Uma vespa asiática foi avistada a sobrevoar as imediações. VSP AST (assim mesmo, estilizado com as iniciais) é o voo picado de Fernando Gariso, artista natural de São Martinho do Bispo, em Coimbra.
Aluno do punk, parte de referências como Machine Gun Kelly, XXX Tentacion, Juice Wrld e Lil Peep, assim como de clássicos como Nirvana, Green Day ou Linkin Park, para resgatar uma sonoridade melódica dominada por guitarras, baterias e produção contemporânea de estúdio.
Depois de declarar intenções em “Caminho Duma Superstar” e de ter gozado o verão cor-de-rosa em “Bleach, “Tarde Livre” é a picada da juventude em marcha. Solta, despreocupada e sem justificaçōes a dar.
No circuito entre o quarto e a praia, o vídeo de David Conceição retrata os belos dias de descontração e saudável irresponsabilidade.
O novo single antecipa a chegada do álbum de estreia de VSP AST. É o fim da picada? Não, ainda é só o começo
O ano de 2023 dá a conhecer o novo single dos OWAN, “Thief“, um tema escrito por Danniel Boone em homenagem ao seu avô que morreu vítima de cancro.
“Thief” aborda a coragem e a resiliência que o avô do músico demonstrou até a doença o vencer, não obstante, não é um tema depressivo, enaltece, sim, a esperança que devemos guardar sempre dentro de nós, abraçar o que nos é dado e seguir em frente… “Thief” é um tema que nos transporta para as nossas memórias, um tema nostálgico que nos faz reviver os “nossos momentos”, afinal, a vida é mesmo isso, é feita de Momentos.
Danniel Boone tinha esta ideia já há uns anos, dedicar um tema ao seu avô, mas só agora conseguiu concretizá-la. De certa maneira, é também uma homenagem a todas as pessoas que, de forma direta ou indirecta, já passaram ou estão a passar por esta doença.
OWAN (Out With A New) é um projeto musical oriundo do Porto, criado e liderado por Danniel Boone (autor, compositor, vocalista e multi-instrumentista).
A história de Rhoda Curtis é nebulosa. As raras informações que circulam sobre ela nos dizem que ela nasceu em 1952 em Seattle. A cantora tinha, portanto, apenas 25 anos quando este primeiro e único álbum foi lançado em 1977. A jornada que a levou de seu estado natal de Washington a Los Angeles, onde sua gravadora United Artists a trouxe para a gravação deste disco , nós não sabemos; no entanto, não seria de estranhar que a cantora – que fez uma passagem rápida por este meio e claramente não procurou encontrar um lugar para si – chegasse à música um pouco por acaso. Rhoda Curtis parecia acima de tudo motivada pela necessidade de escrever, e pode-se perguntar, lendo-as, se as letras de suas canções não eram antes de tudo poemas.
Na primeira música, a jovem narra sua própria redenção. “Jordânia” alude, de fato, à sua travessia do Jordão, ao seu retorno à fé, aparentemente motivado pela desordem em que a havia mergulhado a morte do pai e dos irmãos. As letras não são desinteressantes, são até bastante fortes, mas a música é ainda mais. Os arranjos bastante minimalistas levam a música ao alto e, sem dúvida, a tornam a peça central do álbum. Não precisa esconder de você: a sequência será um tom mais baixo, mas mesmo assim o ouvido fica preso até o final dessa voz ao mesmo tempo suave e poderosa, que às vezes lembra Linda Ronstadt.
Além disso, Rhoda Curtis também experimenta todos os estilos, incluindo country na muito cativante "Mama Oh Mama", tendo como fundo uma guitarra de aço. Curiosamente, a melodia é alegre e contrasta particularmente com a letra onde a cantora confidencia a sua solidão. Assim como seus textos, as atmosferas de suas canções costumam ser melancólicas, sem serem pesadas, e a variedade de estilos ajuda a evitar o tédio. Somente no primeiro lado, passamos facilmente de uma música a cappella (Questions) para um belo título de rock (Rocketship), depois para uma balada de piano/voz (The Candle). A segunda parte do álbum é um pouco mais uniforme, pois depois do espumante country seguem três melancólicas baladas ou semi-baladas, não inesquecíveis, mas sempre perfeitamente interpretadas.
Todas essas músicas são escritas e compostas por Rhoda Curtis, mas também há dois covers neste disco: um de uma música pop dos Bee Gees de 1975, muito mais agradável sem a voz em falsete - insuportável para os meus ouvidos - de Barry Gibb (“Baby As You Turn Away”, do álbum Main Course ); o outro de um título interpretado por Glenn Shorrock em solo, pouco antes da formação da Little River Band.
Se, como presumi acima, não é impossível que Rhoda Curtis tenha chegado ao mundo da música sem realmente planejá-lo, seu lugar ali não era de todo ilegítimo. Cantora e compositora talentosa, ela poderia ter feito disso uma carreira. Em vez disso, ela parece estar voltando para Edmonds, perto de Seattle, rapidamente, onde encontrará seu caminho para o empreendedorismo abrindo uma loja. Mas sofrendo de uma doença pulmonar que a prejudicará por muito tempo, Rhoda Curtis acabará morrendo recentemente, em maio de 2020, na completa indiferença do mundo onde fez tão breve aparição. Era oportuno prestar-lhe esta modesta homenagem.
Títulos: 01. Jordan 02. For All Seasons 03. Baby As You Turn Away [reprise BEE GEES] 04. Questions 05. Rocketship 06. The Candle 07. Mama Oh Mama 08. Jamie 09. Days End 10. Where Do You Go 11. Daydream Sunday [reprise GLENN SHORROCK]
Músicos: Rhoda Curtis: vocal ___ John Hobbs: teclado Billy Walker: guitarra Joe Chemay: baixo Gary Mallaber: bateria J.D. Maness: guitarra de aço Dennis Dreith: flauta Went Garvey: arranjos de cordas
“Cadáver” é o mais recente single de avanço do álbum de estreia de xtinto, que acaba de estrear em todas as plataformas digitais e vem acompanhado de um videoclipe também já disponível.
A nova faixa conta com a colaboração dos membros da cooperativa, recém criada, Munhouse, Benji Price, Beiro e Kidonov. Juntos tornaram “Cadáver” um carrossel de emoções muito por culpa do instrumental que sofre (de forma não pejorativa) um beat switch radical que mergulha em drums “jazzisticos” de Beiro e numa bass line eloquente de Fred Severo, ambos perfeitamente expostos sob a mistura de Kidonov.
Nas palavras de xtinto, “O cadáver é uma música sobre sucesso póstumo. A inspiração para escrever esta música nasceu da inquietação que a morte sempre me causou e, em especial, quando se trata de um artista. Decidi encarar olhos nos olhos este tema porque é a minha forma de purgar alguns fantasmas que pairam à minha volta. Estou a tentar reclamar a eternidade da minha obra, para que eu nunca morra.”
The Legendary Tigerman é um nome artístico de Paulo Furtado, um artista, vocalista e músicobluesportuguês, que nos primeiros anos se apresentava em formato (One-man-band). Com um estilo singular, Furtado tocava guitarra, harmónica e bateria sozinho em palco até 2014. Utilizava vários microfones para efeitos, pedais de percussão, instrumentação eletrónica e até Kazoo.
Editou uma série de álbuns, além de EPs, diferentes discos limitados e bandas sonoras:
2011 DVD The Legendary Tigerman & Guests Coliseu - Metropolitana
2013 Ao vivo na Zé dos Bois (25/12/2011) - distribuição com a revista Blitz (dezembro 2013).
2014 True - Metropolitana / Sony Music Portugal
2018 Misfit - Metropolitana / Discos Tigre Branco / Sony Music Portugal
Biografia
Nasceu em Moçambique, onde viveu até aos dois anos e depois foi para Viana.[2] Mudou-se então para Coimbra com os pais. Paulo Furtado deu-se a conhecer com os Tédio Boys nos anos 1990. Com o final da banda, fundou, em 2000, os Wraygunn e em 2002 estreou-se a solo, como The Legendary Tigerman. Paulo tem vários mundos e várias artes dentro de si. É compositor de bandas sonoras. É um apaixonado pela fotografia. Produziu inúmeras canções para cinema, tendo-lhe sido atribuído por duas vezes o Prémio Sophia para melhor banda sonora original.[3]
Em 2021 será a estreia mundial da peça Andy, do aclamado realizador norte-americano Gus Van Sant. Comissionado e produzido pela BoCA, este é um espectáculo inspirado em Andy Warhol e que marca a estreia do realizador de Mala Noche, Elephant ou My Own Private Idaho na escrita e criação de palco. A direcção musical cabe a Paulo Furtado / The Legendary Tigerman. As apresentações decorrem no Teatro Nacional D. Maria II (Lisboa) e no Teatro das Figuras (Faro).
“O quarto” é o primeiro single do novo álbum de Carminho, intitulado “Portuguesa”. O fado tem letra de Carminho e música (fado Pagem) de Alfredo Marceneiro.
” “O quarto” é o fado que abre o disco. Quis começar este novo capítulo referenciando a história do fado, em particular, a mestria inspiradora de Alfredo Marceneiro na composição dos seus próprios fados tradicionais. Construir um repertório próprio, praticando diferentes combinações dentro de uma mesma tradição, é algo que me desafia.” Carminho
O novo single faz parte do repertório de 14 temas do novo trabalho de Carminho, que tem edição prevista para 3 de março. O álbum conta com a produção da própria Carminho.
Com uma digressão internacional prevista para iniciar já na Alemanha, no dia 5 de fevereiro, a artista portuguesa percorre toda a Europa já no ano de 2023 e com mais datas a anunciar por todo o mundo.
Em Portugal, estão previstos espectáculos já a partir de 4 março (Faro) com o culminar de dois concertos recentemente anunciados como são o caso do Coliseu de Lisboa (3 de novembro) e Coliseu do Porto (10 de novembro).
Ano novo, vida nova, podia ser o lema de Inês Marques Lucas… Inês Marques Lucas começou a aprender piano aos 5 anos, é inseparável da guitarra desde os 10 e pelo caminho ainda explorou a flauta transversal e o bandolim. Aos 15 anos compôs as suas primeiras canções, em inglês, mas cedo percebeu que é a língua portuguesa que melhor a representa nas suas composições.
Inês decidiu lançar-se a solo e, em 2022, gravou o seu primeiro disco, que verá a luz das lojas e dos palcos neste ano que se inicia. “Do Avesso” é o primeiro avanço deste trabalho e foi produzido por Choro nos estúdios Great Dane, em conjunto com a artista.
Esta canção moderna e atual, repleta de sonoridades frescas, fala-nos do momento logo após o fim de uma relação em que a pessoa com quem estivemos se torna numa estranha e sentimos que já não a conhecemos.
Nas palavras de Inês Marques Lucas, “fala sobre relações que falham. Quando uma relação acaba, sentes que deixas de conhecer a pessoa com quem estiveste tanto tempo. Começas a questionar se foi a pessoa que mudou ou se és tu que já não estás apaixonada”.
Apesar de suas qualidades, Under The Gun não conseguiu repetir o sucesso alcançado por Legendem 1978. O álbum mal entrou nos cinquenta primeiros lugares do ranking americano e foi quase ignorado em todo o resto do mundo. Sem desistir, Rusty Young e Paul Cotton – os dois líderes do Poco – voltaram mesmo bastante ambiciosos neste ano de 1981, inspirados de certa forma pelos falecidos Eagles ao inventarem um disco com temática de faroeste, o seu próprio Desperado .
Este tributo aos combatentes da Guerra Civil não é um disco de conceito aventureiro, o álbum é pelo contrário composto por peças perfeitamente adaptadas aos formatos radiofónicos da época. O estilo está também em linha com a continuidade dos álbuns anteriores, numa veia country rock, ou melhor, country AOR que dosa cada um dos dois estilos consoante as necessidades, e por vezes acrescenta outros ingredientes à sua receita. Tom de blues rock, por exemplo, na guitarra de Cotton e nos vocais nos versos de "Streets Of Paradise", que se deixa levar pelo refrão e evolui para um country de tirar o fôlego; ou gospel na última música do álbum, uma catártica e esperançosa “The Land Of Glory”, interpretada e assinada por Rusty Young.
Logicamente face ao tema escolhido, a vertente country ou mesmo country western é por vezes preponderante. É sobretudo o caso de "Down On The River Again" interpretada por Cotton, num registo bem tradicional, com acompanhamento de guitarra acústica e ornamentos de bandolim e dobro do especialista da casa Rusty Young. Cotton faz isso novamente no lado B com a animada “Sometimes”, inspirada no bluegrass, na qual Young troca dobro e bandolim por um belo banjo e alguns toques de “pedal steel”. De forma menos pronunciada, mais contemporânea, a balada "The Writing On The Wall", oferece uma doce melodia assinada por Young, que não teria marcado Legend. Cotton dá-lhe o troco um pouco mais tarde com "Please Wait For Me", outra balada country rock de estilo bastante clássico, e no entanto encantadora, servida por um bandolim por meio do qual Young nos embarca no calor de uma cantina mexicana. E também há, como em quase todos os álbuns do Poco desde seu retorno, o momento Timothy B. Schmit, Rusty Young mais uma vez substituindo seu ex-parceiro na doce balada country da costa oeste "Here Comes That Girl Again", sempre com o mesmo facilidade. Essas reminiscências dos velhos tempos estão bem sintonizadas com o tema ocidental geral e são, como podemos ver, bastante numerosas; mas, paradoxalmente, parecem quase anedóticos face ao que mais sabor dá a este disco.
Porque o que podemos ver rapidamente, e desde o primeiro título, é que Paul Cotton e ainda mais Rusty Young raramente foram tão inspirados. Como se o tema histórico escolhido o galvanizasse, este último até assina algumas das melhores canções da sua carreira. É o caso de “Glorybound” com sua introdução em arpejos de violão e seu discreto fundo de órgão: o tom está definido, esta peça de country rock marcantemente fresca já proporciona arrepios muito agradáveis; só a primeira parte do refrão soa verdadeiramente country, o resto a navegar entre duas águas, com uma sonoridade e até um estilo mais comparável ao AOR. Em seu rastro, “Blue And Gray” permanece afinado; o ritmo cai, mas o frescor como a emoção permanece, e é novamente a Young que devemos esta semi-balada que ele canta com seu amigo Cotton; o refrão aumenta de força aos solavancos, e a melodia fica bem gravada na memória. Mas o nível de excelência de Rusty Young é ainda mais marcante em "Widowmaker", único single que será retirado do álbum, tão bem escolhido quanto mal vendido pela MCA... Pois como explicar que essa pérola AOR, essa pérola hit em potência, essa melodia assombrosa e em andamento, cuja intensidade sobe ao refrão com seu baixo predominante, como então explicar que essa música deixou saudades de seu público?
Da mesma forma, explicaremos sem muito risco de nos enganarmos que este álbum, que bem poderia ser o melhor da farta discografia de Poco, permaneceu tão desconhecido por mais de quarenta anos.
Títulos: 01. Glorybound 02. Blue And Gray 03. Streets Of Paradise 04. The Writing On The Wall 05. Down On The River Again 06. Please Wait For Me 07. Widowmaker 08. Here Comes That Girl Again 09. Sometimes (We’re All We Got) 10. The Land Of Glory
Músicos: Rusty Young: vocal, guitarra, dobro, bandolim, banjo, backing vocals Paul Cotton: vocal, guitarra, backing vocals Kim Bullard: teclados, backing vocals Charlie Harrison: baixo, backing vocals Steve Chapman: bateria ___ Steve Forman: percussão Denise Decaro: backing vocals Venetta Fields: backing vocals Clydie King: backing vocals
Os Call Me Alice estão de regresso e, com isso, trazem na sua bagagem o seu novo single, “Motel 44″, que já se encontra disponível em todas as plataformas. Em “Motel 44“, Afonso Mateus (guitarra), Fred Rossi (voz e guitarra), Isabella Costa (bateria) e Sami (baixo) jogam no campo do indie rock mais descontraído, reverberando pela influência de malta como Men I Trust ou Mac DeMarco através de uma atmosfera onírica, sincera e jovial por onde rompem linhas de baixos relaxantes, baterias adormecidas e guitarras melancólicas.
“A música gira em torno de um pequeno loop de guitarra, que é construído no início (com reverse delay) e se mantém constante durante a música toda” , revela a banda, “e isso acaba por dar uma espécie de um movimento meio mecânico à música”. “Mas depois a linha de baixo e o refrão revelam o lado mais relaxante da música, que acaba por contrastar com esse lado mais mecânico”, sublinham.
Este single antecipou a edição de “That’s me, that’s us“, o novo EP da banda portuense – gravado numa casa de banho em Celorico de Basto – que promete reparar corações partidos e ensaboar-nos numa onda de nostalgia suburbana que parece não ter fim. É editado nas plataformas digitais esta sexta feira, 3 de fevereiro.
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