Braen's Machine: Temi ritmici e dinamici (1973)

 

Os primeiros vestígios deste misterioso grupo de estúdio datam de 1971, quando seu primeiro álbum, intitulado " Underground ", apareceu nas prateleiras de algumas lojas muito selecionadas, provavelmente impresso em menos de 200 cópias e gravado para o micro-selo " Liuto " de propriedade pelo Maestro Piero Umilani .

Psicodélico, sofisticado e comparável em qualidade ao Blue Phantom , o LP mostrou uma capacidade composicional incomum, contaminando ambientes típicos do Krautrock (" Description", "New experiences" ) com momentos de hard-jazz de grande valor técnico ( "Fall out", "Obstinação") . " ) e rock clássico do tipo mais extremo ( "Inphormal" ).
Tudo sublinhado por guitarras distorcidas incessantes que tornavam o som geral único e reconhecível.
Nada comparável ao " Ufo " do Camel ou do Guru Guru , é claro, mas considerando o ano e o local de publicação, "Underground " foi um álbum verdadeiramente extraordinário , mesmo que limitado por seu conflito mínimo. Infelizmente, essa pequena joia vendeu pouco ou nada e a discussão pareceu terminar aí. Em vez disso, dois anos depois, aqui está Braen's Machine novamente com um segundo trabalho intitulado " Temi ritmici e dinamica ", no qual, apesar do som original, os arranjos eram tão suaves e formais que mais pareciam comerciais. O novo álbum, inteiramente instrumental, inclui 12 miniaturas que desenvolvem em forma instrumental tantas sensações atribuíveis a uma competição esportiva: "Movimento", "Competição", "Treinamento", "Exercícios de ginástica", "Corrida" e assim por diante.

A execução é perfeita, mas o resto é tão minimalista que faz pensar em um álbum de demonstração ou talvez destinado ao mundo documental ou cinematográfico. Quanto a " Underground ", na verdade, todas as músicas são assinadas por Braen e Gisteri e agora é quase certo que por trás desses pseudônimos se escondia o próprio Piero Umilani (na época com quarenta e sete anos e com pelo menos cem trilhas sonoras em seu currículo). ) e seu colega Alessandro Alessandroni , também maestro de orquestra,compositor e arranjador, conhecido do grande público por ter formado o famoso conjunto coral " I cantori moderni di Alessandroni ".



Aliás, o próprio artista era bastante famoso no mundo cinematográfico por ser um excelente " assobiador ", a ponto de Federico Fellini tê-lo apelidado de " assobiador ".
Na verdade, ele escreveu as lendárias partes assobiadas em "Por um Punhado de Dólares", "Por uns Dólares a Mais" e "Três Homens em Conflito ", de Morricone .

Entretanto, além dos dois Mestres, no momento não sabemos quais e quantos músicos tocaram em " Braen's Machine ". O certo é que, ao ouvi-lo, parece claramente um conjunto composto por bateria, baixo, vários teclados (piano, sintetizador, espineta, etc.) e uma flauta.

Em " Temi ritmici… ", as músicas são todas curtas (dois, três minutos em média) e geralmente muito fluidas, relaxadas e amplamente imbuídas de um formalismo que às vezes é até irritante.

Embora não seja um álbum enfadonho dada a grande variedade de ambientes propostos, apenas algumas faixas da obra escapam a uma esponjosidade geral, retornando escalas e atmosferas soft-jazz de certo valor ( "Rinuncia", "Esercizi Ginnici" e "Aspetti grotescos" ). De resto, as melodias predominantes são aquelas que, apesar da sua simpatia, lembram implacavelmente os ambientes dos clubes de praia provinciais (" Competizione", "Dilettanti", "Attività all'aperto" ) ou, pior, soluções harmónicas tão óbvias que eles beiram a infantilidade ( "Dinamica"). " ). No fundo, é realmente surpreendente como a mesma dupla de autores pôde dar à luz, sob o mesmo nome, duas obras tão diferentes em estrutura e qualidade e, ainda por cima, envolvendo suas capacidades transgressoras em vez de implementá-las. É bem provável que ambos os álbuns do Braen's Machine tenham sido concebidos como meros exercícios estilísticos, tornando seu lançamento um fator quase secundário. O " Underground " por si só realmente merece mais de uma audição e só por esse álbum já vale a pena falar desse grupo misterioso e citá-lo com orgulho nos anais do pop italiano.

Circus 2000: Circus 2000 (1970)

 

Circo 2000: Circo 2000 (1970)

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O Circus 2000, sediado em Turim, foi formado no final dos anos 60 por Marcello Quartarone , conhecido como “ Spooky ”, (guitarra, vocais), Gianni Bianco (baixo) e o baterista Roberto “Johnny” Betti .
O primeiro núcleo foi posteriormente unido pela cantora/percussionista Silvana Aliotta, de vinte anos , que, considerando sua idade, já tinha uma experiência invejável tanto no mundo da música quanto no da gravação. Na verdade,

Silvana não só começou a se apresentar ao vivo como imitadora aos 9 anos , mas também participou de inúmeros concursos de cantores e ainda não tinha idade, já assinou seu primeiro contrato de gravação com a Odeon em 1965 após uma brilhante apresentação no Festival de Castrocaro.
Seguiu-se a participação na Exposição Internacional de Música Ligeira de Veneza , em “ Un disco per l "estate ", uma turnê pela Grécia e impressionantes sete discos de quarenta e cinco rpm entre 66 e 69, alguns dos quais foram impressos sob o pseudônimo de Silvia Grissi .

Estabelecidos em um quarteto, os recém-nascidos “ Circus 2000 ” começaram a ganhar experiência tocando principalmente padrões de jazz no “ Swing Club ” em Turim, onde logo foram notados pela gravadora Ri-FI , que os levou para um estúdio de gravação.
Aqui, o grupo adquiriu um estilo mais maduro e pessoal, ao mesmo tempo em que dava vida às dez músicas de seu primeiro álbum autointitulado de 1970, considerado em todos os aspectos um dos pioneiros do Pop italiano .
Para ser honesto, o som do quarteto de Turim não era realmente original, já que era devedor da Costa Oeste da Califórnia e, em particular, do Jefferson Airplane . No entanto, também é preciso admitir que, até aquele período, muito poucos artistas conseguiram produzir algo que se distanciasse da melodia italiana clássica e, ao mesmo tempo, fosse além das antigas características estilísticas Beat. Le Stelle de Mario Schifano tentou com considerável convicção em 1967, assim como Le Orme de Fabio Celi em Ad Gloriam e Infermieri dois anos depois e finalmente, sob a pressão dos primeiros movimentos alternativos, a situação começou a se desbloquear em 1970 quando Balletto di Bronzo , Gleemen , Fórmula Tre e acima de tudo as Viagens

deu origem a obras muito mais inovadoras.
E, a propósito, não podemos esquecer o corajoso single de Aluminogeni : " L'alba di Bremit".

Em todo o caso, em 1970 o verdadeiro Prog italiano ainda estava na sua infância e, apesar de toda a boa vontade, mesmo os primeiros encontros no modelo de Woodstock (por exemplo, Caracalla 10/10/1970 ) ainda eram limitados por factores regionais e na sua maioria estabelecidos em um espírito " pós-aquariano ".

O Circo 2000 , no entanto, ao custo de tomar emprestado muitos estilos já testados em outros lugares, criou sua própria dimensão que não passou despercebida.
O álbum teve um certo sucesso e, a partir do ano de seu lançamento, foi seguido por um primeiro single que continha duas músicas do disco de 33 rpm, mas desta vez em italiano ( “Io la strega” e “Pioggia sottile” ) .

Aliás, é de notar que o álbum também foi inovador pela sua arte de capa (um retrato estilizado do grupo em cores fluorescentes sobre um fundo preto aveludado) que não só antecipou à sua maneira as loucuras gráficas da década seguinte , mas que Ele teria ganhado valor ao longo do tempo, tornando-se a ruína e a bênção de muitos colecionadores que hoje estariam dispostos a desembolsar pelo menos 600 euros por uma cópia impecável.

de qualquer forma, em 1971 a banda começou sua verdadeira carreira, cativando o público do Viareggio Pop 1971 (onde se apresentaram hospedados em uma histórica tenda vermelha de tamanho familiar), colocando a música “ Regalami un sabato sera ” na RAI , escolhida como tema de encerramento do popular espetáculo “ Teatro 10 ” e publicando mais 45 rpm em inglês retirados do primeiro LP ( “I can't believe”/”I am the witch” ).

Voltando ao álbum de estreia, dizíamos que “ Circus 2000 ” se apresentava mais como um álbum americano do que como um produto nacional. Na capa, a Ri-Fi não mencionou os nomes dos membros, nem forneceu nenhuma informação adicional, e muitos acreditaram que os caras eram de fato californianos. Entre eles está o escritor Vernon Johnson que em seu livro de 1988 “ The Flashback ” chegou a listá-los entre os grupos psicodélicos americanos. O groove das canções era, no geral, reflexivo, inquieto e certamente não se referia a nada já ouvido na Itália: a guitarra às vezes



Hendrix iana, o baixo cavernoso e uma voz tão jovem e exuberante que às vezes lembra a sincopada e saltitante de Mina (“ Tente viver ”).

Numa atmosfera substancialmente coerente e bem misturada, encontramos então enredos bucólicos, quase irlandeses, em " Sun will shine ", várias coisas " esquisitas ", algumas referências aos Beatles (" Try all day "), até o groove de saída. Não termine este pequeno álbum no meio do caminho entre It's a beautiful day , Jefferson e Grateful Dead .

Certamente não memorável do ponto de vista da originalidade, mas certamente interessante pela coragem e novidade, “ Circus 2000 ” está, portanto, entre os pioneiros de um gênero que dentro de dois anos explodiria em toda a sua coerência : certamente nos dando outros clones. , mas também alguns dos momentos mais altos da música italiana contemporânea.

O melhor álbum italiano de Prog de 1975, CRAC, ganhou (por uma margem esmagadora)!

 

Os Area entendeu isso e você também, que claramente premiou seu álbum com o título de " melhor LP de 1975 ", com mais de 26% dos votos : uma vitória ainda mais retumbante se considerarmos que Perigeo , o segundo colocado, recebeu proporcionalmente mais votos. 11,3 % das preferências Ora, é verdade que em 75 o Progressivo Italiano começou a sua transfiguração e que já hoje as verdadeiras vanguardas podiam ser contadas nos dedos de uma mão, mas aqui estamos realmente na presença de uma banda que não não sofreu nenhum declínio ao longo do tempo : nem musical nem cultural. A consciência de Stratos e seus companheiros permanece extraordinariamente brilhante e Crac! É quase equivalente a um livro de história : " a casca do movimento foi quebrada e o ovo se abriu, revelando medos, esperanças, mas acima de tudo a necessidade urgente de experimentar outras linguagens e mergulhar em novas imaginações ". Primeira posição, portanto, bem merecida e sem possibilidade de interrogatório. Por trás dos vencedores , vemos a confirmação ou o surgimento daquelas novas modalidades expressivas das quais falamos anteriormente. Perigeo (11,3%) e Etna (4,0%): duas formas diferentes de desenvolver poéticas baseadas no jazz . Os primeiros , já consolidados há algum tempo como a formação básica do movimento Contracultural , aligeiraram o seu som no contexto daquela “ distensão unilateral ” que também envolveu a Area com a sua “ Gioia e Rivoluzione ”. Veja bem, não se tratava de um empobrecimento dialético , como muitos diziam, mas de uma necessidade comunicativa que, para além das críticas, obteve êxito perfeito (e seu segundo lugar confirma isso plenamente) . O Etna , por outro lado, mantém a bandeira da fusão hasteada ao compactar quatro anos de experiência coletiva em seu terceiro álbum, que agora os vê mais maduros e definitivamente calibrados. A sua música é agora uma realidade para a Itália projectada para

o futuro: o verdadeiro herdeiro do progressista agora quase no fim de sua jornada.

Napoli Centrale (8,5%) com uma dialética crua e seca, continua e complica estruturalmente a tradição do NCCP e do Canzoniere del Lazio , lembrando-nos que a Itália é também o Sul com os seus problemas e tradições, que ' a emigração é uma realidade dramática, o trabalho é trabalho duro e integração estão longe de serem alcançados.
Então como agora, infelizmente .

Goblin (6,6%) com sua trilha sonora para Profondo Rosso , graças a Dario Argento, traz o Prog-Rock de classe para o mundo do cinema . Seu hit em andamentos estranhos conquista as paradas e a recém-lançada execução nas rádios livres : uma faixa- título metricamente complicada , mas que tem a naturalidade de um hit de 45 rpm. Isso é acompanhado por um corolário adicional de sons que têm vida própria e são agradáveis ​​mesmo sem o auxílio de imagens.

Maxophone (5,9%): Prog puro reproduzido com autoridade e um alto grau de consciência. Uma espécie de marco que encerra um período sem antecipar outro.
Uma joia por si só que, mesmo sem que saibamos, será o divisor de águas entre dois períodos históricos.

Depois, há as contaminações futuristas da Disco dell'Angoscia (5,2%), que antecipam em pelo menos dois anos as loucuras dadaístas do Movimento de 77 .
Aqui tudo é o oposto de tudo num vulcão de ideias centrifugadas de forma anárquica mas consciente e intencional : é verdade que ao percorrer uma estrada pode-se sofrer um acidente, mas também se pode reerguer dando força à criatividade e à imaginação. .
Profético e historicamente preciso.

Battiato (4,5%) e Opus Avantra (3,8%), pontos culminantes de uma nobreza experimental que tem suas raízes no distante Underground com duas obras extremamente conceituais , mas perfeitamente afinadas com seu tempo. Talvez demaisextremo para ser seminal, mas certamente profundo o suficiente para abrir novas fronteiras na audição de música clássica. Por fim,

a Premiata (4,7%) combina crítica sociopolítica com música e vozes de grande sugestão artística e técnica. Um bom trabalho que, no entanto, pagará o preço de ter tocado em um ponto incômodo que os afastará do mercado americano e, por muito tempo, do relacionamento com o " militante " Mauro Pagani .

O resto do ranking, como você pode ver, é uma alternância de novos impulsos : alguns muito marginais para terem mais consideração, outros excessivamente subservientes aos mercados estrangeiros e outros ainda simplesmente preenchimentos em comparação com um cenário que ainda era uma panela de pressão no ponto . explodir.

Isso foi em 1975 !
Nós o analisamos , classificamos, destrinchamos e, acima de tudo, graças a você, poderemos falar sobre ele por muito tempo.
Mesmo para esta classificação, você foi, como sempre, esplêndido, competente e magnificamente interativo.
Muito obrigado a todos do seu JJ !

...a propósito...a classificação final? Aqui está!

Clique no ranking para vê-lo mais claramente se quiser,vá e veja todos os outros rankings do CLASSIC ROCK novamente

Emerson, Lake & Palmer ● Tarkus ● 1971 ● Reino Unido [Symphonic Prog]

 

Lançado em junho de 1971, "Tarkus" é o segundo trabalho do ELP e mostra a banda seguindo para um território desconhecido, empurrando os limites da música que um trio pode aspirar (onde CREAM ainda reinava supremo). O que tudo isso significa é uma incógnita, e pode ser nada mais do que um mosaico de exercícios instrumentais pomposos e pronunciamentos pretensiosos. Notavelmente, nada disso é realmente importante. O que importa é a fé que a música inspira em seus músicos e, por extensão, em seu público. Você tem a sensação de que o ELP elaborou "Tarkus" como sua magnum opus (até a próxima magnum opus, pelo menos), e é esse espírito de criatividade elevada que alimenta "Tarkus".

E o disco começa exatamente com ela, "Tarkus", a faixa-título que ocupa o lado A inteiro do disco. Vinte dois minutos e meio compreendendo sete partes: "Eruption", "Stones Of Years", "Iconoclast", "Mass", "Manticore", "Battlefield" e "Aquatarkus". Três delas são canções intercaladas entre as outras quatro instrumentais.  "Tarkus" é uma alegoria. Como pode ser visto na capa surreal do álbum e na dobra interna. Trata-se de um tanque da Primeira Guerra Mundial, meio tatu, nascido de um ovo que parece ter sido expelido de um vulcão. O Tarkus luta e vence três criaturas que são meio animais, meio máquinas ("Stones of Years", "Iconoclast" e "Mass"). Mas então a mantícora aparece, eles lutam e o Tarkus é derrotado e lançado às águas. Uma mantícora é uma criatura mítica persa, a personificação da tirania e do mal, com corpo de leão, rosto e orelhas de humano e cauda com uma picada na ponta como a de um escorpião. A letra de Lake em "Tarkus" é uma diatribe contra a futilidade da guerra, e aparentemente ele afirmou que a letra também é sobre onde a revolução do passado nos levou: a lugar nenhum, em sua opinião. Isso parece se encaixar com a derrota para a mantícora no final das ilustrações da capa, embora mais recentemente Lake tenha dito que "Stones of Years" assumiu diferentes significados para ele ao longo dos anos, e Emerson disse que a arte foi não pintada propositadamente para se adequar à música. De qualquer forma, a futilidade e a miséria da batalha são evidentes na letra de "Battlefield". Musicalmente, "Tarkus" é uma peça incrível: a composição é complexa, e certamente vanguardista para a época. O uso de instrumentos é particularmente impressionante. O Hammond de Emerson, o sintetizador Moog e o piano são (apenas) ferramentas e, junto com o baixo sólido e a guitarra de Lake mais a percussão de Palmer, eles produzem um trabalho musical verdadeiramente moderno e sofisticado que, vai além dos limites do Rock. Vários livros (um com uma análise de 8 páginas!) e pelo menos uma tese de doutorado discutiram longamente o artigo "Tarkus". Uma composição excepcionalmente soberba. Essa obra impressionante começa com claro espírito de criação com um único som que logo explode em vida, e a partir daí a banda funde as passagens instrumentais de Emerson (muitas vezes mantidas juntas por improvisação) com as canções de Lake. Os arranjos em si são ossos e tendões, o piano de Emerson fornecendo a cor contra a bateria superlativa e seca de Palmer e as linhas de baixo incidentais de Lake. Quando a banda atinge alturas sublimes, geralmente é com a força da voz robusta de Lake, resoluta em um turbilhão de som. Observe que o gatefold interno apresenta o que pretende ser uma interpretação visual da história de "Tarkus".

O lado dois abre com "Jeremy Bender", de certa forma, equivale a "Benny The Bouncer" em "Brain Salad Surgery" no sentido de que é uma espécie de música irreverente e decadente que quase se pode imaginar sendo cantada ao redor de um piano de um pub vitoriano com piso de tábuas nuas no East End de Londres. O piano honky-tonk de Emerson e as palmas da banda são o fundo de letras bizarras sobre o travesti de Jeremy Bender ("bender" sendo uma gíria britânica para um homem homossexual). O que exatamente Lake estava tentando fazer com essa faixa é um mistério. Talvez estivesse apenas procurando palavras que se encaixassem na peça para piano de Emerson. O piano de bar soa como uma piada, ao contrário dos teclados mais realistas em "Bitches Crystal". Começa com um tilintar muito fraco que aumenta lentamente. Essa faixa também tem muito piano honky-tonk e jazzístico, um ótimo sintetizador de fundo, boa bateria e o canto frenético de Lake se transformando em gritos guturais de angústia enquanto ele canta a letra: "Evil learning, People Burning, Savage casting, Ninguém duradouro, Bruxaria, Tristeza, Loucura virando suas mentes." Basta ouvir Emerson martelando a melodia no piano em um minuto, depois fazendo cócegas suavemente nos teclados no minuto seguinte, depois aumentando para um ritmo frenético novamente com Palmer. E então uma cócega final de honky-tonk e uma batida em um prato encerram a peça. "The Only Way"/"Infinite Space" é outra em uma longa linha de adaptações clássicas de sintetizadores. "The Only Way (Hymn)" é, como o nome indica, um hino. Mas é um hino com uma diferença: um hino ateu usando o órgão da Igreja de São Marcos para fornecer uma introdução eclesiástica usando a Tocata em Fá de Bach antes de o órgão iniciar a melodia e o tenor inicialmente angelical de Lake: "As pessoas são agitadas, movidas por a Palavra. Ajoelhe-se no santuário, enganado pelo Vinho. Como a Terra foi concebida? Espaço infinito, existe tal lugar? Você deve acreditar na raça humana." E então sua voz se enche de desprezo: "Você acredita que Deus faz você respirar? Por que ele perdeu seis milhões de judeus?" E então uma pequena ponte de Bach antes dos versos finais com a mensagem: "Não tenha medo, o homem é feito pelo homem." Quer você seja um crente ou não, as letras fazem você sentar e ouvir. Uma peça musical soberba, independentemente de como alguém se sente sobre a mensagem. "Infinite Space (Conclusion)" é realmente a parte final de "The Only Way (Hymn)" e é um ostinato que, com mais de 3 minutos, é quase tão longo quanto "The Only Way (Hymn)". O baixo de Lake estabelece o tema repetitivo, e o piano de Emerson repete sobre ele com a bateria discreta de Palmer alternadamente seguindo um depois do outro. Esta faixa pode parecer sem sentido, simplista ou mesmo irritante para alguns. "A Time and a Place" é uma peça mais pesada novamente, na veia de "Bitches Crystal", mas ainda mais pesada, Emerson batendo e arrastando os dedos ao longo das teclas do Hammond, e Lake novamente gritando estridentemente letras cheias de paixão: "Salve-me desta terra rasa, tire-me da mão do temperamento. Arraste-me da areia ardente, mostre-me aqueles que entendem." Emerson usa o Moog quase como um clarim em alguns lugares nesta faixa. E assim, chegamos a última faixa, "Are You Ready Eddy", possivelmente a faixa mais caluniada do álbum. Eddy "Are You Ready" Offord foi o engenheiro deste álbum e esta foi a maneira da banda se divertir. Talvez tenha sido a maneira deles de preencher os sulcos internos restantes do lado B do LP. A faixa é um grande jive. E a letra é um gás: "Você está pronto, Eddy, para baixar seus faders. Bem, você está pronto, Eddie, para ligar suas dezesseis faixas? Eddie edit, Eddie, Eddie edit. Você está pronto, Eddie, com suas dezesseis faixas? Um pouco de vibração é tudo o que falta." e assim por diante. Você tenta colocar isso em um jive! E um dos caras diz no meio do caminho "Perdi meu último ônibus para casa!". Então, no final, eles brincam dizendo "O que você tem: presunto ou queijo [sanduíche]?" É um pouco de alívio leve e divertido no final do álbum.

Em resumo, "Tarkus" é um excelente álbum de Rock Progressivo. Aqui, o ELP obtém um som incrível de apenas uma banda de três integrantes. Esse trabalho está muito perto de ser uma obra-prima e é essencial para qualquer boa coleção de Prog.

Tracks:

01. Tarkus (20:43):  ◇

      a. Eruption (2:44)

      b. Stones of Years (3:44)

      c. Iconoclast (1:16)

      d. Mass (3:12)

      e. Manticore (1:52)

      f. Battlefield (3:51)

      g. Aquatarkus (4:04)

02. Jeremy Bender (1:51)

03. Bitches Crystal (3:58) ◇ 

04. The Only Way (Hymn) (3:49) **  ◇

05. Infinite Space (conclusion) (3:20)  ◇

06. A Time and a Place (3:02)  ◇

07. Are You Ready Eddy? (2:10)

Time: 38:53

** (Themes used in intro & bridge from Toccata in F and Prelude VI, composed by JS Bach)

Musicians:

- Greg Lake / vocals, bass, electric & acoustic guitars

- Keith Emerson / Hammond organ, St. Marks church organ, piano, celeste, Moog synthesizer

- Carl Palmer / drums, percussion