“Sentado em um banco de parque…”
É uma das linhas de abertura icônicas da música rock, contra um de seus riffs mais característicos, a introdução do ouvinte ao mundo de Aqualung de Jethro Tull , lançado no Reino Unido em 19 de março de 1971 (e 3 de maio nos EUA).
Em Aqualung , Jethro Tull demonstrou toda a gama de seus talentos, infundindo canções com hard rock, elementos clássicos e progressivos. Seja em breves cantigas ou épicos de várias partes, o cantor/compositor/flautista Ian Anderson e a banda nos apresentam párias, pecadores e aqueles que foram deixados para trás, ao mesmo tempo em que fazem uma dura crítica contra as construções sociais. É um álbum ambicioso, que permanece relevante, atemporal e infinitamente acessível. No mundo do rock progressivo, isso não é tarefa fácil.
A banda Jethro Tull, de Blackpool, fez seu nome principalmente com estilos de blues-rock em This Was (1968), Stand Up (1969) e Benefit (1970). Mas quando o trabalho em Aqualung começasse , eles estariam revitalizados: mais pesados, mais insistentes e ainda mais atraentes.
Jethro Tull, início de 1971
Aqualung apresenta Anderson em sua distinta flauta, violão e vocais; Martin Barre na guitarra elétrica; e Clive Bunker na bateria e percussão para o que seria seu último álbum com a banda. Completando a formação estavam os novos recrutas John Evan nos teclados e Jeffrey Hammond, que aprendeu a tocar baixo enquanto se juntava à banda no final de 1970. Eles se estabeleceram no Island Studios em Basing Street, Londres, para gravar um álbum com um tema.
Como Anderson lembrou, a banda era essencialmente cobaia no novo espaço, trabalhando com equipamentos novos nos quais ninguém parecia ter sido treinado. Como se viu, o Led Zeppelin reservou o espaço menor e menos animado no complexo de estúdios. para fazer Led Zeppelin IV então Jethro Tull ficou com uma igreja convertida cavernosa mais adequada para gravações orquestrais, dando ao álbum uma impressão digital sonora distinta. Embora a criação do álbum possa não ter sido fácil, a facilidade da musicalidade de Jethro Tull e o excelente material brilharam neste álbum marcante.
O lado um explora o papel dos desajustados e os sistemas que os deixam de lado. Ele abre com o último conto do vagabundo: “Aqualung”. Aqui, temos vislumbres de um vagabundo desagradável e desgrenhado, gorduroso, indesejado, lançando olhares para as garotas, tudo contra algumas das melhores rochas que Tull já fez. Mas o clima muda na seção B, onde Anderson aproveita o momento para introduzir um elemento patético: “Aqualung, meu amigo, não comece inquieto”, orienta o narrador. “Seu pobre coitado, você vê que sou só eu.”
O contraste entre o comportamento socialmente inaceitável do vagabundo e as descrições de sua condição - sua "perna doendo muito quando ele se abaixa para pegar uma ponta de cachorro" e sua dependência do Exército de Salvação para conforto - é espelhado pela complexidade musical. Os vocais de Anderson são ao mesmo tempo terríveis e uivantes, depois delicados e suaves. Enquanto isso, a banda canaliza rock pesado, com Barre entregando riffs e solos marcantes. Eles apontam para suas raízes do blues, depois alternam para a intimidade folclórica. Isso sem falar no forte contraste entre a instrumentação de rock pesado e a flauta de Anderson. Como abertura, é uma introdução ao Jethro Tull revitalizado, às suas canções baseadas em histórias e aos temas que continuariam ao longo do álbum. Isso fica evidente na história de outro desajustado ambientada no hard rock, “Cross-Eyed Mary,
O meio do primeiro lado apresenta um som mais despojado, influenciado pelos gostos do folk escocês e dos estilos de cantores e compositores. “Tínhamos alguns bons modelos como compositores ao nosso redor”, lembrou Anderson em 2011. De Simon e Garfunkel e Bob Dylan ao violonista Bert Jansch e “o extravagante e levemente filosófico Roy Harper”, Anderson estava interessado em “uma espécie de pureza e uma simples clareza de abordagem”.
Assista Tull tocar “Cross-Eyed Mary” ao vivo no Capital Center, Landover, MD, 21 de novembro de 1977
A breve “Cheap Day Return”, com pouco mais de um minuto, mostra figuras de guitarra semelhantes a Jansch, junto com orquestrações complementares de Dee Palmer. “[É] cerca de um dia em que fui visitar meu pai no hospital em Blackpool”, disse Anderson em 1971. “Peguei um trem às nove, passei quatro horas viajando, quatro horas com meu pai e quatro horas para voltar . Era uma música longa, principalmente sobre a viagem de trem, mas a parte do disco é sobre visitar meu pai. É uma música verdadeira.” A cadenciada "Mother Goose", com influência escocesa, com suas linhas de flauta doce em camadas e compassos alternados, é puro surrealismo. Senhoras barbadas, criadores de galinhas, elefantes em Piccadilly Circus e espantalhos roubando bonecos de neve, todos aparecem neste alegre conto de inspiração medieval.
É seguida por talvez a música mais pessoal do álbum, uma balada de amor chamada "Wond'ring Aloud". “Somos nossos próprios salvadores quando começamos nossos corações batendo um no outro”, canta Anderson contra seu dedilhado acústico, pontuado por ondas orquestrais e a ocasional linha de piano entrelaçada. A música foi originalmente gravada como um épico de sete minutos, e as sobras podem ser ouvidas em "Wond'ring Again" no álbum de compilação de 1972 Living in the Past . Uma versão alternativa completa da suíte apareceu como "Wond'ring Aloud, Again" em uma reedição expandida de 2011 de Aqualung . Você pode ouvi-lo abaixo.
Ouça “Wond'ring Aloud, Again” (Versão Full Morgan) (Steven Wilson Stereo Remix)
O lado fecha com "Up To Me". É um queimador de blues-rock pesado com riffs, apresentando solos sinuosos de guitarra elétrica contra o violão suave de Anderson e linhas sinuosas de flauta, um contraste perfeito com as músicas mais alegres que o precedem e uma cartilha para o material mais pesado que está por vir.
O lado dois é centrado no tema “My God”, que também é o nome da primeira música do lado. É um número de rock dramático e de construção lenta criticando a religião organizada, completo com um interlúdio de coral. “É um lamento por Deus”, disse Anderson em uma entrevista em fevereiro de 1971. “Realmente, dentro de mim, estou me referindo ao tipo de ideias de Deus e religião com as quais fui criado. No contexto em que eu o conhecia, Deus é uma coisa altamente pessoal, um sentimento de retidão e bondade”.
Esta foi uma jogada ousada para uma banda britânica em 1971. Anderson sabia que provavelmente ofenderia com versos como: “Então, apoie-se nele gentilmente/e não chame-o para salvá-lo/de suas graças sociais/e dos pecados que você costumava renunciar”, para não mencionar “E a maldita igreja da Inglaterra/nas cadeias da história/solicita sua presença terrena/no vicariato para um chá”. Mas Anderson também enfatizou que sua preocupação não era com Deus ou a espiritualidade, mas com os sistemas de autoridade que usaram o relacionamento com um deus “como desculpa” para comportamento desumano. “Eu não gostaria de afastar as pessoas de Deus”, disse ele à Disc & Music Echo antes do lançamento do álbum. “Na verdade, não acho que você possa se afastar mais de Deus do que estamos hoje.”
Ouça “My God” ao vivo no Palais des Sports, Paris, 5 de julho de 1975
Ele continua a explorar o tema com “Hymn 43”, um número motivador e tingido de evangelho que pede perdão a Deus pelo que o homem fez a Ele. “Se Jesus salva, bem, é melhor Ele salvar a Si mesmo”, uiva Anderson sobre os licks de Barre e o piano frenético de John Evan, “dos sangrentos caçadores de glória que usam Seu nome na morte!”
Então, em “Locomotive Breath”, Anderson faz um balanço de um tipo diferente de destruição iminente. Tematicamente, a música lida com o pavor da sobrevivência em um mundo que saiu dos trilhos devido à ganância e à corrupção, personificada como um trem desgovernado. Em 1971, Anderson pôde ver os efeitos do avanço tecnológico, dos sistemas sociais e de um mundo em crescimento superando a si mesmo, declarando em seu refrão que “não havia como desacelerar”.
“Ainda estamos lá”, disse ele a um repórter em 2011. “Estamos tornando um habitat muito mais difícil em termos de comida, água e qualidade do ar que respiramos, pois as pessoas continuam a obter recursos sem um prazo mais longo. plano." Esse perigo é representado musicalmente pelas construções dramáticas da música. Começa com uma introdução de piano declarativa, antes de fazer a transição para um vamp de blues, depois para aquele riff distinto de tom menor que carrega o canto frenético e uivante de Anderson. A banda está presa, com um ritmo metronômico intenso, mas parece que pode sair dos trilhos a qualquer momento. Mas, como muitas outras músicas do álbum, ela desaparece, deixando você se perguntando se a intensidade já transbordou.
Ian Anderson
A faixa final, “Wind Up”, é a culminação de todas as ideias que percorreram o álbum até agora, mas mais diretamente uma condenação da religião organizada como uma farsa e sua influência na juventude. Como Anderson relembrou em uma entrevista em fevereiro de 1971: “[Meus pais] me mandaram para a escola dominical quando eu era jovem, mas me rebelei após a primeira visita e nunca fui forçado a voltar. Mas acho que meus pais são a exceção, e hoje há tanta religião imposta às crianças simplesmente em virtude da raça ou credo de seus pais - e isso em si é inerentemente errado. Aqui, ele descreve a religião como uma ação feita para apagar os pecados, algo que se torna um ritual performático, mas nunca é verdadeiramente adotado como um caminho para a iluminação. “Para mim, a religião é algo que você cresce para encontrar do seu próprio jeito”, disse ele à NME .em março de 1971. “Tenho certeza de que muitas outras pessoas acreditam em Deus como eu, que a fé é uma forma de bondade em torno da qual você relaciona sua vida”.
Assista “Wind Up” ao vivo no Capital Center, Landover, MD, 21 de novembro de 1977
Essas declarações chamaram a atenção daqueles que sentiam que o rock já era uma forma ímpia e uma má influência para a juventude. Mas Anderson se defendeu, dizendo: “Sou basicamente uma pessoa religiosa - acredito no conceito de Deus para o indivíduo e a maioria das canções do álbum [são] pró-Deus. Não há realmente nenhuma música anti-Deus no álbum.”
No final das contas, Aqualung provou ser um sucesso, com a imprensa do rock anunciando o álbum por sua variedade, seriedade e musicalidade incomparável. "Hymn 43" foi selecionado como single, mas apenas alcançou o Top 100 da parada de singles. O álbum, no entanto, foi um sucesso mundial, alcançando o top 5 em oito países, alcançando a 7ª posição nos Estados Unidos e a 4ª posição no Reino Unido. Desde seu lançamento, o álbum vendeu mais de sete milhões de cópias e suas músicas se tornaram FM. grampos de rádio.
A aclamação trouxe à banda seu primeiro gostinho real do estrelato e a lançou em sua próxima fase como gigantes do rock progressivo. Mas Anderson está convencido de que, apesar de seu status, Aqualung não é seu álbum conceitual usual. Pode parecer contra-intuitivo, especialmente porque a banda passou a fazer alguns dos exemplos mais aclamados do gênero, mas está claro por que Anderson se sente assim sobre Aqualung . O álbum conceitual canônico inclui uma história abrangente para atrair o ouvinte. Muitas vezes, o conceito atola a qualidade da música à medida que mais e mais subtramas surgem, temas musicais e variações são executados e o público em geral perde o interesse. Não é assim com Aqualung. Claro, existem histórias e personagens, e tópicos temáticos são tecidos por toda parte, mas as músicas também existem perfeitamente por conta própria, sem um enredo abrangente.
Em uma entrevista de 2016, perguntaram a Anderson por que ele estava ansioso para escrever o que chamou de “emoções de adolescente”. Ele respondeu: “Eu estava preocupado em crescer com eles”. No entanto, 50 anos depois, ele ainda acredita nas mensagens por trás do Aqualung . “Não é nostalgia para mim… Ainda parece importante.” Esses temas universais e até proféticos de segurança, perda, espiritualidade e lutas com autoridade não apenas ressoam com o vocalista, mas também com fãs e recém-chegados - mesmo todos esses anos depois. De fato, em Aqualung , Anderson, Barre, Bunker, Hammond e Evan conseguiram aproveitar a ocasião para criar um verdadeiro clássico - um álbum que desafiou as convenções e ajudou a estabelecer o rock como uma forma de arte - álbum conceitual ou não.
Assista Jethro Tull tocar “Aqualung” ao vivo no Rockpop In Concert em 1982
