CRONICA - ALEXIS KORNER’S BLUES INCORPORATED | R & B From The Marquee (1962)

Se John Mayall é o chefão do boom do blues britânico e os Rolling Stones os seus embaixadores, o pai é sem dúvida Alexis Korner.

Mick Jagger, Keith Richards, Eric Clapton, Ginger Baker, Jack Bruce, Alvin Lee, Peter Green devem muito ao guitarrista/cantor fã da música afro-americana que varria a Inglaterra no final dos anos 50 e início dos anos 60.

Nascido Alexis Andrew Nicholas Koerner em Paris, em abril de 1928, Alexis Korner é filho de pai austríaco e mãe grega. Depois de passar a infância entre França, Suíça e África do Sul, estabeleceu-se em Londres em 1940. Durante os bombardeamentos alemães, ouviu uma gravação do pianista afro-americano Jimmy Yancey. Mais tarde, ele diria que depois dessa experiência só queria tocar blues.

Após a Segunda Guerra Mundial, ele começou a tocar piano e violão. Em 1949 ele se juntou à orquestra de jazz de Chris Barber, onde conheceu o gaitista/cantor Cyril Davies. Os dois amigos gravaram alguns EPs de blues em meados dos anos 50. Em 1957 eles abriram seu próprio clube, Blues and Barrelhouse na Wardour Street em Londres, onde o campeão Jack Dupree, Otis Spann e especialmente Muddy Waters se apresentaram em concertos, popularizando assim o blues. na Inglaterra.

No início dos anos 60 formaram Alexis Korner's Blues Incorporated onde conheceram Mick Jagger, Charlie Watts... Rodeado pelo contrabaixista Spike Heatley, o baterista Graham Burbidge, o baixista Teddy Wadmore, o pianista Keith Scott, o saxofonista Dick Heckstall-Smith, o backing vocal. Big Jim Sullivan e o cantor Long John Baldry, Alexis Korner's Blues Incorporated imprimem a edição limitada do Lp R&B From The Marquee para Ace Of Clubs, uma subsidiária da Decca. Título enganoso, tendo as sessões sido realizadas em junho de 1962 nos estúdios Decca e não na famosa sala de concertos.

Lançado em novembro do mesmo ano, este LP é considerado o primeiro álbum do boom do blues britânico. Começamos a falar sobre blues rock. Porque importa referir que das 12 peças, 6 são composições do grupo (partilhadas entre Alexis Korner, Long John Baldry e Cyril Davies). Não se trata, portanto, de uma cópia pálida do que se faz do outro lado do Atlântico, mas sim da vontade de se apropriar de uma música que obviamente tem tanta vontade de se internacionalizar. Observe que os vocais são compartilhados entre Cyril Davies e Long John Baldry. Alexis Korner limita-se ao violão.

É também com uma composição deste último que o LP inicia o LP, o instrumental “Gotta Move” para um standard de blues dançante com violão elaborando alguns solos, um piano boogie, um saxofone com inclinação para o jazz e uma gaita que traz profundidade. Mais adiante Alexis Korner oferece outros instrumentais: o mid-tempo stoner “Finkle's Cafe” onde o violão traz um toque rústico enquanto o saxofone e o piano dão um lado urbano e “Down Town” que é mais swing.

Cyril Davies, por sua vez, oferece a instrumental sombria “Spooky But Nice” e a suingante “Keep Your Hands Off” com sua voz aguda. Mas é na gaita que ele se destaca melhor. Sobre Long John Baldry ele oferece “I Thought I Heard That Train Whistle Blow” como conclusão, onde seu canto traz comprometimento, beirando o soul.

Para as reprises, bem enviada, na cruz « Rain is Such a Lonesome Sound » (Jimmy Witherspoon), « I Got My Brand on You » (Willie Dixon), « How Long, How Long Blues » (Leroy Carr) e também músicas popularizado por Muddy Waters, «I Wanna Put a Tiger in Your Tank», «Got My Mojo Working» e «Hoochie Coochie».

Este disco servirá de trampolim para alguns. Long John Baldry iniciará carreira solo. Dick Heckstall-Smith ingressará na Graham Bond Organization antes de criar o Coliseu. Por sua vez, Cyril Davies formou o All-Stars, onde cruzou o caminho de um certo Jimmy Page antes de morrer em janeiro de 1964, aos 31 anos.

Mas além disso, R&B From The Marquee aparentemente comum demonstra que o blues não é mais prerrogativa dos americanos e terá imensa influência. A Rolling Stone, John Mayall e os Yardbirds seguiriam o exemplo do blues rock febril. Seguido por Cream, Ten Years After, Free, Fleetwood Mac, Savoy Brown, mas especialmente Led Zeppelin que endurece o tom para criar hard rock.

Quanto a Alexis Korner, ao mesmo tempo em que apresentava programas de rádio na BBC popularizando o blues, ele continuou sua discreta carreira de gravação.

Títulos:
1. Gotta Move
2. Rain Is Such A Lonesome Sound 
3. I Got My Brand On You   
4. Spooky But Nice   
5. Keep Your Hands Off       
6. I Wanna Put A Tiger In Your Tank         
7. I Got My Mojo Working  
8. Finkle’s Cafe         
9. Hoochie Coochie  
10. Down Town        
11. How Long, How Long, Blues    
12. I Thought I Heard That Train Whistle Blow

Músicos:
Alexis Korner: Guitarra
Cyril Davies: Gaita, Canto
Dick Heckstall-Smith: Saxofone
Spike Heatley: Contrebasse
Graham Burbidge: Batterie
Keith Scott: Pianista
Teddy Wadmore: Basse
Long John Baldry: Canto
Big Jim Sullivan: Choeur

Produção: Jack Good

CRONICA - SPIROGYRA | Bells, Boots And Shambles (1973)

 

Após o lançamento de Old Boot Wine , Spirogyra deixou a B&C Records que encerrou suas atividades para assinar com a Polydor a fim de produzir uma 3ª ^obra . Mas Spirogyra será apenas o caso do cantor/guitarrista Martin Cockerham e da cantora Barbara Gaskin, que iniciaram um relacionamento amoroso. O guitarrista/tecladista/vocalista Mark Francis foi esquecido. Quanto ao baixista Steve Borrill, ele se vê como um simples convidado junto com o trompetista Henry Lowther, o flautista Stan Sulzman e o apito Steve Ashley. Lembramos também o baterista Dave Mattacks e o violinista/pianista Julian Cusack que participaram dos dois primeiros álbuns bem como o violoncelista John Boyce presente em Old Boot Wine .

Esta nova versão foi publicada Bells, Boots And Shambles em 1973 com 7 faixas e como sempre com comentários anticapitalistas e antimaterialistas. Desde os primeiros segundos, rapidamente percebemos que o grupo cuidou da produção para um som mais limpo, suave e suave. Abrindo com os 8 minutos de “The Furthest Point”, esta faixa começa com um instrumental, como uma introdução com este delicado arpejo no violão acompanhando por sua vez uma flauta abafada, um violino outonal e um trompete desencantado. Depois Spirogyra parece misturar épocas e atmosferas onde passamos do rock espacial futurista a uma atmosfera falsamente medieval, passando pela Inglaterra clássica e vitoriana, passando por climas misteriosos e melancólicos. Obviamente o grupo voltou a um folk prog complexo, mas tomando o cuidado de seguir na direção certa com uma abordagem mais sinfônica. E mais uma vez, o combo foca na dualidade de vozes masculinas/femininas onde Martin Cockerham se preocupa em tornar seu canto menos nasalado que caracterizou St Radigunds , o primeiro LP. É assim que este LP começa e é assim que terminará com os 12 minutos de “In The Western World” em quatro partes. Começa com a voz irreal de Barbara Gaskin. Depois explode em folk galopante para dar lugar a uma atmosfera mais uma vez vitoriana, mas também mágica. Através do som de botas, a sequência é mais sombria e dramática onde Martin Cockerham aparece desesperado e nervoso. Voltamos ao folk explosivo para concluir com um belo momento celestial.

De resto encontramos belas canções folclóricas sem pretensões mas bem produzidas onde domina a voz suave e sonhadora de Barbara Gaskin como o título homónimo com atmosfera pastoral, a flauta “Spiggly” e a estranha “  An Everyday Consumption Song”. Somos presenteados com títulos mais espetaculares como “Parallel Lines Never Separate” em duas partes onde uma bonita flauta servirá de intermediária, primeiro mais direta para finalmente terminar suavemente e “The Sergeant Says” salpicada de um piano melodioso. Resumindo, se tivermos que lembrar de um disco do Spirogyra, é este Bells, Boots And Shambles .

No ano seguinte o grupo se separou. Barbara Gaskin se juntará aos Northettes, um trio de backing vocals femininas que participarão dos álbuns do Hatfield And The North antes de formar uma dupla com Dave Stewart (tecladista do Egg e do National Health) para uma série de álbuns nos anos 80. Martin Cockerham, separado de Barbara Gaskin, é esquecido enquanto viaja pelo mundo. Então, em 2009, ele reformou o Spirogyra com Mark Francis, mas sem seu ex-parceiro, para o álbum de produção própria, Children's Earth . Após a publicação de 5 em 2011, Spirogyra se separou para sempre.

Títulos:
1. The Furthest Point
2. Old Boot Wine      
3. Parallel Lines Never Separate      
4. Spiggly      
5. An Everyday Consumption Song 
6. The Sergeant Says 
7. In The Western World      

Músicos:
Martin Cockerham: Vocais, Guitarra
Barbara Gaskin: Vocais
Dave Mattacks: Bateria
Steve Borrill: Baixo
John Boyce
: Violoncelo Stan Sulzman: Flauta
Henry Lowther: Trompete
Julian Cusack: Piano, Violino, Arranjos
Dolly Collins: Arranjos

Produção: Max Hole

CRONICA - JACKSON BROWNE | Running On Empty (1977)

 

Gravado durante a turnê anterior, o que permanecerá como o álbum mais vendido de Jackson Browne é um disco um pouco diferente em sua discografia. É de certa forma o contra-exemplo do álbum anterior, no sentido de que a sua simplicidade contrasta bastante claramente com a vontade de superação que parecia animar Browne em The Pretender , do ano anterior. A decisão de gravar no local, por vezes até de improviso, tanto em concerto, nos bastidores, como em quartos de hotel (e até a bordo do autocarro entre dois palcos), levou de facto a uma orientação musical mais centrada na sobriedade. . Destacam-se , portanto, os ricos arranjos de metais e cordas, as longas listas de colaboradores ilustres e a atenção aos detalhes trazida em estúdio. Running On Empty é também o disco em que Jackson Browne estará menos envolvido do ponto de vista da escrita, talvez consequência da terrível provação que enfrentava na altura, após a morte brutal da sua primeira mulher em 1976.

O que poderíamos considerar negligência não é muito óbvio, à primeira vista, no single “Running On Empty” que abre o álbum. Gravada durante um show em Columbia, Maryland, esta música cativante e melodicamente muito eficaz, sem dúvida, desempenhou um grande papel no sucesso comercial do álbum. Mas a partir da adorável capa de "The Road" - título folk originalmente interpretado em 1972 por seu autor, Danny O'Keefe -, tendo como pano de fundo violão e violino, o álbum despoja-se dos refinamentos que muitas vezes emergiam nas versões anteriores. álbum. Notamos também que este disco depende muito de covers ou peças escritas por terceiros. Ele contém pelo menos quatro, sem contar músicas escritas em colaboração, como “Love Needs A Heart”, uma balada country rock co-escrita por Lowell George (Little Feat) e a cantora Valerie Carter. Ao cover de Danny O'Keefe, devemos acrescentar uma versão com textos revisados ​​com Glenn Frey de "Cocaine", do bluesman Reverendo Gary Davis, e um cover de "Stay" (Maurice Williams & The Zodiacs), também emprestado do negro norte-americano música dos anos 50, na qual o guitarrista e violinista David Lindley aproveita para fazer palhaçadas cantando o refrão de Rosemary Butler. Outra composição da qual Browne não participou, a balada country rock "Shaky Town", assinada pelo guitarrista Danny Kortchmar, que mais tarde trabalharia extensivamente com Don Henley, e toca guitarra neste disco. Também merecem destaque muitas baladas, muitas vezes gravadas em forma de piano/voz, como "Rosie", e boa parte do desenvolvimento de "The Load-Out", sendo esta última uma peça com uma melodia simples mas eficaz. Mais rítmicas, "You Love The Thunder", ainda no registo country rock, e "Nothing But Time", mais blues e num fundo de ligeiro ronco do motor (do autocarro que serve de estúdio), são ainda insuficientes para dar a pequeno impulso que pode ter mudado um pouco a dimensão deste disco.

Dito isto, entendamos: todas essas músicas não são de modo algum ruins, mas não surpreendem e, portanto, lutam para despertar o entusiasmo; pelo menos a minha, porque as mais de sete milhões de cópias vendidas nos Estados Unidos provam que estou completamente errado. Do ponto de vista técnico, este disco é em qualquer caso um desafio superado com sucesso. As condições de gravação, a heterogeneidade dos ambientes de gravação sonora, não prejudicam em nada a qualidade nem a coerência do todo, muito pelo contrário. Mas para consolidar o repertório teremos que esperar por Hold Out e pelos álbuns seguintes, como veremos.

Títulos:
01. Running On Empty
02. The Road (reprise Danny O’Keefe)
03. Rosie
04. You Love The Thunder
05. Cocaine (reprise Rev. Gary Davis)
06. Shaky Town
07. Love Needs A Heart
08. Nothing But Time
09. The Load-Out
10. Stay (reprise Maurice Williams)

Músicos:
Jackson Browne: voz, guitarra, piano
+
Danny Kortchmar: guitarra
David Lindley: violino, lap steel
Craig Doerge: teclado
Leland Sklar: baixo
Russell Kunkel: bateria
Doug Haywood: backing vocals
Rosemary Butler: backing vocals

Produção: Jackson Browne

Rótulo: Asilo

Allie X - Girl With No Face (2024)

Girl With No Face (2024)

Allie X

Be aggressive. Be selfish. Be as Allie X sets out to be on Girl With No Face. Nobody to prove anything to. Creativity for the indulgence of pleasure and nothing more. More artists should be open to this correspondence with what the soul desires. Girl With No Face demands nothing from its listeners because it has no intention of entertaining their expectations. It puts Allie X in a position of power. With the same roaring and upbeat focus as Future Islands’ People Who Aren’t There Anymore, the similarity and taste from Girl With No Face bring about the marrying of wild electropop and effective lyricism which on first listen sounds disconnected. Go around again and feel the flow. What a rush it makes for, and Allie X has a fine creation on their hands.  

Opener Weird World begins the running trend of consistent synth wonders. Sudden and grating uses of industrialised filler and drum machine beauties create a raging core which Allie X builds on. Friends can be replaced by your thoughts and the ambitions of the mind. Those darker and momentous highs are found in Girl With No Face, the vocal range on display is remarkable and benefits from a slightly sinister, creaking notion underneath it all. Familiar faces are not the friends you think them to be, as Allie X warns. Alienate those around you and fight the resulting outrage. The sense of theatrics within Girl With No Face is all part of the Allie X severity – taken up to the next level by the drum machine and techno blitz of Off With Her Tits.  
Flickers of horrifying tech love on Hardware Software create another in a series of uncomfortable yet enchanting listens for Allie X. Nothing shy of exceptional the whole way through. Slim gothic tones can be heard throughout, but it never feels like the focus Allie X sets out for. In between all those plinking lights of high-strung and hair-raising instrumentals is a desire to be left alone with your thoughts. Girl With No Face presents the point of not being able to know someone – the shapeshifter at large as Allie X redefines the path to being known for an elusive stance. Girl With No Face dances through the likes of Pet Shop Boys and New Order with their heavy drum machines but Allie X finds sharp and joyous ruminations in the dark she creates. You Slept on Me is the high. That we did. Never too late to make amends and give Girl With No Face a play. 

Grande Mahogany - As Grande As (2024)

 

As Grande As (2024)

Grande Mahogany

Se Random Access Memories do Daft Punk foi uma ode ao brilho e ao glamour e tentou formar uma conexão emocional e nostálgica com o gênero disco, colocando-o através do som do presente, eu sinto que As Grande As faz o mesmo com a despreocupação do psicodélico funk, mas sem pesos pesados ​​como Touch ou Instant Crush ou The Game of Love. Ainda assim, a clara paixão e amor de Grande pelo funk é extremamente evidente neste disco e é totalmente contagiante.

Há muita influência de todas as épocas nisso e é chocantemente impressionante como Grande mistura todos esses sons e torna o som seu. É incrivelmente divertido bancar o detetive musical e identificar todas as inspirações e influências, desde o óbvio Sly & The Family Stone, Funkadelic & Jimi Hendrix, até a despreocupação de Dirty Mind/Controversy-era Prince, até a descuido e contundência moderna de Thundercat, Yachty's Let's Start Aqui e Tame Impala. Haverá uma sobreposição de comparações positivas (e talvez até algumas novas apareçam quando esse álbum eventualmente explodir, graças a Fantano) e isso não é uma coisa ruim. Significa apenas que Grande fez um disco de funk tão descolado e destila todo o espírito do funk em um grande disco que é difícil não chamá-lo de uma carta de amor gigante ao funk psicodélico. É louco, alucinante, assustador, sujo, apaixonante, tudo o que descreve seus icônicos álbuns de funk.

Jyocho - 導き、捧げて (Guide and Devote) (2024)

 

導き、捧げて (Guide and Devote) (2024)

Jyocho

O novo álbum do JYOCHO é divertido, emocionante e inspirador. Você pode ouvir claramente a bela dissonância entre as guitarras e baterias muito rítmicas, tipicamente de rock matemático, que não são muito expressivas, mas muito técnicas, e os sons simples e bonitos do cantor. Em 4 músicas rápidas, mas poderosas, a banda explora seu som de verão que ilumina um dia assim. Se você quer um bom rock matemático técnico e jazzístico, é isso.

MGMT - Loss of Life (2024)

Loss of Life (2024)

MGMT

A apresentação do título, lista de faixas e arte deste novo álbum levaria muitos a acreditar que a banda está caminhando em uma direção mais sombria. Ao contrário disso, Loss of Life não é uma lamentação pela morte, mas uma celebração da vida. Serve como o outro lado positivo igualmente correspondente ao pessimismo politicamente moldado da Pequena Idade das Trevas, mas fazendo-o de uma forma que é piegas e sincera. Há um brilho cafona de "o amor cura tudo" no lirismo, mas é muito proposital, especialmente exibido em letras como "Quero dizer a todos que conheço 'eu te amo'" da balada dançante dos anos 80 Dancing in Babylon e "Ninguém liga me the gangster of love" do penúltimo álbum adjacente a Flaming Lips, I Wish I Was Joking. Também não posso deixar de sentir parcialidade pelos sentimentos. É claro que eles não estão tentando agradar ninguém além de si mesmos, mas isso não é incomum para a banda, conhecida por criar alguns de seus melhores trabalhos através da subversão e pela necessidade de buscar o que simplesmente “parece certo” musicalmente. É claro que eles se alegraram em criar algo com uma intenção tão positiva, independentemente de como uma boa parte do consenso incompreendido dos fãs possa recebê-lo com um encolher de ombros confuso. Sem mencionar que este é facilmente o melhor lado B de um álbum desde seu segundo álbum. Originalmente, eu esperava que o álbum fosse antecipado pelos singles, como a maioria de seus lançamentos, mas para minha surpresa, não foi o caso! Gosto mais da maioria das faixas do álbum do que dos singles em si. O álbum também termina melhor do que a maioria de seus projetos, sendo o único oponente formidável nesse aspecto o trabalho de 2010, Parabéns. A faixa-título final é uma reprise melódica da faixa introdutória. O que é notável nisso é que este último é intitulado "Pt. 2", implicando um possível loop. "Quando o mundo nasce e a vida termina." Eu admito. Eu sou um fanático por esse tipo de coisa.

Little Simz - GREY Area (2019)

GREY Area (2019)

Little Simz

Instrumentos ao vivo, funk denso, jazzístico e poderoso. Batidas atléticas, frescas, vivas e famintas que batem forte. Às vezes sujo e pedregoso como uma calçada de Londres e outras vezes exuberante, brilhante e comovente como beber leite frio no Hyde Park. Bangers anti-trap construídos sobre uma fusão dinâmica de funk, neo-soul/R&B e jazz.

Sobre esse apoio, Little Simz cospe suas rimas hábeis, introspectivas, socialmente conscientes e poderosas. Ela está faminta, fervorosa e honesta. Feroz num momento e vulnerável no seguinte. Puro e apaixonante. Ela tem uma voz de comando, habilidades técnicas incríveis e letras reais que evitam o cansaço do hip hop. Ela entrega com maestria rimas ágeis que são tecnicamente deslumbrantes, mas ainda assim emocionais e apaixonadas.