. Quanto a “I'm Eighteen”, é a melhor música sobre as frustrações da transição para a vida adulta já escrita. Além de Iggy Pop, ninguém jamais capturou a sensação de ser um maníaco hormonal procurando diversão onde não há nenhuma. Seus riffs iniciais portentosos são seguidos por uma gaita de Cooper, que realmente se entrega aos vocais, sua voz ficando cada vez mais áspera a cada verso. E se ele está “vivendo em meio à dúvida”, bem, não importa, porque, como ele deixa abundantemente claro no final da música, ele adora isso. Finalmente, temos a fantástica “Long Way to Go”, com suas guitarras afiadas como navalhas e ritmo furioso, minha favorita das três, simplesmente porque aquele riff de guitarra é tão inexorável, imparável, na verdade, com Bruce contribuindo no piano e Cooper entregando ótimas frases, como “O que nos mantém unidos não é o amor”. Ele quer encontrar a estrada que o levará às Cruzadas, Buxton quer tocar o melhor solo do mundo e, no final, Cooper só quer que todos saiam dali.

"Is It My Body" é uma música mediana e um precursor insano de "Do Ya Think I'm Sexy", do Rod Stewart. Buxton toca guitarra muito bem, e os vocais de Cooper são de primeira, mas essa música não é melódica ou impactante o suficiente — apesar do solo feroz de Buxton — para cumprir seu propósito. Também não se encaixa na persona que Cooper estava começando a criar para si mesmo; a letra simplesmente não soa bem saindo da boca dele. Tenho problemas semelhantes com "Hallowed Be My Name". Não é cativante nem envolvente o suficiente para conquistar corações e mentes, e os teclados simplesmente não me convencem. Além de algumas risadas insanas e alguns solos de guitarra pesados, nada de muito interessante acontece, e tenho (novamente!) a sensação inquietante de que poderia estar ouvindo uma música do The Doors. Quanto a “Second Coming”, a música começa com um belo piano e Cooper cantando sobre andar sobre a água, mas, mais uma vez, falta aquela ótima vibe adolescente de garage rock das três primeiras faixas — uma combinação de pura adrenalina e letras calculadas para capturar exatamente como é ser jovem, bobo e cheio de tesão. Em vez disso, segue em frente ao ritmo da tatuagem de Dunaway e termina com Bruce tocando o disco de 88 rotações como se fosse Glenn Gould ou alguém do tipo.

"Ballad of Dwight Fry" tem a distinção de ser a primeira música em que Cooper adota os temas de insanidade e perversidade que marcariam os trabalhos futuros da banda. Nenhuma das músicas anteriores da banda explorava a veia da psicose; eles não haviam produzido nada parecido com "Dead Babies". Mas esta é toda sobre enlouquecer. É uma ótima música; um piano suave é seguido por uma criança dizendo: "Mamãe, onde está o papai? Ele está fora há tanto tempo. Você acha que ele vai voltar para casa algum dia?" Então as guitarras entram tocando uma melodia realmente ótima enquanto Cooper canta: "Veja minha mente solitária explodir/Enquanto eu enlouqueço". Por volta dos 3 minutos, Cooper começa a repetir, cada vez mais rápido, versos sobre como ele precisa sair dali, então a música desacelera e uma longa e sinistra passagem instrumental se segue, após a qual Cooper retorna para gritar: "Eu não queria ser!/Eu não queria ser!/Eu não queria ser!" Quanto à faixa de encerramento do álbum, “Sun Arise”, trata-se de uma canção melódica que soa completamente diferente do que se esperaria de Alice Cooper. Ao som de uma batida lenta e pulsante, Cooper repete o título cerca de 3.000 vezes, enquanto Buxton executa um solo excelente, porém curto. Depois disso, a música é simplesmente uma reprise do título, cantada por toda a banda, e embora a canção seja agradável, agradável não é exatamente o que se espera de Alice Cooper, e “Sun Arise” soa mais como uma saudação hippie ao amanhecer do que uma maldição do vampiro mais famoso do rock.

No fim das contas,  Love It to Death  é uma decepção, principalmente porque suas três primeiras músicas prometem muito. Dito isso, essas três músicas — e “Ballad of Dwight Fry” — fazem do LP um item indispensável para os fãs de hard rock. Mas, voltando aos meus comentários iniciais, imagine o quão incrível seria um LP contendo as quatro músicas mencionadas, MAIS  “  Under My Wheels”, “Be My Lover”, “You Drive Me Nervous”, “Dead Babies” e “Killer” do álbum Killer. Você teria o melhor álbum de 1971, na categoria hard rock, sem dúvida. Infelizmente, como disse um grande homem, Winston Churchill, “Nem sempre conseguimos o que queremos”. Mas  Love It to Death,  com todos os seus defeitos, pode ser exatamente o que você precisa.