terça-feira, 4 de abril de 2023

Marco Hietala – Pyre of the Black Heart


MarcoE agora temos a versão em inglês deste grande álbum. Porém, a maioria de vocês já deve estar familiarizado com isso (se você também for fã do Nightwish), tendo ouvido a versão finlandesa lançada no ano passado. E sim, eu gosto. Bastante. Mas, novamente, sou um grande fã do trabalho dele com o Nightwish, então era meio que esperado. Mas agora, o resto de nós, em parte, também pode se aprofundar nas letras. Mas vou te dizer… não há muito brilho aqui, já que o título meio que revela. Há vislumbres de esperança e luz aqui e ali, mas é um álbum bastante sombrio. E não posso deixar de fazer comparações com Nightwish, como seria de esperar, e sem surpresa, o baixo é destaque. Vamos cavar.

Stones , o primeiro single lançado (Veja abaixo), é um grande roqueiro que abre e dá o clima do álbum. Não tenho certeza do que Marko tem contra as rochas, mas cara, ele as vê em todos os lugares. Ou talvez ele goste deles. Não sei. A princípio, a repetição deste me incomodou, mas está crescendo em mim.

The Voice of My Father é uma faixa mais lenta com alguns belos sons de synthwave no refrão. Parece estar se manifestando contra seguir a religião. Um tema que aparece aqui de vez em quando.

“Disseram-nos que somos pó. Mas nós somos as cinzas das estrelas.”

Apenas quando eu penso que estamos recebendo uma faixa de synthwave,  Stars, Sand e Shadow rapidamente muda para um rock otimista. Um dos refrões mais cativantes do álbum. Ele tem uma queda por eles. Não muito diferente de um dos roqueiros diretos do Nightwish. E isso é uma coisa boa!

“Ohohwahahowahahoa!!!!”

Dead God's Son parece contar a história de uma alma perdida. É uma faixa mais lenta e taciturna com outro refrão excelente e cativante.

“Viagem para o medo. O lar nunca foi aqui.”

For You tem um som eletrônico um pouco pesado. Uma música muito lenta e a mais longa do álbum. Mas novamente... ótimas melodias. E um ótimo solo de guitarra rosa Floydish que realmente se encaixa na atmosfera e fecha a faixa.

I am the way começa com um piano e Marko cantando como uma introdução lenta, depois mais percussão eletrônica conduzindo os versos. Outra gravação lenta de uma música. Em seguida, a banda completa entra com um riff encorpado e um refrão crescente. Liricamente? Uma balada do diabo? Não tenho certeza…

“Casa do Alto Céu. Casas dos condenados, seis e sete. Aprendi um novo termo aqui.

Um roqueiro é muito necessário neste ponto, e Runner of the Railways, cheio de violino e tudo, oferece. É uma música cativante que eu realmente gosto... exceto pelo refrão extremamente repetitivo. Nunca gostei de uma linha, refrões repetidos e nunca vou gostar. Então eu tolero essa música para a música matadora e a seção instrumental.

“Ooohhhh oooohhh ooohhhh ohhhhhh” Desculpe. Tendo dificuldade em entender as outras letras. Ha!

Death March For Freedom tem um começo de baixo realmente sujo (adoro!) E então a banda completa entra em ação e nos dá mais uma música cativante como o inferno. Marko sabe como escrever uma ótima melodia. Não há duas músicas iguais aqui. E termina com o que soa como um coro gospel e algumas teclas fantásticas e alguns tambores de condução.

Cara, eu amo o tom de baixo em I Dream . Ele aparece com destaque nesta faixa. Com uma entrega vocal suave de Marco que às vezes se transforma em uma palavra falada. A banda completa se junta um pouco mais tarde, mas ainda com um som lento e taciturno. Parece ser sobre auto-reflexão sobre o próprio valor e considerar-se não digno? Talvez eu tenha perdido o significado aqui.

“Minhas esperanças vão contra o espaço negro. desafiador. Então eles morrem imediatamente.”

Fechamos com uma faixa acústica mais lenta chamada Truth, com letras tão esperançosas quanto você encontrará neste álbum. E o final desta é simplesmente lindo com a bateria pesada, orquestração e violão. Que maneira de terminar o álbum.

“Sou grata pela dor. Diz que estamos vivos.

Este álbum demorou um pouco para crescer totalmente em mim, mas cresceu. Você pode definitivamente ouvir a influência do Nightwish, tanto na música quanto nas letras, em Marco (ou vice-versa), mas este é definitivamente um som diferente no geral. E a produção é fantástica. Uma mistura tão boa que permite que você ouça tudo.

Avaliação 9/10

Tracklist:
1. Stones
2. The Voice Of My Father
3. Star, Sand And Shadow
4. Dead God’s Son
6. For You
7. I Am The Way
8. Runner Of The Railways
9. Death March For Freedom
10. I Dream

11. Truth Shall Set You Free

Marcador: Explosão Nuclear

DISCOS QUE DEVE OUVIR


                                                Gary Lewis - Listen! 1967 (USA, Sunshine Pop)


Artista: Gary Lewis
Localização: EUA
Álbum: Listen
Lançado: 1967
Gênero: Sunshine Pop
Duração: 30:15
Formato: MP3 CBR 320 (Vinyl Rip)
Tamanho do arquivo: 71,8 MB (com 3% de recuperação)


Tracks:
01. Jill (Garry Bonner, Alan Gordon) - 2:17
02. Don't Make Promises (Tim Hardin) - 2:44
03. She'd Rather Be With Me (Garry Bonner, Alan Gordon) - 2:37
04. Look, Here Comes The Sun (John Boylan, Terence Boylan) - 2:40
05. Happiness (Lewis Perles, Ruth Lehrman) - 2:29
06. Bring The Whole Family (John Boylan, Terence Boylan) - 2:35
07. Reason To Believe (Tim Hardin) - 2:40
08. New Day (Garry Bonner, Alan Gordon) - 2:07
09. Small Talk (Garry Bonner, Alan Gordon) - 2:41
10. Angel On The Corner (Al Jacobs) - 2:35
11. Six O'Clock (John Sebastian) - 2:30
12. Young And Carefree (Robert Dobyne, Charles Jones) - 2:20

Personnel:
- Gary Lewis (Gary Harold Lee Levitch) - vocals
- Jack Nitzsche - arranger, conductor
- Al Casey, David Cohen, Mike Deasy, Russ Titelman - guitars
- Don Randi, Mike Lang - keyboards
- Bob West, Carol Kaye, Lyle Ritz, Ray Pohlman - bass
- Toxey Sewell - drums
- Curry Tjader, Jim Gordon, John Baker, John Clauder - percussion
- Bud Shank, Gene Cipriano, Jack Nimitz, Jay Migliori - saxophones
- Roy Caton - trumpet
- John Vidusich, Lou Blackburn - trombones
- Darrel Terwilliger, Emil Briano, Irving Geller, Irving Lipschultz, John Peter De Voogdt, Joseph Quadri, Norman Botnick - strings
- Gary Klein - producer



The Last Resort - A Way Of Life: Skinhead Anthems 1982 (UK, Punk Rock, Oi!)




Artista: The Last Resort
Localização: Inglaterra
Álbum: 
A Way Of Life: Skinhead Anthems
Lançamento: 1982
Gênero: Punk Rock, Oi!
Duração: 32:18
Formato: MP3 CBR 320
Tamanho do arquivo: 76,3 MB (com 3% de recuperação)


Tracks:
Songs written by Roi Pearce, Charlie Duggan, Arthur Kitchener and Andy Benfield except where noted.
01. Freedom - 4:46
02. Skinheads In Stapress - 4:21
03. Rebels With A Cause - 3:33
04. King Of The Jungle - 3:32
05. We Rule O.K. - 2:14
06. Changing - 1:57
07. Lionheart - 1:44
08. Rose Of England - 2:38
09. Violence In Our Minds (Roi Pearce, Charlie Duggan, Graham Saxby) - 3:13
10. Resort Boot Boys - 1:47
11. Red White And Blue - 2:33

Personnel:
- Roy "Roi" Pearce - vocals
- Charlie Duggan - guitar
- Arthur "Bilko" Kitchener - bass
- Andy "Longfellow" Benfield - drums
+
- Ellis Pelham-Glasby - additional guitar (01)
- Paul Mlynarz - saxophone (09)
- Chris Ashman - producer








TOM JANS (1974)

 



TOM JANS
''TOM JANS''
1974
36:21     MUSICA&SOM
**********
1 - Margarita/4:11
2 - Old Time Feeling/3:10
3 - Tender Memory/3:05
4 - Slippin' Away/2:34 (Troy Seals)
5 - Green River/4:40
6 - Blue Sky Rider/3:51
7 - Loving Arms/2:48
8 - Free And Easy/2:53
9 - Meet Me At The Border?/3:37 (Jackie DeShannon)
10 - Hart's Island/5:08
Tracks By Jans, Except 4, 9
**********
David Briggs/Organ, Piano
Tom Jans/Guitar, Piano
Mike Leech/Guitar (Bass)
Lonnie Mack/Guitar
Kenny Malone/Bells, Drums, Percussion, Vibraphone
Weldon Myrick/Dobro, Guitar (Steel)
Norm Rea/Saxophone
Troy Seals/Guitar
Mentor Williams/Guitar
Reggie Young/Guitar (Electric), Sitar



Hatfull of hollow - The Smiths (1984)

 




Eles foram a melhor e mais popular banda Pop inglesa desde Beatles/Stones/Who. Foram responsáveis também pela retomada das guitarras numa época em que bandas "posers" assolavam as rádios. Foram os responsáveis pela parceria mais original e prolífica desde Lennon/McCartney. Foram os responsáveis pelo nascimento de uma legião de fãs fiel, tocados pela beleza das texturas sonoras, pelo conteúdo das letras e pela entrega no palco. Poucos vocalistas se sentiram tão à vontade para falar de temas principalmente emocionais/existencialistas como Morrissey... 

O mundo Pop está até hoje à espera do surgimento de outro talento e genialidade como o de Johnny Marr... De sua simplicidade musical a seu distinto conceito de mídia (como as ilustrações de capas, o lançamento de singles diversos, a postura de não realizar video clips no formato padrão,etc.), a banda introduziu em grande estilo seu nome na galeria dos maiores nomes do Rock em todos os tempos. Eles foram a mais original banda das Ilhas nos anos oitenta, e para sempre continuarão sendo porta-vozes dos sonhos, das opiniões e dos sentimentos de milhares de pessoas no mundo todo. Os Smiths foram grandes porque falaram a linguagem que o ser humano mais entende: a das emoções.

Este é o álbum que melhor retrata o rock inglês dos anos oitenta. Também o melhor álbum dos Smiths. Recheado de algumas gravações contidas no primeiro álbum da banda, como "Reel around the fountain" ou "What difference does it make" e outras realizadas em sessões com o legendário radialista John Peel, o trabalho traduz tudo o que o grupo soube dar à música Pop e àos fãs: de situações caricatas presentes no cotidiano das relações humanas ("Girl afraid" - espécie de música símbolo da banda, tema por muitos anos do programa juvenil televisivo "Realce"), à conotações homossexuais ("Handsome devil"). De insatisfações político-sociais com o governo de Meg Tatcher ("Still ill"), ao rolo-compressor existencialista "How soon is now", considerada por muitos como a verdade-mor de sua carreira. E como não falar da criatividade musical do fenômeno Johnny Marr ("William it was really nothing"), a guitarra mais original do reino unido nos anos 80? Mas este disco se caracteriza por três canções simples, diretas e algo deprimidas, próprias da personalidade de Morrissey e da sensibilidade de Marr: "Back to the old house", "Please please please let me get what I want" e "This night has opened my eyes". Se só tivessem lançado este álbum, já teriam escrito seu nome na galeria dos grandes do Rock inglês e deixadas registradas as verdades de muitos de nós em pérolas musicais...


GA, 1979 - Guilherme Arantes



                Escrever sobre Guilherme Arantes é uma dívida para mim. Artista hoje reconhecido pela sua obra a qual dispensa comentários na história da moderna MPB, é o artista a que mais shows pude assistir...
Voltando no tempo, como não se maravilhar com sua figura – adolescente que eu era – com as madeixas irrequietas, as caretas, o corpo saltando do piano como um ensandecido. Alguns artistas chamavam a atenção muito pelo visual ou gestual, como ele, Belchior ou – óbvio – Ney Matogrosso...e era muito bom aguardar Guilherme mostrar o sucesso do momento no Globo de Ouro da TV Globo! 
Guilherme Arantes teve esta primeira fase de sua carreira marcada por canções de revolta teenage urbana– nada a se estranhar para um jovem vivendo os loucos anos 70, saído de uma banda progressiva numa cidade como Sampa e seguindo uma carreira contrária ao desejo de seus pais. O ápice desta primeira fase irada e brilhante (que considero entre 1976 a 1980) foi o álbum “Coração Paulista”, de 1980.

Este disco de 1979 pela Warner - e com produção do ex-mutante Liminha - tocou pouco nas rádios. Houve dois compactos distintos lançados como “singles”. Um contendo Estrelas / Biônica (sem foto de capa) e outra com estas duas mais Êxtase e Só o prazer (com a reprodução da foto do LP mesmo). Também teve a posterior reedição mais do que merecida em cd com a inclusão da faixa “Estatísticas” que esteve presente num festival de 1979. 
O álbum abre com a marchinha Loucos e Caretas, num dueto com Emilinha Borba, que, apesar de ser de geração distinta, funciona e muito. Pra cima, com os dois dialogando de forma irreverente, é um bom cartão de visitas trazendo um teclado super alegre. Logo em seguida vem Só o prazer, que penso não ter ficado mais na memória do público por falta de trabalho nas rádios por parte da gravadora ou mesmo pelo refrão lá-lá-lá que pode não ter agradado a alguns. Mas é uma canção pop bem construída e esteve presente em algumas coletâneas de sucessos do compositor. Seguindo temos dois petardos – as baladas Entre eu e você e Hei de aprender. E, creia-me, estão entre as baladas mais lindas de sua carreira com letras maduras com relação à pessoa amada (a primeira) e uma reflexão profunda sobre o ser humano (a segunda, onde solta a voz). Já valem o disco! Fechando o lado A, A cor do cacau traz, como o próprio título já dá a pista, uma harmonia de verão bem praiana, cujo teclado me lembra até um toque de Hawaii. 
O lado B abre com o petardo Êxtase, que até hoje toca nas FMs e é tema de casais apaixonados pelo Brasil afora. A lira de um caboclo é um aparte no disco, apenas cordas e voz, num clima “provençal” onde o autor fala de sua relação com a música. Bom dia retrata em música o que seriam cenas do cotidiano de um sujeito numa grande metrópole...curiosa, prá cima e agitada. A bandinha vem logo em seguida, (será que faz parte das memórias de Guilherme?) com um côro infantil irresistível e que já prenunciava trabalhos dele para o público mirim de grande sucesso como foram “Xixi nas estrelas” e “Lindo balão Azul”. Gostosa de ouvir! Estrelas, a seguinte, traz uma letra apaixonada e um teclado com certa melancolia e me pergunto por que Arantes não explorou mais seu lado baladeiro tão bem quanto neste disco em trabalhos posteriores. Sua performance vocal é marcante nesta faixa. Biônica fecha o álbum num clima de festa, agradável música pop para as rádios, mas que não chegou a figurar entre suas canções mais conhecidas.

Depois do sucesso impactante no MPB Shell de 80 com “Planeta Água”, o single “Deixa chover” (de 1981 e minha música pop preferida de seu repertório) e dois bons álbuns em 82 e 83 , a carreira de Arantes entrou numa divisão inusitada. Ele começou a tocar feito água nas rádios com o álbum “Despertar” (do hit “Cheia de charme” de 1985), manteve o hábito de figurar suas canções entre os temas de novelas ao longo dos anos 80... mas sua música ficou – em minha opinião – mais fria. Digo fria em relação ao uso de sintetizadores e outros bichos em seu som. Ele trocou as letras mais sociais por temas românticos, muitas vezes até sendo tachado de brega por muitos, o que fez com que houvesse uma retração de seu antigo público – como eu. Seu som ficou mais cheio, sem perder a qualidade, porém... Que saudade do pianista solitário a entoar suas angústias! Mas a vida muda, os músicos absorvem as tecnologias, o mercado vai em outra direção e – vale a pena lembrar – todos os medalhões da MPB tiveram uma queda em vendagens e sucesso a partir dos anos que marcaram o rock Brasil como uma nova força em nossa mídia musical.

Guilherme Arantes certamente lançou álbuns de destaque em todas as décadas (o belo “New Classical Piano Solos” de 2000, “Pão” de 1990), etc. que podem não ter a força de seus primeiros trabalhos ou do consagrado “Despertar”, porém, recentemente descoberto por alguns artistas da nova geração, sua herança musical se perpetua. Eu agradeço a Guilherme a quem uma vez gritei “mestre!” em um show no extinto Canecão e fui respondido com uma breve explanação do porquê Arantes gostava tanto de casas intimistas...Então, valeu mestre!


DE Under Review Copy (AGORA COLORA)

 

AGORA COLORA

Grupo formado em Setembro de 1985. Nesse ano apresentaram um espectáculo multimédia, organizado pela Câmara Municipal de Almada, que contou com a participação de António Manuel Ribeiro. No ano de 1986 apresentaram os espectáculos "Coloreto I" e "Coloreto II". No início de 1987, o grupo era formado por João Martins (voz e flauta transversal), Carlos Teixeira (guitarra), Ni (baixo), Paulo Carmona (teclas) e Pinho (bateria). Seis meses depois já tinham dado mais de 43 concertos e assinado contrato de management com "Os Malucos da Pátria". Em 10 de Outubro de 1987 tocaram em Lisboa, num concerto integrado nas Jornadas do Império, com os The Gun Club e Mão Morta. Em 1988 tocam no Rock Rendez Vous onde apresentaram os temas "Deixa Lá", "Mátria", "Labirinto", "Viajante", "Batida de Dança" e "Lisboa Antiga". O grupo foi um dos três finalistas do Concurso de Música Moderna desse ano. No disco "Registos de Música Moderna Portuguesa", editado em 1989 pela Dansa do Som, é incluído o tema "Mátria". Esteve prevista a edição de um CD, através da Heaven Sound, mas tal não se concretizou. [A Magia dos Anos 80] 

CASSETES

Rock Rendez Vous, Lisboa 1988 (5 Temas, 22:24)

COMPILAÇÕES

 
REGISTOS [LP, Dansa do Som, 1989]

 
REGISTOS [CD, Movieplay, 1993]


O álbum de estreia do Black Sabbath, que formatou o heavy metal

 

Nem os membros do Black Sabbath apostavam que seu álbum de estreia seria considerado como o responsável por dar rosto a um estilo. O trabalho, lançado em 1970, formatou os moldes do heavy metal.

Black Sabbath – “Black Sabbath”
Lançado em 13 de fevereiro de 1970

Um álbum de capa nada agradável, gravado em apenas um dia por uma banda chamada Black Sabbath cujos integrantes eram sujeitos peculiares, como um guitarrista sem as pontas dos dedos da mão esquerda, um baterista de pouca instrução no instrumento, um baixista católico cujas letras retratavam o oculto e um vocalista que, de tão confuso, soa único. Daria para apostar que esse disco seria considerado, por tanta gente, como o responsável por dar rosto a um estilo musical como o heavy metal?

A história do Black Sabbath começa em Birmingham, na Inglaterra, no ano de 1968, quando integrantes de duas bandas se juntaram para um novo projeto. O guitarrista Tony Iommi e o baterista Bill Ward faziam parte do Mythology quando decidiram montar um grupo de “heavy blues rock”. Chamaram, então, o vocalista Ozzy Osbourne e o baixista Geezer Butler, que já haviam tocado juntos no Rare Breed, mas foram encontrados de formas diferentes – o cantor, por exemplo, chegou após um anúncio nos classificados locais.

Porém, demorou um tempo até que o Black Sabbath nascesse de verdade. Primeiro, o quarteto formou a Polka Tulk Blues Band, mais focada no blues e com outros dois integrantes: Jimmy Phillips, amigo de infância de Ozzy, na slide guitar, e Alan Clarke no saxofone. Com o tempo, Tony Iommi desconfiou que os dois músicos em questão não estavam querendo se comprometer, então, decidiu acabar com a banda e formar outra, chamada Earth, só para não ter que dispensá-los.

Como Earth, o quarteto chegou a gravar algumas demos até que Tony Iommi decidiu sair da banda para entrar no Jethro Tull. Não durou muito, pois o guitarrista não queria trabalhar com um “chefe”: no caso, o vocalista Ian Anderson. Ele voltou para seu projeto de origem, que precisou mudar de nome após ser descoberto que já existia outro grupo britânico com aquele nome.


O nome Black Sabbath surgiu com inspiração no filme de mesmo título, lançado em 1963 e com direção de Mario Bava. O nome também foi usado para batizar a música “Black Sabbath”, que batizou, ainda, o primeiro álbum da banda, também chamado “Black Sabbath”. O quarteto parecia, mesmo, ter certeza dessa nomeação – embora a faixa em questão tenha sido inspirada, de fato, no trabalho do escritor Dennis Wheatley.

Antes do disco em si, o Black Sabbath lançou, como single, uma versão para a música “Evil Woman”, original do Crow. A faixa até está presente na tracklist do álbum, mas passa longe de ser um dos grandes destaques – a gravadora, Vertigo, fez o grupo gravar a canção porque já era hit nos Estados Unidos.


O maior destaque do álbum de estreia do Black Sabbath é sua abertura: a já mencionada faixa que dá nome ao disco e à banda. Assustadora do início ao fim, a música é construída com base em um riff em trítono – intervalo entre alturas de duas notas que tenha três tons inteiros. O efeito causado é incrivelmente dissonante e, não à toa, fez com que a sequência fosse chamada de “intervalo do diabo”.

A guitarra pesada de Tony Iommi acompanhada pelo baixo de Geezer Butler, a interpretação de Ozzy Osbourne com a bateria de Bill Ward que parece seguir, de forma atormentada, cada palavra… a faixa “Black Sabbath” é a principal responsável por fazer este álbum ser creditado como o pioneiro do heavy metal – pelo menos, da forma que conhecemos o estilo, já que seu desenvolvimento vem da década de 1960, com bandas do porte de Cream, Jimi Hendrix Experience, The Who, Blue Cheer, Coven, Led Zeppelin e por aí vai.

O que diferenciou o Black Sabbath, como um todo, foi a elaboração involuntária de toda uma cultura em torno do heavy metal. Um gênero musical à parte, que funciona de forma independente mesmo com suas raízes no rock, blues e até jazz, era concebido, aqui, de modo mais formatado. E a primeira música desse álbum foi seminal para o restante da história.

A partir da segunda faixa, o álbum de estreia do Black Sabbath deixa as conexões com o blues mais evidentes, mas não abdica de sua impressão digital. “The Wizard”, por exemplo, alia uma melodia conduzida pela malemolência de uma gaita com letras inspiradas em Gandalf, personagem de “O Senhor dos Anéis” e “O Hobbit”. “Behind the Wall of Sleep”, por sua vez, se aproxima do classic/hard rock enquanto a composição lírica é influenciada por “Beyond the Wall of Sleep”, conto de ficção científica de H. P. Lovecraft.


Se a faixa-título é o grande chamariz do álbum, “N.I.B.” é o vice-destaque, por sua essência também assustadora. A letra é composta a partir do ponto de vista de Lúcifer, que se apaixona por uma mulher humana e se torna “uma ‘pessoa’ melhor”. A interpretação monolítica de Ozzy Osbourne se encaixa perfeitamente à composição, enquanto o trio instrumental demonstra grande entrosamento: do riff inicial pesadíssimo de Geezer Butler aos solos caóticos que Tony Iommi resolveu gravar de forma sobreposta, em duas pistas.


A já citada mediana versão para “Evil Woman” antecede outro momento de inovação: “Sleeping Village”, cuja melancolia na introdução acústica logo dá espaço para a pegada “heavy blues rock”. Vale mencionar que Ozzy Osbourne canta apenas no começo. Outro cover completa a tracklist, só que, desta vez, bem escolhido: “Warning”, original do Aynsley Dunbar Retaliation, ganhou nova alma com o Black Sabbath, seja pela interpretação nos primeiros minutos ou pela jam coerentemente confusa a partir da segunda metade.

Fazendo história

Ao concluir a audição do debut do Black Sabbath, fica difícil de acreditar que o quarteto levou apenas 12 horas para gravar todas as músicas. Com exceção dos solos duplos em “N.I.B.” e “Sleeping Village” e os efeitos de sinos e chuva na faixa título, tudo foi gravado ao vivo, com os quatro tocando ao mesmo tempo – Ozzy Osbourne, claro, em uma sala separada, para evitar interferência no microfone principal.

Rodger Bain assinou a produção, mas serviu mais para apertar o botão de gravação do que para qualquer outra coisa. Tony Iommi relata que Bain trabalhou no álbum por escolha da gravadora e os conselhos que ele deu foram pouco aproveitados – até porque, em 12 horas, não daria nem tempo de investir em mudanças.

Ainda bem. Os quatro integrantes do Black Sabbath reconhecem, em depoimentos posteriores, que a falta de tempo e a definição prévia do conceito do álbum ajudaram – e muito – a obter o resultado que segue sendo ouvido, cinco décadas depois, por praticamente todo fã de heavy metal.

O álbum surpreendeu ao obter uma boa performance comercial logo de cara, chegando ao 8° lugar das paradas do Reino Unido e 23° nos Estados Unidos. Curiosamente, a imprensa especializada não gostou e as críticas naqueles tempos não foram nada boas. Tudo bem. Deu tempo de todo mundo reconhecer os erros na avaliação.

O que veio depois é história. Não só em termos da discografia do Black Sabbath, irretocável em seus primeiros 6 álbuns até a situação pessoal dos integrantes, imersos em vícios, sair de controle. O heavy metal, oficialmente, começa aqui.

Black Sabbath – ‘Black Sabbath’ (1970)

Ozzy Osbourne (vocal, gaita)
Tony Iommi (guitarra, violão)
Geezer Butler (baixo)
Bill Ward (bateria)

1. Black Sabbath
2. The Wizard
3. Behind the Wall of Sleep
4. N.I.B.
5. Evil Woman (Crow cover)
6. Sleeping Village
7. Warning (The Aynsley Dunbar Retaliation cover)

D4VD ANUNCIA PRIMEIRO EP “PETALS TO THORNS”

Box Set: Soundgarden – Telephantasm [2010]

 

Dos quatro grupos mais famosos da famosa “Cena Grunge” de Seattle (Washington) e arredores, do começo dos anos 90, o Soundgarden provavelmente foi o mais competente e musicalmente relevante. Alice In Chains e Pearl Jam tiveram, é claro, seus momentos de brilho e influência, mas o quarteto liderado pelo vocalista Chris Cornell tinha um feedback musical mais concreto e pesado. Não entro no mérito da questão do sucesso alcançado pelo Nirvana na mesma época, mas que sua qualidade técnica sempre ficou muito aquém dessas outras bandas, isso é inegável.

Voltando ao Soundgarden, depois do sucesso alcançado principalmente na década de noventa, o grupo (formado em 1984) se dissolveu em 1997, deixando um legado de cinco discos de estúdio. Cornell seguiu uma carreira de relativo sucesso, ora como artista solo, ora como integrante do Audioslave (que além de Cornell contava com a sessão instrumental do Rage Against The Machine), enquanto os outros integrantes do conjunto tocariam carreiras sem muita relevância. Até que, em 2010, foi anunciada a volta da banda, que incluiria o lançamento de um novo álbum de estúdio, um disco ao vivo, e uma coletânea abrangendo toda a carreira do grupo.

Painel_externo_e_interno_do_box

Painel externo (acima) e interno (abaixo) deste Box Set

Telephantasm, a compilação em questão, foi lançada em setembro de 2010, em três versões distintas: Em CD simples, contendo 12 faixas, uma versão “Deluxe”, contendo 2 CDs (24 faixas) e um DVD (20 faixas), e uma poderosa versão “Super Deluxe”, objeto dessa resenha.

A superlativa edição impressiona já na apresentação, mas de duas formas opostas. Explico: A caixa em si é muito bacana, tendo as mesmas medidas de altura e largura, de um LP (12 pol x 12 pol), com aproximadamente 4″ de profundidade, abrindo-se em formato “duplo foldout” (como os vinis quádruplos) de quatro painéis, em cada um dos lados contendo os ítens da caixa. Uma das caixas mais bem pensadas da atualidade. Mas e o outro “extremo”? Bom, não dá pra acreditar que um material desses, que celebra quase trinta anos de uma banda de sucesso tenha uma capa (e material interno) com imagens tão feias! Mesmo que a ideia tenha sido por ilustrações “bizarras”, podiam ter escolhido um pouco melhor… felizmente, esse fato não tira o brilho do material principal aqui contido: a música.

Banda

Soundgarden: Ben Shepherd e Matt Cameron (acima); Chris Cornell e Kim Thayil (abaixo)

Contando com muitas das melhores músicas do grupo, os dois CDs contêm 24 músicas no total, sendo seis delas em versões alternativas, ao vivo, e/ou inéditas. Há ainda, duas músicas inéditas: “Black Rain” que fecha o segundo disco, e “The Telephantasm”, instrumental presente apenas na versão digital (via iTunes) dos dois discos, e em um Single de 7″ limitado, lançado por ocasião do Record Store Day de 2010. No DVD, 20 vídeos (dos quais apenas 7 deles haviam sido disponíveis para venda em algum ponto da carreira do conjunto), abrangendo todo o material de clipes lançados pelo Soundgarden até aqui.

Completam o material três LPs coloridos de 180 gramas contendo o mesmo conteúdo dos CDs, um vinil de 7″ de “Black Rain” (com uma versão ao vivo de “Beyond The Wheel”), pôster, quatro cards com fotos individuais dos integrantes, litografia e um encarte de 20 páginas (no formato de 12″ x 12″), fazendo da versão DELUXE deTelephantasm um material digno da carreira cheia de excelente material do quarteto de Washington. Um excelente material para quem quer conhecer o material do grupo. E obra obrigatória para fãs da melhor banda da famigerada cena “grunge” de Seattle.

Conteudo_Box

Conteúdo do Box

Track list

CD 1

1. All Your Lies (Deep Six Version)

2. Hunted Down

3. Fopp

4. Beyond the Wheel

5. Flower (BBC Session)

6. Hands All Over

7. Big Dump Sex

8. Get On the Shake (Live)

9. Room a Thousand Years Wide (single version)

10. Rusty Cage

11. Outshined

12. Slaves & Bulldozers

CD 2

1. Jesus Christ Pose (Live)

2. Birth Ritual

3. My Wave

4. Superunknown

5. Spoonman

6. Black Hole Sun

7. Fell on Black Days (Video Version)

8. Burden in My Hand

9. Dusty

10. Pretty Noose (Live on SNL)

11. Blow Up the Outside World (MTV Live ‘N’ Loud)

12. Black Rain

13. Telephantasm

SOUNDGARDEN

Soundgarden ao vivo

DVD

1. Flower

2. Hands All Over

3. Loud Love

4. Jesus Christ Pose (Original Version)

5. Outshined

6. Rust Cage

7. My Wave

8. Spoonman

9. The Day I Tried to Live

10. Black Hole Sun

11. Fell on Black Days

12. Pretty Noose (Uncensored)

13. Burden in My Hand

14. Blow Up the Outside World (Uncensored)

Bonus

1. Spoonman (Mash-up Version)

2. The Day I Tried to Live (European Version)

3. Superunknown

4. Pretty Noose (International Version)

5. Pretty Noose (Alternate Ending)

6. Blow Up the Outside World (Censored)


Destaque

Werkbund – Aquis Submersus (1989)

  Country: Germany   Tracklist 1. Beginne Den Tag Mit Sterben 21:12 2. Der Feind Sieht Dein Licht Verdunkeln 27:13   Banda industrial e ex...