quinta-feira, 7 de março de 2024

Carroll Baker born 4 March 1949

 



Carroll Anne Baker CM (nascida em 4 de março de 1949) é uma cantora e compositora canadense de música country. 

Baker nasceu em Bridgewater, Nova Escócia , e cresceu em Port Medway, uma pequena e pitoresca vila de pescadores na costa sudoeste da Nova Escócia. Ela era a caçula de seis filhos de Gordon e Iverna Baker. Ela tinha cinco irmãos; três irmãos: Fordan, Truman e Willis, e duas irmãs: Barbara e Rosemary. Carroll foi cercada de música quando criança, mas se opôs quando sua família musical lançou seu repertório de canções country. Ela preferia o rock 'n' roll. Ela até se opôs quando seu pai, um violinista com muitas talentos, disse a ela "um dia você vai adorar música country". Ela duvidava disso. 

Crescendo em uma pequena cidade na Nova Escócia, Baker foi imediatamente atraída por cantar e fazer música com seus amigos e se envolver em alguns problemas ocasionais, pois afirma que "não havia nada para fazer, exceto entrar em apuros, e nós fizemos a nossa parte disso. também." Durante sua adolescência, ela praticava regularmente e cantava em sua igreja aos domingos. “Trabalhei em todas as igrejas da cidade, a igreja anglicana pela manhã, a igreja batista à tarde e a pentecostal à noite”, disse ela. A população de Port Medway era pequena demais para ter uma escola, então ela estudou em uma vila próxima chamada Bridgewater, na Nova Escócia, aproximadamente 40 quilômetros ao norte de onde morava. Seu talento não foi reconhecido imediatamente, entretanto. Na escola, ela diz que era considerada uma das "caipiras" e o clube coral local não a deixava cantar. 

Em 1965, quando Carroll tinha 16 anos, ela e seus pais se mudaram para Oakville. Eles alugaram uma casa e todos ficaram felizes por estarem juntos. Ela convenceu seus pais a deixá-la conseguir um emprego em vez de terminar o ensino médio. Ela trabalhou em vários empregos, em uma livraria, uma fábrica, um restaurante e na Canadian Tire. Em 1966 ela conheceu um belo francês, John Beaulieu. O casal namorou por um ano, ficou noivo e se casou em 20 de abril de 1968 na Igreja Católica de São Domingos. 

                                   

Quando ela ouviu música country em Toronto, ela disse que sentiu saudades da Nova Escócia e foi aí que seu amor pela música country começou. Ela fez sua estreia nos palcos em 1968, quando seu marido a convenceu a subir no palco com uma banda local que tocava no bar. Os membros da banda ficaram inicialmente impressionados, até pedindo que ela se juntasse a eles, mas logo ficaram frustrados com a falta de progresso dela e eventualmente a deixaram ir. 

O compositor George Petralia ouviu Baker cantar e apresentou-a ao produtor Don Grashey. Seu primeiro single em 1970, "Mem-ries of Home", foi escrito por Petralia e lançado pelo selo Grashey's Gaiety. Foi um sucesso menor, permanecendo nas paradas por 26 semanas. Com base no sucesso desta primeira gravação, Grashey contatou várias gravadoras a respeito de um contrato de gravação para ela e finalmente fez um acordo com a Columbia Records. Ela gravou dois álbuns para a Columbia com sucesso comercial limitado. Eventualmente ela voltou para a Gaiety Records. Ela então assinou contrato com a RCA Records, onde obteve vários discos de ouro e platina. Da RCA, ela se juntou à Tembo Records, onde foi novamente premiada com o status de disco de platina por suas vendas de discos. 

Em 1973, Baker engravidou e anunciou sua intenção de se retirar do mundo da música. Grashey a convenceu a continuar, e a dupla viajou para Nashville para gravar quatro músicas. Seu primeiro disco entre os dez primeiros veio dessa sessão, "Ten Little Fingers", uma música sobre uma garotinha, escrita por Don Grashey; essa música continua sendo uma de suas músicas mais populares até hoje. Ela também fez sucesso com um remake de bluegrass de "It's My Party". Ao todo, entre 1970 e 1982, Baker lançou 31 singles consecutivos nas paradas. Doze deles alcançaram o topo das paradas. 

Baker recebeu o Prêmio Juno de Vocalista Country Feminina do Ano cinco vezes, incluindo prêmios em 1977, 1978 e 1979. Em 1976, ela ganhou o Big Country Award de melhor álbum do ano, e em 1977 e 1978 foi eleita a melhor cantora feminina. cantora country na mesma premiação. Ela também recebeu o prêmio CCMA como vocalista feminina do ano em 1982 e 1985 e pelo álbum mais vendido (Hymns of Gold) em 1986, e pelo álbum mais vendido (Christmas Carroll) em 1990. Ela era conhecida como "Rainha do Canadá do Música country." 

Baker entrou em semi-aposentadoria na década de 1990, mantendo um cronograma de atuação reduzido. Ela foi introduzida no Hall da Fama da Música Country Canadense em 1992 e foi reconhecida com um prêmio pelo conjunto de sua obra da Associação de Música Country da Nova Escócia em 1997. Por sediar muitas maratonas de caridade, ela também foi homenageada com o Prêmio Humanitário CF Martin. Baker tornou-se membro da Ordem do Canadá em 2010. 







Carol Sloane born 5 March 1937

 



Carol Sloane (5 de março de 1937 - 23 de janeiro de 2023) foi uma cantora de jazz americana. 

Nascida Carol Morvan em Providence, Rhode Island, ela foi atraída pela música desde cedo, ouvindo os sons das big bands do tempo de guerra e do pós-guerra da era do swing. Ela começou sua carreira profissional em 1951 cantando com o líder da banda da sociedade de Rhode Island, Ed Drew, enquanto ainda era estudante na North Providence High School, quando adotou seu primeiro nome artístico, “Carol Vann”. 

Em 1953, ela fez sua primeira gravação, um single de duas canções originalmente concebidas como uma demo das próprias canções. Aparentemente, alguém que ouviu as demos achou que as versões de Carol estavam boas e o disco teve um lançamento geral em 7” 45 rpm e 10” 78 rpm. (Infelizmente, o nome artístico de Carol na época, Vann, foi escrito incorretamente como “Van” com um N nas etiquetas.). 

Durante esse período, ela se tornou uma grande fã de jazz e começou a frequentar o bairro de East Side. Ela também passou muito tempo na Carl's Diggins, uma loja de discos adjacente ao clube. A loja era administrada por Carl Henry, disc jockey e promotor de jazz e um dos primeiros defensores do Rhythm & Blues antes do Rock 'n' Roll. Carl se tornou um mentor para Carol, apresentando-a a todos os sons mais recentes, aconselhando-a sobre compras e apresentando-a aos músicos da casa ao lado que apareciam o tempo todo. 


Ela ganhou atenção nacional pela primeira vez em 1958, quando se juntou à orquestra de Larry Elgart, com quem gravou para a RCA Victor. Elgart a rebatizou de “Carol Sloane” quando ela se juntou à banda. Ela deixou a organização Elgart em 1959. Em 1960 ela foi contratada como artista solo no Pittsburgh Jazz Festival, onde foi ouvida por Jon Hendricks do lendário trio vocal Lambert, Hendricks & Ross, que se tornou um fã instantâneo. Ele primeiro a alistou como substituta da vocalista feminina do grupo, Annie Ross, que sofria de alguns problemas de saúde. Em seguida, ele a apresentou como vocalista convidada durante uma apresentação do LH&R no The Village Vanguard em Nova York e a ajudou a garantir sua primeira reserva solo na abertura do clube para Oscar Peterson. 

Em 1961, Hendricks convenceu os produtores a incluir Carol em seu programa “New Stars” naquele verão em Newport. Ela recebeu ótimas críticas por seu desempenho e foi ouvida por um representante da Columbia Records que colocou as rodas em movimento. Columbia a contratou e ela gravou um álbum alguns meses depois. Lançado em 1962, Out Of The Blue foi elogiado por unanimidade pela imprensa e a lançou em carreira solo. Wein trouxe o festival de volta a Newport naquele ano e Carol apareceu novamente em uma apresentação arrasadora que contou com a participação do lendário saxofonista tenor Coleman Hawkins. 

                                   

Ela lançou um segundo álbum a tempo para o Natal de 1962, Live At 30th Street - uma performance ao vivo gravada no Columbia Studios em Manhattan e foi outro favorito da crítica. No entanto, as vendas foram lentas (alguns dizem devido à preponderância do Rock 'n' Roll nas ondas de rádio) e embora não a tenham retirado da gravadora, a Columbia colocou Carol em segundo plano. Ela esperou para participar de compromissos em clubes, cantando em Manhattan e voltando para casa no The Kings & Queens em Pawtucket, onde foi gravada ao vivo com outro gigante tenor, Ben Webster. Ela também se tornou regular no Arthur Godfrey Time, um programa matinal incrivelmente popular da CBS Radio, transmitido nacionalmente de segunda a sexta-feira. 

Ela gravou dois singles independentes de natureza mais comercial para a Columbia em 1963 e 1965, mas nenhum deles conseguiu quebrar as paradas e ela se separou da Columbia. Ela não gravou novamente até 1973. Durante o final dos anos 1960 e início dos anos 70, Carol aproveitou o tempo para conseguir vários empregos dentro e fora do mundo da música. As coisas começaram a virar uma bola de neve quando ela foi convidada para gravar um álbum em Tóquio, Japão, pela Trio Records. Os japoneses são fervorosos fãs e colecionadores de jazz e os dois álbuns de Carol na Columbia se tornaram itens colecionáveis ​​​​de alto preço lá. No final dos anos 70, Carol tornou-se uma figura venerada e lendária na sua grande comunidade de jazz. 

Depois que o lançamento japonês de Sophisticated Lady em 1977 a colocou de volta aos olhos do público, ela começou a gravar regularmente para várias gravadoras e no final dos anos 1980 estava gravando para a gigante americana do jazz Fantasy Records sob seus selos Contemporary e Concord. Ao todo, ela gravou mais de duas dúzias de álbuns lançados internacionalmente e aclamados pela crítica como líder na companhia de dezenas de lendas e gigantes do jazz, incluindo Clark Terry, Tommy Flanagan, Bob Brookmeyer, Art Farmer, Jim Hall, Sir Roland Hanna, Ben Webster. e Phil Woods, só para citar alguns. 


Carol Sloane foi introduzida no Rhode Island Music Hall of Fame em 21 de abril de 2016, durante uma apresentação no Chan's em Woonsocket, Rhode Island. Ela morreu em 23 de janeiro de 2023, devido a complicações de um acidente vascular cerebral que sofreu dois anos antes. 



Eddie Fontaine born 6 March 1927



Eddie Fontaine (6 de março de 1927 - 13 de abril de 1992) foi um ator e cantor americano, mais conhecido por papéis na televisão nas décadas de 1960 e 1970. 

Nascido Edward Reardon em Springfield, Massachusetts, ele herdou a aparência de sua mãe italiana e não de seu pai irlandês, que não ficou nada satisfeito quando Eddie mudou seu sobrenome para Fontaine, porque era "mais elegante". Eddie cresceu em Rockaway Beach, a trinta quilômetros da cidade de Nova York. Tendo Frankie Laine como principal inspiração, ele começou no mundo da música cantando em bares de Nova York com um violão e passando o chapéu. No início da década de 1950, Fontaine passou a cantar em salões de coquetéis, onde foi descoberto pelo líder da banda Neal Hefti e Jimmy Hilliard, que estava apenas começando o novo selo 'X', uma subsidiária da RCA. 

Duas semanas depois, na primeira semana de 1955, Eddie se viu no estúdio RCA Victor, em Nova York, gravando covers de duas composições de Henry Glover, "Rock Love" (originalmente gravada por Lula Reed, mas um hit Top 20 para as Fontane Sisters). e "Todo meu amor pertence a você" (Bullmoose Jackson). Vendeu bem o suficiente para ser lançado no Reino Unido (HMV 7 M 304). Fontaine fez parte do primeiro show de rock n roll de Alan Freed, no Brooklyn Paramount em abril de 1955, com LaVern Baker, the Penguins, the Clovers, Red Prysock, the Moonglows, Mickey Baker e outros. 

Depois de sete singles para X e seu sucessor, Vic, e 45 singles para Jalo, Eddie assinou contrato com a Decca no verão de 1956. Seu primeiro lançamento pela gravadora foi "Cool It Baby", que foi gravado por Dick Lory para Dot apenas algumas semanas antes. Foi o primeiro roqueiro de Eddie e lhe rendeu uma participação especial no clássico filme de rock n roll "The Girl Can't Help It". Mais seis singles da Decca se seguiram em 1956-57, mais pop do que rock. Ele se despediu em grande estilo com um cover de "Honky Tonk Man" de Johnny Horton, gravado em Nashville com Hank Garland, Grady Martin, Bob Moore e Buddy Harman. Em seguida veio um excelente dueto para Chancellor, "Goodness, It's Gladys"/"Middle Of the Road", sendo o lado A um de seus lados mais rock. Mas este foi um acordo único e Eddie agora estava sem contrato de gravação. 

 Fontaine entrou em estúdio às suas próprias custas e gravou uma demo de uma música que ele havia escrito (ou pelo menos, ele sempre afirmou ser o único compositor), "Nothin' Shakin'", usando os guitarristas George Barnes e Eddie O. 'Connor, o baterista Cozy Cole e outros dois. Ele enviou a demo ao editor Gene Goodman na esperança de que a música fosse colocada em uma gravadora, mas inicialmente não houve compradores. Eddie então assinou com o selo Sunbeam de Tommy Valando e regravou "Nothin' Shakin'" para eles. 

                                   

Logo após o lançamento desta nova versão ele descobriu que sua demo original havia sido vendida para a Chess Records sem o seu conhecimento e adquiriu três créditos adicionais de composição: por Diane Lampert, John Gluck Jr e Cirino Colacral. Esta versão original (e superior) foi lançada na Argo 5309 em agosto de 1958 e subiu para a posição # 64 no Hot 100 da Billboard, a única entrada nas paradas da carreira de Eddie. "Nothin' Shakin'" também foi lançado no Reino Unido e posteriormente gravado pelos Beatles (para a BBC), Billy Fury e Craig Douglas, entre outros. Em seguida, Fontaine passou algum tempo em Cuba, fazendo apresentações em boates, até que Battista foi deposto por Fidel Castro. 

Lançamentos posteriores na Warner Bros e Liberty não tiveram sucesso e Eddie desapareceu da cena das gravações, enquanto sua carreira de ator decolava. 1961 o encontrou em Hollywood fazendo o papel de um soldado cantor no drama semanal de TV "The Gallant Men" da Warner Bros. Depois que a série saiu do ar em 1963, Fontaine passou as duas décadas seguintes oscilando entre cantores de boate e programas de TV. -partes que incluíam Kojak, Baretta, The Rockford Files, Happy Days como o pai de Fonzie, The Six Million Dollar Man, 77 Sunset Strip, Baretta e Quincy. 

Em 1981 ele retomou seu antigo cargo de cantor de rock n roll e fez uma turnê pela Europa. Em 1984, ele foi acusado de solicitar o assassinato de sua ex-mulher, Pamela. Um conhecido, o cantor country de meio período David Faircloth, disse ao Tribunal Municipal de San Fernando que Fontaine lhe ofereceu US$ 3.000 e, como incentivo adicional, uma guitarra elétrica em troca do assassinato da ex-Sra. Fontaine. Eddie foi condenado a quatro anos de prisão, mas aparentemente foi absolvido por um tribunal de apelação em 1985. Sabe-se com certeza que ele era um homem livre em 1º de março de 1987, porque foi entrevistado por Stuart Colman naquele dia, em Rádio Londres. 

Ele fez sua última aparição na TV na série Sisters em 1991, e morreu no condado de Los Angeles, Califórnia, de câncer na garganta no ano seguinte, 13 de abril de 1992, aos 65 anos . o site do Hall da Fama do Rockabilly.




Floh De Cologne - Lucky Streik (1973)

 



"Lucky Streik" é um clássico álbum político "krautadelic" lançado por Floh De Cologne em 1973 pelo selo "Ohr".

Floh De Cologne eram conhecidos por sua abordagem humorística e satírica (o que lhes rendeu comparações com outras trupes de monstros como The Fugs ou The Mothers Of Invention). Eles oferecem uma conexão bizarra de sátira agit-prop e loucura com free jam implacável e sem barreiras: A agitação política encontra o free rock...

"Lucky Streik" foi gravado ao vivo em 25.11.72 no Stadthalle Gummersbach e remixado no Studio Dierks em Stommeln, Colônia.

Tracklist:

1. Countdown
2. Schön ist ein Jugendtraum
3. Sozialpartner Blues
4. Kalte Wut
5. Wenn ich einmal Reich bin
6. Die Wirtschaft ist jetzt in Gefahr
7. Der Imker
8. Deine Freiheit
9. Vergleiche
10. Der Löwenthaler



​sax (tenor) clariner, flauta
Markus Schmidt - voz, guitarra, teclado
Dick Stadtler - baixo, guitarra, piano
Hansi Frank - voz, bateria





Heiner Goebbels e Alfred Harth - Frankfurt Peking (1984)

 



A dupla Goebbels/Harth (1975–1988), combinando o compositor, diretor de teatro musical e tecladista alemão Heiner Goebbels e o compositor, artista multimídia e saxofonista alemão Alfred 23 Harth, tornou-se famosa por sua adaptação e afastamento de compositores europeus, especialmente Hanns Eisler, implementado de uma maneira provocativamente nova em improvisações livres estruturadas e na implantação de conteúdo de áreas além da música. 

A dupla foi apelidada de “irmãos Eisler” pelo crítico musical W. Liefland. Mais tarde, eles também experimentaram diferentes gêneros e colagens sonoras, incluindo dispositivos eletrônicos. A dupla tocou em diversos festivais internacionais e concertos em cidades tão diversas como Tel Aviv, Zagreb, Berlim Ocidental e Oriental e América do Sul.

Em 1981, Berendt junto com a dupla produziram o LP "Zeit wird knapp" incluindo poemas de amor e baladas de Bertolt Brecht, para o qual recrutaram os vocalistas Dagmar Krause e Ernst Stötzner. A dupla então moldou artisticamente a música new wave alemã/Neue Deutsche Welle em seu estilo com seus LPs "Indianer Für Morgn" e "Frankfurt/Peking", usando também sintetizadores, dispositivos eletrônicos e instrumentos estendidos. 

Por volta de 1983-84, o espírito criativo da dupla diminuiu. Em 1987, Harth tocava palhetas e instrumentos de sopro na performance "Der Mann im Fahrstuhl" de Goebbels no Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville em Victoriaville, Quebec, Canadá (junto com Arto Lindsay e Heiner Müller). No mesmo festival, ocorreu um último e significativo evento Goebbels/Harth por meio de uma gravação ao vivo, que se tornou uma espécie de sinopse de todo o repertório da dupla ao longo de sua longa história. Depois de mais alguns eventos de dupla e das últimas gravações inéditas “Duos für Fritz”, Harth separou a dupla em 1988.

Este álbum foi gravado e mixado no Trion Sound Studio Frankfurt em setembro de 1984-


Tracklist:
A1 Die Reise Nach Aschenfeld 5:50
A2 Stell Dir Vor Du Bist Ein Delphin 4:52
A3 Blitze Über Moskau 4:39
A4 Paradies Und Hölle Können Eine Stadt Sein 4:53
B Peking-Oper 15:55





Howlin' Wolf‎ – Cadillac Daddy - Memphis Recordings, 1952

 



Você não pode culpar o material desta coleção de 12 músicas das gravações de Memphis de Howlin' Wolf gravadas para Sam Phillips. A faixa título apresenta alguns trabalhos de guitarra verdadeiramente assustadores de Willie Johnson, e todo o material aqui é carregado com energia selvagem e uma sensação de que pode desmoronar a qualquer segundo. É uma música totalmente intuitiva, com Wolf aparentemente inventando tudo à medida que avançava, que Sam Phillips teve a paciência de capturar enquanto tudo acontecia. Esses são alguns dos grandes momentos da história do blues...

Estas são as gravações que motivaram a afirmação frequentemente repetida do chefe da Sun Records, Sam Phillips: "É aqui que a alma de um homem morre." Phillips supervisionou sessões de nomes como Elvis Presley, Jerry Lee Lewis e BB King, mas o blues elétrico gutural de Howlin' Wolf capturou sua imaginação como nada mais - e não é difícil entender por quê. O Lobo dessas sessões de 1952 estava a apenas alguns anos de distância da fazenda, tendo começado a tocar em West Memphis, Arkansas, em juke joint e em casas de gatos após a Segunda Guerra Mundial. Trabalhando com uma banda pequena, mas selvagem, destacada pelo guitarrista Willie Johnson (chamado por alguns de Jimi Hendrix de sua época), o cantor e gaitista, já de meia-idade, criou um som no início dos anos 50 que uniu o blues do Mississippi que era seu. raízes com o blues amplificado de Chicago que era seu destino. Phillips capturou o homem nascido Chester Burnett na faixa-título, "Drivin' CV Wine", e também nas outras 10 seleções incluídas aqui, três das quais foram lançadas anteriormente, enquanto todos os números restantes, exceto um, nunca apareceram antes na América do Norte. . Os lados do Wolf's Chess são, claro, marcos, mas este é o Lobo indomável e selvagem.


A1Cadillac Daddy (Mr. Highway Man)
A2Bluebird Blues
A3My Last Affair (Take 1)
A4Oh Red! (Take 2)
A5Come Back Home
A6Dorothy Mae
B1Decoration Day Blues
B2Color And Kind
B3Drinkin' C.V. Wine
B4I Got A Woman (Sweet Woman)
B5Everybody's In The Mood
B6My Baby Walked Off




quarta-feira, 6 de março de 2024

acloudyskye - There Must Be Something Here (2024)

Tem havido uma tendência comum nos últimos anos na cena EDM underground/online: artistas que antes faziam músicas que se encaixavam confortavelmente nos limites da EDM começaram a abandonar esse estilo em favor, por falta de palavras melhores, do rock. Artistas como underscores e Jane Remover foram os artistas mais notáveis ​​desse movimento, mas há muitos outros artistas na cena seguindo o exemplo, e acloudyskye é um exemplo brilhante.

Estou citando um dos exemplos mais extremos, mas quando você compara "Ditch" a uma música como "Nosedive" de seu álbum A Place Where Mountains Hide , de 5 anos atrás, você dificilmente acreditaria que elas foram feitas pela mesma pessoa. . Mas dada a progressão completa do som que cada álbum teve desde então, começa a fazer mais sentido. Com o tempo, afastando-se lentamente do EDM e abandonando a dependência da produção eletrônica em favor de elementos mais crus, analógicos e acústicos. O que começou como "grandioso e emotivo Dubstep melódico" se transformou em "grande e emotivo pós-rock", e o que começou como riffs e solos de sintetizador distorcidos se transformou em riffs e solos de guitarra distorcidos.

Mesmo durante o álbum em si, a música progride lentamente para um som mais acústico. A recompensa na abertura “Relay” é uma reminiscência do electropop de Nurture , de Porter Robinson , e “Flares” e “Quicksand” também se inclinam para a produção eletrônica. Mas quando as últimas três faixas são lançadas, quase todos os vestígios de influências eletrônicas já desapareceram. “Ditch” e “Ends” me lembram muito o antigo estilo slacker rock de Alex G , e a recompensa em “Left” é muito mais enraizada no rock do que ouvida anteriormente em “Relay”. Apesar da mudança no som, a âncora deste projeto em cada nova música e álbum tem sido a narrativa emotiva de Skye. Mesmo em 2017, estava claro para mim que esse era o elemento central de todas as suas músicas e foi o que me atraiu em sua música. Seu talento artístico em qualquer estilo que ele tenha feito o levou a criar seu próprio som e estilo e se destacar de tantos outros na cena, e as coisas aqui não são diferentes. Para mim, There Must Be Something Here significa a conclusão de uma mudança no som que ocorreu ao longo de vários álbuns e alguns anos. O que é ainda mais emocionante é que acho que ainda há espaço para melhorar aqui. Pelo que é, este é um álbum maravilhoso e me deixa muito animado para o que vem a seguir.


Destaque

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