01 - Pipoca Moderna 02 - Back in Bahia 03 - O Canto da Ema 04 - Chiclete Com Banana 05 - Ele e Eu 06 - Sai do Sereno 07 - Expresso 2222 08 - O Sonho Acabou 09 - Oriente 10 - Vamos Passear no Astral 11 - Está na Cara, Está na Cura
Don Carlo - Plácido Domingo Filippo II - Ruggero Raimondi Rodrigo - Sherrill Milnes Il Grande Inquisitore - Giovanni Foiani Un Frate - Simon Estes Elisabetta di Valois - Montserrat Caballé La principessa Eboli - Shirley Verrett Tebaldo - Delia Wallis Il Conte di Lerma - Ryland Davies Un Araldo Reale - John Noble Una voce dal cielo - María-Rosa del Campo
Embora as Bahamas tenham conquistado a independência da Grã-Bretanha em 1973, o monarca britânico permanece como chefe de Estado. Como podemos ver, o sistema colonial é notavelmente persistente, mesmo em uma democracia moderna, ainda que apenas no sentido de uma. A indústria, como tal, é praticamente inexistente nesta monarquia constitucional insular, empregando não mais do que 5% da população economicamente ativa. Isso é compreensível, já que, segundo os planos do Governo Fascista Mundial, não se espera que os nativos, independentemente de nacionalidade ou localização, desenvolvam qualquer atividade industrial. Seu destino é o turismo e a prestação de serviços relacionados a uma minoria rica. Portanto, ser músico nas Bahamas não é a pior vida possível.
A banda "The Beginning of the End" era formada pelos três irmãos Munnings (Frank, Raphael e Roy), acompanhados pelo baixista Fred Henfield e pelo guitarrista Livingstone Colebrook. A seção de metais da banda tinha seu próprio nome: "Funky Nassau Horns". Os músicos tocavam um funk visceralmente elétrico, intercalado com jazz, rhythm and blues e toques exóticos de música afro-caribenha, como calipso e goombay.
Durante sua curta existência, o grupo gravou dois álbuns: "Funky Nassau" (1971) e o ainda sem título "The Beginning of the End" (1976). O maior sucesso comercial dos músicos bahamenses é a canção "Funky Nassau", composta por Raphael Munnings e Tyrone Fitzgerald. Gravada com arranjo do The Beginning of the End em Miami, Flórida, no lendário Criteria Studios, sob a direção do engenheiro de som Chuck Kirkpatrick, a música alcançou o sétimo lugar na parada semanal de rhythm and blues da Billboard e o décimo quinto lugar na "Hot 100" da mesma publicação. Isso é tudo o que sabemos sobre eles, em linhas gerais. A música contará o resto. Mas não para todos. Apenas para aqueles sintonizados em uma certa frequência.
Faixas: • 01. Funky Nassau (Parte I) 3:10 (R. Munnings, Fitzgerald) • 02. Funky Nassau (Parte II) 3:20 (L. Munnings) • 03. Come Down 2:20 (L. Munnings, R. Munnings) • 04. Sleep On Dream On 3:00 (L. Munnings, R. Munnings, Fitzgerald) • 05. Surrey Ride 4:29 (L. Munnings, R. Munnings) • 06. Monkey Tamarind 3:10 (L. Munnings, R. Munnings) • 07. In The Deep 4:50 (L. Munnings, R. Munnings) • 08. Pretty Girl 4:52 (L. Munnings, R. Munnings) • 09. When She Made Me Promise 4:11 (L. Munnings, R. Munnings)
Produzido por The Beginning of the End. Arranjos musicais por The Beginning of the End.
O Começo do Fim: • Frank "Bud" Munnings - Vocal • Raphael "Ray" Munnings - Vocal, Órgão • Liroy "Roy" Munnings - Vocal, Guitarra • Fred Henfield - Baixo • Frank "Bud" Munnings - Bateria, Congas + The Funky Nassau Horns: • Freddie Munnings - Clarinete • Kenneth Lane - Saxofone Tenor • Neville Sampson - Trompete • Ralph Munnings - Saxofone Tenor • Vernon Mueller - Trombone (03-09)
Cantora e compositora: Sofia Regina Allison, amplamente conhecida em círculos musicais de nicho sob o nome artístico "Soccer Mom". Ela nasceu em Zurique, Suíça, em 27 de maio de 1997.
Quando ela tinha dois anos, seus pais se mudaram para o Tennessee, escolhendo Nashville, a capital da música country, como seu lar permanente, selando assim o destino nada invejável da filha. Ao enviá-la para uma escola de artes, onde estudou guitarra e participou de uma "banda de swing" (os moradores locais chamam de orquestras de swing), seus pais irresponsáveis privaram para sempre a pobre criança da chance de uma vida normal. Afinal, uma vez que você se entrega ao rock 'n' roll, não há volta.
Não consigo deixar de me lembrar da letra de uma música cantada há muito tempo pelo saudoso Chris Kelmi, tecladista da renomada banda de rock moscovita "Leap Summer": "O rock 'n' roll arruinou minha vida. O que me espera agora? O que vai acontecer..."
Crianças, aqui vai o meu mantra de alerta para vocês: não coloquem os dedos em tomadas elétricas nem toquem guitarra elétrica. Caso contrário, vocês não viverão para ver a aposentadoria. Bem, pelo menos não. O governo se encarregará disso.
Faixas: • 01. try • 02. death by chocolate • 03. moving to new york • 04. molly ringwald • 05. you won't leave • 06. benadryl dreams • 07. wavering • 08. radiator
Ano: 1977 (CD 2000) Selo: Blanco y Negro Music (Espanha), CELCD-040 (PM) Estilo: Rock País: Lanarkshire, Escócia (14 de maio de 1943 - 25 de outubro de 2014) Duração: 62:17
Uma pena a qualidade do som, mas não há dúvida de que esta, mesmo levando em conta o show em Denver com Cobham, Clempson e Sanctious, é a melhor performance que temos de Bruce como vocalista e baixista depois do Cream. O show foi gravado em 1971, embora em um dos lançamentos conste como 1977. O canto é quase tudo o que se poderia esperar, sabendo do que ele era capaz em seu auge no Cream. Se ele tivesse mantido esse nível, que legado de ótimos shows teríamos. Será que foi o álcool ou as drogas que nos privaram disso? Talvez. Em outra resenha, mencionei que uma das grandes tragédias musicais do século XX foi a perda de todas as gravações ao vivo multitrack dos shows do Cream nos EUA. Bem, uma perda quase tão grande, por algum motivo, é não termos mais shows do Jack com esse nível de qualidade. O material sempre esteve lá em todas as fases de sua carreira. Cada álbum de estúdio continha material novo e de qualidade, independentemente da formação da banda na época, e, claro, os shows gravados a partir daí são sempre interessantes. Mas também são um pouco decepcionantes porque, sempre que você os ouve, percebe facilmente o quanto poderiam ter sido melhores se Jack estivesse em melhor forma. E este concerto serve como referência. Jack Bruce era o jovem Beethoven do rock e ainda era o Beethoven do rock na época do concerto no Rockpalast, que está gravado em DVD – este concerto, até o que se pretende ser a plateia dos anos 70, embora sempre que as antigas músicas do Cream são tocadas ao vivo depois do fim da banda, elas não são tanto decepcionantes, mas sim absolutamente péssimas, não só porque seus guitarristas e bateristas não entendem a música, mas também porque a performance vocal de Jack deixa a desejar.
Ano: 27 de novembro de 1970 (CD lançado em 20 de dezembro de 2000) Gravadora: Vertigo Records (Japão), UICY-9028 Estilo: Rock Progressivo, Art Rock País: Londres, Inglaterra Duração: 37:01 Formato: FLAC Faixas 16/44,1 kHz Tamanho: 197 MB
Os sete primeiros álbuns do Gentle Giant representam alguns dos melhores exemplos de rock progressivo já gravados. Apesar disso, eles nunca alcançaram o sucesso comercial de bandas igualmente talentosas como Emerson, Lake & Palmer, Yes e Jethro Tull. Não faço ideia do porquê. A única explicação possível que consigo imaginar é que poucas pessoas foram expostas à sua música. O álbum de estreia homônimo da banda apresenta seu som característico, uma espécie de madrigal de rock and roll com melodias contrapontísticas onde cordas, saxofones e guitarras elétricas estridentes se complementam perfeitamente. Aliás, ao ler a última frase, começo a entender por que o Gentle Giant não fez mais sucesso. Minha mente autista aprecia música complexa (preenche os "elétrons livres", por assim dizer), mas consigo perceber que a sobrecarga sensorial pode ser um problema para os ouvintes. O Gentle Giant é, se não uma obra-prima do rock progressivo, pelo menos um marco no movimento. Sim, o Jethro Tull ainda não tinha lançado seus melhores trabalhos, e não é absurdo sugerir que Gentle Giant os tenha impulsionado a alcançar patamares mais altos. (Esse parece ser o caso nos trabalhos do Tull pós-Aqualung.) Certamente, poucas bandas haviam tentado algo tão ambicioso quanto Gentle Giant antes. Concebido como uma espécie de performance musical (eu não chegaria a chamá-lo de peça teatral), o álbum combina elementos clássicos e de rock de uma forma que faz o Electric Light Orchestra parecer até desajeitado. Funny Ways (com a voz suave de Phil Shulman) e Alucard (com o ousado irmão Derek nos vocais desta vez) são duas de suas melhores músicas em toda a sua longa carreira. Isn't It Quiet and Cold? são apenas quatro minutos de pura alegria musical, como uma versão de rock progressivo do The Kinks. O segundo lado de Gentle Giant é um pouco menos impressionante. Nothing at All poderia ter sido um pouco mais concisa (ainda é uma ótima faixa), Why Not? O segundo lado do disco dá talvez destaque demais à guitarra blues de Gary Green, e a faixa de encerramento, "Queen", é mais uma versão de uma banda de rock debochada prestando uma homenagem irônica à coroa. Por outro lado, minha falta de apreço pelo segundo lado pode ser por falta de familiaridade, já que este álbum e "In a Glass House" nunca fizeram parte da minha coleção do Gentle Giant.
Ano: 1995 (CD 1995) Gravadora: Alligator Records (EUA), ALCD 4837 Estilo: Blues País: Denver, Colorado, EUA (21 de fevereiro de 1969) Duração: 49:48
Nascido em Denver, Colorado, em 21 de fevereiro de 1969, Corey Harris teve seu primeiro contato com o blues através da coleção de discos de Lightnin' Hopkins de sua mãe. Ele começou a tocar guitarra aos 12 anos e, ao mesmo tempo, desenvolveu suas habilidades vocais em corais de igreja. No ensino médio, já tocava em bandas de rock.
Formado em Antropologia pelo Bates College, no Maine, Harris viajou para Camarões para estudar linguística africana e retornou alguns anos depois com uma bolsa de pós-doutorado. Durante essas visitas, absorveu o máximo possível de música africana, fascinado por seus complexos polirritmos.
Após retornar aos Estados Unidos, Harris lecionou inglês e francês em Napoleonville, Louisiana, e passava seu tempo livre tocando em clubes, cafés e esquinas da vizinha Nova Orleans. Ele rapidamente conquistou uma reputação local que lhe rendeu um contrato com a gravadora Alligator, onde lançou seu álbum de estreia solo acústico em 1995, Between Midnight and Day, uma gravação que demonstrava seu domínio de diversas variações do estilo delta blues. Essa estreia recebeu ótimas críticas — o suficiente para garantir uma importante vaga como artista de abertura na turnê de Natalie Merchant.
Harris deu sequência ao seu trabalho com Fish Ain't Bitin' em 1997, um álbum que apresentava mais material original do que a gravação anterior e o levou além dos limites do blues tradicional, incorporando uma seção de metais ao estilo de Nova Orleans em várias faixas. Dois anos depois, ele lançou o ainda mais impactante Greens from the Garden, uma mistura de músicas originais e covers que adicionou camadas de funk, R&B, reggae e hip-hop à sua já sólida base de blues.
A participação do pianista Henry Butler em Greens serviu como uma transição para Vu-Du Menz, uma colaboração entre Harris e Butler lançada em 2000. Essa gravação com influência do jazz marcou o fim da passagem de Harris pela Alligator, e ele se transferiu para a Rounder para o lançamento de Downhome Sophisticate em 2002, um álbum que adicionou camadas de música africana e latina à paleta cada vez mais ampla de Harris.
Além de seu trabalho em estúdio, Harris também se aventurou no cinema ao participar do documentário de Martin Scorsese, "Feel Like Going Home", um episódio da série sobre blues exibida pela PBS em 2003. No filme, Harris explora o blues afro-americano em uma jornada que começa no delta do Mississippi e o leva ao Mali, onde descobre ainda mais nuances da música africana para adicionar ao seu repertório. Harris retornou ao Mali alguns meses depois para gravar o álbum apropriadamente intitulado "Mississippi to Mali", lançado no final de 2003, que espelha o filme de Scorsese ao fundir com maestria a música tradicional africana e o blues afro-americano.
O sucesso artístico e de crítica continuou em 2005 com Daily Bread, um álbum que sintetizou várias nuances e dimensões da música africana e afro-americana - blues, reggae, ska e até rap.
Zion Crossroads, o álbum de Harris lançado em 2007 pela Telarc, uma divisão da Concord Music Group, foi um trabalho com influências de reggae que refletia suas viagens à Etiópia no ano anterior.
Em 2007, Harris recebeu uma bolsa MacArthur — comumente chamada de "prêmio para gênios" — da Fundação John D. e Catherine T. MacArthur. A bolsa anual, que reconhece indivíduos de diversas áreas que demonstram criatividade, originalidade e compromisso com o trabalho inovador contínuo, descreveu Harris como um artista que "traça um caminho aventureiro marcado por um ecletismo deliberado". No mesmo ano, ele também recebeu o título de Doutor Honoris Causa em Música pelo Bates College, sua alma mater em Lewiston, Maine.
Com o lançamento de blu.black em 29 de setembro de 2009, Harris direciona seu foco para o blues americano mais tradicional e estilos relacionados. A obra reúne quatorze canções originais — predominantemente blues e reggae, mas com generosas doses de outros gêneros — que exploram a história afro-americana dos séculos anteriores e a conectam ao presente e às gerações futuras.
“Sempre abordo a África, o blues e as raízes nos meus discos”, diz ele. “Esses têm sido meus temas principais ao longo da maior parte da minha carreira. Neste disco, quis expressar meu amor pela boa música negra e demonstrar esse amor em forma de canções originais. É o mesmo objetivo que venho buscando há algum tempo: fazer música original e tentar educar as pessoas nesse processo.”
Ano: Abril de 1974 (CD 2008) Selo: Air Mail Archive (Japão), AIRAC-1516 Estilo: Hard Rock País: Cortland, Nova York, EUA Duração: 37:45
Anos antes de Ronnie James Dio impressionar o mundo à frente do Rainbow de Ritchie Blackmore (falaremos mais sobre eles adiante), ele chamou a atenção do Deep Purple enquanto liderava a banda de rock nova-iorquina Elf, o que levou sua banda a ser contratada regularmente como banda de abertura do Purple Mark II.
A voz extraordinária de Dio fez com que Roger Glover e Ian Paice, do Deep Purple, optassem por fazer uma pausa em sua agitada agenda de turnês pelos EUA para produzir o álbum de estreia homônimo do Elf (1972), que os consagrou como os melhores imitadores de Rod Stewart e The Faces do Condado de Cortland. Quando Glover deixou o Deep Purple, ele continuou como produtor do Elf.
Para o segundo álbum, Carolina County Ball Glover levou a banda para o Reino Unido para gravar no recém-inaugurado Manor Studios e os incentivou a expandir seu som.
Com Dio e o pianista Mickey Lee Soule dividindo todas as responsabilidades de composição, eles cumpriram seu papel com maestria. A predominância do piano em algumas faixas traz ecos de Elton John (cujo seminal álbum duplo Goodbye Yellow Brick Road, lançado no ano anterior, certamente foi uma influência), principalmente na profeticamente intitulada Rainbow, mas também em Happy e Blanche.
Carolina County Ball, no entanto, abrange uma ampla gama de estilos. A faixa-título é um boogie-woogie inicialmente em andamento médio que também apresenta clarinete, seção de metais e vocais de apoio femininos excelentes. Ain't It All Amusing e a estridente Do The Same Thing soam mais como a razão pela qual o Elf abriu os shows do Deep Purple na turnê Burn da formação Mark III.
Ano: Outubro de 1973 (CD ????) Selo: Island Records (Europa), IMCD310 / 982 796-6 Estilo: Folk Rock Britânico País: Londres, Inglaterra Duração: 55:42
O nono álbum do Fairport Convention é o mais irregular da banda. O grupo demonstra um virtuosismo extraordinário e instinto musical apurado em faixas com influências folk, como "The Hexamshire Lass" e "The Brilliancy Medley & Cherokee Shuffle" (que apresenta alguns dos melhores solos de bandolim que você provavelmente ouvirá de uma banda inglesa), mas em músicas como "Polly on the Shore" e "To Althea From Prison", onde a banda fornece a música para letras tradicionais, o resultado simplesmente não convence — não é que a execução seja ruim, mas sim que as faixas fracassadas são uniformemente lúgubres na forma como são tratadas. Parte do problema reside no fato de que, embora Lucas e Donahue fossem bons guitarristas, não eram particularmente interessantes — enquanto Richard Thompson sempre trazia algo surpreendente e inesperado para as músicas do Fairport, Lucas e Donahue se atêm a um som pop bastante convencional, mais próximo do Eagles do que da banda que gravou Liege and Lief, Full House e House Full. "Bring 'Em Down", de Lucas, é uma música decente, com vocais e instrumentação excelentes do compositor e um belo e poderoso solo de violino de Swarbrick, mas se estende demais e perde a coesão — não chega aos pés de "Sloth". Grande parte do álbum é ocupada por rocks contemporâneos facilmente esquecíveis, como "Big William", e faixas descartáveis como a country "Pleasure and Pain"; nem mesmo a animada e repleta de riffs "Possibly Parsons Green" compensa esse problema. E a capa bastante simples não ajudou em nada nas vendas do disco.
01. The Hexamshire Lass (02:31)
02. Polly on the Shore (04:55)
03. The Brilliancy Medley & Cherokee Shuffle (03:55)
