For You (1978) , o álbum de estreia de Prince , lançado em 7 de abril de 1978, é uma demonstração impressionante de habilidade e técnica musical para um novato que estava a apenas dois meses de completar vinte anos. Produzido, arranjado, composto e interpretado por Prince (uma frase que se tornaria popular entre seus fãs, já que aparecia em praticamente todos os seus álbuns), é considerado um trabalho inicial promissor, mas ainda carente da faísca e do gênio com que ele conquistaria seu grande público na década de 1980.
Não contente em demonstrar seu domínio dos 23 instrumentos que tocou no álbum, ele decidiu abri-lo com uma faixa a cappella para exibir suas habilidades vocais, que acabou se tornando a faixa-título do álbum. Em " For You ", desprovida de qualquer acompanhamento instrumental, ele assume todos os vocais, adicionando camadas e mais camadas de harmonias em falsete para dar corpo a um verso premonitório: "Tudo isso e muito mais é para você. Com amor, sinceridade e o mais profundo carinho, compartilho minha vida com você."
E assim foi. Durante muitos anos, ele evitou dar entrevistas ou revelar detalhes sobre sua vida privada ou opiniões, mas foi através de suas inúmeras canções que ele conseguiu compartilhar sua mensagem e genialidade conosco. Ele começou fazendo isso com " For You", uma canção aparentemente simples que, devido ao seu formato particular, nunca desempenhou um papel significativo em suas apresentações ao vivo. No entanto, era comum ouvi-la em sua versão original, pré-gravada, como faixa de abertura de algumas de suas turnês, como fez na "Nude Tour" (1990), misturando-a com trechos vocais de outras canções, como a introdução de " Let's Go Crazy" ou a recitação da Oração do Senhor incluída em "Controversy ".
“Ela nasceu num quarto de hospital frio…” Só de ouvir essa frase, todos pensam a mesma coisa: aquela canção composta por Víctor Manuel, das Astúrias, inspirada numa história real, uma canção cuja imensa popularidade ajudou a mudar a percepção da sociedade sobre a deficiência. Víctor Manuel vinha de um longo período de relativa obscuridade quando lançou “Solo pienso en ti” (Só penso em ti) em 1978. Depois de anos um tanto marginalizado no cenário musical devido a diversos problemas com a censura e as leis vigentes, essa canção se tornou o maior sucesso de sua carreira e aquela pela qual ele é mais lembrado. O cantor asturiano a compôs inspirado na comovente história de amor de Antonio Castro e Mariluz Roldán, duas pessoas com deficiência que desafiaram os tabus da época. Para quem não sabe, Mariluz Castro Jiménez e Miguel Antonio Roldán Molero se apaixonaram graças à Promi, uma associação que apoiava os membros mais necessitados e marginalizados da sociedade naquele tempo. Um amor contra todas as probabilidades que floresceu em um casamento revolucionário e inspirador. Mariluz nasceu com uma deficiência cerebral devido a uma lesão no parto e lutou contra as adversidades desde muito jovem. A associação serviu-lhe de refúgio, permitindo-lhe encontrar novas oportunidades e uma nova vida. Antonio, que tem síndrome de Down, foi criado num ambiente rural sem acesso à educação formal e também encontrou na Promi um lugar onde recebeu o cuidado e o carinho de que precisava. Víctor Manuel contou que "Solo pienso en ti" (Só penso em ti) lhe chegou enquanto estava em Montilla, Córdoba, "esperando num motel para ir cantar em Aguilar de la Frontera. Peguei o 'Diário de Córdoba' na recepção e havia um artigo sobre uma residência em Cabra onde pessoas com deficiência de ambos os sexos viviam juntas, e sobre os problemas que surgiam. E uma foto com a legenda: 'Quando terminam o trabalho, Mariluz e Antonio caminham de mãos dadas pelo jardim.'" "'Soy un corazón tendido al sol' (Sou um coração estendido ao sol) é muito otimista, mas eu tinha muito pessimismo dentro dela. Ela engloba muita gente, uma grande população. É assim que se fazem músicas que funcionam, mesmo que você não saiba como escrevê-las." "Agora tudo parece normalizado, mas naquela época era um inferno ter um familiar ou filho com deficiência, porque você não sabia o que fazer com eles", destacou Víctor Manuel, lembrando como, quando a música foi lançada, "todas as reportagens falavam de duas crianças com problemas, e ninguém mencionava a deficiência." A linguagem politicamente correta não existia naquela época, infelizmente, porque essas pessoas não eram respeitadas e eram cruelmente chamadas de "subnormais", "retardadas mentais" ou "mongoloides". Mesmo hoje, a palavra "subnormal" é um insulto. E a contribuição de Víctor Manuel para que todos nós comecemos a respeitar essas pessoas é inestimável. Há um claro antes e depois do lançamento dessa música em termos de respeito por esse grupo.
Em poucos versos, Víctor Manuel narra toda a história de vida dos dois protagonistas: o nascimento doloroso, o sofrimento dos pais ao descobrirem suas deficiências, o abandono em internatos, suas tristezas e alegrias, sua inocência. Eles se encontram na vida adulta, se apaixonam e nada pode separá-los. "Não pode haver ninguém neste mundo tão feliz quanto eu. Só penso em você." Uma canção de amor com violinos doces e muito a revelar.
" Down Payment Blues ", incluída no álbum Powerage (1978), é uma daquelas músicas do AC/DC que, embora não tenha sido um sucesso comercial estrondoso ou um single clássico, destila tudo o que torna o grupo australiano poderoso e único. Com uma mistura de letras cruas, riffs sólidos e uma performance vocal comovente, esta canção é um retrato brutalmente honesto da luta econômica e da desilusão, bem diferente dos temas animados e festivos que muitos associam ao AC/DC .
Desde os acordes iniciais, o riff de Malcolm Young define o tom com seu minimalismo agressivo característico, acompanhado pelo baixo de Cliff Williams, que reforça essa sensação de repetição insistente, quase opressiva. A bateria de Phil Rudd, sempre simples, porém eficaz, mantém o ritmo com precisão, dando espaço aos outros instrumentos sem os sobrepujar. A guitarra solo de Angus Young surge como uma voz elétrica e plangente, rasgando o ar em cada solo, sem recorrer a um virtuosismo vazio.
A verdadeira estrela desta música, no entanto, é Bon Scott. Sua performance vocal é uma aula magistral de autenticidade. Ele canta como se realmente não conseguisse pagar o aluguel, como se estivesse preso em um ciclo de contas impagáveis e falsas esperanças. A letra diz: “Meus sapatos estão furados e estou atrasado / Blues da entrada”, uma imagem que encapsula a essência do blues em uma linguagem simples, direta e contemporânea.
Ao contrário de algumas das faixas mais sensuais ou provocativas da banda, " Down Payment Blues " apresenta um lado vulnerável, quase existencial. Não há mulheres, festas ou excessos aqui. Apenas frustração, rotina e a sensação de estar preso em um sistema onde as promessas de sucesso parecem cada vez mais distantes. Até mesmo a ideia de fuga é desmentida pela falta de recursos e opções. Essa abordagem mais sombria e realista confere à música um peso emocional raramente encontrado no catálogo mais conhecido do AC/DC .
Musicalmente, Powerage é considerado por muitos fãs e críticos como um dos álbuns mais consistentes da banda, e " Down Payment Blues " é uma peça fundamental dessa coesão. Não é uma música que clama por atenção, mas deixa uma impressão duradoura. Sua sinceridade, seu tom sombrio e seu ritmo inconfundível a tornam uma joia escondida do hard rock dos anos 70. É um lembrete de que o AC/DC , além da imagem de festas e decibéis, também sabia abordar as misérias do dia a dia com brutal honestidade e grande talento musical.
O álbum de estreia do Judas Priest , Rocka Rolla , lançado em 1974 pela Gull Records , não é um exemplo típico da explosão de heavy metal que os definiria nos anos seguintes, mas é uma peça essencial para entender sua evolução musical. Produzido por Rodger Bain (conhecido por seu trabalho com o Black Sabbath ), o álbum explora o hard rock e o rock progressivo, refletindo uma banda promissora, mas que ainda buscava sua própria identidade sonora. O álbum também tem a distinção de ser o único gravado pela banda com o baterista John Hinch , que deixou o grupo antes da gravação seguinte.
A gravação de Rocka Rolla ocorreu no Olympic Studios, em Londres, com um orçamento muito limitado. As gravações eram feitas à noite para reduzir custos, e os membros da banda tocavam juntos simultaneamente no estúdio para economizar tempo, resultando em uma gravação praticamente ao vivo, com apenas as mínimas sobreposições que posteriormente se mostraram necessárias. Isso afetou a qualidade do som final, algo pelo qual a banda se arrependeu mais tarde. Para piorar a situação, na seleção final das faixas, o produtor rejeitou várias músicas importantes, como " Epitaph", "The Ripper", " Tyrant " e "Whiskey Woman" (posteriormente reescrita como parte da faixa " Victim of Changes ") , que mais tarde se tornariam faixas-chave do álbum Sad Wings of Destiny (1976) .
"One for the Road" , a enérgica faixa de abertura de "Rocka Rolla", entrou para o álbum. Essa música com influência de blues-rock apresenta uma versão menos heavy metal do que mais tarde se tornaria o Judas Priest . Ela é seguida por " Rocka Rolla ", a cativante e comercialmente viável faixa-título, e o primeiro single da banda. Mas talvez as faixas mais notáveis do álbum sejam as do trio " Winter", "Deep Freeze " e "Winter Retreat". Inicialmente concebidas como uma única música, elas felizmente mantiveram sua ordem original, contribuindo com uma valiosa mistura de rock progressivo e atmosférico, além de uma boa dose de mudanças de ritmo.
Com Cheater, eles retornam a um som de rock mais direto e agressivo, em uma faixa com um riff poderoso e atitude rock. A intensidade do metal é mais do que mantida em Never Satisfied, provavelmente a faixa mais "Judas Priest" que conhecemos, devido aos seus riffs pesados e performance vocal intensa. Após um interlúdio melancólico e emotivo ( Run of the Mill ), o álbum segue para sua parte final com Dying to Meet You, uma peça concebida em duas partes distintas: a primeira em um tom sombrio e narrativo, e então decolando musicalmente na segunda parte (que seria intitulada Hero, Hero , mas eles optaram por unificar tudo sob um único título).
E, finalmente, chegamos à igualmente notável "Caviar and Meths", uma faixa que poderia ter formado um segundo bloco progressivo para o álbum, mas a extensa peça original acabou sendo encurtada, reduzida a um formato de canção instrumental evocativa que funciona perfeitamente como faixa de encerramento de um álbum que, apesar de suas limitações econômicas e musicais, é um documento essencial para entender os primeiros anos do Judas Priest
"Sin City" é uma canção incluída no álbum *Powerage * (1978) do AC/DC , compostapelos irmãos Angus Young, Malcolm Young e Bon Scott. Lançadoem maio de 1978, * Powerage * marcou um ponto de virada para o AC/DC , sendo o primeiro álbum com o baixista Cliff Williams e o primeiro a ser lançado quase simultaneamente em mercados internacionais. O álbum era um tanto irregular, mas continha grandes clássicos como " Sin City". A banda começava a atingir uma certa maturidade, afastando-se de temas simples como sexo e satanismo para explorar narrativas mais complexas.A produção deGeorge YoungeHarry Vandafoi crucial para refinar o som cru do álbum e dar a "Sin City" aquela energia característica que faz a música vibrar tanto em estúdio quanto ao vivo.
"Sin City" reflete o estilo de vida hedonista e arriscado das grandes cidades, com Las Vegas como inspiração implícita. A letra de Bon Scott , oscilando entre a arrogância e a rebeldia, retrata as tentações e os perigos associados à busca por riqueza e prazer. A canção não é apenas um retrato da ambição desenfreada, mas também um reflexo da própria jornada do AC/DC rumo ao estrelato, navegando por um mundo de excessos e traições. É uma ode ao risco e à ambição, um tema que também evoca opulência e decadência, um alerta sobre os perigos de sucumbir às tentações da fama. Além disso,a música também reflete o caráter reservado e determinado doYoung, que administrava sua carreira com uma mentalidade quase mafiosa, protegendo sua visão artística a todo custo.
A música combina a simplicidade eficaz do hard rock com um ritmo contagiante e cativante. Angus e Malcolm Young dão o pontapé inicial com um de seus riffs de guitarra característicos, seguidos pela bateria de Phil Rudd e o baixo de Cliff Williams , que fornecem uma base rítmica sólida, enquanto os vocais de Bon Scott , com sua habitual arrogância, elevam a narrativa da canção. O riff principal tem uma estrutura repetitiva, quase hipnótica, e a música alterna entre momentos de tensão e explosões de energia, apresentando um breve, porém eletrizante, solo de guitarra de Angus . "Sin City" é o exemplo perfeito do que o AC/DC representava musicalmente : "Uma máquina bem azeitada onde cada elemento tinha que servir ao todo."
Sin City também projetou uma imagem do AC/DC como foras da lei do rock, uma banda que desafiava as convenções da indústria musical. Ao contrário de outros grupos, os Youngs não buscavam agradar críticos ou gravadoras, mas sim construir um legado baseado em sua autenticidade, e essa música crua é o exemplo perfeito. Não foi um single principal de Powerage , mas se tornou uma das favoritas dos fãs e presença constante nos shows do AC/DC . Sua inclusão em setlists ao vivo, como os gravados no Orpheum Theatre em Boston em 1978, demonstra sua importância na discografia da banda, ajudando a consolidar a reputação do AC/DC como uma força imparável no palco.
Ninguém tem certeza da origem do termo "krautrock", que tem uma raiz pejorativa em um ensopado de repolho consumido pelos alemães durante a Primeira e a Segunda Guerra Mundial. Em outras palavras, é um termo pejorativo que ninguém gosta, muito menos os protagonistas desse "movimento", alguns dos quais preferem "kosmische musik", como disse Edgar Froese, do Tangerine Dream, ou "elektronische musik", mais próximo dos sons eletroacústicos. Dentro de um rico e prodigioso vulcão musical teutônico, desenvolveram-se as manifestações mais interessantes do que poderia ser chamado de "freakattitude". Esse termo descreve uma abordagem criativa não convencional, experimentada com alegria, sem medo de quebrar paradigmas, sem estrelas do rock anglo-saxônicas, e que até incorporava casualmente influências do folclore alemão em demonstrações de ironia dadaísta. O virtuosismo foi substituído pela experimentação, entre a psicodelia e a eletroacústica, a improvisação e o jazz de vanguarda, a música concreta e a eletrônica modular analógica, numa época em que as ancestrais dos computadores pessoais começavam a sair das fábricas.
A década de 1960 estava chegando ao fim quando dois estudantes de conservatório, Florian Schneider e Ralf Hütter, se conheceram em Düsseldorf, em um curso de música improvisada. Eles iniciaram um projeto originalmente chamado Organisation, o embrião da banda que, pouco depois, embora ainda não soubessem, se tornaria conhecida como Kraftwerk. A formação foi posteriormente completada por Wolfgang Flür e Karl Bartos. Com um cone laranja e branco como marca registrada, eles começaram a se apresentar em universidades, galerias de arte e cafés para um público que ficava ao mesmo tempo perplexo e cativado. Elegantes em sua estética, impecáveis em suas performances e distantes da imprensa, o Kraftwerk misturava a vanguarda com o pop comercial, criando um som industrial hipnótico e sedutor que celebrava o futuro digital que se aproximava. Um elemento caracteriza principalmente o grupo: sua contínua exploração das possibilidades da mídia eletrônica para a geração de música. Em seus três primeiros álbuns instrumentais (Krafwerk I, Krafwerk II e Ralf and Florian), eles popularizaram a música eletrônica e anteciparam gêneros como house, techno, dance e trance. As melodias cativantes, os ritmos repetitivos — com uma certa tendência à monotonia — e a instrumentação estritamente minimalista se consolidaram em seu quarto álbum, Autobahn, que pela primeira vez incluiu vocais. Era uma voz que lembrava anúncios de rádio: simples e direta.
"Das Model" (em sua versão original em alemão) teve origem em um poema que o colaborador artístico da banda, Emil Schult, escreveu sobre as modelos de alta costura que observou em uma boate de Colônia. Algumas feministas argumentam que a canção objetifica sua protagonista: uma mulher que existe apenas para o olhar masculino, sorrindo por dinheiro. Outras a defendem como uma crítica à sociedade de consumo que reduz as mulheres a autômatos sem nome. Como uma canção sobre um ser humano, certamente é uma peculiaridade no catálogo de uma banda mais à vontade abordando arquitetura e tecnologia. Mas é inegável o poder de cativar o refrão estridente e a melodia vibrante da música. (Para os aficionados por música, provavelmente se trata de um Micromoog no baixo, um Polymoog na guitarra solo e um Minimoog tocando a melodia que aparece em 1:30, mas a banda é bastante reservada quanto aos seus equipamentos.) O Kraftwerk pode ter desprezado as paradas de sucesso, mas lançou as bases para o pop moderno.
Originária de Kitee, Finlândia, a banda de black metal Darkwoods My Betrothed surgiu em 1993 com a ambição de se tornar a banda de black metal mais blasfema da Europa. Quando os membros fundadores, Tuomo Holopainen, Teemu “Hexenmeister” Kautonen, Jouni “Hallgrim” Mikkonen e Pasi “Emperor Nattaset” Kankkunen, decidiram levar a banda mais a sério, mudaram o nome para Darkwoods My Betrothed. Assim que a banda começou a se dedicar mais ao seu trabalho e à sua música, gravou a demo "Dark Aureolis Gathering" em 1994. A demo não se distanciava muito das raízes extremas do black metal da banda, com seus gritos característicos do gênero complementados por um lamento gutural. Em 1995, a banda lançou seu primeiro álbum completo, "Heirs of the Northstar", pela Hammerheart Productions. Isso se revelou um ponto de virada para a banda, que desde então começou a experimentar com o Viking Metal, um estilo mais melódico e de ritmo mais lento. Tanto a crítica quanto os fãs de Darkwoods My Betrothed notaram a mudança de postura da banda, que deixou de lado as diatribes satânicas e passou a se aproximar do Odinismo e da mitologia viking. Contudo, eles ainda demonstravam hostilidade em relação ao cristianismo.
O álbum de 1996, "Autumn Roars Thunder", manteve a retórica anticristã e pró-Odin, mas abandonou o viking metal melódico, retornando ao ritmo mais acelerado do black metal. Em seguida, o terceiro álbum da banda, "Witch Hunts", foi lançado em 1998 como puro hardcore metal . Devido a diversos atrasos, o lançamento foi adiado em um ano. Após o lançamento, o Darkwoods My Betrothed se separou. Em 2000, a banda retornou com uma nova formação e lançou uma coletânea. A intenção era fazer uma turnê, mas a banda se separou novamente em 2001. Dezenove anos depois, em dezembro de 2020, Teemu Kautonen anunciou que a banda estava ativa e que lançaria seu novo álbum, "Angel of Carnage Unleashed", em 12 de novembro de 2021. O primeiro single do álbum, "In Evil, Sickness and Grief", foi lançado em 30 de agosto de 2021. Segundo o Metal Rules , é o melhor trabalho já produzido pelo Darkwoods My Betrothed e a banda espera que se torne um dos favoritos dos fãs.
10. Part III: Witch Hunters
(Witch Hunters) surge como a peça final de uma trilogia (The Witch Hunts Trilogy). Originária do álbum (The Witch Hunts), 1998 é o ano em que o Darkwoods My Betrothed demonstra sua raiva contra o cristianismo, juntamente com a caça às bruxas em que se envolveram. Embora essa abordagem narrativa possa desagradar os fãs de música mainstream, o mesmo não se pode dizer dos fãs de black metal, especialmente em sua terra natal, a Finlândia.
9. Part II: Burn, Witches, Burn
(Burn, Witches, Burn) é a segunda parte da música (The Witch-Hunts Trilogy), que vem depois da primeira parte (The Preacher Came To Town). Ela faz parte do álbum de 1998 da banda (The Witch Hunts). Os fãs de Darkwoods My Betrothed não só consideram essa parte da trilogia uma das suas favoritas, como também a sua parte preferida da história.
8. Hymn of the Darkwoods
Essa música (Hymn of the Darkwoods) é do álbum de 1996 (Autumn Roars Thunder) e é considerada uma das favoritas dos fãs. Para uma banda que recebe tão pouco reconhecimento, eles ainda conseguem conquistar fãs de metal no mundo todo, mesmo que atualmente pareçam poucos em número.
7. Inside the Circle of Stones
Do álbum de 1996 (Autumn Roars Thunder), o single (Inside the Circle of Stones) é um sucesso. Até hoje, muitos fãs reclamam que a banda não recebe o reconhecimento que merece por seu talento musical. Para eles, essa música demonstra que o Darkwoods My Betrothed merece, no mínimo, mais espaço nas rádios europeias e mais datas de shows, para que o resto do mundo possa conhecer melhor a banda e seu trabalho.
6. Red Sky Over the Land of Fells
O ano é 1996 e a faixa final do álbum da banda (Autumn Rolls Thunder) é (Red Sky Over the Land of Fells). Entre os fãs finlandeses de metal, a crescente apreciação pelo estilo da banda incentiva o Darkwoods My Betrothed a continuar produzindo material dentro da cena do metal. Essa música pode ter servido como a peça final do álbum, mas também como um prenúncio do que ainda estava por vir dessa promissora banda de metal.
5. Without Ceremony and Bell Toll
Essa música ("Without Ceremony and Bell Toll") é a primeira faixa do álbum "Witch Hunts", lançado pela banda em 1998. Entre os fãs, ela é considerada o single principal do álbum. De acordo com a cobertura do Metal Kingdom sobre a música do Darkwoods My Betrothed, este álbum recebeu o maior número de votos como favorito. Há um consenso geral entre os fãs da banda de que a faixa-título merece grande parte do crédito por ser, na opinião deles, uma das melhores do álbum.
4. Autumn Roars Thunder
Com mais de onze minutos de duração, o segundo álbum completo do Darwkoods My Betrothed (Autumn Roars Thunder) apresenta a versão cover de mesmo nome. Entre seus fãs, é considerada um clássico cult. E, em diversos sites e revistas de metal, nota-se como a incursão experimental da banda no viking metal se mostrou acertada. Essa música (assim como todo o álbum) conquistou fãs que, de outra forma, nunca haviam prestado atenção à banda.
3. Yggdrasil’s Children Fall
Com pouco mais de dezesseis minutos de duração, "Yggdrasil's Children Fall" é a música mais longa que a banda já gravou até hoje. Presente no álbum "Heirs of the Northstar", de 1995, ela é constantemente classificada como uma das favoritas por muitos fãs.
2. The Crow and the Warrior (with Nightwish)
Essa música de 1998 ("The Crow and the Warrior") foi interpretada por Tuomas Rytkonen com o Nightwish (https://www.nightwish.com/). Ela foi incluída no álbum "Witch Hunts" do Darkwoods My Betrothed, também de 1998, como faixa promocional em vez de um cover. Embora haja influência de ambas as bandas de metal na música, independentemente de quem os fãs considerem o autor principal, ela ainda faz parte da discografia do Darkwoods My Betrothed. E está entre as melhores do seu repertório de metal.
1. In Evil, Sickness and Grief
Apesar de ter sido lançada recentemente, essa música já conquistou um lugar de destaque entre críticos e fãs de metal como a melhor já produzida pelo Darkwoods My Betrothed. Parece que o hiato de 19 anos da banda fez bem a todos os seus integrantes, já que o comentário mais frequente é sobre o quanto eles amadureceram desde o início da carreira, em 1993.
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