Crítica ao disco de Leprous - 'Aphelion' (2021)

 Leprous - 'Aphelion'

(27 agosto 2021, Inside Out Music)

Falar de Leprous é se referir a uma das melhores bandas de Rock Progressivo da atualidade na Noruega, e porque não dizer, em toda a Escandinávia. Eles provaram isso, álbum após álbum, e ' Aphelion ' não está muito atrás.

Este novo trabalho da banda norueguesa é uma espécie de resumo ou compêndio de tudo o que Leprous produziu até aqui . A dramaticidade da voz de Einar Solberg , os arranjos orquestrais, as guitarras mais associadas à parte mais metal, a profundidade dos sintetizadores e as intrincadas melodias e mudanças de tempo e estilos.

Quanto aos arranjos orquestrais, estes são compostos por Raphael Weinroth-Browne no violoncelo e Chris Baum no violino. Enquanto o grupo de conterrâneos do Leprous , Blåsemafian, fornecia metais

' Aphelion ' abre com ' Running Low ', música que foi apresentada como single no dia 25 de junho deste ano, o brilhantismo de Solberg com sua voz é total, há uma combinação de riffs incríveis, uma construção correta da música em uma estrutura que se sustenta a partir dos pequenos contributos que se somam para criar esta composição que soa grandiloquente.

Se a primeira faixa foi poderosa e épica, a segunda, ' Out of Here ' é aquela que oferece um respiro por um momento com a voz e os instrumentos soando bem fracos e introspectivos, até que tudo explode perto do final com uma guitarra que some .

Continuamos no álbum com ' Silhueta ' um tema que se sustenta numa melodia minimalista do sintetizador, onde os restantes elementos da banda acompanham além das cordas de arco e claro a voz.

' All the Moments ' é uma das composições mais interessantes de ' Aphelion '. A música é estruturada entre alguns versos fracos ou mais suaves, à frente de alguns coros espetaculares. Enquanto o interlúdio ou ponte é apenas o piano, violino e voz de Solberg . Esses dois espaços contrastam para criar uma matriz composicional cheia de emoção.

Fechamos o primeiro tempo com ' Você já? '. Uma música quase totalmente próxima da música eletrônica, que se destaca por seus esquemas irregulares, além das contribuições dos instrumentos orquestrais em uma combinação complexa que funciona sem buracos ou buracos, tudo envolto em uma aura sombria.

A segunda parte do álbum inicia-se com ' The Silent Revelation ', uma canção com traços funky identificáveis ​​nas linhas de guitarra, também sustentada e perfeitamente entrelaçada com a bateria que se destaca como em grande parte da placa. Mais uma vez, os arranjos de violino aumentam as reviravoltas dramáticas da composição.

A sétima música, ' The Shadow Side ', toca com as cordas do violino e violoncelo, enquanto a banda constrói tudo para a conclusão que é coroada com um solo de guitarra, dando a este tema um encerramento magnífico. Para alguns, esta faixa pode parecer deslocada dentro do que o Leprous fez ao longo de sua carreira, mas ela nos mostra como a banda norueguesa evoluiu e consolidou sua proposta de atingir um público maior.

Em ' On Hold ', o sintetizador primeiro e os violinos depois, lançam as bases para a explosão da voz de Einar Solberg que demonstra toda a sua força e capacidade. Não só isso, a banda também se junta para os momentos mais sensíveis e acompanha corretamente o caminho que a voz percorre.

A mesma coisa acontece na outra faixa ' Castaway Angels ' mas ao invés de ser dominada pelos sons dos teclados, ela tem um visual diferente que contempla inicialmente o violão e depois toda a banda que exibe toda sua potência em poucos minutos. .

' Nighttime Disguise ' é um quebra-cabeça sonoro com um baixo extremamente presente, a guitarra soltando riffs e notas a cada instante, a bateria batendo como se não houvesse amanhã, presenças de violino e violoncelo, além dos metais. Solberg vai de suas faixas mais baixas às mais altas com exposição espetacular, mesmo com alguns gritos que lembram os primeiros álbuns do Leprous . Um grande fechamento sem dúvida.

' Aphelion ' é a amostra da evolução constante dos Leprous , que nos mostra como passaram do metal progressivo para um progressivo mais adaptado a um público mais alargado. Não só isso, a banda norueguesa é capaz de montar um show de metal soberbo como ' Nighttime Disguise ', para o mais massivo ' Castaway Angels '. A nível estilístico, um está longe do outro, mas têm a marca dos escandinavos: arranjos sinfónicos, pausas ou espaços intermédios onde apenas a voz ou um instrumento acompanha o canto de Solberg que contrasta com as explosões emocionais que dão momentos muito intensos .

Para chegar a esse ponto, o Leprous percorreu um longo caminho onde, conforme um novo álbum era lançado, eles mostravam algo novo e ampliavam seu leque de recursos. Tudo isto para hoje nos dar ' Aphelion ', a obra que resume toda a sonoridade do grupo e que seguramente deverá ser considerada daqui a cerca de 10 ou 20 anos, um dos clássicos noruegueses.

Crítica ao disco de Tillison Reingold Tiranti - 'Allium: Una Storia' (2021)

 Tillison Reingold Tiranti - 'Allium: Una Storia'

(1 septiembre 2021, Reingold Records)

Tillison Reingold Tiranti é o nome do trio formado pelo renomado Andy Tillison (teclados e bateria), seu parceiro do The Tangent , Jonas Reingold (guitarra e baixo) e o vocalista Roberto Tiranti (voz), que integrou grupos como Novos Trolls e Labirinto. Eles são apoiados por Antonio De Sarno compondo as letras e Ray Aichinger no saxofone tenor e soprano.

O álbum de estreia que apresentaram a 1 de setembro de 2021, é um trabalho conceptual lançado pela Reingold Records que se baseia na história pessoal do próprio Andy Tillison , que se lembra de quando era um rapaz de 15 anos que tocava teclado para o primeira vez, uma vez ao vivo com um grupo italiano chamado Allium , um grupo do qual ele nunca mais ouviu falar e não há informações.

Este álbum de Tillison Reingold Tiranti é a resposta para a pergunta: o que teria acontecido se Allium tivesse gravado um álbum? A resposta para isso é a obra ' Allium: Una Storia '.

Com três faixas e um total de 39 minutos e 30 segundos, o álbum é uma homenagem àquelas bandas italianas de rock progressivo que não conseguiram alcançar a glória da fama como outras, mas que deixaram um legado intangível de experiências e músicas que só vem da memória.

O álbum abre com ' Mai Tornare ', uma faixa de 17 minutos onde há muitos arranjos e clichês típicos do Rock Progressivo Italiano, mas tudo bem montado para criar uma peça única que soa totalmente irrepetível. Dentro disso, o teclado de Tillison parece livre, fluido, como um líquido se adaptando ao seu recipiente.

Tiranti parece mais um na equação. E ele consegue a textura certa para enfeitar e fazer sua voz parecer indispensável para o som do álbum. Embora não haja como negar que, se este fosse um álbum instrumental, teria sido tão bom quanto. Por outro lado, o baixo de Reingold é suave e elementar, estando presente e carregando a espinha dorsal das canções em vários momentos. Outro que brilha é Aichinger no sax que dá uma performance colorida e espacial. A composição possui vários momentos que vão de alguns extremamente grandiloquentes a outros descontraídos e mais calmos da instrumentação, isso é complementado pelas vozes cheias de força e nuances de Roberto Tiranti.

Há influências da psicodelia, da música folclórica italiana e do jazz, tudo dentro de uma aura de improvisação. O que é notável nisso tudo é que o álbum, apesar de ter sido gravado durante uma pandemia, parece ter sido feito com todos os integrantes dividindo uma sala, já que é notória a estreita e excelente coordenação que ocorreu entre todos eles.

Ao contrário da primeira música ' Ordine Nuovo ', a segunda faixa tem um estilo mais próximo da cena de Canterbury, mas sem esquecer que este é um álbum que busca homenagear uma banda italiana de Rock Progressivo dos anos 70. Ao contrário da primeira música, ela dura apenas oito minutos que tem um som mais melancólico com uma atmosfera comovente que se combina com interessantes segmentos jazzísticos que lembram as grandes influências deste estilo no rock progressivo italiano.

A terceira e última música, ' Nel Nome Di Dio ', tem um ar funk e está muito mais próxima do rock, mas como todo o álbum não esquece quem está homenageando. Existem arranjos de rock progressivo italiano muito distintos que são executados com maestria por seus músicos, tanto Andy Tillison nos teclados e bateria quanto Jonas Reingold na guitarra e baixo. A faixa tem muitas reviravoltas que vão desde riffs acústicos, um órgão Hammond e uma performance incrível na percussão.

Este álbum, pela sua origem, é um muito bom tributo às bandas italianas de Rock Progressivo com um álbum dinâmico e atrativo que vai conquistar qualquer fã que goste de RPI. ' Allium: Una Storia ' é um álbum completo que não manca em nenhum ponto, se sustenta bem sozinho, mesmo que não tivesse um background tão mítico, seu som por si só já nos convida a redescobrir o Progressivo Italiano Rock porque tem atuações maravilhosas e excelentes.

Stone Harbour - Emerge (Heavy Psychedelia US 1974)

 

Tamanho: 96 MB

Taxa de bits: 256

mp3

Rasgado por: ChrisGoesRock

Arte Incluída

"'Emerge' lentamente do lodo primordial do universo. 'Emerge' como um espectro lento e desleixado que se arrasta para fora dos pântanos. Mas então o que um menino pode fazer?

É 1974, você é jovem e tem a cabeça cheia de Hawkwind e Roky and the Elevators, velho blues brutalista no modo Hound Dog Taylor / Fred McDowell sertão fodido com uísque, freakfolk e LSD; você está preso em Hicksville, EUA - isso é Youngstown, Ohio para vocês; a cena musical é uma merda; o glamour está morto ou morrendo lentamente; punk um bom ano antes mesmo de começar a nascer. A cidade é muito pequena até mesmo para reunir uma banda. É só e seu amigo e é isso, cara.

Então você deixa o cabelo crescer e usa cetim, vagueia de olhos arregalados e tropeça nos trilhos da ferrovia de uma pequena cidade e fica solto no fim de semana em seu porão. Você reúne um monte de instrumentos baratos no nunca-nunca e começa a gravar demos de quarto de baixa fidelidade. Lentamente, lentamente, Stone Harbor emerge.

Stone Harbor foram Ric Ballas - guitarras elétricas, acústicas e slide; órgão; piano; sintetizadores; baixo, percussão e voz - e Dave McCarty - voz principal, bateria e percussão... e do nada e do nada, na hora errada, eles gravam um LP que vai explodir sua cabeça. Esta é uma viagem ao verdadeiro coração sombrio da psicodelia.

A música? O que posso dizer? 'Você será uma estrela' brilha e dói na meia-noite; os pratos lavam você, os vocais de Dave McCarty emergem de alguma caverna subterrânea e os teclados piscam, piscam, piscam na periferia da música; 'Rock & Roll Puzzle' é uma brutalidade dark, twisted garage punk blues no mesmo molde de 'White Faces' ou 'Cold Night for Alligators', antecipando The Gories e Pussy Galore por uns bons dez anos!!

"Quem inventou o rock & roll? E quem inventou o soul? Foi você ou fui eu?" De fato. As músicas aparecem e desaparecem; borrões de escolha de dedo em sintetizadores barulhentos; guitarras derretem no calor do meio do verão. 'Grains of Sand' falha como The Stooges através de um amplificador fodido e filtrado por um rádio transistor com as válvulas queimando.

'Thanitos' é o final alucinante de 'Julia's Dream' perdido no subúrbio do centro dos Estados Unidos de A com as luzes traseiras cortando na rodovia.. . enquanto 'Summer Magic is Gone' é a música mais assombrada e assustadora que já ouvi em muitas luas longas e estranhas. Brilha como estrelas na fumaça e neblina das 2 da manhã e sangra perdido e solitário e machucado no amanhecer distorcido pelo calor. Você ainda está acordado, embora o cérebro não funcione como antes. Borrado e turvo e alegre e apedrejado até o âmago da alma. Melhor disco que ouvi durante todo o ano."

"O que um garoto pode fazer? É 1974, você é jovem e tem a cabeça cheia de Hawkwind e Roky and the Elevators, e velho blues brutalista no modo Hound Dog Taylor/Fred McDowell sertão fodido com uísque; você está preso em Hicksville, EUA; a cena musical é uma merda: o glam está morto ou morrendo lentamente; o punk está a um bom ano ou mais de começar a nascer. A cidade é muito pequena para reunir uma banda. É só você e seu amigo e é isso , cara. Então você deixa o cabelo crescer e usa cetim, vagueia de olhos arregalados e tropeçando em trilhos de trem de cidade pequena e fica solto no fim de semana em seu porão. Você junta um monte de instrumentos baratos no nunca-nunca e começa a cortar demonstrações de quarto de baixa fidelidade. 

Stone Harbor eram Ric Ballas e Dave McCarty, e do nada e do nada, na hora totalmente errada, eles gravaram um LP que vai explodir sua cabeça. Esta é uma viagem ao verdadeiro coração sombrio da psicodelia! A música? 'You'll Be A Star' brilha e dói na meia-noite; os pratos lavam você, os vocais de Dave McCarty emergem de alguma caverna subterrânea, enquanto os teclados piscam, piscam, piscam na periferia da música; 'Rock & Roll Puzzle' é uma brutalidade de punk blues de garagem torcido e sombrio, antecipando-se a The Gories e Pussy Galore por uns bons dez anos! As músicas aparecem e desaparecem; borrões de escolha de dedo em sintetizadores esmagadores; guitarras derretem no calor do meio do verão. 'Grains of Sand' falha como The Stooges através de um amplificador fodido e filtrado através de um rádio transistor com as válvulas queimando, 

Brilha como estrelas no nevoeiro e neblina das 2 da manhã, e sangra perdido e solitário e machucado no amanhecer distorcido pelo calor. Você ainda está acordado, embora o cérebro não funcione como antes. Desfocado e turvo e alegre e apedrejado até o âmago de sua alma." O livreto inclui letras e notas; o disco tem um punhado de faixas inéditas das sessões de 1975 como faixas bônus." 

01. You'll Be a Star - 4.34

02. Rock & Roll Puzzle - 3.16

03. Grains of Sand - 5.14

04. Summer Magic Is Gone - 3.15

05. Stone's Throw - 1.25

06. Thanitos - 1.48

07. Still Like That Rock & Roll - 3.57

08. Ride - 3.27

09. Dying to Love You - 3.24

10. Workin' for the Queen - 3.07

11. Taurus [Bonus] - 4.15

12. Wonderland [Bonus] - 3.58

13. Witch to You [Bonus] - 4.37

14. Battleaxe [Bonus] - 3.17

15. Untitled [Bonus] - 1.00

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Temple Fang - Live at Merleyn (Psychelic Rock 2020)

 

Temple Fang é uma jam band de Amsterdã, Holanda.

O que é bom vem rápido. Tome Temple Fang, por exemplo. O grupo já pôde ser admirado em Roadburn, Paaspop, Fortarock, Into The Void, Desertfest, Sonic Whip e recentemente no Sniester em Haia. Em nenhum momento a banda atraiu um grande número de seguidores da vida real. 

E com razão, porque tanto no disco quanto ao vivo esse quarteto barbudo encanta e hipnotiza os fãs de Kyuss, The Grateful Dead e Motorpsycho. Como? Com longas canções de rock progressivo progressivo que fazem o cabelo comprido esvoaçar e as calças esvoaçantes. Entre na espaçonave chamada Temple Fang para uma viagem eterna de acid rock pelo universo. Viagens seguras.

Após o fim do Death Alley, o vocalista/baixista Dennis Duijnhouwer começou a tocar com Jevin de Groot, que também fez parte do Death Alley por um tempo, assim como anteriormente Mühr. Dennis conhecia Ivy van der Veer, um cara muito mais jovem, como filho de um músico que ele conhecia e ouviu algumas demos promissoras dele. 

Na primeira vez que os três tocaram, depois do receio inicial de ter dois guitarristas canhotos na banda, ficou claro que havia uma conexão musical. Eles ensaiaram no Vondelbunker em Amsterdã quando outras bandas não puderam e aproveitaram a oportunidade para tocar com um novo baterista toda vez para encontrar o certo para eles. Depois de um tempo, Ivy indicou o melhor baterista que ele conhecia, Jasper van den Broeke. 

Eles o convidaram para tocar e inicialmente ele disse não, pois com duas outras bandas e uma família, sem mencionar a reputação do Death Alley, ele sentiu que seu tempo estava esgotado. Mas em algum momento ele foi persuadido e depois do primeiro presunto juntos ficou claro que não era uma oportunidade para perder.

Eles fizeram seu primeiro show, em abril de 2018, em Little Devil, Tilburg, Holanda. Isso resultou em uma vaga de suporte para os dois shows holandeses do Coven no final daquele ano. 2019 trouxe uma apresentação de prestígio no Roadburn Presents 2019 e, em seguida, o interesse da gravadora se intensificou.

A banda não se sentiu pronta para essa pressão e decidiu esperar naquele momento. Mas a pressão dos fãs aumentou e devido aos esforços dos membros da equipe Awkward Steve e Niek Manders, vários shows foram gravados em segredo para formar a base de um disco. Isso não se concretizou imediatamente, mas mais tarde seria a base do álbum Fang Temple de 2022. Sentindo a inevitabilidade de precisar de um álbum em seu estande comercial, eles decidiram lançar um show em um álbum auto-lançado, Live At Merleyn.

Em 28 de junho, eles anunciaram seu próprio festival, Right on Mountain, a ser realizado em 9 de outubro de 2022 em Doornroosje, Nijmegen, Holanda.

01. Gemini-Silky Servants  20.12

02. Not The Skull  19.46

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Moron Police – “A Boat on the Sea”

 

Quando Roie Avin da Royal Avenue Media (e InsideOut e Prog Report) me enviou “A Boat on the Sea” da Moron Police, não fiquei impressionado. Eu ouvi e pensei que era apenas mediano. Eu arquivei e não revisei. Eu tenho o hábito de revisitar álbuns como esse, caso eu tenha perdido algo da primeira vez. Eu definitivamente perdi MUITO na primeira vez.

Em primeiro lugar, não se deixe enganar pelo nome. Sim, Moron Police é um nome engraçado e eles têm um humor irônico em algumas de suas letras, mas são tudo menos uma banda de comédia. A banda mescla um toque muito técnico que pode ser MUITO progressivo com melodias e refrões incrivelmente cativantes. “A Boat on the Sea” começa com a curta abertura “Hocus Pocus”, que NÃO é a música do Focus. A música é ótima, mas acabou rápido demais. Parece meia música, então eu gostaria que eles tivessem desenvolvido mais.

As coisas realmente acontecem depois disso com 3 faixas excepcionais que culminam com uma das minhas faixas favoritas “Beware the Blue Skies”. A banda tem um som brilhante, então a dicotomia dentro das letras realmente funciona. Depois é o que eu diria que é a faixa mais fraca “The Dog Song”. Tem letras engraçadas e inteligentes, mas a música soa um pouco como Rusted Root ou algo assim. Matt (Restless Amoeba) mencionou que Moron Police soa como OAR e acho que é uma boa comparação do ponto de vista da melodia.

As últimas três músicas de “A Boat on the Sea” são minhas favoritas. “Captain Awkward” funde uma parte técnica muito estranha com um grande som AOR e de alguma forma realmente funciona. “The Undersea” é uma música que deveria estar nas rádios em algum lugar e a mais próxima “Isn't It Easy” é minha faixa favorita. HOLY SHIT essa música é incrível! Tem uma execução doentia e um refrão que está na minha cabeça enquanto digito esta crítica.

O álbum é um pouco curto demais, com 33 minutos. Poderia usar outra música ou duas (junto com a expansão da faixa de abertura). Mas é difícil usar isso contra o Moron Police quando você considera o quão bom este álbum é de outra forma. Estou muito feliz por ter voltado e ouvido novamente este álbum! É uma pena que esperei até o fim de 2019 porque isso teria entrado no meu top 20 de 2019. Não durma com esse álbum como eu fiz!

Avaliação: 9,5/10

Bandcamp: moronpolice1.bandcamp.com
Site: www.moronpolice.com