Continuamos com o melhor do rock peruano e seguimos a discografia do Actitud Modulada, agora com seu segundo álbum completo. Retornamos ao supergrupo peruano de rock progressivo, e seu "II" segue os passos do álbum de estreia homônimo; com forte influência de bandas clássicas italianas como PFM e Banco del Mutuo Soccorso; com faixas que variam de 4 a 9 minutos de duração, apresentando mais uma vez aqueles maravilhosos diálogos entre guitarra, saxofone e flauta, belas letras cantadas em espanhol, sons latinos e gloriosos sons de mini-Moog. Mais um artigo para falar sobre o Actitud Modulada, sua excelente atitude em relação à música, e agora em sua segunda fase...
Artista: Actitud Modulada Álbum: Actitud Modulada II Ano: 2019 Gênero: Crossover prog Duração: 42:41 Referência: Discogs Nacionalidade: Peru
Actitud Modulada , uma impressionante banda peruana de rock progressivo, lançou seu álbum de estreia homônimo em 2018 (que apresentamos na semana passada), com uma formação que incluía membros de bandas peruanas renomadas. Sem perder tempo, a banda finalizou seu segundo álbum, intitulado "II", em 2019, embora, aparentemente, por algum motivo, nunca o tenham lançado oficialmente na época, mesmo tendo sido apresentado ao vivo.
Após uma bem-sucedida turnê no México para promover seu álbum de estreia, a banda peruana lançou seu segundo álbum em setembro de 2019, aparentemente de forma independente, com o lançamento oficial previsto apenas para 2024. A mixagem ficou a cargo de Lalo Williams, renomado produtor musical peruano com formação no Departamento de Música e Som do The Baff Centre, no Canadá. A masterização deste novo álbum foi realizada novamente nos estúdios Abbey Road, com Andy Walter, engenheiro de som mundialmente reconhecido por seu trabalho em álbuns e músicas de alguns dos maiores e mais respeitados nomes da música.
Devo dizer que é um prazer analisar o trabalho de uma banda progressiva com um som único, diferente de tudo que veio antes dela, e vamos dar uma olhada em algumas das faixas que discutiremos aqui. Este álbum rendeu à banda aclamação renovada de todos os críticos especializados. Além disso, a música "Circo de los Lobos" ganhou o prêmio de Melhor Canção de Rock no Ranking RDN de 2019.
O segundo álbum abre com a faixa de heavy rock "Circo de los Lobos", cujo vocalista poderoso se destaca imediatamente. "Ella" é introduzida pelo percussionista Dante Oliveros, uma faixa que passa por uma série de mudanças, do suave ao estridente, do delicado ao pesado e intenso, com o flautista tocando melodias belíssimas e oníricas, além de apresentar um trabalho de guitarra fabuloso. Uma introdução agitada de piano elétrico abre o instrumental com toques de jazz "9 y 25", embelezado por excelentes solos de guitarra. A quarta faixa é outro instrumental com sintetizadores, "Circulos", seguido por "Parapente", uma canção com sonoridades étnicas que evoca o poder percussivo da banda antes de mudar para uma melodia vocal mais lenta e sincera, onde todos se entregam completamente. Todas as seis músicas do álbum são marcantes e totalmente originais. A faixa de encerramento, "Purussaurus", é um instrumental de sete minutos com um ritmo pulsante e uma leve influência do Genesis perto do final. No geral, uma faixa verdadeiramente excelente de rock progressivo sinfônico clássico.
E de todas essas músicas, você pode ouvir e curtir a penúltima aqui mesmo...
Mais uma pequena surpresa do blog: uma banda realmente interessante que continuaremos a explorar. Espero que vocês deem uma ouvida neles, tanto pela qualidade quanto pela performance musical impressionante.
O tecladista Clive Nolan (Pendragon, Arena, Imaginaerium, Shadowland, Strangers On A Train, Caamora) retorna com a Saga Alchemy e "The Mortal Light": uma ópera rock épica e imersiva com 12 cantores e uma orquestra para contar um melodrama sinfônico, servido com o humor ácido de um homem que não acredita mais em finais felizes. Essencial para os fãs mais fervorosos de ópera rock; 140 minutos de música, pirotecnia instrumental — eis a mais recente excentricidade de Clive Nolan: em "The Mortal Light", ele adentra um teatro vitoriano assombrado, e o resultado é uma obra pomposa, grandiosa e tão dramática que faz uma novela turca parecer um documentário da BBC. Mas não se engane, Nolan tem aquele talento para melodias que garante que seus projetos sempre sejam um sucesso. E um álbum duplo nunca é uma má ideia para se ouvir no fim de semana, porque tudo fica melhor quando há muita música boa.
Artista: Clive Nolan Álbum: The Mortal Light Ano: 2026 Gênero: Ópera rock / Neo-prog Duração: 139:35 Referência: Progarchives Nacionalidade: Inglaterra
Clive Nolan reuniu seu elenco habitual (pessoas que cantam como se suas vidas dependessem de cada nota) para dar vida aos vivos e aos mortos desta história. É um banquete para os ouvidos, perfeito para imaginar fantasmas caminhando pelo corredor do seu apartamento de dois cômodos, se você tiver a sorte de morar em algum lugar na Argentina libertária de hoje.
Esta ópera rock é puro rock sinfônico de barricada... Há momentos em que as orquestrações te atropelam como um caminhão de lixo às três da manhã. É o estilo de Nolan: se ele puder incluir dez camadas de cordas e um solo épico de sintetizador, ele fará. Entre, olhe ao redor, pegue o que quiser deste bazar de sons vitorianos; estas são produções teatrais completas, concebidas para o palco, com vários cantores dando vida aos personagens.
Sejamos honestos: "The Mortal Light" é pretensioso até a medula. É Clive Nolan sendo Clive Nolan, mas com o brilho de alguém que sabe que o mundo está acabando e quer partir com a música mais alta possível. No final, depois de uma hora de fantasmas cantando e pianos melancólicos, você percebe que esses sons não são para você, o estilo Nolan definitivamente não é para você, porque se depois de toda essa demonstração de luz mortal você não sentir nada, é melhor procurar a escuridão em outro lugar...
Não há muito mais a dizer. Você pode ouvir aqui...
Se você se interessa por melodias incríveis e performances vocais fenomenais, tudo em um formato de ópera rock, então acho que este álbum duplo é para você; basta ouvi-lo e comprovar.
Vamos agora a outro dos nossos álbuns menos conhecidos, mas altamente recomendados. Ontem apresentamos esta banda italiana conhecida pela sua mistura de rock progressivo, vanguarda e música experimental, fundindo elementos de música clássica contemporânea, jazz e música de câmara. Eles também se distinguem pela sua complexidade técnica, composições densas e uma predileção por estruturas não convencionais e uma atmosfera sombria e desafiadora. Para quem perdeu a apresentação de ontem, Yugen caracteriza-se pela sua orquestração intrincada e pelo uso de instrumentos como violino, flauta e clarinete, juntamente com guitarras e sintetizadores, criando uma atmosfera rica em texturas e nuances que lembram os universos de Henry Cow, Univers Zero, Stormy Six ou Zappa. E agora, com um impressionante álbum ao vivo, é a maneira perfeita de começar uma sexta-feira em que tentarei compartilhar bastante música para vocês curtirem durante o fim de semana.
Yugen é uma banda liderada pelo compositor e multi-instrumentista Francesco Zago.
Este álbum de dez faixas é o quarto lançamento dos italianos, lançado no final de 2012. Não entrarei em detalhes, mas basta dizer que eles demonstraram mais uma vez que, naquela época, eram um dos melhores conjuntos modernos da cena internacional de rock de câmara. Acredito que esta tenha sido sua última gravação, então imagino que eles tenham se separado desde então.
Ao longo de suas faixas, "Mirrors" imerge o ouvinte em uma experiência intensa e emocionalmente complexa, onde cada música funciona quase como um "espelho", refletindo diferentes facetas da exploração sonora. É uma obra que exige escuta atenta e apreciação pelos detalhes, pois sua estrutura desafia a previsibilidade e oferece algo novo a cada audição.
Não há igual ou comparação ao material contido nesta mais recente produção de Yugen, que apresenta, na íntegra e com qualidade de som excepcional, seu concerto no RIO Fest 2011, considerado unanimemente pelo público como um dos pontos altos do evento e, de fato, de todos os eventos do RIO. Eu publiquei a maioria dos concertos desse festival há quase um ano, então muitos de nós temos uma versão inicial do Mirrors. Mas certamente é melhor ter este material já produzido, bem equalizado, com faixas separadas e sem perder um único segundo desta magnífica performance. É impressionante ouvir faixas como Becchime e Overmurmur em um estado tão limpo, faixas que parecem impossíveis de serem ouvidas devido à sua proximidade com as complexidades da dodecafonia. No entanto, apesar das desafiadoras mudanças rítmicas e das exigentes sequências de notas dessa faixa, ela soa incrivelmente natural. O mesmo pode ser dito de todas as outras faixas, incluindo a homenagem bem executada a ninguém menos que Tim Hodgkinson com sua versão soberba, labiríntica e cerebral de "Industry". Resta apenas dizer que esta é uma audição essencial para todos; é uma gravação única que demonstra o imenso talento de um dos melhores e mais habilidosos conjuntos da cena avant-rock/RIO da atualidade.
Quem não conhece o som de Yugen deve ter cuidado, pois elementos de RIO à la Henry Cow , Univers Zero ou Stormy Six se encontram com o trabalho instrumental de Zappa e outros compositores inovadores do século XX em um classicismo belíssimo, simultaneamente angular, aventureiro, delicado e romântico. Portanto, seu cérebro pode inicialmente ficar sobrecarregado, para depois se dissolver em uma sonoridade suave e agradável que começa a deslizar delicadamente pelos seus ouvidos para o mundo exterior.
"Mirrors" é uma obra-prima absoluta; é um álbum essencial para qualquer apreciador de música progressiva complexa, variada e rica.
Acho que você não deveria perder a oportunidade de ouvir isso neste fim de semana, que está chegando.
Em 9 de dezembro de 2010, por volta das 23h30, eu estava em frente ao Johnny D's, um clube de Somerville, Massachusetts, agora extinto e demolido, sozinho com Bert Jansch, que cerca de uma hora antes havia terminado um show de mais de uma hora. Estava frio, com temperaturas próximas de zero grau, e a chuva congelada estava se transformando em neve. Bert segurava seu violão, sem estojo, pelo braço com a mão direita.
Um enorme ônibus de luxo preto, pertencente à então esposa de Neil Young, Pegi (que Deus a tenha), que havia sido a atração de abertura do show, estava estacionado na calçada. Bert estava com a cabeça inclinada para trás e parecia estar olhando para a neve que caía, alheio à minha presença. Depois de alguns segundos, ele se virou para mim e nossos olhares se encontraram. Os dele eram escuros e opacos, profundos poços de tristeza.
Ele estava em algum lugar ali, naquela tristeza, distante e sozinho. Eu sabia que Bert queria entrar naquele ônibus, longe de mim. Alguém no clube tinha dito que havia uma sauna a vapor nele. Sentar no vapor e depois dormir enquanto o ônibus grande seguia para o próximo show provavelmente parecia a maneira perfeita para um homem cansado e indisposto terminar o dia, mas, por enquanto, ele estava na neve, na calçada, esperando que eu fizesse os elogios de sempre ou perguntasse sobre a afinação do violão. Ele já tinha ouvido tudo isso milhares de vezes. Todos nós — os fãs — dizíamos as mesmas coisas, mas queríamos dizê-las a ele de qualquer maneira. Por quê? Ele não tinha nada a nos dizer. Ele esperava que eu falasse.
Eu sabia que Bert estava morrendo e que quase certamente nunca mais o veria vivo. Eu era fã dele há quase quarenta anos, desde que meu amigo da faculdade, também fã de música, me entregou Rosemary Lane e disse: "Você deveria ouvir isso, mas talvez seja bonito demais para você". Não era. Comprei todos os álbuns dele assim que foram lançados, quase todos muito bons, e os melhores eram os que mostravam a essência de Bert — sem produção sofisticada e sem outros músicos em destaque, mesmo os bons.
A cada um ou dois anos, eu ia vê-lo tocar ao vivo, geralmente em um clube pequeno, e embora Bert não tivesse presença de palco e parecesse considerar a plateia um incômodo necessário, ele sempre exercia um fascínio poderoso. Eu nunca tinha falado com Bert depois do show, nos bastidores, nas filas, nem nas mesas de autógrafos e vendas de CDs. Ele parecia um homem que queria ficar sozinho e em silêncio. Então, eu o deixei em paz, mas agora eu o estava fazendo ficar parado na calçada na neve porque eu sentia a necessidade, naquela que era minha última oportunidade, de dizer algo a ele, provavelmente algo clichê e piegas como: "Sua música é muito importante para mim". Ou talvez algo que o deixasse constrangido como: "Estou impressionado com seu talento, a honestidade emocional e a intensidade da sua música e sua integridade artística. Você é um grande artista".
Eu queria falar com Bert Jansch, o artista que eu havia criado em minha mente durante todas aquelas horas ouvindo sua música. Eu não conhecia o homem frágil e doente parado na calçada com seu violão, que só queria pegar aquele ônibus. Eu não sabia o que dizer a esse outro Bert Jansch. O silêncio se prolongou.
Bert Jansch nasceu em 1943 em Glasgow, Escócia, e cresceu em Edimburgo. Começou a tocar guitarra aos 15 anos, demonstrando imediatamente uma habilidade excepcional, e tornou-se compositor aos 16. O início da década de 60 no Reino Unido foi um período de grande efervescência musical. Artistas de blues afro-americanos como Big Bill Broonzy, Memphis Slim, Muddy Waters e Sonny Terry e Brownie McGhee fizeram turnês por lá e lançaram discos que foram adquiridos por um público pequeno, porém fiel. A música folclórica britânica estava sendo redescoberta e uma rede de clubes e sociedades de música folclórica havia surgido, apresentando artistas tradicionais e jovens inovadores.
O jazz americano — em todos os seus estilos — moderno, swing e de Nova Orleans, estava amplamente disponível em discos e tinha um público considerável. Jansch tinha talento e ouvido para aprender com tudo isso, especialmente com Broonzy e McGhee, mas sua maior influência foi Davy Graham, compositor de "Angie", também conhecida como "Anji", gravada por Paul Simon e muitos outros.
Graham (1940-2008), filho de pai escocês e mãe guianense, desenvolveu um estilo de guitarra que incorpora blues, jazz, música folclórica britânica, música indiana e do Oriente Médio, tocando com grande facilidade duas e, às vezes, três linhas simultaneamente.
Jansch levou o estilo ainda mais longe, explorando uma sonoridade mais solta e com influências do blues, utilizando dissonâncias e acordes incomuns, adicionando ou subtraindo compassos e tempos, e empregando contrarritmos para acompanhar seus vocais, que possuíam uma qualidade melancólica singular e eram desprovidos de técnica virtuosa, histrionismo ou influências explícitas de cantores de blues negros. Em 1964, Jansch tornou-se um fenômeno na cena folk do Reino Unido e além, apresentando-se em clubes por todo o país, com suas canções e seu incrível talento para tocar guitarra encantando músicos.
Jimmy Page comentou em 1971: “Ele foi o inovador daquela época. Ele reinventou o violão da mesma forma que Hendrix reinventou a guitarra elétrica. Seus dois primeiros LPs tinham algumas partes instrumentais que eram totalmente inacreditáveis. Eu o vi tocar uma vez em um clube de música folk e foi como assistir a um violonista clássico tocando. Todas as inversões que ele fazia eram irreconhecíveis. Sua maneira de tocar era incrível.”
O primeiro LP de Jansch, autointitulado, foi gravado em algum momento de 1964, lançado na primavera de 1965 e vendeu mais de 100.000 cópias nos anos seguintes no Reino Unido, um número impressionante para um álbum tão ousado e que desafiava os limites dos gêneros musicais. É apenas Bert, sua voz e violão, e todas as músicas, exceto uma, são instrumentais. "Strolling Down the Highway" tem uma pegada blues, com ritmo pulsante, exibindo a técnica impecável de Bert e o belo timbre de seu violão enquanto ele canta uma letra à la Guthrie sobre pegar carona. Bert inclui alguns riffs que mostram que, de alguma forma, discos de Chet Atkins e Merle Travis chegaram ao Reino Unido e que ele os ouviu.
"Smokey River", a leve releitura de Bert para "The Train and The River" de Jimmy Giuffre, mostra seu jeito único de tocar jazz. É um exemplo magistral de sua habilidade com a guitarra e sua inteligência musical. Como em grande parte do álbum, a guitarra está afinada um tom abaixo, criando um som mais encorpado e vibrante, enquanto Bert constantemente entrelaça harmonias dissonantes e contramelodias à linha melódica principal, surpreendentemente transitando do modo menor para o maior perto do final.
"Needle of Death" é uma canção sombria e clássica, cuja parte de guitarra foi posteriormente reaproveitada por Neil Young em "Ambulance Blues". A faixa apresenta um vocal cru e melancólico, mas, como sempre com Bert, contido, sobre uma insistente e pulsante linha de baixo que se encaixa perfeitamente na letra. "Veronica", erroneamente intitulada "Casbah" na capa e no selo originais do LP, é uma reescrita quase irreconhecível de "Better Git It In Your Soul", de Mingus, e uma composição bastante ousada, mais próxima do jazz modal de Coltrane do que da música folk. A melodia consiste em um zumbido sobre uma única nota de baixo dedilhada, e Bert executa melodias livres e abrangentes, além de alguns ritmos dissonantes, à la Thelonious Monk, com a mão esquerda, em contraste com a base rítmica.
“Angie” é a versão pessoal de Bert para a música de Davy Graham, e ele deixa isso claro ao tocá-la consideravelmente mais rápido, com um toque e timbre muito mais intensos do que Graham ou Paul Simon, inserindo suas próprias dedilhadas violentas com a mão direita no final de cada quarto compasso. É uma performance magistral, profundamente bluesy, com ritmos complexos e harmonias intrincadas, todas de autoria de Bert, com momentos estranhamente precisos em que ele se desvia do tempo e uma citação de “Work Song”, de Nat Adderley (no Reino Unido, em 1964!), que faz você pensar: “Preparado para algo 'descolado'? Então curta isso!”.
"Do You Hear Me Now?" é uma canção de protesto contra a guerra nuclear, com uma das interpretações vocais mais apaixonadas de Bert e um acompanhamento de guitarra soberbo. Donovan, que gravou duas canções em homenagem a Bert, gravou uma versão desta música, que se tornou um sucesso pop moderado no Reino Unido. A instrumental "Alice's Wonderland" é uma brilhante demonstração de maestria na guitarra. Ele toca um belo tema em rubato, com um tema e padrão de acordes que lembram muito a música "Minor Chant" de Jimmy Smith, antes de entrar no andamento, e então em três linhas simultâneas em ritmos diferentes, ecoando e elaborando as melodias de forma vertiginosa, enquanto as modifica e desenvolve sutilmente.
O LP foi gravado em um estúdio improvisado na cozinha do engenheiro de som Bill Leader. Segundo consta, ele usou um equipamento Revox semiprofissional instalado na pia. Os resultados obtidos nessas condições atestam sua habilidade, pois o segundo álbum de Jansch, gravado cerca de quatro meses depois nos estúdios Pye por um engenheiro profissional, possivelmente usando um jaleco branco como nos estúdios Abbey Road, embora certamente competente e agradável de ouvir, não chega nem perto da maravilhosa beleza do primeiro álbum, que evoca a sensação de estar na sala com Bert.
Leader, pouco conhecido nos EUA, é um dos grandes engenheiros de gravação, especialmente de música vocal, embora pouco reconhecido. Ele começou a gravar música folclórica britânica para a gravadora independente Topic, uma espécie de Folkways britânica, em 1955, e pelo resto de sua carreira raramente gravou outro tipo de música.
A estética folk que valorizava a autenticidade acima de tudo, os orçamentos de gravação minúsculos que impediam o uso de muitos microfones, overdubs e todos aqueles recursos de estúdio, etc., e o talento de Leader, que sabia como a música deveria soar e estava determinado a documentá-la honestamente, produziram uma infinidade de gravações excelentes, tanto para a Topic quanto para seus próprios selos, chamados, com um humor britânico irônico, Leader e Trailer.
A gravação de Bert Jansch é gloriosa em mono 3D — profunda, dinâmica e detalhada — a voz redonda e plena, do grave ao agudo, parecendo uma coluna de ar vibrando no peito de um Bert fantasma sentado entre as caixas de som. A dinâmica é muito rápida e realista. O violão, quando tocado com força, o que acontece com frequência, estala e ressoa. A gravação do violão é magnífica. Você consegue "ver" o som saindo do orifício e "observar" os harmônicos pairando no ar e se dissipando lentamente. Não é apenas uma ótima gravação de um violão, é uma ótima gravação de Bert Jansch tocando violão , que captura perfeitamente seu toque único, seu som e a "alma do violão". O equilíbrio entre a voz e o violão é ideal, com a voz posicionada onde estaria se Bert estivesse sentado com o violão a cerca de um metro do chão. Esta é uma ótima gravação, uma das melhores gravações de voz e violão que já ouvi e a melhor gravação de Bert Jansch.
As prensagens originais da Transatlantic de Bert Jansch , se estiverem em bom estado, tocam muito bem e, se o seu orçamento permitir, são o que você procura. Mesmo sem a capa dobrável, elas custam um pouco mais do que o normal, mas não um valor exorbitante. Uma gravadora chamada Superior Viaduct relançou o disco em 2016, "remasterizado a partir das fitas master originais". Parece estar fora de catálogo. Eu não o ouvi. Os dois primeiros discos de Jansch nunca foram lançados adequadamente nos EUA nos anos 60. Em vez disso, a Vanguard lançou em 1966 uma compilação em um único disco com faixas dos dois álbuns, chamada Lucky Thirteen . Não foi uma boa ideia. Oito faixas do primeiro álbum estão incluídas e as outras seis fazem muita falta. Todas as cópias que vi afirmam ser estéreo, mas tocam em mono. O som é abafado, visivelmente atenuado e menos dinâmico do que as prensagens da Transatlantic. É quase certo que uma fita de segunda ou terceira geração foi usada. Apesar de Lucky Thirteen ser uma deturpação da visão artística de Bert, a música que a Vanguard incluiu é excelente.
Após o primeiro LP, Jansch gravou mais dois LPs solo para a Transatlantic e um álbum em dueto com outro guitarrista virtuoso, John Renbourn. Em 1967, eles formaram o grupo de "folk-jazz" Pentangle, que obteve um sucesso comercial moderado no Reino Unido, mas consideravelmente menor nos Estados Unidos.
Em 1968, Jimmy Page gravou para o álbum do Led Zeppelin o arranjo de guitarra de Jansch para a canção tradicional "Black Waterside", intitulando-a "Black Mountain Side" e creditando a si mesmo como compositor. Quando o Pentangle se separou em 1973, Jansch se aposentou da música para se tornar fazendeiro. No final dos anos 70, ele retomou sua carreira solo e, posteriormente, reformou o Pentangle com diversas formações durante os anos 80. Em 1987, danos ao seu pâncreas devido ao consumo excessivo de álcool por longo período quase o levaram à morte, e ele permaneceu sóbrio pelo resto da vida.
Um ressurgimento criativo e profissional começou na década de 90, culminando no sucesso comercial de seu último CD de estúdio, The Black Swan , de 2006 , que reuniu Jansch com Beth Orton, Devendra Banhart e outros músicos de gerações posteriores. Em junho de 2009, ele foi diagnosticado com câncer de pulmão e metade de um de seus pulmões foi removida. Em maio de 2010, ele retomou as apresentações, abrindo shows para uma turnê acústica de Neil Young. Uma segunda cirurgia para tratar o câncer de pulmão fez com que Jansch cancelasse suas participações em outra turnê de Neil Young no outono de 2010. Ele conseguiu fazer uma pequena turnê como atração principal pelo nordeste dos EUA com Pegi Young como ato de abertura em novembro e dezembro de 2010, incluindo o Johnny D's em Somerville, Massachusetts.
O show no Johnny D's estava quase lotado e tive a sorte de conseguir uma mesa bem em frente à única cadeira no palco. Depois que Bert foi anunciado, ele caminhou do fundo da casa, atravessando a plateia, carregando seu violão. Quando vi como ele estava frágil, andando devagar e com dificuldade, pensei que talvez tivesse sido melhor ficar em casa e não guardar essa lembrança dele. Sem responder aos aplausos, ele subiu ao palco, sentou-se na cadeira e abaixou a cabeça, apoiando o queixo no peito.
Houve um longo silêncio e a plateia começou a se agitar nervosamente. Mesmo assim, Bert não levantou o olhar nem se mexeu. Quando parecia que aquele silêncio não poderia continuar, ele ergueu a cabeça, ajustou o violão e tocou um acorde. Eu nunca tinha estado tão perto de Bert enquanto ele tocava e fiquei impressionado com a amplitude e a profundidade do som. Estava por toda parte; brilhante, cintilante, dourado, pulsante, vivo, mas também sombrio e, à medida que se transformava em silêncio, frágil. Bert vivia naquele som. Ele começou a cantar “Katie Cruel” e eu estava lá com ele, naquele som. A plateia também estava lá, todos nós naquele som. Bert tocou o repertório com uma paixão silenciosa e intensa.
Em um momento de silêncio entre as músicas, um homem disse: "Bert, você é muito amado. Muito amado." A plateia aplaudiu, mas Bert pareceu não ouvir. Quando o show terminou, depois de dois bis, eu estava atônito. Não conseguia me recompor e nem queria. Mais tarde, eu diria que foi como imagino que tenha sido ver Skip James ou Son House em 1965, mas na época, eu não teria como dizer nada. Quando a casa de shows ficou vazia, eu fui embora.
Lá fora, na calçada, o homem que havia dito a Bert que o amávamos conversava com ele. Eu fiquei a uma distância respeitosa, esperando. O homem perguntou a Bert onde ele iria brincar em seguida. "Não sei. Eu só vou para onde me levam", disse Bert. "Então vá dormir um pouco", disse o homem, dando-lhe um tapinha no ombro. Bert assentiu levemente. O homem se afastou, deixando Bert e eu sozinhos. Bert se virou e começou a caminhar em direção à frente do ônibus. Eu o acompanhei. Na porta do ônibus, Bert olhou para a neve, depois para mim, e nossos olhares se encontraram. O silêncio se prolongou. Eu não conseguia falar, embora quisesse muito. Não havia palavras. Eram inúteis. Bert vivia apenas no som. Eu disse: "Obrigado". Ele ergueu a mão esquerda e assentiu. A porta do ônibus se abriu e havia um homem lá para ajudá-lo a subir as escadas. A porta se fechou. Bert Jansch morreu dez meses depois. Descanse em paz, Bert Jansch (1943-2011).
Jeff Beck, Tim Bogert e Carmine Appice trouxeram um tipo de potência, intensidade e virtuosismo desenfreado que não se ouvia desde o auge do Cream. Ensurdecedores e transbordando fervor experimental, Beck, Bogert e Appice fizeram a ponte entre a era psicodélica e uma nova era nebulosa onde metal, hard funk, soul e blues pesado podiam coexistir em um glorioso tumulto.
“As pessoas achavam que éramos os melhores do mundo”, lembra Tim Bogert. “Na época, eu também achava. Pensei que seria a melhor coisa que já me aconteceria. E por um curto período, foi mesmo.”
O namoro entre Beck, Bogert e Appice foi, para dizer o mínimo, prolongado. Jeff Beck viu o Vanilla Fudge tocar pela primeira vez em outubro de 1967, após um período agitado de 12 meses em que foi expulso dos Yardbirds, fundou o Jeff Beck Group e teve um grande sucesso solo com " Hi Ho Silver Lining" .
“Eu os vi no Speakeasy”, lembra Beck. “Eles estavam tocando num volume ensurdecedor, como se estivessem num estádio, naquele clube minúsculo na Margaret Street. Eu não conseguia acreditar na potência do som, com um órgão Hammond e uma bateria dupla Ludwig. Carmine era incrível e o baixo do Tim era sensacional. Eu também adorava o primeiro álbum do Fudge.”
A atração acabou sendo mútua. Bogert e Appice eram grandes fãs dos Yardbirds (especialmente do estilo de Beck), e nos meses seguintes os três fizeram jams ocasionais no Speakeasy. Então, quando o guitarrista do Fudge, Vince Martell, adoeceu pouco antes da banda gravar um comercial da Coca-Cola para uma rádio americana no final de 1968, Beck pareceu o substituto ideal.
Mas foram necessários quase três anos para que o trio finalmente se reunisse de vez. Após o fim do Vanilla Fudge em 1969, Bogert e Appice formaram o grupo de blues rock Cactus. Beck, por sua vez, havia ressuscitado o Jeff Beck Group com uma formação completamente nova.
Finalmente, em dezembro de 1972, Beck, Bogert e Appice entraram no Chess Studios de Chicago para gravar seu primeiro álbum.
Toda semana, o Clube do Álbum da Semana ouve e discute o álbum em questão, vota em sua qualidade e publica suas conclusões, com o objetivo de fornecer às pessoas avaliações confiáveis e dar à comunidade do rock em geral a oportunidade de contribuir.
Fundo
“Como éramos um trio, eu e o Tim decidimos cantar”, diz Appice. “Naquela época, não se tratava tanto das músicas em si, mas sim da performance. As músicas eram apenas veículos para improvisarmos.”
Uma das canções mais marcantes que surgiu foi "Superstition" . Stevie Wonder, um admirador de longa data de Beck, o convidou para tocar nas gravações de seu álbum "Talking Book" . Beck aceitou prontamente, com a condição de que Wonder escrevesse uma música para ele. O guitarrista aparentemente ajudou com o ritmo e parte da letra de " Superstition" , o sucesso funk acelerado de Wonder, e eles gravaram uma demo em Nova York. A música foi inicialmente destinada ao BBA, mas os problemas começaram quando Berry Gordy, o chefe da gravadora de Wonder, a Motown, a ouviu. Convencido de que seria um grande sucesso (e com razão, como se viu), Gordy insistiu que Wonder regravasse a música e a lançasse por conta própria. O BBA acabou tendo que fazer sua própria versão meses depois.
“Stevie escreveu Superstition especificamente para um trio”, afirma Beck. “Essa música foi feita sob medida para mim, como parte de um trio. Nossa versão era muito metal para a época, embora Stevie a odiasse com tanta intensidade que dava para quase sentir o gosto.”
" Superstition", do BBA, foi uma obra-prima, desde a introdução estrondosa até a bateria frenética de Appice e os riffs rítmicos ferozes de Beck. "Jeff queria que fosse mais ousada, não tão fraca quanto o R&B", lembra Appice. "Quando a gravamos, diminuímos um pouco o ritmo, como fazíamos com 'Vanilla Fudge', e ficou realmente emocionante e poderosa."
Houve outros momentos memoráveis no repertório do BBA, principalmente a complexa "Lady" , com os três integrantes da banda em plena forma, e a eloquente e comovente " Sweet Sweet Surrender" . Esta última foi uma das duas músicas escritas pelo produtor do álbum, Don Nix. A outra foi "Black Cat Moan" , um blues sombrio com solos de slide estridentes e um baixo pulsante. As gravações em si, no entanto, foram difíceis. A Chess, com seus equipamentos de estúdio arcaicos, não era adequada para uma banda que se orgulhava das sutilezas da dinâmica. "Foi muito problemático", lembra Bogert. "As coisas quebravam e o estúdio estava se desfazendo. De repente, tudo parava no meio de uma gravação. Era simplesmente horrível. Aí os nervos de todo mundo ficavam à flor da pele. Quando você tem três artistas temperamentais nesse estado, nada de bom acontece."
O que eles disseram
“Uma das grandes qualidades de Jeff Beck é sua total imprevisibilidade. É também uma das coisas mais irritantes nele, já que pode tanto levá-lo a momentos de genialidade quanto a desvios estranhos como Beck, Bogert & Appice. É difícil dizer exatamente o que atraiu Beck para a seção rítmica do Vanilla Fudge e do Cactus — talvez ele só quisesse tocar rock muito alto e pesado, superando o Led Zeppelin em seu próprio jogo. Seja qual for a motivação, o resultado final foi o mesmo: um álbum pesado, com ocasionais solos de guitarra interessantes sufocados por riffs pesados e ritmos que não atingem o nível visceral. É um disco alto e desajeitado que pode interessar aos arquivistas de Beck, desde que queiram ouvir absolutamente tudo o que ele fez.” (AllMusic)
“Beck já era um nome conhecido, graças ao seu trabalho com o Jeff Beck Group e os Yardbirds, quando formou este supergrupo de hard rock com a seção rítmica do Vanilla Fudge. Carmine se apropria da faixa super-funk de Stevie Wonder, Superstition , e a força a se curvar ao deus do rock, trovejando sem concessões com uma bateria de hard rock intransigente – embora extremamente groovy. Black Cat Moan é um groove de blues pulsante; em Lady , o baixo grooveado e incansável de Bogert duela com o gênio da guitarra de Beck, enquanto Appice o acompanha com uma parte de prato de condução quase latina sobre uma mágica bateria rápida, pontuando a interação jazzística com golpes rítmicos no momento certo.” (MusicRadar)
Musicalmente, Beck, Bogert & Appice é uma mistura de hard rock com influências de funk: não é pesado o suficiente para atrair os fãs de Led Zeppelin/Durple, mas é 'rock' demais para o mainstream. Típico do Beck, na verdade; raramente está no lugar certo na hora certa. Dito isso, o álbum tem seus momentos, como em " Lose Myself With You" , que mistura rock e funk com igual entusiasmo, e a faixa de abertura, "Black Cat Moan", dá um bom começo. Mas, mais de 30 anos depois, grande parte do álbum soa muito pesado e sem vida em comparação com muitos de seus contemporâneos, cujo trabalho ainda se mantém relevante hoje em dia. (Planet Mellotron)
O que você disse
Maxwell Marco Martello: Eu sempre comparo este disco com o álbum de estreia de West, Bruce e Laing, Why Dontcha .
Apesar de adorar Superstitious e Black Cat Moan do BBA , fiquei um pouco decepcionado com o álbum como um todo. Talvez eu tenha criado expectativas demais... O Cactus costumava ser uma banda extrema, mas este álbum pareceu um pouco diluído, com baladas demais para o meu gosto. Por outro lado, o álbum de estreia do WBL foi impactante quase do começo ao fim.
Patrick Warwick: Essa foi outra que teria passado completamente despercebida por mim se não fosse pela minha mãe. Ela a colocava na playlist o tempo todo, e embora tenha levado algumas tentativas para eu gostar, quando finalmente gostei… nossa! Tem um pouco de balada demais, e os vocais são meio ruins aqui e ali, mas o ritmo de Lady , Black Cat Moan , Superstition … pura vibe de power trio do começo ao fim!
Dave Ferris: No início dos anos 80, comecei a ter aulas de bateria e estava estudando pelo livro "Realistic Rock" , do Carmine Appice . No final do livro havia uma lista da discografia do Carmine. Então, comecei a pesquisar a carreira dele e fiz uma encomenda especial na minha loja de discos local para este álbum. Eu o ouvia constantemente. Adorava tudo nele. Crescendo no centro de Nebraska, este álbum foi como uma descoberta pessoal para mim!
Andrew Bramah: Um caso clássico de promessa não cumprida.
Jim Collins: No geral, uma decepção considerando o talento envolvido. Prefiro muito mais o show duplo ao vivo do Japão.
Simon Fraser: Ótimo álbum. Anos atrás, eu o ouvi até não aguentar mais. Uma ótima plataforma para Jeff B mostrar suas habilidades.
Ben L. Connor: Um álbum incrivelmente subestimado. Não acreditei quando ele não foi incluído no guia de compras da sua revista sobre Jeff Beck. "Black Cat Moan" é muito legal e funky, e "Lady" é dinâmica. Acho que este álbum teve o azar de chegar três anos atrasado. Parecia que estava competindo com o Cream, que já tinha acabado há muito tempo.
Carl Black: Eu conhecia as partes separadas, mas nunca soube da existência deste álbum. Gostei de ouvi-lo. Muito divertido. Embora parecesse que, no meio de um solo de guitarra, baixo e bateria, uma música tentava surgir. É exatamente assim que eu gosto do meu blues/rock: relaxado, tranquilo e com bastante slide guitar. Estou interessado em ouvir o outro álbum.
Iain Macaulay: No geral, não achei o trabalho todo muito consistente ou coeso. Claro, as performances individuais são ótimas, mas o material é muito datado, com produção, estilo e letras, e, para mim, as baladas não envelheceram bem. Ainda assim, depois de pesquisar sobre a história, imagino que um segundo álbum – se tivesse sido feito – teria sido mais bem-sucedido, com uma sonoridade mais coesa.
Nick Potter: Como grande fã de Jeff Beck, tudo o que ele lança é uma alegria. No entanto, com exceção de "Black Cat Moan" e "Lady" , o álbum é um caso de promessa não cumprida e poderia ter sido muito melhor.
Roland Bearne: Sweet Sweet Surrender é um clássico. Meus amigos começaram a tocá-la na rua quando éramos adolescentes e nos reuníamos em volta de fogueiras com cerveja e violão. Ela acompanhou celebrações e tragédias na mesma medida ao longo dos anos, por isso é uma música importante. Quanto ao resto, Black Cat Moan e Lady são ótimas, Superstition (um momento meio "Sliding Doors ", imagino, para JB) é esplêndida, claro, e Livin' Alone me deu um gás. Algumas soam como se tivessem sido compostas para serem vendidas a outros artistas como exercício de direitos autorais, então é uma mistura de estilos. No geral, deixe o talento musical fluir e admire!
Eric Ortiz: Meu falecido pai me apresentou a este álbum, já que ele era fã tanto de Beck quanto de Cactus, e costumava ouvir "Black Cat Moan" e "Lady" no volume máximo, que são músicas incríveis. Mas esses caras realmente precisavam de um bom vocalista e compositor, já que nem Beck nem Bogert sabiam cantar.
Robert Dunn: Acho que sofre um pouco da síndrome de supergrupo – cada músico achando que tem o direito de se exibir o quanto quiser, independentemente de combinar ou não com a música. O Deep Purple se safava porque Roger Glover e Ian Paice mantinham a sutileza, mas aqui isso destoa em alguns momentos. Dito isso, é um bom disco, muito reminiscente do Cream em certos trechos e um vislumbre do que o bom rock funky poderia ser. Beck, em particular, se destaca para mim; para quem se pergunta por que os fãs de rock dos anos 70 falam tanto dele, dê uma chance a este álbum.
Mike Knoop: Não é ruim em si, mas é um blues pesado genérico que a maioria das bandas já tinha deixado para trás naquela época. O cover deles de "Superstition" é provavelmente o único que eu ainda ouço. Certamente não é um lançamento marcante de 1973.
Gary Claydon: Comprei este álbum uns três ou quatro anos depois do seu lançamento original. Para ser sincero, só o ouvi algumas vezes, achei-o enfadonho e troquei-o por outra coisa. Ouvindo-o novamente agora, não encontro nada que mude a minha opinião inicial. Parece-me uma banda a fazer tudo meio por obrigação. Nunca chega a engrenar e preencher metade do álbum com covers medíocres não ajuda. O que é estranho quando se compara este álbum com o "Live In Japan". Esse sim é um álbum ao vivo excelente e, se quiserem saber do que os BBA eram capazes, é esse o álbum que devem ouvir.
Pete Mineau: Beck, Bogert & Appice contém algumas boas músicas: Black Cat Moan, Lady, Superstition e Livin' Alone . Os dois problemas que tenho com essa banda são: 1. Falta um vocalista decente para dar vida às letras. 2. O Cream fez isso antes e melhor (desculpe, Jeff, você está atrasado e sem dinheiro). Eu daria a Beck, Bogert & Appice uma nota 2 de 5. Uma parada interessante na história da carreira de Jeff Beck, mas nada que valha a pena se aprofundar.
Chris Weir: Este disco é realmente comum, só para fãs incondicionais do Beck. Está muito longe de ser um clássico.
John Davidson: Duas músicas razoáveis, na minha opinião. O resto são melodias bem comuns, na melhor das hipóteses, e prejudicadas por letras realmente patéticas. "Black Cat Moan" é definitivamente o destaque e mostra o que o álbum poderia ter sido, mas infelizmente não foi.
