Um lançamento de covers bem selecionado costuma ser divertido, mas raramente vem acompanhado de uma seleção tão eclética de influências quanto "Sonic Chambers", do Blazoner. Um EP que começou por puro acaso funciona como um breve currículo dos principais interesses da banda de rock americana, abrangendo material de artistas tão diversos quanto The Rolling Stones e Melvins.
Para começar, o Blazoner manda ver com um cover pesado de "Jumpin' Jack Flash". Um clássico do rock, adorado por bandas veteranas de bar no mundo todo, é o tipo de música que você poderia pensar que já deu o que tinha que dar e vender. No entanto, há algo na maneira como esses músicos da Virgínia aplicam essa pegada pesada que faz a música soar nova. Pegando o riff antes estridente de Keef e multiplicando o volume por dez, a essência da música soa como algo do álbum de estreia do Black Stone Cherry, repaginado com uma pegada stoner rock, e substituindo o vocal arrastado por um rosnado impenitente, o resultado é ainda mais impactante. A combinação de tudo isso funciona perfeitamente. A música não precisa se esforçar muito para impressionar; o riff ainda tem muita atitude – talvez até mais do que o necessário – e a justaposição da voz principal rouca com as harmonias suaves e quase perfeitas dos vocais de apoio é uma jogada de mestre.
Já soando um pouco estridente – pelo menos em comparação com suas produções mais “típicas” – a faixa “I’m In Love With My Car”, de 1975, do Queen, se mantém bem mesmo com um pouco mais de peso. A introdução apresenta uma ótima bateria que sublinha uma guitarra encorpada , antes de retrabalhar o vocal um tanto exagerado de Roger Taylor em algo mais compatível com a base de metal melódico. Algumas das notas vocais mais altas podem soar estranhas na primeira audição, especialmente se você estiver muito familiarizado com a versão original e o timbre rouco característico de Taylor, mas, no geral, o baterista e vocalista Andy Murray entrega uma ótima performance e seus tons mais graves se encaixam brilhantemente com o riff mais pesado. Embora a maioria dos elementos aqui sejam fortes – particularmente a parede de vocais de apoio, que corajosamente tenta trazer a pompa esperada para esta gravação – o álbum realmente se destaca no clímax, quando um solo de guitarra muito melódico oferece uma alternativa bem-vinda ao som característico de Brian May. Fazer um cover do Queen geralmente é uma tarefa ingrata, mas o Blazoner certamente conquistará novos ouvintes com essa faixa, que com certeza é um dos destaques de 'Sonic Chambers'.
Com dois clássicos brilhantemente executados, o Blazoner volta sua atenção para um material um pouco mais obscuro. Uma faixa psicodélica soberba de 1969, a versão original de "In The Beginning" do Genesis vinha carregada de efeitos de fase, riffs de guitarra de doze cordas e vocais filtrados, dando ao pop inicial da banda um ar transcendental. Nas mãos dessa banda de metal, as melodias permanecem, mas a essência psicodélica foi substituída por uma pegada stoner, e isso funciona surpreendentemente bem para o riff em questão. Além disso, o riff pesado é perfeito para o vocal rouco que, assim como nas faixas anteriores, é equilibrado quase perfeitamente por harmonias muito fortes e limpas. Em termos de capturar todos os pontos fortes do Blazoner em uma performance curta, esta é perfeita. Poderia facilmente ser a melhor faixa deste EP; certamente é a primeira vez em anos que alguém tenta levar "From Genesis To Revelation" a sério. Certamente não é o melhor momento da banda, mas é menos entediante que 'Duke' e melhor que 'Abacab', além de ter um charme próprio.
"Travellin' In The Dark", do Mountain, viveu por muito tempo à sombra da brilhante "Nantucket Sleighride". No entanto, é uma faixa que não só ostenta um riff incrível, como também apresenta um refrão poderoso que parece uma extensão de "Mississippi Queen", outro grande sucesso da banda. Esses fatores, por si só, a tornam um clássico de Leslie West/Mountain em muitos aspectos, o que certamente não passou despercebido pelo Blazoner, que adicionou ainda mais peso ao riff e utilizou harmonias vocais de apoio a seu favor. Uma produção mais encorpada e com som mais amplo também contribui bastante para tornar essa versão mais atraente do que a original, resultando em uma música que soaria brilhante ao vivo.
Para finalizar o lançamento, o Blazoner opta por homenagear uma banda que, com base em seu LP de 2023, 'Escape To Electric Land', representa uma influência muito mais óbvia. Eles poderiam ter tocado 'Copache', do Melvins, de forma totalmente fiel e, entre o riff de guitarra grandioso e circular e a linha de baixo pulsante, teria funcionado perfeitamente. Assim como nas outras faixas aqui presentes, eles adicionaram alguns toques próprios: primeiro, a bateria está mais alta, o que proporciona a Andy Murray uma ótima oportunidade para se conectar com o baixo poderoso de Brian Carnes, mas a adição de algumas harmonias vocais sem palavras confere a essa música stoner rock uma inesperada e agradável pegada de rock/metal oculto. É improvável que faça com que os não familiarizados com a banda corram para vasculhar o vasto – e às vezes um tanto assustador – catálogo antigo do Melvins, mas, em termos de capturar o Blazoner em plena forma rock'n'roll, essa faixa funciona muito bem.
Poucos artistas conseguiriam fazer covers de artistas consagrados e, ao mesmo tempo, incluir uma faixa menos conhecida do catálogo dos Melvins sem parecer que estão se esforçando demais para impressionar. Menos ainda buscariam inspiração no álbum de estreia do Genesis – um disco praticamente rejeitado pela maioria dos fãs, e até mesmo pela própria banda –, mas, de alguma forma, tudo em 'Sonic Chambers' funciona. Mais importante ainda, oferece performances genuinamente divertidas. Ao misturar algumas músicas conhecidas com faixas menos conhecidas e adicionar a cada uma um toque da ousadia característica dos Blazoners, o álbum se torna uma ótima introdução à banda e ao seu catálogo, se necessário. Para os amantes de covers e de boas performances de rock, este álbum certamente vale a pena conferir.
Em 1970, Iain Matthews formou a banda Matthews Southern Comfort, um grupo de country rock de primeira linha que se tornaria seu principal veículo musical após sua saída do Fairport Convention. Formada essencialmente como um meio de promover o álbum solo de Iain de 1969, de mesmo nome, durante as turnês, a banda será sempre lembrada pelo sucesso número 1 no Reino Unido com um cover de "Woodstock", de Joni Mitchell – uma gravação bastante inspirada na versão de Crosby, Stills, Nash & Young – mas o grupo gravou muito material de qualidade em mais dois álbuns excelentes. Nos anos seguintes, Matthews praticamente não descansou; no final de 1972, ele gravou e fez turnê com a banda de country rock Plainsong e também gravou um brilhante álbum solo, "If You Saw Through My Eyes". Esse álbum seria o trampolim para uma série de ótimos discos solo na década seguinte.
Em meados da década de 70, Matthews já havia acumulado uma obra impressionante. Seus álbuns 'Tigers Will Survive' (1972), o maravilhoso 'Valley Hi' (1973), 'Journeys From Gospel Oak' e 'Some Days You Eat The Bear' (ambos lançados em 1974) compartilhavam uma mistura típica de folk, country e pop-rock, combinando covers com material original, mas 'Go For Broke', de 1975, mostrou Iain se aventurando em águas um pouco mais comerciais. …E é com esse álbum – uma obra um tanto esquecida no cânone de Matthews – que 'Rhythm of The West: The Columbia Years 1975-1977' inicia sua retrospectiva de outro período prolífico para o cantor e compositor.
Comparado a 'If You Saw Thro' My Eyes' e 'Some Days You Eat The Bear', 'Go For Broke' não é exatamente o melhor álbum de Iain Matthews. Não tem o mesmo foco do primeiro e, em termos das versões escolhidas, por vezes carece do brilho do segundo. Para o fã mais dedicado, porém, é um disco que ainda possui charme próprio. Isso fica mais do que claro ao ouvir a trilogia de composições próprias ('Rhythm of The West', 'Lonely Hunter' e 'Steamboat') que mostram Iain evoluindo como compositor.
O destaque do álbum, "Lonely Hunter", abre com um baixo pulsante e uma linha de bateria precisa, evocando um som quase proto-disco que exige bastante da banda. O estilo agitado contrasta com a sutil presença da gaita, o que só torna o pop adulto ainda mais interessante. Há também sons de guitarra limpos que se destacam em meio à incessante batida do baixo, mas sua atenção será constantemente atraída pelo próprio Iain, que preenche a maior parte da música com notas vocais longas e fluidas que soam maravilhosamente bem em harmonias complexas. Essa fusão de Americana e pop parece um passo natural para Matthews, e ao seguir imediatamente com 'Steamboat' – outra faixa de pop adulto com influência dos anos 70 que introduz ritmos de reggae para equilibrar o estilo vocal "yacht rock" de Iain – e um cover de 'A Fool Like You', de Tim Moore, que utiliza vocais emotivos, orquestração leve e uma melodia estridente de piano elétrico para evocar uma atmosfera que parece uma extensão do álbum de estreia de Daryl Hall & John Oates, 'Whole Oats', de 1972, 'Go For Broke' oferece uma trilogia de faixas imperdíveis. [ 'Lonely Hunter' seria revisitada por Matthews em 1980 para seu LP 'Spot of Interference', em um arranjo superior, adicionando partes de guitarra extras e se voltando mais para o público do power pop. ]
Hall & Oates, na verdade, estabelecem uma ligação mais concreta com este álbum, já que Iain apresenta uma interessante versão de "When The Morning Comes" (a original pode ser encontrada no segundo lançamento da dupla, "Abandoned Luncheonette", de 1973). Teria sido fácil para ele interpretá-la com a suavidade de "A Fool Like You", e provavelmente teria ficado perfeita. Em vez disso, a música recebeu uma linha de baixo mais agitada, com influências de funk, e uma profusão de tambores de aço que soam como se tivessem sido gerados por um tecladista de estúdio. Se você curte calipso, vai se divertir bastante; embora não seja terrível, não está entre os melhores quatro minutos de "Go For Broke". É certamente um produto da sua época, e preferível a ouvir Iain a fazer um trabalho medíocre em versões de "Just One Look" de Doris Troy (a versão dos Hollies será sempre a definitiva), "Groovin'" dos Young Rascals (bem cantada, mas dispensável) e "Brown Eyed Girl" do rabugento Van Morrison, que não é terrível, mas o talento de Iain sempre foi muito superior a recorrer a este tipo de entretenimento fútil.
Outro destaque de 'Go For Broke' é uma versão brilhante de 'Darkness, Darkness', que apresenta um vocal com influência da costa oeste americana e um arranjo musical envolvente que lembra o Southern Comfort, mas tempera o previsível com vários sintetizadores com sonoridade futurista para a época, adicionando um toque sinistro. Quando Iain escolhe bem as versões cover, o resultado é algo grandioso; algo que ele pode se orgulhar de chamar de seu – e este álbum não é exceção. Enquanto isso, 'Rhythm of The West' permite que Iain mostre seu talento com um ótimo trabalho de guitarra, colorindo um pop-rock da costa oeste soberbo e antecipando seus três álbuns seguintes ['Hit & Run', de 1996, 'Stealin' Home', de 1978, e 'Siamese Friends', de 1979 – todos essenciais na carreira de Matthews]. A composição original de Matthews, 'I'll Be Gone', uma faixa de pop radiofônico bastante previsível que se inspira em 'Pretty Flamingo', de Manfred Mann, para um refrão melódico, funciona muito bem. Matthews gravaria músicas superiores nesse estilo no ano seguinte, mas, por ora, esta é uma excelente tentativa de criar um pop radiofônico dos anos 70, com ótimos solos de guitarra e um solo de saxofone inteligente que não destoaria em um álbum de Billy Joel da época.
O material pode parecer irregular, mas o grande trunfo desta reedição é a qualidade do som. As edições anteriores de 'Go For Broke' – usadas em serviços de streaming – soam muito mal; a fonte foi claramente obtida com uma agulha em um vinil antigo e o áudio piora no final de cada lado. Aqui, 'Go For Broke' pode ser ouvido novamente a partir de uma fonte limpa, permitindo que o material respire com muito mais facilidade. Para os fãs mais dedicados, há também algumas faixas bônus. Uma versão demo de 'Groovin' oferece pouca variação em relação à versão final, mas isso é compensado pela presença de uma demo de 'So Sad', uma faixa que nunca foi lançada em sua forma final. Combinando perfeitamente com as incursões de Iain no pop-rock para rádio AM, a demo apresenta um universo de violões dedilhados, um verso suave que permite que sua voz natural brilhe e um refrão com um slide penetrante que se entrelaça em uma ótima harmonia. Se não fosse pelo refrão principal (“tão triste / tão ruim”, repete) parecer um pouco incompleto, esta poderia ser considerada uma faixa completa e, estilisticamente, algumas semelhanças com o trabalho de George Harrison entre 1979 e 1981 poderiam torná-la um pouco mais atraente para um público mais amplo. [ Esta faixa foi lançada anteriormente na caixa 'Orphans & Outcasts' de Iain em 2019, mas se encaixa muito melhor aqui .]
Em termos de extras, você também encontrará as obrigatórias gravações ao vivo que complementam este primeiro disco. Uma versão acústica minimalista de "Lonely Hunter" (Tóquio, 1991) adota um estilo mais melódico, semelhante ao da versão de "Spot of Interference" – algo muito bem-vindo – e mostra Iain com uma voz excelente, acompanhado por um trabalho de guitarra bastante agradável. Infelizmente, a música termina de forma um tanto abrupta, e embora isso não comprometa a performance, deixa o ouvinte curioso, imaginando o que aconteceu em seguida durante o que parece ter sido um show maravilhoso. Uma versão predominantemente acústica de "Darkness, Darkness", gravada em Nova Jersey em 2011, torna amplamente disponível uma gravação rara com Jim Fogerty, e a interpretação esparsa confere um tom assombroso à música, com guitarras elétricas espectrais sobrepondo-se a linhas dedilhadas e folk. Existem muitas ótimas gravações ao vivo no repertório de Iain Matthews, mas esta é uma das melhores. Em comparação, uma versão de 'Brown Eyed Girl' poderia parecer supérflua, mas ao reduzir tudo a um arranjo suave de música americana, onde um violão acústico leve encontra um banjo de bom gosto, esta performance mais lenta (gravada em Heilbronn em 2004) dá a sensação de ouvir a música pela primeira vez.
Em termos de qualidade geral, "Hit and Run", de 1976 – o destaque do segundo disco desta coletânea – representa um salto sonoro. Matthews abraça completamente o som das rádios FM americanas e apresenta uma seleção de AOR da Costa Oeste e pop adulto quase perfeito. Tanto que parece que esse estilo – um subgênero da música pop repleto de refrões grudentos e radiofônicos, mas ainda suave o suficiente para permitir um pouco de introspecção – foi inventado especialmente para ele.
'The Frame' abre um conjunto soberbo de faixas, compartilhando uma batida guiada pelo baixo, muito anos 70, com efeito imediato. Os aspectos mais pesados são equilibrados por um ótimo sax suave e um mundo de harmonias que alcançam o ápice do yacht rock. Deixando o lado mais emotivo de sua voz deslizar sobre a batida, Matthews soa como um precursor de Christopher Cross encontrando a Stills-Young Band, dando aos seus fãs uma ótima amostra do que seria um LP soberbo. Melhor ainda, uma versão perfeita de 'One Day Without You', de John Martyn, divide uma faixa radiofônica com guitarras vibrantes, contrastando com fortes harmonias vocais e um sax leve, levando Iain ainda mais para o universo do yacht rock. Um forte indicador de como Iain soaria ao interpretar músicas de Terence Boylan em 'Stealin' Home', no ano seguinte, a gravação é assumidamente MOR (música popular), mas entre uma produção calorosa e uma banda que realmente acredita no material, beira a audição essencial. A igualmente brilhante "Times" pega num som semelhante ao das rádios AM e o revitaliza com um piano vibrante – executado por Charlie Harwood – e um solo de guitarra com nuances de jazz que remete diretamente ao universo do Steely Dan. A música transmite uma energia contagiante, sem deixar de lado a preferência de Iain por vocais suaves. Se você curte pop-rock adulto dos anos 70, precisa ouvir.
Em uma abordagem mais intimista, "I Can't Fade Away" é uma balada ao piano, com andamento lento e vocais comoventes. Musicalmente, é menos interessante, mas a ótima produção, a voz emotiva e o saxofone suave se unem para criar algo que se aproxima do auge do MOR dos anos 70. Apesar de ser mais discreta, essa faixa ainda consegue transmitir uma sensação especial, já que Iain extrai cada gota de emoção da letra com uma performance poderosa que complementa o saxofone suave. Em uma mudança brusca de tom, uma regravação de "Tigers Will Survive" pega uma melodia familiar e a coloca em um arranjo com toques de jazz, onde piano e saxofone duelam, e uma seção rítmica impecável impulsiona um groove incrível. Estilisticamente, está firmemente enraizada em meados dos anos 70, mas supera em muito sua contraparte de 1972.
Entre "Tigers" e "One Day Without You", "Hit and Run" seria um álbum imperdível, mas o restante do LP original não fica atrás. O pop vibrante de "Just One Look" (não a versão de Doris Troy, mas uma composição original de Matthews) soa como vários associados do Steely Dan interpretando uma música de Billy Joel com uma pegada nova-iorquina e ares de tema de TV antigo. O cover de "Help To Guide Me", de Richard Stekol, tem uma atmosfera easy listening que faz ótimo uso de piano elétrico, saxofone e vocais suaves, por vezes lembrando uma faixa obscura do início da carreira de Marc Jordan. Já a autoexplicativa "Shuffle" estabelece um clima jazzístico, servindo como um ótimo veículo para o piano envolvente e os metais vibrantes. De muitas maneiras, é o momento mais descontraído de "Hit and Run", e embora a influência de antigos números de swing e o scat vocal descarado possam não agradar a todos, é ótimo ouvir uma banda de estúdio em plena forma. Para finalizar, a faixa-título traz tudo de volta à realidade com uma jam mais lenta que adiciona um toque jazzístico a uma música soul que lembra um dos primeiros trabalhos de Hall & Oates. Como era de se esperar, os vocais estão impecáveis, mas todo o crédito deve ser dado ao saxofonista Steven Hooks (um músico com um currículo surpreendentemente curto), que demonstra um timbre soberbo do início ao fim, assim como nas outras faixas do álbum. Com seis minutos, a música parece um pouco longa, mas esse é o seu único defeito; é uma ótima composição que oferece à banda contratada bastante material para trabalhar, servindo como um lembrete de que a maior parte de 'Hit and Run' soa como um trabalho altamente colaborativo, apesar de Matthews ser o único creditado na capa.
Não há muitas faixas bônus adicionadas a 'Hit and Run' aqui, mas é um caso de qualidade em vez de quantidade. 'Just One Look' soa um pouco estranha tocada como uma música acústica solo e desprovida de uma batida elaborada, mas a abordagem esparsa permite que a canção brilhe, e Iain está com a voz em boa forma durante a apresentação em Nottingham em 1991. No entanto, uma versão mais minimalista de 'The Frame' se sai muito melhor, com duas guitarras – uma acústica e uma elétrica – e um vocal levemente rouco, transformando-a de um AOR/MOR dos anos 70 para o universo do blues suave. É mais um ótimo exemplo de como Matthews é um mestre em reimaginar suas próprias obras, e muitas vezes para melhor. [Os fãs provavelmente já possuem a gravação de 'Just One Look' no CD 'Live At The Bonnington Theatre', mas devem observar que 'The Frame' não é a mesma versão do lançamento 'Afterwords', mas sim uma gravação inédita feita no mesmo ano com Jim Fogerty.]
'Hit and Run' é facilmente o melhor trabalho de Iain desde o lançamento de 'If You Saw Thro' My Eyes', cinco anos antes. Para quem ainda não adquiriu o álbum em CD, a compra deste box set é uma escolha óbvia. Matthews exploraria com ainda mais confiança um material de sonoridade semelhante em 'Stealin' Home' (1977) e 'Siamese Friends' (1978), misturando material original com covers de músicas de Robert Palmer, Marc Jordan e Terence Boylan, mas, nesse meio tempo, ele já havia lançado o melhor álbum de sua carreira. ['Stealin' Home' e 'Siamese Friends' podem ser encontrados no imperdível box set de 6 CDs 'I Can't Fade Away', uma extensa jornada pelas gravações de Iain feitas entre 1977 e 1984 – um box set que você realmente não pode perder.]
Para os fãs mais dedicados de Iain Matthews, é com os discos restantes que este box set se torna realmente interessante. Dois shows ao vivo no Ebbets Field – gravados em 1976 e 1977, respectivamente – são apresentados com qualidade de áudio decente. O primeiro show tem um som muito nítido no geral, mas a voz de Iain está bem alta, o que evidencia a atmosfera intimista do local. Mesmo assim, a performance como um todo é ótima, e com uma banda completa – incluindo metais – ele interpreta uma seleção de músicas dos álbuns 'Go For Broke' e 'Hit And Run'.
A faixa de abertura, "Steamboat", exibe uma banda coesa, e embora os saxofones soem um pouco finos e estridentes em relação a uma seção rítmica bastante robusta, eles realmente destacam uma qualidade tipicamente anos 70 na performance. A sempre maravilhosa "Rhythm of the West" se sai melhor graças a um som ligeiramente mais contido, embora haja momentos em que parece que você está realmente ao lado do baterista, e a ainda recente "Shuffle" dá grande destaque aos metais, que dançam incessantemente sobre um ótimo groove jazzístico. Esta é uma daquelas performances que te fazem pensar que deve ter sido muito divertido estar lá pessoalmente.
Dois momentos genuinamente marcantes do show incluem a empolgante "Tigers Will Survive" – com guitarras vibrantes e um saxofone confiante – que soa soberba em seu arranjo ainda novo e mais roqueiro, e um cover da música country "Truck Drivin' Man", que permite à banda explorar influências bluegrass bem sutis. É uma canção que já tem um passado mais distante na carreira de Iain, tendo sido gravada para uma sessão com John Peel com o Plainsong em 1972, mas a energia capturada aqui poderia facilmente tornar esta a versão definitiva. A faixa-título de 'Hit And Run' perde um pouco do ímpeto do show no início, mas a plateia pareceu realmente entusiasmada, então deve ter soado muito melhor ao vivo do que ouvi-la décadas depois. Mas isso é mais do que compensado pela presença do pop rock anos 70 de 'Payday', uma música inédita que soa como algo que o jovem John Mellencamp poderia ter adicionado ao final de um álbum por volta de 1978. Em termos de um retrato de uma banda em ótima forma e se divertindo, esta é uma audição essencial. [ Quatro faixas deste show foram adicionadas à reedição em CD de 'Go For Broke' em 2007, mas é ótimo ouvir o set completo .]
O conjunto de 1977 é ainda melhor. Há um equilíbrio melhor entre os instrumentos e, embora a bateria soe um pouco menos "ao vivo", isso permite que o vocal se destaque de forma mais natural. Além disso, nesse intervalo de um ano, a interpretação de Iain tornou-se um pouco menos estridente e soa muito mais próxima da voz presente na vasta coleção de excelentes gravações ao vivo entre 1978 e 1980, disponíveis na caixa de 1978-1984. Os ritmos jazzísticos de sua Falling Rock Band são perfeitos aqui, e o trabalho de saxofone na abertura com "Just One Look" é especialmente impressionante. As influências jazzísticas que permeiam uma ótima versão de "Lonely Hunter", em particular, soam como o trabalho de uma banda de estúdio de primeira linha, capaz de reproduzir qualquer coisa do já extenso catálogo de Iain Matthews.
Em termos de repertório, há bastante repetição em relação ao show do ano anterior, mas os rapazes do Falling Rock demonstram especial confiança nas versões de "Shuffle", "Rhythm of The West" e "Tigers Will Survive". Mesmo com a inclusão de um cover de "Brown Eyed Girl" – naturalmente, no mesmo arranjo suave explorado em "Go For Broke" – o show não perde o encanto, e com Matthews particularmente falante, a atmosfera intimista deste show em um clube pequeno fica bem evidente. Junto com "Hit And Run", isso faz com que o preço deste box valha totalmente a pena.
Complementando o segundo show no Ebbet's Field, uma gravação completa do ensaio – novamente, gravada com a Falling Rock Band – permite uma audição ainda mais detalhada de Iain e seus amigos aprimorando um material excelente. Como você pode imaginar, o áudio não é exatamente impecável, mas considerando a fonte e a idade da gravação, soa muito bem. Aqui, você ouvirá "The Frame" tocada com um piano elétrico em destaque, a sempre brilhante "One Day Without You" com uma pegada um pouco mais solta, permitindo uma guitarra um pouco mais elaborada em alguns trechos, mas sem ofuscar a voz suave de Iain, e "Tigers Will Survive" exibindo uma bateria incrível. Com esses destaques, os fãs poderão perceber o quão forte é a banda Falling Rock Band antes de cair na estrada, mas esta gravação não é necessariamente dominada por essas faixas. A agradável "Faith To Arise" – uma composição de Terry Reid que nunca apareceu em versão final de estúdio em nenhum disco de Matthews – evoca ecos de The Band e, após alguns começos em falso, encontra todos em uma atmosfera agradavelmente tranquila. Embora seja muito mais crua do que a versão de estúdio, "Just One Look", composta por Matthews, revela uma linha de baixo realmente impactante, que às vezes fica escondida pelo som mais amplo de saxofone e guitarra na versão do álbum. Com uma seleção de dez músicas, esta gravação inédita oferece uma ótima visão da banda em ação, mesmo que não represente o show completo que Iain levaria para a estrada em breve.
No restante do quinto disco e distribuídos ao longo do sexto, você encontrará uma variedade de outras gravações ao vivo. Embora as músicas em si estejam ligadas aos dois álbuns de estúdio, muitas das fontes são de outro período. De certa forma, isso proporciona uma visão interessante de como as músicas resistiram ao tempo e, em alguns casos, como Iain optou por reinterpretá-las para se adequarem a cada era. Alguns fãs, naturalmente, acharão essa abordagem mais abrangente um pouco frustrante em um box set supostamente dedicado ao trabalho realizado entre 1975 e 1977, mas para aqueles que investiram no box anterior, de 1970 a 1974, essa decisão artística certamente não será uma surpresa.
Uma seleção de quatro músicas do show de Paul no Paul's Mall, em Boston, em 1976 (obtida de uma transmissão de rádio), oferece uma versão realmente funky de "Tigers Will Survive", que coloca um solo de teclado soberbo em primeiro plano, criando algo ainda mais agitado do que a já agitada faixa do álbum. "Faith To Arise" soa um pouco instável nos momentos vocais em falsete, mas é musicalmente brilhante, com uma ótima interação entre o saxofone e os teclados, enquanto "Shuffle" soa como um ensaio em um local vazio, mas com um som de bateria excelente. Completando o conjunto, uma versão de "Darkness, Darkness" tem uma qualidade esparsa que realça a tristeza em seu arranjo já melancólico. Novamente, você encontrará Iain com uma ótima voz, e embora a qualidade do áudio pareça um pouco "brilhante" demais em alguns trechos e seja irritante ouvir um locutor de rádio falando por cima da introdução de "Shuffle", essas quatro performances definitivamente se encaixam na categoria "bom ter".
O primeiro terço do sexto disco começa de forma um tanto instável. Você encontrará uma versão super funky de "Just One Look" (Matthews), com destaque para o baixo, gravada no Lone Star Cafe, em Nova York, em 1979. O lugar mais natural para essa faixa seria como bônus na caixa "Rockburgh Years", mas ela é, na verdade, semelhante à apresentação de Bruxelas de 1979, presente no quinto disco daquele lançamento. Os fãs já devem ter ouvido essa versão, já que o show completo no Lone Star Cafe foi lançado exclusivamente em formato digital em 2022. Uma versão grooveada de "Tigers Will Survive" representa o show no Amsterdam Paradiso, também de 1979 (novamente, o show completo pode ser encontrado em outro lugar), e duas faixas do show de Bruxelas mencionado anteriormente (disponíveis na íntegra na caixa "Rockburgh Years") são dispensáveis. Uma gravação de 'Lonely Hunter' de 1984, feita em Milão, é muito bem-vinda aqui, já que é uma das faixas daquele show que não foi incluída entre as sete músicas extraídas da apresentação quando o box 'Rockburgh Years' foi lançado parcialmente. Assim, ela faz sua estreia física aqui.
A partir daí, o restante do disco se torna mais interessante, pois apresenta uma riqueza de gravações mais difíceis de encontrar. Uma versão acústica e minimalista de "Lonely Hunter", de 1988, é absolutamente deslumbrante, capturando Iain em seu momento mais vulnerável, e, dez anos depois, "Just One Look" soa agradavelmente intimista, apesar de ter sido tocada com uma banda completa. A qualidade sonora dessas gravações é simplesmente impressionante. Embora a natureza desta coletânea se baseie na repetição, os fãs não devem se sentir lesados: a versão de "The Frame", de um show em Amen, na Holanda, em 2008, é centrada em violão e piano elétrico; a versão de Bergen, três anos depois, é uma produção com banda completa, mas tocada de uma maneira maravilhosamente relaxada, permitindo que uma atmosfera noturna de piano assuma o controle. Pode ser a melhor versão da música de todos os tempos. Mesmo quando as faixas tendem a ser semelhantes (como nas duas versões acústicas de "Brown Eyed Girl", gravadas em 2004 e 2016, respectivamente), a diferença na qualidade do áudio proporciona a variedade necessária para que essa abordagem de compilação funcione. O disco também traz o ouvinte para o presente relativo da época de seu lançamento, encerrando com uma versão de "Darkness, Darkness" gravada no Festival de Cropredy de 2022, fechando o ciclo com Iain e o reintegrando à família Fairport Convention. Executada com uma formação de duas guitarras (uma acústica dedilhada e um solo elétrico arrebatador) e com Matthews em ótima forma vocal, é mais uma audição imperdível para os fãs.
Para quem já adquiriu os box sets anteriores de Iain Matthews lançados pela Cherry Red, este será considerado um item essencial, mesmo que já possua os dois álbuns de estúdio. Entre extras cuidadosamente selecionados e dois shows ao vivo magníficos, há muito material valioso aqui. Olhando para trás, é incrível pensar que o material ao vivo dos anos 70 existiu com tamanha qualidade e pode ser apreciado tantos anos depois, e possivelmente soando melhor do que nunca. Os fãs também têm sorte de Iain – ou pelo menos alguém próximo a ele – ser um arquivista tão dedicado, já que isso transforma dois lançamentos bastante populares em algo realmente especial. Em resumo, 'Rhythm of The West: The Columbia Years' é um box set altamente recomendado.
O Gather The Lost começou a ganhar destaque online em 2022 com seu single digital "Alone", lançado nas plataformas de streaming pouco depois da formação da banda. Embora a música não fosse particularmente impactante musicalmente — uma enxurrada de acordes estridentes no verso e um riff distorcido no refrão revelavam uma forte influência do som alternativo dos anos 90 —, era evidente que Carolyn Dunne era uma vocalista singular. Ao longo dos quatro minutos da canção, ela usou sua voz como uma ferramenta poderosa, transitando de um tom melancólico a um choro profundo, capaz de alcançar um volume altíssimo, mas também de transmitir uma emoção genuína que não se assemelhava a ninguém mais.
Ao longo de vários singles e mais alguns anos, o GTL foi se fortalecendo cada vez mais, tanto em termos de musicalidade quanto de composição. Seu tão aguardado álbum de estreia, "Silver Lining", de 2026, cumpre a promessa inicial da banda, apresentando dez músicas repletas de riffs. Com influências diversas, incluindo pós-grunge, hard rock, funk e até mesmo prog, o álbum cria uma experiência sonora que nunca se torna monótona, mas que ainda assim se mantém coesa graças a um vocalista poderoso, genuinamente capaz de tornar praticamente qualquer coisa reconhecível como Gather The Lost em tempo recorde.
A faixa de abertura do álbum, "War At Dawn", começa com um andamento moderado que serve como um ótimo veículo para o guitarrista Alan Franklin, que inicia tudo com um som reverberado que lembra bastante o de Alex Lifeson, e então preenche a maior parte da música com um groove profundo e pulsante, que também é muito bem executado pelo baixista Brian Dunne. Ao longo da faixa, o lado mais ameaçador da banda é revelado com facilidade, e a voz teatral de Carolyn adota um tom estranho e quase assustador para combinar. É uma daquelas performances que podem fazer os céticos fugirem, especialmente se ouvida aqui pela primeira vez, mas fica claro que se trata de uma interpretação vocal totalmente comprometida em criar algo com uma sonoridade muito diferente. O riff principal domina, mas vale a pena prestar atenção a uma guitarra mais suave que introduz floreios leves, quase progressivos, na segunda metade da faixa, criando um contraste agradável com os aspectos mais pesados. O álbum oferece material mais forte, mas, em sua essência, 'War At Dawn' mostra uma banda começando a trilhar seu próprio caminho, bem distinto. Um dos destaques iniciais, 'This Time', abre com um sintetizador oscilante, estabelecendo uma melodia realmente assombrosa, sobre a qual Carolyn se lança em uma interpretação igualmente sinistra. Contrastando com a escuridão, um mundo de acordes de guitarra abafados e ritmos intensos toma um rumo inesperado, com uma influência à la The Police, antes da banda mudar de marcha novamente para introduzir um riff robusto, com uma sonoridade bem anos 90 de rock alternativo. 'This Time' demora um pouco para se firmar, mas quando a banda chega a um refrão grandioso, dominado por um grito vocal poderoso, começa a soar como uma de suas músicas mais acessíveis. As coisas não param por aí: na parte final dessa faixa épica, o clima muda novamente para explorar um rock melódico old school, e isso se mostra o cenário perfeito para um solo de guitarra matador. Se você já se conectou com a banda através de algum de seus singles anteriores, vai adorar este.
Uma versão retrabalhada de "Alone" revela imediatamente um timbre de guitarra mais encorpado, e o som cristalino da gravação anterior agora assume uma pegada de rock progressivo, destacando o melhor da performance de Alan, enquanto Carolyn, como esperado, contribui com um timbre vocal poderoso. A inclusão de um baixo ligeiramente mais funk do que antes também demonstra o amadurecimento da banda nesse período, e uma música que começou como um rock razoável agora se transforma em uma jam precisa e cheia de groove, que exige muito de toda a banda, antes de "Never Home" mudar o clima, introduzindo linhas de guitarra suaves e cintilantes e um vocal sombrio para criar algo absolutamente imerso em tristeza. Obviamente, a interpretação de Carolyn deixa claro que o Gather The Lost está em ação aqui, mas as linhas de guitarra solo com influência de blues e as linhas de baixo pulsantes e lentas da faixa devem muito mais ao rock melódico do final dos anos 80 do que qualquer outra coisa lançada anteriormente pela banda. O som clássico é ainda mais reforçado por uma camada de órgão que remete ao passado, e embora essa sonoridade seja bem diferente do restante do álbum, certamente não soa artificial ou forçada de forma alguma.
Enquanto isso, "Watching You" apresenta uma série de acordes de guitarra vibrantes e um vocal fluido com forte influência do soul. Há algo no cerne do arranjo funk que deve muito mais ao Sugar Bones de Seattle do que ao The Cranberries, mas quem esperava um riff pesado certamente não se decepcionará, já que o refrão explode em um groove mais encorpado que se encaixa perfeitamente na música. Embora Carolyn e o baixista Brian sejam frequentemente o foco, o baterista Ronan Sherlock oferece uma performance sólida do início ao fim, demonstrando um talento que sabe o poder de uma bateria potente quando se trata de "mandar ver", mas, mais importante, sabe quando suavizar o ritmo. Aqui, alguns de seus solos mais sutis revelam alguém capaz de abordar a maioria dos estilos com facilidade.
A abertura de "Delusional" parece bastante comum, com sua mistura de riffs de rock melódico em andamento médio e timbres de guitarra reverberantes. No entanto, as coisas não são exatamente o que parecem: o meio da faixa introduz um trabalho de baixo ligeiramente funky para dar um impulso à música, e há alguns momentos entre os sons mais pesados que pendem suavemente para um tom mais progressivo. Mas não é a música que se destaca. Ela recebe um final absolutamente incendiário graças ao seu vocal realmente interessante. Para começar, Carolyn adota um tom sombrio e assombroso para preencher o verso, mas usa sua impressionante extensão vocal para compartilhar um som realmente amplo no refrão que, embora muito mais teatral do que esse tipo de música normalmente exigiria, realmente ajuda a puxar o ouvinte para dentro do universo sonoro grandioso dessa banda irlandesa. Conforme a música avança, sua voz se torna ainda mais poderosa, quase assumindo tons operísticos nos pontos mais altos de um arranjo soberbo. Ela tem todos os ingredientes para ser uma voz do tipo "ame ou odeie", mas nesta gravação, Carolyn usa menos afetações do que em algo como "Never Home", por exemplo. Independentemente de você se identificar totalmente com ela ou não, sua abordagem desempenha um papel vital em fazer com que a banda soe um pouco diferente, e com a enorme quantidade de novas músicas surgindo online toda semana, isso realmente ajudará o GTL a se destacar.
Os elementos progressivos que surgem em 'Delusional' realmente se destacam na faixa-título do álbum, que foi usada com muita eficácia como um encerramento épico. A música de sete minutos começa com uma fantástica batida de bateria e notas de baixo impactantes, mostrando uma ótima seção rítmica, mas Alan rapidamente chama a atenção com outra parte de guitarra ao estilo Rush, carregada de timbres brilhantes. Partindo para algo mais encorpado, a banda então apresenta sua própria versão de um riff pós-grunge, antes de mergulhar em um verso tranquilo, perfeito para os vocais emocionados de Carolyn. A base retrô de rock alternativo é salpicada com toques progressivos que ajudam o riff do refrão a soar como um A Perfect Circle mais comercial, garantindo que alguns ouvintes se identifiquem rapidamente com a música. Com ótimos toques de pop-rock colorindo outras partes da faixa, e com um vocal brilhante em destaque, esta é mais uma das melhores músicas do álbum.
Um álbum repleto de atmosfera e riffs incríveis, 'Silver Lining' praticamente não tem faixas dispensáveis. É um ótimo exemplo de como dedicar tempo à criação de uma nova obra pode ser vital. Como demonstra a regravação de 'Alone', o Gather The Lost é uma banda muito melhor do que seria se um álbum tivesse sido lançado em 2023. Para quem curte uma abordagem mais ousada no hard rock/som alternativo retrô, este é um álbum essencial.
No final de 2025, a banda indie galesa Martyrs lançou o EP "Halloween Dream", um trabalho que incorporava elementos do rock dos anos 70, uma psicodelia leve e uma série de loops de bateria que revelavam uma forte influência da música eletrônica. Isso criou uma cornucópia sonora que parecia nunca se estabilizar e, nesse aspecto – e especialmente com a presença de um vocal descontraído –, o material demonstrava influência da também galesa Super Furry Animals. Caso essa influência tenha passado despercebida nas composições próprias da banda, um cover psicodélico de "The Man Don't Give A Fuck" estava lá para deixar bem claro. Apesar de curto, "Halloween Dream" foi um lançamento que mais do que sugeria que os Martyrs compartilhariam mais músicas excelentes no futuro.
O álbum seguinte, 'Church Street' – lançado apenas seis meses depois – cumpre essa promessa. A faixa-título mergulha em ótimos sons indie com um toque especial. As linhas de guitarra cintilantes e os vocais poderosos evocam uma mentalidade melódica, bem anos 90, e essa vibe se confirma ainda mais no refrão, que ostenta um ritmo bem característico do baggy. No entanto, fiel ao estilo do Martyrs, são os outros elementos da faixa que mais chamam a atenção: primeiro, um riff com uma pegada anos 60, que combina com o vocal levemente delicado; mas, superando até mesmo isso, um interlúdio de guitarra harmônico sugere uma sonoridade mais roqueira, e uma linha de baixo com nuances de jazz que permeia toda a música com muita segurança. De muitas maneiras, é essa linha de baixo que funciona como a cola musical; para onde quer que a música vá, ela está lá, pulsando de uma forma que você provavelmente não esperaria encontrar em um trabalho indie. Naturalmente, uma abordagem tão complexa não se presta à apreciação imediata, mas para aqueles dispostos a investir o tempo necessário para que cada um desses elementos musicais se fixe, este álbum acabará por se tornar um favorito.
Recuando um pouco, "He Breaks Horses" se estabelece em um indie vibrante, complementado por outra ótima linha de baixo. O fluxo da melodia principal combina perfeitamente com um vocal aveludado que traz uma riqueza genuína a um arranjo um tanto lento, antes de o Martyrs elevar o nível introduzindo algumas batidas mecânicas e uma parte de guitarra com reverb que soa como se tivesse saído de uma trilha sonora de filme dos anos 60. Ao contrário da faixa anterior, é o vocal que mais chama a atenção; ao longo da música, seu timbre suave cativa o ouvinte, tornando-a bastante acessível. Certamente, a faixa traz um toque mais melódico e comercial a uma música que trata das "experiências da classe trabalhadora galesa em 1811", mas ainda não é tão acessível quanto a brilhante "Twist The Cap", uma canção que parece fundir o material voltado para baladas do início do catálogo do Suede com a atmosfera onírica das melodias psicodélicas do rock progressivo antigo. A faixa inclui até mesmo uma densa linha de sintetizador que deve mais ao Krautrock do que ao Britpop, e apresenta um timbre vocal aveludado que parece ser um resquício dos discos do Caravan, criando uma atmosfera que, eventualmente, poderia ser considerada "pura Martyrs". [ Uma versão alternativa da faixa, exclusiva da versão Bandcamp deste lançamento, destaca um sintetizador com um som realmente brilhante. Embora isso não altere drasticamente a performance, certamente confere a tudo um toque mais "alternativo dos anos 80", sem se afastar da atmosfera da versão original. ]
Mudando de marcha mais uma vez, "You've Been Here Before" começa com uma fanfarra de sintetizador que soa como a vinheta musical de um antigo logotipo de locadora de filmes da época das locadoras de VHS. Isso se revela proposital, já que uma das vozes sampleadas que surge sobre uma base vaporwave pergunta se você "se lembra de todos os filmes já feitos", antes que outra voz estrondosa mencione a "locadora de vídeo local". A primeira metade da faixa não se liberta de sua camada sintética de som, mas, apesar de fazer muito pouco, nunca é entediante. Então, no ponto em que você sente que as coisas podem estar caminhando para um inevitável fade out, na verdadeira tradição do Martyrs, tudo muda, e a banda entra no modo rock, reproduzindo a melodia ambiente anterior com uma gama completa de instrumentos. Isso, naturalmente, faz jus às dicas de prog da faixa anterior. Provavelmente não seria justo chamar essa de o ponto alto do EP, especialmente considerando o trabalho dedicado às músicas "propriamente ditas", mas para aqueles que têm idade suficiente para se lembrarem dos anos 80 com clareza, essa gravação promete muita diversão. E quando você pensa que o Martyrs não poderia oferecer mais surpresas musicais, "Having The Window Open Helps" explora uma melodia baseada em sintetizador e guitarra que parece ter saído diretamente de uma trilha sonora do Tangerine Dream e a combina com uma performance de spoken word que leva a banda ainda mais para o universo do art rock.
Isto é genial, mas não vai agradar a todos. Há faixas aqui que soam como o trabalho de duas bandas completamente diferentes, mas, curiosamente, isso não prejudica a sensação geral deste EP. Quando os Martyrs acertam, eles provam que os mundos do indie e do rock ainda têm paisagens interessantes para explorar e, misturando influências, ainda é possível criar algo onde o antigo parece novo novamente. Para o ouvinte mais aventureiro, este será um dos lançamentos de destaque de 2026.
Oriundos de Lisboa, os Facção Opposta são João (voz), Vagner (guitarra), Rattus (baixo) e o brasileiro Robson (bateria), sendo uma banda Oi! formada por skinheads portugueses cuja sonoridade se encontra muito próxima da de inúmeros projectos Oi! franceses e britânicos da primeira metade da década de 80. As motivações do grupo são as de sempre: camaradagem, futebol, música e cerveja. Conheceram-se nos meandros da cena skin nacional e formaram o grupo em 2007, após terem andado a tocar noutros projectos. João e Robson haviam integrado grupos de vida fugaz; Rattus fazia parte dos quadros dos Albert Fish, tendo também feito parte de um dos line-ups recentes dos Crise Total. Em 2010 estreiam-se discograficamente com um split CD partilhado com os brasileiros Mão de Ferro, numa edição conjunta dos selos Can I Say Records (Portugal), Bruised Knuckles (Finlândia) e Zerowork Records (Portugal). O disco teve também uma edição brasileira pela Dunkel Records com direito a capa alternativa. Na mesma altura editam um single através da editora espanhola True Force Records onde incluem canções skinheads com temática anti-Hippie. Este trabalho teve uma curta prensagem de 150 exemplares, sendo que 100 têm uma capa e os restantes 50 um artwork alternativo.
DISCOGRAFIA
SKINHEADS [7"Single, True Force, 2010]
FACÇÃO OPPOSTA VS MÃO DE FERRO [CD, Zerowork Records, 2010]
MÃO DE FERRO VS FACÇÃO OPPOSTA[CD, Dunkel Records, 2010]
Um lançamento de covers bem selecionado costuma ser divertido, mas raramente vem acompanhado de uma seleção tão eclética de influências quanto "Sonic Chambers", do Blazoner. Um EP que começou por puro acaso funciona como um breve currículo dos principais interesses da banda de rock americana, abrangendo material de artistas tão diversos quanto The Rolling Stones e Melvins.
