Falar de Chris Culter não é apenas mencionar a pulsação, a essência dinâmica, harmônica, tímbrica e vertical de; Henry Cow, Art Bears, Fred Frith, Lindsay Cooper, Oh Moscow, Pato Cassiber entre uma extensa lista de projetos e artistas que sustentam sua longa carreira como compositor, performer e pesquisador.
Entre as suas contribuições musicais destaca-se o European Ensemble of Improvisers, onde realizou um trabalho majestoso. O Ensemble Of Improvisers é criado para executar partituras gráficas, começando com o gigantesco Tratado de Cornelius Cardew concluído em 1967. O tratado assume a forma de um grosso livro de 193 páginas de notas gráficas. O próprio Cardew, e a maioria daqueles que abordaram essa partitura depois dele, concentraram-se habitualmente na interpretação de apenas algumas páginas. As tentativas de dar conta de todo o contexto são meticulosamente complexas e chegaram a ser estranhas, até porque, realisticamente, levaria cerca de uma semana para preparar o material. Sem dúvida, esse foi o momento com que eles lidaram com a obra durante seus ensaios, feito em uma pequena e aconchegante cidade da Córsega. Lá, eles se concentraram na partitura de todas as perspectivas para aplicar estratégias interpretativas concebíveis a ela, como pontuação e, por sua vez, como reconciliar escritos interpretativos durante os constantes ensaios de Cardew sobre ela. No final das contas, a dissolução do combo foi gentilmente realizada por aqueles que desejavam uma abordagem mais intuitiva e espontânea e por aqueles que pensavam que uma notação estrita, um diretor e um conjunto de regras acordado produziriam resultados mais plausíveis. No entanto, eles tentaram de todas as maneiras. E gradualmente, ao longo da próxima série de shows, como a maioria de seus antecessores, eles chegaram à conclusão estabelecida entre três dos membros, Daan Vandewalle, Jean-Marc Montera e Chris Cutler, eles escolheram várias páginas nas quais escreveram regras sugeridas para interpretação que foram posteriormente executadas com um cronômetro. Mais tarde, eles passaram para outras partituras gráficas e até contratamos um punhado de jovens compositores franceses e alemães para produzir novas obras para o conjunto. A contribuição de Cutler foi a resolução da peça; Life on Earth, onde a liberdade de expressão prevaleceu sobre uma trilha sonora gráfica, mas divertido de jogar porque era tão imprevisível. A contribuição de Cutler foi a resolução da peça; Life on Earth, onde a liberdade de expressão prevaleceu sobre uma trilha sonora gráfica, mas divertido de jogar porque era tão imprevisível. A contribuição de Cutler foi a resolução da peça; Life on Earth, onde a liberdade de expressão prevaleceu sobre uma trilha sonora gráfica, mas divertido de jogar porque era tão imprevisível.
Chris Cutler nunca estudou música, mas como muitos de sua geração, cresceu tocando em bandas na escola desde os 14 anos tocando instrumentos como banjo, violão, trompete ou flauta, até que finalmente optou pela bateria, porque o simples fato de eu querer estar em uma banda e bateristas eram escassos naqueles tempos passados. O primeiro grupo que formou foi uma banda de música instrumental influenciada pelos Shadows and Ventures, até que se juntou a outros projetos focados nos padrões da dança local: o Chuck Berry, Hit Parade e sons festivos até chegar à prática de Soul e Blues. Em 1965 foi incluído num projeto que pouco a pouco evoluiu para uma criatividade complexa, aproximando-se dos Soft Machine ou dos Pink Floyd de Syd Barrett ao mesmo tempo que estes grupos surgiam pela primeira vez na cena londrina. Afinal, sua carreira musical desde 1970 é mais do que conhecida, onde junto com Dave Stewart criam; The Ottawa Music Co. Uma orquestra de vinte e seis músicos de compositores de rock para praticamente sua apresentação mais iminente de Conspiracies Performance com Yumi Hara, Guy Harries e alunos da East London University.
Cutler era um adepto da percussão eletrônica, apostando em um mercado em que surgiam versões comerciais de baterias eletrônicas como parte da revolução geral iniciada pelo sampleamento. Estes não eram sem uma certa atração. É um fato da vida que kits acústicos são difíceis de afinar e soam diferentes em cada espaço ressonante. Eles também estão limitados a uma gama muito estreita de sonoridades que, uma vez afinadas, não podem ser facilmente trocadas, muito menos de uma peça musical para outra. Afinar novamente um kit de bateria, ao contrário de afinar uma guitarra, é bastante demorado e pode ser muito irritante se feito em público, enquanto os engenheiros de mixagem que controlam o som do PA na sala podem exercer algum controle de timbre usando efeitos e filtros, isso é limitado em alcance e fora do controle do baterista. A bateria eletrônica foi preparada para mudar tudo isso, embora evidentemente as diferenças entre bateria eletrônica e acústica em termos de timbre, presença harmônica, corpo, essência e eficiência sejam abismais.
Por outro lado, Chris Cutler fez de 2012 a 2020 uma série de podcasts de rádio impressionantes (um termo mais apropriado para sua descrição) que exploram, desvendam e fazem uma análise exaustiva de aspectos elementares como a exploração de sondas de tom, este tempo através de sua eliminação efetiva através do movimento incessante: tons deslizantes e portamenti radicais que desafiam qualquer quantificação. Os sistemas alternativos de afinação baseados na série harmônica natural, a área sem peso que faz com que tudo sólido se desfaça no ar, futurismo, ruído, eletricidade ou êxtase e incerteza. Este Podcast intitulado sondas foi patrocinado pela Rádio Web MACBApara o Museu de Arte Moderna de Barcelona com a iniciativa de Anna Ramos. Por sua vez, o britânico tem alocado incalculáveis artigos pelos circuitos de pesquisa musical. O seu estilo como baterista adota uma linguagem expressiva repleta de originalidade, musicalidade em todo o seu contexto e uma forma muito singular e criativa na aplicação dos rudimentos elementares da bateria e no seu desenvolvimento aplicados no quadro mais coerente dentro do contexto musical a interpretar. .
Chris Cutler é todo um universo de poder visceral e instrutivo, que depois de mais de seis décadas de atividade e fora do pequeno circuito dos Avant Lovers, infelizmente continua a ser uma referência para o desconhecido na atualidade.
Duas óperas-rock foram relançadas em versões luxuosas, com CDs duplos, livrinhos e material inédito de bônus.
Ambas são inglesas. Quadrophenia (1973), marcou a volta da banda The Who ao gênero. Quatro anos antes, o quarteto havia lançado, com mais repercussão, Tommy (1969).
O outro relançamento da temporada é Arthur (1969), do The Kinks. Sua versão original saiu em 1969, mesmo ano de Tommy (1969), e durante muito tempo fãs das duas bandas discutiram qual delas era a real criadora do gênero.
Discussão inútil, porque há tempos os estudiosos de rock concordaram que o mérito era mesmo do Nirvana. Não, Kurt Cobain não tem nada a ver com essa história. Ele estava literalmente no berço quando a banda psicodélica inglesa Nirvana lançou, em 1967, o álbum The Story Of Simon Simopath (1967). É quase um sacrilégio comparar a qualidade musical do Nirvana inglês com bandas seminais na história do rock como Who e Kinks.
No entanto, o disco de 1967 já trouxe todas as características que definiriam a ópera-rock: um álbum inteiro contando uma história ao longo de várias canções, com personagens recorrentes. O resultado é irregular. A banda consumia LSD em altas doses quando gravou o disco. E tudo o que produziu depois, até o começo dos anos 70, é muito pior.
O Kinks sempre foi um grupo mais cult do que criador de hits. Assim, sobrou para Tommy (1969) todo o impacto revolucionário da ópera-rock.
O disco ganhou uma versão com orquestra sinfônica e estrelas convidadas, como Rod Stewart, virou filme de sucesso –com Roger Daltrey, vocalista do Who, no papel principal– e, depois, uma peça, que chegou a ser montada no Brasil nos anos 90.
Pela Segunda Vez
O Who voltou ao gênero em 1973. Pete Townshend, líder e guitarrista, quis um argumento menos “maluco” do que o de Tommy (1973). Buscava uma trama mais realista. Então seu foco foram brigas entre gangues de jovens que aconteceram em 1964 e 1965, em Londres e Brighton.
Falando apenas de música, Quadrophenia (1973) é mais poderosa do que Tommy (1969). Faixas como ‘5:15’, ‘The Real Me’ e ‘Love, Reign O’er Me’ entram em toda lista do melhor da banda. E eis aqui o grande desempenho do baterista Keith Moon (1946-78).
Quadrophenia (1973) também virou filme, em 1979 –com um jovem Sting posando de bad boy. Depois, originou um musical de teatro, em 2005.
Outros discos são chamados às vezes de ópera-rock, como Ziggy Stardust And The Spiders From Mars (1972), de David Bowie, e Berlin (1973), de Lou Reed. Mas não passam pelo crivo de puristas. Suas canções não têm as ligações quase literárias que sobram em Quadrophenia (1973).
