O produtor, músico e engenheiro vencedor do Grammy, Andy Jackson, conhecido por seu trabalho com o Pink Floyd, lançou seu novo álbum de estúdio, Twelve Half Steps , pela Esoteric Recordings. O instrumental Twelve Half Steps é o terceiro lançamento de estúdio de Jackson, e o primeiro em sete anos, após Signal to Noise de 2014 e 73 Days at Sea de 2016 . “Doze passos e meio; Doze escalas modais; Doze folhas de papel em branco com molduras rígidas”, explica Jackson. “Doze exercícios em grande estilo. Doze pedras reviradas, doze objetos embaixo, cada um meio esperado, meio revelado. As limitações eram oportunidades. Comece a andar em uma direção prescrita, vá até a esquina, veja o que há em volta dela. A rigidez do início criando uma liberdade…
…de movimento uma vez na paisagem, sabendo que não há respostas erradas. Isto não é um erro, é um recurso. Cada peça foi iniciada e terminada antes que a próxima fosse considerada. Cada peça é independente, mas estão ligadas à medida que os mesmos passos foram traçados repetidas vezes. As mesmas formas, mas pintadas com cores diferentes a cada vez.”
…inclui uma remasterização de 2018 do álbum de Steven Wilson, lados B, faixas adicionais e mais de 70 minutos de demos de 'Deadwing' (oferecendo uma visão rara do processo criativo do álbum). Deadwing foi o oitavo álbum de estúdio do Porcupine Tree, lançado pela primeira vez em 2005 após sua descoberta com In Absentia , foi o segundo de uma série de 3 álbuns que para muitos representam o auge das realizações artísticas da banda. Ele também continuou seu recém-descoberto sucesso comercial para se tornar o álbum mais vendido da banda na época. Baseado em um roteiro escrito por Steven Wilsone o diretor Mike Bennion, cerca de metade das canções foram iniciadas com o objetivo de fazer parte da trilha sonora de um filme, mas quando o filme não conseguiu passar para a fase de produção, Wilson fez…
…a base para o próximo álbum do PT, com material adicional escrito em colaboração com os outros membros da banda.
O álbum conta com participações especiais de Adrian Belew, que toca solos de guitarra na faixa-título e Halo, e Mikael Åkerfeldt, que adiciona harmonias vocais e um solo de guitarra em Arriving Somewhere But Not Here.
***
O Porcupine Tree sempre foi rotulado com o movimento progressivo moderno, mas a realidade é que eles são uma banda de metal viciada em riffs e uma trupe obcecada por harmonias ricas e refrões memoráveis. Pegue o trabalho de guitarra de “Shallow”, que briga com o refrão inegavelmente melódico do vocalista Steve Wilson antes de entrar na delicada e lindamente trabalhada “Lazarus”. Poucas bandas exibem esse tipo de profundidade, seja a alucinação sonhadora inspirada no Pink Floyd “Halo” ou os ecos do Queensrÿche de “Open Car”. Se o meandro sônico de 12 minutos conhecido como “Chegando a algum lugar, mas não aqui” é tão perturbador quanto o rock, é reconfortante saber que esta árvore ainda está crescendo. Ideal para fones de ouvido, Deadwing - apesar do título - levanta voo mesmo assim.
Cada fã fervoroso do King Crimson tem seu disco e sua época preferida. Tenho amigos que “descobriram” a banda chefiada por Robert Fripp com Islands, lançado em 1971. Sem ser unanimidade pelos crimsonmaníacos da época, era daquele tipo “ame-o ou odeie”.
Sons de contrabaixo no arco, o piano etéreo de Keith Tippett e a flauta melíflua de Mel Collins, a entrada da voz de Boz e a batida marcante do baixo, tudo trazia uma expectativa um tanto estranha do que poderia ser o resto do álbum. Sons esparsos do sax, cordas, percussão e vozes fantasmagóricas sob a a marcação do baixo, fazem de Formentera Lady uma canção inacabada que serve de ponte para o início de Sailor’s Tale, agora sob um mood jazzístico com solos do saxofone tenor de Collins, o baixo de Boz e um solo fenomenal de Robert Fripp a partir de uma súbita mudança de clima. Lá pelo quarto minuto sobressai a bateria de Ian Wallace e um colchão climático de mellotron. Tudo estranho, e para ser um tanto mais, a próxima é The Letter, delicadamente lúgubre na voz de Boz, meio barroca com o som que deve der o de uma celesta.
Não tenho o costume de prestar atenção em letras. Só se alguém disser algo como: “você viu que letra bonita!” Aí, sim. Quando comecei a gostar de música, tanto fazia que a letra fosse em inglês ou javanês. Tudo era som, simplesmente. Parece que a letra de Ladies of the Road, de autoria de Pete Sinfield, tem um conteúdo pouco simpático às mulheres. É o que dizem, mas não faz muita diferença. Importa que é boa. É a mais vigorosa do álbum. Para que ninguém fique muito animado, Song of the Seagulls é uma peça que pode ser classificada como sendo erudita. É um prelúdio para abrir uma das mais belas composições do King Crimson: Island. Uma crítica da época descreveu-a como a melhor canção para dormir do ano, acho que, na Rolling Stone. Soporífera? Nem tanto. É uma grande viagem por paisagens misteriosas como num sonho em que não conseguimos perceber se é um sonho mesmo ou um pesadelo . Hoje, ao contrário do que aconteceu ao ser lançado, tenho a certeza de que está reservado um lugar especial na discografia do King Crimson.
Crimson Jazz Trio.
Island é o único disco em que Ian Wallace participa no King Crimson. O baterista resolveu formar um trio com o pianista Jody Sardine e o baixista Tim Landers, com o objetivo de realizar releituras de temas de sua ex-banda. Por que não King Crimson em formato mais próximo do jazz? Afinal, muitos dizem que o KC incorpora música erudita e jazz e que rotulá-los como art-rock ou rock progressivo é limitador.
Pouco tempo antes de Ian reunir o trio, alguém já tinha gravado uma composição da banda inglesa. É possível que tenha sido ideia de Tony Levin, ex-King Crimson, Rachel Z tocar One Time, já que era seu baixista em Everlasting, disco lançado em 2004. A pianista, em vez de clássicos antigos, é conhecida por tocar temas do rock e do pop, como Wild Horses, de Mick Jagge e Richards, Kiss from a Rose, de Seal, Red Rain, de Peter Gabriel, e Here Comes the Sun, de George Harrison.
Ian, Jody e Tim gravaram King Crimson Songbook volume One em menos de uma semana durante o mês de maio de 2005. Entraram em estúdio novamente em junho de 2006 para gravarem um segundo volume. Meses depois, em agosto, Ian Wallace teve diagnosticado um câncer no esôfago. Relatou a agonia em um blogue criado especificamente. Morreu em fevereiro do ano seguinte. Foi sua última gravação em estúdio. O KC3, durou dois álbuns.
O volume 1 começa com 21st Century Schizoid Man, talvez a canção mais conhecida do KC. As demais são Three of a Perfect Pair, Catfood, Starless, Ladies of the Road, I Talk to the Wind, Red e Matte Kudasai.
O volume 2 começa com outro clássico, também do primeiro disco do KC: The Court of the Crimson King. Segue com Pictures of a City, One Time, Frame by Frame, Inner Garden, Heartbeat, Island Suite (Press Gang, Zero Dark Thirty, Formentera Lady, Sailor’s Tale, The Plank) e Lament. Press Gang, Zero Dark Thirty e The Plank não são originais do KC. A primeira é de Ian Wallace, a segunda, de Jody Nardone, e a última, de Tim Landers. Curiosamente, na suite estão incluídas Formentera Lady e Sailor’s Tale e a música - título, não. A dominância é de temas dos álbuns Discipline, Beat, Three of a Perfect Pair e de Thrak, fase em que Adrian Belew fez parte da banda
Capital da Bulgária edita “cansada de ti”, a terceira faixa do novo longa-duração que será editado ainda este ano. O single já pode ser conhecido em todas plataformas digitais, assim como na página oficial de YouTube da artista, com um videoclipe realizado pela própria, onde está bem vincada a estética com que se tem vindo a apresentar aos fãs.
A cantora, compositora e produtora de Sintra não gosta de rótulos à música que faz e não sabe dizer se tem inspirações diretas, no entanto, sabe sim que tudo o que consome a alimenta. Nomes como Yebba, Labrinth, Bill Withers, Bo Burnham, Finneas, H.e.r., Rex Orange County, Victoria Monét, Yuri N5, T-Rex e Salvador Sobral, fazem parte do seu dia a dia e claro são nomes com quem um dia sonha colaborar.
“casada de ti” sucede aos singles “escova-de-dentes” e “coração em jejum”. “Pequeno-Almoço” foi o EP com que em 2021 se estreou nas edições e do qual faz parte o single “Nuvem“. Capital da Bulgária é o nome artístico de Sofia Reis.
IAN é o grito do ipiranga da violinista Ianina Khmelik, profissional da Orquestra Sinfónica do Porto/Casa da Música. RaiVera, álbum de estreia do projeto, respira liberdade e ousadia, entrelaçando temas pop mais soalheiros com composições mais densas e intimistas. No final da viagem, são muito mais os méritos que as dúvidas.
À distância, é impossível saber quais os pontos de contacto entre Ianina e IAN. Na vertente mais convencional, adivinhamos, o espaço para a liberdade é mais reduzido, e RaiVera aparenta ser, nesse sentido, uma vida paralela da violinista russa radicada em Portugal. A imagem é outra, mas IAN, na sua individualidade, não poderia ser o projeto de outra que não Ianina.
O violino é o elo de ligação mais evidente e natural. As composições respiram pop, a produção de Nuno Gonçalves (The Gift) potencia esse fulgor, mas mesmo nos temas mais imediatos há uma sedutora melancolia à deriva – em “Boarding Now”, por exemplo, encontramo-la na voz, particularmente nos versos que antecedem a entrada do primeiro refrão.
“Good Girl” é o single evidente, tiro pop certeiro e momento previsível de festa nas pistas de dança sem medos de novidades e liberdades – e sem covid-19 por perto, preferencialmente. “Again” recupera Pedro Oliveira (que voz!), dos Sétima Legião, e aborda a relação de Ianina com o pai. “Freiheit” é cantada em alemão e é talvez a faixa mais difícil e atormentada do disco (isto é um elogio, atenção).
RaiVera é um exercício de liberdade e bom gosto. Cruza elementos e velocidades díspares sem nunca perder a identidade e a noção de arte. É perturbador, libertador, impactante. Que tudo isto aconteça logo ao primeiro álbum, é currículo que fica e responsabilidade acrescida para o que aí vier. No final, continuamos sem saber muito bem onde começa Ianina e acaba IAN – mas deixemos a preocupação conceptual de lado e voltemos a rodar a bolacha.
A cantora francesa Tal é uma jovem estrela pop urbana conhecida por suas canções otimistas e autênticas. Ela tem sido celebrada como uma voz nova e vibrante na música francesa, principalmente porque ela se concentra em temas universais de esperança, coragem e fraternidade, em vez de canções banais de amor e separação. Seu estilo combina R&B com pop mainstream.
Nascida Tal Benyerzi, ela se mudou de Israel para Paris quando tinha 1 ano de idade. Ela é uma guitarrista e pianista autodidata, vinda de uma família de músicos que gostavam de American Soul, Jazz e R&B. Suas influências musicais incluem lendas do R&B do passado e do presente, como Ray Charles, Aretha Franklin, Stevie Wonder, Michael Jackson e Alicia Keys. Ela também é uma dançarina ávida – uma habilidade que ela sempre mostra em seus videoclipes.
Ela foi descoberta pela primeira vez pelo cantor pop francês Gary Fico aos 16 anos. Aos 19, ela assinou contrato com a Sony e foi aclamada como a nova princesa do R&B. Mas levaria mais alguns anos para ela romper com a música de sucesso que a tornaria uma superestrela.
Em 2011 a cantora assinou com uma nova gravadora, e teve o destaque de abrir para Alicia Keys e Christophe Maé em show. Naquele verão, ela lançou “On Avance” (“We Move Forward”), um hino sobre jovens em busca de uma identidade. Ela foi rapidamente abraçada – especialmente pelos adolescentes – e declarada a voz de uma geração.
Fãs ansiosos e críticos da mídia estavam ansiosos pelo álbum completo de Tal. Ela teve que adiar o lançamento de Droit de Rever para a primavera de 2012, quando estreou na 7ª posição nas paradas. Com sua vibração positiva e edificante, todo o álbum é como “Pocketful of Sunshine” encontra “Unwritten”, em francês. (Veja: Bedingfield, Natasha.)
Droit de Rever gerou uma série de sucessos, incluindo "On Avance", "Waya Waya" (com Sean Paul), "Le Sens de la Vie", "Je Prends le Large" e "Rien n'est parfait". (Não me importei com “Waya Waya” porque sou exigente com meu Dancehall e não gosto que se misture com meu pop francês, mas endosso com entusiasmo todo o resto.)
Droit alcançou o número 4 nas paradas, ganhou disco de platina duplo e se tornou um dos álbuns mais vendidos de 2012. Também foi indicado ao Victoire de la Musique de Melhor Álbum Urbano, e a própria Tal foi indicada para Melhor Novo Artista.
Se você realmente gosta de música francesa, deve saber que escolhi este álbum como um dos essenciais da música francesa .
( Observação: os álbuns de Tal estão disponíveis apenas como CDs físicos nos EUA. Nenhum formato digital está disponível.)
Aqui estão os vídeos de dois de seus maiores sucessos:
Tal se juntou a Matt Pokora (a quem considero o francês Justin Timberlake) para um dueto no álbum tributo Generation Goldman ao hitmaker dos anos 80, Jean-Jacques Goldman. Juntos, eles alcançaram o top 10 com o remake, “Evole-Moi”.
Em 2013, a cantora lançou seu segundo álbum A L'Infini . Ela queria gravar um álbum em inglês, e acho que esse foi o compromisso: um amontoado de letras em inglês, participações de Flo-Rida e do grupo britânico Little Mix e uma produção que soa como tudo nas paradas americanas.
Este álbum parece ter sido embalado para comercializá-la internacionalmente (leia-se: para o público anglo), e essa é a minha maior reclamação sobre isso. Se eu quisesse um álbum da Rihanna, teria comprado um.
No lado positivo, ela co-escreveu metade das músicas, e seu otimismo característico e letras positivas permanecem intactos. A L'Infini alcançou o número 3 nas paradas francesas e alcançou o status de platina tripla.
"Une autre personne" é R&B franglês, com uma linha de base do tipo Electro-Hop, DJ Mustard, reminiscente de "Loyal" de Chris Brown. (Little Mix aparece na versão da faixa bônus.) “Danse” é divertido, mas é prejudicado pela presença totalmente desnecessária de Flo-Rida. A faixa estava perfeitamente bem sem ele, embora não seja a primeira vez que um artista americano foi adicionado para dar algum destaque a uma faixa francesa, e certamente não será a última.
“À l'International” tem um quê de reggae e um lamentável rap inglês da própria Tal no meio. Não achei que fosse cativante o suficiente para ser um single, mas, no entanto, soa único entre todos os outros em rotação atualmente.
A faixa-título, escrita por Sia (de “Chandelier”, “Breathe Me” e fama de Zero 7), é uma balada de piano minimalista no estilo Timbaland com uma construção crescente de EDM no refrão. Não é ruim, mas parece enchimento. Eu gosto do espírito de luta de “Something New”, mas sua produção muito engenhosa e letras totalmente em inglês (“get off the cray-cray”) a relegam a um ruído de fundo. Ela está apenas se esforçando demais aqui, receio. Prefiro ouvir “Roar” de Katy Perry, que tem toda a perseverança, nada de palavrões e uma melodia real.
No geral, acho que os fãs hardcore de Tal vão amá-la, não importa o que ela faça. Fico feliz que a mensagem dela não tenha mudado, mas espero que ela perceba que quanto mais simples, melhor. Ela não precisa dos truques americanos, das participações especiais ou da produção superesperta. Essas são coisas que você faz para encobrir a FALTA de talento, que sabemos que esse artista incrível não sofre.
Agora, aqui está uma faixa de A L'Infini que realmente brilha. Confira “Marcher au Soleil”.
Uma das faixas bônus do álbum é seu remake de “Pas Toi” de Jean-Jacques Goldman, que também aparece no Génération Goldman Vol. 2 . Ela é brilhante aqui, exibindo suas habilidades vocais e de piano.
Poucas pessoas sabem disso, mas VIOLENT FEMMES teve um papel significativo na história do rock americano. Este grupo de Milwaukee tem, de facto, contribuído para abrir portas (nas quais se têm enfiado alguns grupos de Rock Alternativo) ao afirmar-se como um dos precursores de um género que mistura Punk e Folk, e isto numa altura em que o Thrash soltava os seus primeiros gritos, enquanto o Hard Rock era carregado por uma onda de jovens bandas famintas (DEF LEPPARD, MÖTLEY CRÜE, RATT, DOKKEN, TWISTED SISTER, QUIET RIOT). Para o VIOLENT FEMMES, tudo começou em 1978, quando o vocalista/guitarrista Gordon Gano se juntou ao baixista Brian Ritchie e ao baterista Victor DeLorenzo.
Tendo inicialmente começado a tocar nas esquinas ou em cafés, o VIOLENT FEMMES chamou a atenção de James Honeyman-Scott (THE PRETENDERS) durante o verão de 1981 e foi até convidado para tocar um breve set acústico como banda de abertura para THE PRETENDERS. A partir daí, a situação foi desbloqueada, pois o grupo de Milwaukee assinou com a Slash Records (uma gravadora independente muito dinâmica em sua época), gravando então seu primeiro álbum de estúdio. Este, sem título, foi lançado em 13 de abril de 1983.
Como anunciado no início da crítica, este primeiro álbum homônimo não tem nada a ver com o que se fazia na época: misturar Folk com Punk, ao menos em sua energia e substância mais crua, era algo bastante ousado naqueles tempos. Ao se aventurar neste terreno, o VIOLENT FEMMES provou que a mistura entre Folk e Punk pode funcionar de forma eficaz. "Blister In The Sun", que abre o disco, consolidou-se ao longo do tempo como um poderoso hino do género Folk/Punk graças às suas guitarras acústicas lúdicas, aliadas ao ritmo seco e dinâmico que atinge a marca, sendo o conjunto suportado por uma canção que às vezes é melancólica, às vezes sussurrante, às vezes determinada. Todos esses ingredientes habilmente combinados fazem com que esta peça se destaque instantaneamente. Neste registro, "Kiss Off", que vai direto ao ponto depois de um começo tranquilo, é potencializado por uma música rabugenta apoiada por coros determinados, guitarras secas que assediam constantemente e o fato de Gordon Gano se transformar por vezes em um narrador neurótico desperta curiosidade, desafios. “Promise”, bastante casual, é sustentada pelo espírito despreocupado e garage que caracterizou os anos 60, enquanto a curta “Prove My Love”, tocada sem segundas intenções, vê guitarras acústicas e elétricas entrelaçadas enquanto são conduzidas por um baixo tenso e o passe de armas entre Gordon Gano e os coros no coro é para ser saboreado deliciosamente. Afinal, nem todos os títulos deste álbum se dão na mistura Folk/Punk. O trio de Milwaukee é decididamente mais Punk e abandona qualquer inclinação Folk na mid-tempo "To The Kill", muito espírito Garage/Proto-Punk com as suas guitarras sujas e minimalistas, que funcionam eficazmente graças às intervenções de Gordon Gano cujo canto é alternadamente encantatório, desiludido e casual; bem como em "Add It Up", colocada em órbita por uma introdução de 35 segundos sem instrumento, com apenas vocais melancólicos antes de mudar para um Punk enraizado no Rock n 'Roll old-school, pontuado por passagens mais lentas, um solo curto e sujo e um refrão final superexcitado, que a torna uma peça experimental que, aliás, deve ter influenciado muitos representantes do Rock Alternativo. Além disso, VIOLENT FEMMES mostra sua capacidade de suavizar as coisas com títulos como o Folk mid-tempo de 4 minutos "Please Do Not Go", tingido de melancolia, mesmo desencanto com um refrão "Beatlesco" apoiado em coros leves e casuais, sendo tudo transcendido por um Gordon Gano e sua propensão a modular a voz como bem entende de acordo com seu estado de espírito, a pronunciar as palavras, as palavras, ou mesmo " Confissões ", uma peça lenta de mais de 5 minutos que dá no Folk crepuscular tingido de amargura com a voz melancólica, comovente e comovente do vocalista, antes de mudar de registo a meio caminho com a chegada das guitarras eléctricas, mais sujas para o solo e o conclusão com um final furioso com vocais mais agressivos e um dilúvio de guitarras confusas. Finalmente, Gordon Gano e seus amigos também tentaram algumas coisas muito interessantes como "Gone Daddy Gone",
Este primeiro álbum é, portanto, original e de grande qualidade (de salientar porque originalidade e qualidade musical nem sempre andam de mãos dadas). Este cocktail de Punk e Folk tem permitido abrir portas, explorar pistas nunca (ou tão raramente) exploradas no passado. Além do mais, este álbum serviu em parte como uma influência para o rock alternativo. Acresce ainda que este álbum está recheado de canções eficazes, melodias simples mas bem fundamentadas, hinos imparáveis também, o que o torna um grande e franco sucesso. A longo prazo, este primeiro álbum dos VIOLENT FEMMES afirmou-se como um dos clássicos dos anos 80 (foi certificado ouro em 1987, depois platina em 1991 e, hoje, teria vendido 3 milhões de euros). do Tio Sam).
Tracklist: 1. Blister In The Sun 2. Kiss Off 3. Please Do Not Go 4. Add It Up 5. Confessions 6. Prove My Love 7. Promise 8. To The Kill 9. Gone Daddy Gone 10. Good Feeling
Formação: Gordon Gano (vocal, guitarra, violino) Brian Ritchie (baixo, guitarra, xilofone, vocal) Victor DeLorenzo (bateria, tranceaphone)
Considerando a ausência de Jon Anderson e Rick Wakeman e a morte de Chris Squire, alguém poderia pensar que o Yes é uma banda de suporte de vida há vários anos, especialmente desde que os últimos álbuns com todos os músicos dos anos 70 foram não particularmente folichons. No entanto, quando ouvimos os álbuns gravados desde a chegada de Jon Davison (seu segundo vocalista desde a saída de Anderson), Heaven & Heart e The Quest , percebemos que eles são de fato muito sólidos. A morte de Alan White no ano passado faz de Steve Howe o único membro sobrevivente da Era de Ouro. Se podemos questionar a legitimidade artística de continuar a chamar-se Yes, só resta Mirror To The Sky .confirma que a associação dos 'jovens' Davison, Billy Sherwood e Jay Schellen, que supervisionam os veteranos Howe e Geoff Downes, deu uma lufada de ar fresco a um grupo que tanto precisava.
Estamos familiarizados com "Cut From The Stars", até porque o baixo de Sherwood é muito inspirado no de Squire e que, para quem o descobre, é óbvio que não é só ao nível do seu nome que Jon Davison está próximo de seu ilustre predecessor. Mas se o título é puro Sim com um som contemporâneo, não devemos esperar nada aquecido ou lento. Em termos de melodias e arranjos, transições e pausas, o grupo é inspirado e sutil. Bastante dinâmico e elegante em seu estilo, é, portanto, um excelente aperitivo seguido de um cristalino “All Connected” igualmente bem-sucedido. Howe prova que ainda tem sobras muito boas, sejam elas acústicas, elétricas ou pedal steel. Quanto a Jay Schellen (que já apoiava o White há alguns anos e em quem os fãs de Hard Rock terão reconhecido o antigo baterista dos Hurricane), acaba por ser o melhor substituto possível. Mais pacífica, "Luminosity" também é mais gentil em suas melodias e pode parecer um pouco cafona ou até boba para alguns. Pessoalmente, nunca foi deste lado de Yes que prefiro, apesar de um belo solo melancólico de Howe, mais lento que o habitual.
Estou muito mais seduzido pelo rock manhoso de "Living Out Their Dreams" que, longe da exuberância do passado, mostra um grupo que consegue simplificar seu assunto (excelente riff) e ser cativante. Mais uma vez a execução do violonista transcende a peça, habilmente apoiada por seus cúmplices. Título épico do álbum "Mirrors To The Sky" vai agradar aos amantes de faixas instrumentais com uma seção rítmica bastante musculosa, e uma guitarra que não hesita em sangrar (mesmo que não alcancemos o lado Hard Rock de alguns títulos dos anos 70) . O trabalho nas harmonias vocais está sempre presente, assim como a transição de ambientes calmos ou quase sagrados para momentos mais Rock. Também aqui o Yes está mais sóbrio do que no passado, mas não menos rico. Mais uma vez, o solo central é incrivelmente bonito, enquanto Geoff Downes nos oferece gamas de cordas cativantes, bem como arranjos orquestrais. A balada acústica "Circle Of Time" nos traz de volta a uma certa pureza angelical, mesmo que pareça um pouco longa comparada ao que ela tem a oferecer.
O segundo CD é composto por títulos compostos apenas por Howe. Com alguns toques tribais na introdução, "Unknown Place" é a mais longa e a mais emocionante por seu lado 'Rock'. Neste título, como nos outros três, o guitarrista está muito presente vocalmente, mais do que habitualmente. É interessante ouvi-lo nessa posição, mas ao mesmo tempo é óbvio que ele não tem o que se poderia chamar de uma bela voz. Note-se que Downes também está bastante presente nos solos de teclado, o que não acontecia particularmente nos títulos do primeiro CD. "One Second Is Enough" é mais tranquila e quase pop, com Davison e Howe cantando em uníssono, enquanto "Magic Potion" é para ser colocada ao lado do Aerial Rock com sempre uma música a duas vozes.
Você deve ter entendido, este Mirror To The Sky é um vintage muito bom para Yes (assim como sua capa sempre assinada por Roger Dean). Uma safra mais tranquila e sóbria do que nos anos 70, mas com muito cuidado nas melodias e o toque de Howe bem presente, permitindo que a alma do grupo permaneça identificável apesar das muitas substituições. Em suma, uma das muito boas surpresas deste ano de 2023.
Títulos: CD1 1. Cut from the Stars 2. All Connected 3. Luminosity 4. Living Out Their Dream 5. Mirror to the Sky 6. Circles of Time
CD2 (bônus) 1. Unknown Place 2. One Second Is Enough 3. Magic Potion
Músicos: Jon Davison: Vocal, violão Steve Howe: Guitarra, vocal, bandolim, autoharp Billy Sherwood: Baixo Jay Schellen: Bateria
O produtor, músico e engenheiro vencedor do Grammy, Andy Jackson, conhecido por seu trabalho com o Pink Floyd, lançou seu novo álbum de estúdio, Twelve Half Steps , pela Esoteric Recordings. O instrumental Twelve Half Steps é o terceiro lançamento de estúdio de Jackson, e o primeiro em sete anos, após Signal to Noise de 2014 e 73 Days at Sea de 2016 .
.jpg){kind=spacer}
