terça-feira, 9 de maio de 2023

Classificação de todos os álbuns de estúdio dos Foreigner

 Estrangeiro

O estrangeiro é um nome notável no rock and roll. Para quem está curioso, é uma banda de rock anglo-americana que começou em 1976. Em pouco tempo, o Foreigner conseguiu lançar seu primeiro álbum de estúdio, que foi o primeiro de quatro álbuns de estúdio consecutivos a ganhar multi-platina. Algo que diz muito sobre a recepção positiva da banda de rock. Desde então, o Foreigner desapareceu de sua posição anterior de destaque. No entanto, não há dúvida de que continua sendo uma das bandas de rock mais vendidas de todos os tempos, visto que conseguiu vender mais de 80 milhões de discos ao longo de sua existência.

9. Unusual Heat


 

As pessoas estarão mais familiarizadas com Unusual Heat porque foi o único álbum de estúdio do Foreigner que teve Johnny Edwards como vocalista. Edwards era um cantor experiente, como mostra como ele conseguiu um contrato com uma gravadora trabalhando em sua própria banda. No entanto, ele foi contratado porque era alguém de quem a maioria dos fãs estrangeiros não tinha ouvido falar, o que significa que ele não traria nenhuma bagagem própria. De qualquer forma, o time-up provou ser um fracasso.

8. Inside Information

 

Falando nisso, Inside Information é o sexto álbum de estúdio do Foreigner, lançado em 1987. Vendeu bem o suficiente para ganhar disco de platina nos Estados Unidos. No entanto, Inside Information deixou a influência da banda muito clara por causa da grande queda nas vendas. Além disso, tende a ser mais conhecido porque foi o último álbum de estúdio feito pelo grupo principal de membros da banda do Foreigner na década de 1980.

7. Can’t Slow Down

 

O drama envolvendo o vocalista do Foreigner não terminou com Unusual Heat. Isso ocorre porque a saída de Johnny Edwards foi seguida pelo retorno de Lou Gramm. No entanto, o retorno de Gramm não foi permanente porque ele deixou a banda pela segunda vez em 2003, resultando em sua substituição por Kelly Hansen em 2005. Até agora, a banda lançou um único álbum de estúdio Can't Slow Down com Hansen como vocalista. Não é ruim, mas, bem, basta dizer que é mais notável por ser certificado ouro na Europa.

6. Mr. Moonligh



As chances são muito boas de que Mr. Moonlight será o último álbum de estúdio do Foreigner com Lou Gramm como vocalista. Afinal, foi gravado durante sua segunda passagem pela banda, o que significa que deveria ser uma espécie de retorno para a banda como um todo. Mr. Moonlight mostrou alguma promessa criativa. Infelizmente, foi confiado a uma marca independente nos Estados Unidos, que talvez sem surpresa, tinha menos recursos do que suas contrapartes maiores e mais bem estabelecidas. Algo que desempenhou um papel notável no mau desempenho do álbum, que condenou as chances da banda de fazer um retorno de sucesso.

5. Agent Provocateur



Muitas pessoas acreditam que o Estrangeiro atingiu o pico com 4. Como tal, não deveria ser surpresa saber que o agente seguinte do Provocateur não se saiu tão bem quanto seus predecessores. Apesar disso, muita gente vai se lembrar do quinto álbum de estúdio do Foreigner porque continha “I Want to Know What Love Is”, que tem o diferencial de ser a música mais popular da banda já lançada. Infelizmente, as outras canções foram menos memoráveis.

4. Head Games



Indivíduos interessados ​​podem estar familiarizados com o fato de que o Foreigner lançou um álbum por ano para seus três primeiros álbuns de estúdio. Uma programação que cobrou muito de muitas bandas naquela época. A qualidade do Head Games sofreu com isso, o que significa que não é capaz de competir com o melhor dos melhores do Foreigner. Ainda assim, saiu quando a banda estava bombando, então isso também precisa ser levado em consideração.

3. Double Vision

 

O Foreigner definitivamente não foi uma das bandas que caiu na crise do segundo ano. Isso porque o segundo álbum de estúdio da banda foi Double Vision, que se saiu muito bem para dizer o mínimo. Como prova, basta olhar para o fato de que o álbum foi sete vezes platina nos Estados Unidos. Como tal, a Double Vision é muito competitiva com seu antecessor imediato, o Estrangeiro. Na verdade, há quem argumente que é o melhor álbum porque o aumento da experiência da banda permitiu que ela se concentrasse em seus melhores elementos.

2. Foreigner


Claro, o primeiro álbum de estúdio do Foreigner seria seu álbum autointitulado. Vendeu muito bem. Como tal, não é exagero dizer que o referido álbum fez muito para abrir caminho para novos sucessos da banda. No entanto, o tempo de sua criação é muito claro. Simplificando, se alguém valoriza a excelência sobre a influência ao avaliar essas coisas, não é razoável dizer que o Estrangeiro é derrotado por seu sucessor imediato, Visão Dupla. Isso porque, embora seja muito bom, não deixa de ser o produto de uma banda relativamente nova, com relativamente pouca experiência na época.

1. 4


Head Games não se saiu tão bem quanto seus dois predecessores. Como tal, Foreigner demorou um pouco mais para fazer 4, que é assim chamado tanto por ser o quarto álbum da banda quanto por ter sido feito quando a banda tinha quatro integrantes. Esta provou ser uma decisão sábia porque 4 é o melhor álbum do Foreigner, tocando com os pontos fortes da banda ao mesmo tempo em que melhora o que veio antes, incorporando novas influências . O álbum foi a banda trabalhando no seu melhor. Algo que o Foreigner nunca foi capaz de duplicar desde então com qualquer uma de suas várias formações.


CRONICA - BRAINTICKET | Cottonwoodhill (1971)

 

Sediado na Suíça, este combo foi fundado pelo organista/flautista Joel Vandroogenbroeck, um belga que estudou piano e que aos quinze anos recebeu o prémio Art Tatum como “jovem pianista de jazz”. Rapidamente, saiu em digressão pela Europa e África com, entre outros, a Orquestra Quincy Jones.

Atraído por novos sons do krautrock, inspirados em Can, Amon Düül e Tangerine Dream, nosso amigo belga recrutou o guitarrista Ron Bryer e o percussionista Wolfgang Paap no início dos anos 1970. O trio se autodenominava Brainticket, completando a formação com Werner Frohlich no baixo, Hellmuth Kolbe nos efeitos sonoros, Cosimo Lamps na bateria e o cantor Dawn Muir.

Em nome da gravadora Bellaphon, em 1971 toda essa gente bonita se encontrou em estúdio e produziu um primeiro LP chamado Cottonwoodhill , um disco experimental do qual foi difícil voltar.

Este LP no entanto começa de forma tranquila com este órgão cavernoso, esta guitarra ácida e esta voz fornecida por Vandroogenbroeck através de um vocoder em “Black Sand”. A suíte “Places Of Light” com seu som groovy, parece mais tranquila com essa flauta e as narrações sensuais de Dawn Muir também no vocoder. Resumindo, nada muito ameaçador.

Mas é com a faixa “Brainticket” em duas partes que as coisas dão errado.

Crashhh!!! Começa de forma estilhaçante: janelas quebradas e uma ambulância em plena loucura. Vai sangrar! Chega o órgão com o seu som saturado que hendrixiza, repetindo incansavelmente o mesmo motivo. Entre efeitos sonoros industriais e uma Dawn Muir em pleno transe orgásmico, Ron Bryer tenta impor um ritmo funk. Aqui estamos imersos em uma viagem tecnóide e ácida para nos tornar esquizofrênicos a ponto de bater com a testa na parede. Estamos à beira da exaustão, é limítrofe!!!

Uma aparência de calma aparece na segunda parte, quando uma máquina repete a palavra “brainticket”. Mas tudo termina em uma cacofonia delirante.

Observe que dentro da capa estão escritos conselhos e outros avisos, como "Se você ouvir este disco pela primeira vez, seus amigos não o reconhecerão mais", "Se você ouvir este disco uma vez por dia, seu cérebro será destruído". Além disso, pode-se ler também LSD, Haxixe, Joint… Resultado das corridas: Cottonwoodhill criou uma grande polêmica e foi banido em alguns países inclusive nos EUA. Ao nos esforçarmos demais para procurar problemas, acabamos encontrando-os.

Convido você a obter a reedição do CD pela Purple Pyramid porque originalmente "Brainticket Parte 1" estava em duas etapas: "Brainticket Parte 1" no lado A e "Conclusão da Parte 1 do Brainticket" no lado B. Hoje, graças à Purple Pyramid, este título é uma pedaço. Um conselho após uma primeira audição no dia 18.

Títulos:
1. Black Sand
2. Places Of Light
3. Brainticket (Part One)       
4. Brainticket (Part One Conclusion)
5. Brainticket (Part Two)

Músicos:
Hellmuth Kolbe: Eletrônica
Werni Fröhlich: Baixo
Cosimo Lampis: Bateria
Ron Bryer: Guitarra
Joel Vandroogenbroeck: Órgão, Flauta
Wolfgang Paap: Tabla
Dawn Muir: Vocais

Produção: Bischof, Kolbe





Crítica: «The Embryo» de Deep Limbic System, um prog EP com atmosferas carregadas de emoção e expressividade da cidade, Juárez


Deep Limbic System é um projeto musical que tem origem em duas cidades irmãs: Ciudad Juárez, Chihuahua no México e El Paso, Texas nos EUA. Foi fundado em 2012 por Sergio Sunga e Efraín Faire, que se juntaram a Antonio Alva, José Armengol e Carlos Bárcenas para reunir uma fusão de influências que vão desde o rock, metal, jazz e até música latina. 

É em 2014 que a banda (agora com a inclusão de Ángel Daniel) lança oficialmente seu EP de estreia intitulado The Embryo, um trabalho bem recebido pela crítica europeia e americana que gerou tamanho impacto que os faria assinar com a gravadora mexicana. .especializada em música experimental e progressiva Azafrán Media. 

Vale ressaltar que o nome do grupo é inspirado no sistema límbico profundo, uma das partes do cérebro responsáveis ​​pela criação e gestão das emoções no ser humano. 


Como essa característica da função cerebral poderia ser transferida para a música?

Amniotic tem um início elegante em que o saxofone tocado pelo maestro Beto Valtierra constrói uma atmosfera taciturna e sóbria na companhia de violão e piano. É uma peça introdutória que cumpre abrindo com maestria o que será uma bela experiência auditiva. 

Dysania continua a inércia da elegância com notas de piano de onde emerge a distorção das guitarras e se apresenta a sutil e leve execução vocal. A sincronia entre as melodias de voz e violão dão um toque lindo ao conjunto; e é justamente a guitarra que brilha em toda sua glória com solos melódicos, riffs e seções de grande fabricação. Os efeitos eletrônicos funcionam como uma camada decorativa que amplia o fundo e dá amplitude ao som geral. As mudanças de intenção e transições são guiadas com liderança pela entonação das guitarras, cujo peso imprime um ar de metal na dose perfeita. 

Orison começa suave e sereno com um acorde de guitarra que é rapidamente complementado por bateria e baixo, tecendo um ritmo contemplativo carregado de emoção que é exaltado e elevado por um solo de guitarra arrepiante devido ao seu conteúdo altamente expressivo. O sax volta a aumentar ainda mais o intenso fluxo de emoções, que evoluem para um ambiente muito próximo do experimental e induzem a uma profunda e comovente tranquilidade introspectiva. O baixo toca uma bela linha que inicia a seção atmosférica, que absorve o ouvinte em uma camada de sons cálidos e catárticos que aos poucos conseguem subir de forma sublime graças ao intenso e climático solo de teclado. 

Owls mantém a atmosfera de calor e expressividade com um violão envolvente que exalta a sutileza e delicadeza da voz. Esta música inclui uma percussão totalmente latina que confere um traço único ao seu ADN, sendo melancólica mas com uma vibe dançante, criando uma combinação surpreendente e funcional. 

Farewell tem um ar de grandeza desde sua introdução pontuada por guitarras, percussão e teclados. A voz injeta um motivo melódico que é replicado pelas teclas e cordas, tudo pontuado por um ritmo mid-tempo que enfatiza a calma e a progressão. O piano e a guitarra são o coração e a alma desta peça, elevando os seus níveis de emoção e impacto, especialmente com um solo memorável. O saxofone volta a dar um último vislumbre de beleza e presença que se prolonga pela performance vocal, mas é a guitarra que num momento de total inspiração fecha o EP com um momento sublime e catártico. 

The Embryo é um trabalho elegante, emocional e altamente expressivo, cheio de coração e dedicação. Cada peça flui sutilmente, transmitindo uma atmosfera de calma e serenidade que toca suavemente o ouvido do ouvinte, convidando-o a se deixar envolver pelos belos sons. 

Há uma grande elegância na composição, arranjo e apresentação de cada um dos elementos, o que faz com que cada melodia, solo, mudança de intenção e transição se encaixem perfeitamente e se desenvolvam de forma orgânica e natural, criando uma atmosfera acolhedora e contemplativa. 

Uma coleção de peças que mostram o grande potencial da banda e que vão agradar aos amantes do prog com atmosferas carregadas de emoção e expressividade. 


DISCOGRAFIA - AEONS Progressive Metal • United Kingdom

 

AEONS

Progressive Metal • United Kingdom

Biografia de Aeons

AEONS é uma banda de metal da Ilha de Man tocando metal progressivo técnico com vocais de hardcore melódico e áspero











AEONS discografia



AEONS top albums (CD, LP)

4.00 | 1 ratings
A Tragic End
2019

Crítica do álbum: Gary Clark Jr. – This Land

 

O homem do blues Gary Clark Jr. com seu terceiro álbum de estúdio, This Land , trazendo seu som para fora do escaninho…

Nos quatro anos desde seu álbum anterior, Gary Clark Jr. libertou-se dos limites de seu som característico de blues-rock em busca de algo maior. Tem sido um hábito persistente dele lançar um álbum ao vivo entre cada gravação de estúdio. Isso nos diz que seus fãs estão ansiosos pelo som áspero e não polido de seus shows ao vivo, com solos de guitarra sujos e releituras de suas próprias músicas como status quo. Portanto, a última coisa que alguém esperava ouvir é que Clark puxou sua guitarra para fora da vanguarda (na maior parte) e, em vez disso, está preenchendo a lacuna entre seus dois primeiros álbuns de blues e o som dos dias atuais. “Você vai ser analógico ou vai ser digital? Estamos em um mundo onde a única coisa natural a fazer é juntar tudo.”

A inspiração para a faixa de abertura “This Land” veio depois que Clark comprou um rancho no Texas – “Right in the middle of Trump country” ele cospe no primeiro verso – 0/10 para sutileza. Na música, seus novos vizinhos dizem para ele “voltar para onde você veio”. A letra da faixa permanece politicamente carregada, com o refrão fechando com uma réplica igualmente transparente: ' Foda-se você, sou filho da América/ É de onde eu venho. ' O videoclipe do single não é menos direto, com Clark tocando seu violão na varanda de uma casa decadente, mas suspeitamente branca (trocadilho intencional), bandeiras americanas e confederadas voando por toda parte.

A política ressurge por toda parte, mas nunca é tão direta quanto na faixa de abertura. Em vez disso, Clark aborda temas como estar na estrada na ausência de sua família, bem como a mitologia inerente às canções clássicas de blues. De muitas maneiras, este é o álbum de rock perfeito para 2019. A primeira escuta nos diz que Clark estudou mais estilos de música do que você pode imaginar, e aqui ele tenta derramar um pouco de cada um em seu trabalho. Cada música caminha na linha entre seu blues liderado pela guitarra e outro subgênero diferente da música popular. Há algo para todos aqui. Preparar?

Se você quiser ouvir a interpretação de Gary Clark Jr. de Marvin Gaye, ouça “Feed the Babies”. Você gosta do príncipe? Tente "Pearl Cadillac". “When I'm Gone” poderia ser um cover de Smokey Robinson gravado no século XXI .

Foto: Joey Martinez

E há até acenos para nosso amigo onipresente, profeta e polímata visionário Kanye West na penúltima “Don't Wait Til Tomorrow” – completo com samples vocais da lenda do blues Elmore James. O último, junto com “What About Us” (contagiantemente simples e legal sem esforço) são os destaques deste crítico.

Não termina aí. Os sabores de King Tubby, Manu Chao, Air e inúmeros outros podem ser destacados neste livro gigante de receitas sônicas. Apesar da vasta gama de gêneros percorridos nesta viagem, o triunfo está no gel reunindo os elementos periféricos, um senso de coesão. O tom de guitarra de Clark, as nuances de composição e a devoção intrínseca à cultura do blues ajudam a manter tudo colado. E no final de tudo, o álbum fecha o círculo com “Dirty Dishes Blues”, um adorável aceno despojado para o clássico livro de canções de blues de Muddy Waters – e um lembrete de que o coração pulsante deste álbum ainda é o blues. .

Há momentos em que mergulhar em tantos gêneros musicais pode parecer muito abrangente para suportar qualquer peso e, portanto, os sentimentos geralmente se perdem antes de ressoar com o ouvinte. No entanto, This Land é um importante trampolim na carreira deste artista e estabelece um caminho a seguir. Os dois lançamentos completos anteriores de Clark foram muito mais dedicados ao blues, com muito poucas faixas explorando além dos mesmos quatro instrumentos, então brincar com baterias eletrônicas, sintetizadores e samples vocais é um golpe de mestre estilisticamente para qualquer músico que queira ser levado a sério.

Folk Rock. Tudo sobre a história da música folk-rock, artistas, álbuns e influências

 


Bob Dylan pode ser creditado por empurrar a música folk para o mundo do rock quando ele se tornou elétrico em um festival folk (inédito na época). A década de 1970 foi o verdadeiro advento de artistas Folk Rock como The Mamas & the Papas, Simon & Garfunkel e Neil Young. Mais recentemente, pessoas como Ryan Adams, Head and the Heart, Mumford and Sons, The Lumineers e outros artistas de mentalidade semelhante estão lançando sua energia para manter a estética folk-rock viva e bem.

Instrumentos Folk-Rock de Escolha

Assim como os cantores e compositores, os folk-rockers tendem a centralizar suas canções em torno de um violão. Geralmente, eles também apresentam uma banda de rock completa, que inclui guitarra elétrica, baixo elétrico e bateria. Algumas bandas também incorporam instrumentos de bluegrass como violino, banjo e bandolim em sua formação, enquanto outras usam instrumentos de blues mais tradicionais, como gaita e lap steel. Nos últimos anos, bandas que pegaram a tradição do folk-rock desenvolveram o gênero em algo mais conhecido como "folk indie". Este novo portador da tradição folk-rock inclui bandas como os Lumineers e Mumford & Sons, que fazem música rock popular para o rádio usando instrumentos folk e informados pela tradição de contar histórias inerente à música folk tradicional.

Álbuns clássicos de folk-rock recomendados

Bob Dylan - (Columbia, 1966)
The Byrds - (Columbia/Legacy 1965)
Paul Simon - (Warner Bros., 1987)

Informações básicas sobre Folk-Rock

O Folk Rock nasceu na década de 1960 , quando artistas como Bob Dylan & the Band e os Byrds - sem dúvida dois dos maiores pioneiros da evolução do gênero - começaram a responder à invasão britânica de bandas criativas de rock como The Beatles e The Who , usando suas influências folclóricas. Esses jovens intelectuais e compositores politicamente experientes cresceram influenciados pelos cantores folk das décadas de 1930 e 1940, como Leadbelly e Woody Guthrie .

Pode-se argumentar que Bob Dylan criou o folk rock quando puxou sua guitarra elétrica no Newport Folk Festival em 1965, ofendendo os mais tradicionais tradicionalistas da música folk. Mais tarde, bandas como The Mamas & The Papas, Peter Paul & Mary, The Turtles e Crosby Stills Nash & Young ajudariam ainda mais o movimento folk rock, tendo sido influenciados por nomes como Dylan e o cantor/compositor britânico Donovan.

A década de 1970 viu o verdadeiro advento de artistas folk-rock como The Mamas & the Papas, Simon & Garfunkel e Neil Young. Mais recentemente, pessoas como Dan Bern, Ryan Adams e Hammel on Trial estão mantendo a cena folk-rock próspera.



Destaque

Wordbug

  A banda Wordbug  foi formada em Exeter , na virada dos anos 80 para os 90, e tocava um post-hardcore melódico bastante interessante com in...