Dug Dug's - Same

 

Esta inovadora banda mexicana estava à frente de seu tempo e tem uma história fascinante. Eles eram originalmente da cidade de Durango, na província de Durango, e seu nome é tirado de uma contração destes: Dug Dugs. Eles só começaram a fazer sucesso quando se mudaram para Tijuana no final dos anos 60. Aparentemente, eles eram uma das poucas bandas que se apresentavam no México. usando letras em inglês. Por isso, eles chamaram a atenção da RCA (México) e garantiram um contrato. A estreia deles traz ótimas faixas de hard rock com influências psicodélicas, pontuadas por baladas pop mais suaves e com influências progressivas, todas com vocais em inglês, um pouco de guitarra fuzz, órgão e flauta. Esta banda é, sem dúvida, a principal banda de psych/hard rock do México e deve ser investigada por todas as partes interessadas.

Bem diferente do heavy psych que eles logo adotariam, esta estreia do grupo Dug é um disco eclético, mas não totalmente desagradável, de coisas psicodélicas em geral. Parte disso é francamente meloso em sua missão de compor um sucesso, mas '71 chegou um pouco tarde para um material tão ingênuo. Ainda assim, não é ruim, embora o SMOG esteja muito mais confiante e desenvolvido. Mas foi uma ótima produção.

Excelente, tudo tem um começo, suas raízes, as do metal, estão aqui, obrigado moth

Néstor

Para mim, os Dug Dugs sempre foram um ícone dentro do movimento cultural chamado "Geração Avandaro". Seu primeiro trabalho (Dug Dug's) é uma obra de boa audição que flerta com sons progressivos e psicodélicos, músicas como Lost in My World ou Let's Make It Now são verdadeiras joias dignas daquela geração. A banda mostrou ao longo do tempo que evoluiu e capturou muitas nuances em sua música, algumas se inclinando mais para a onda "acid-progressive" e também para sons pop adocicados. É uma banda versátil, com uma performance "bizarra" e um estilo único e inovador. Os Dug Dugs são emblemáticos de uma época muito importante no México, e é por isso que seu trabalho merece muita atenção, especialmente seu álbum de estreia, Smog y El Loco; Esses álbuns são essenciais pelo seu valor, pois são exemplos de uma performance rica e dedicação admirável . Cada álbum tem sua própria personalidade e neles você pode apreciar o conceito que está amadurecendo e conseguindo atingir o ponto mais alto de sua carreira. Mas vamos ao álbum que hoje vos ofereço, deixemos que a sua naturalidade refresque o nosso ânimo e nos mostre a sua proposta. Aqui estão minhas impressões. Tenha um bom fim de semana.

Posso dizer que a estreia de Dug Dug em si é agradável e muito única, apesar da irregularidade em sua execução consegue motivar bastante e com isso já falei muito sobre esse trabalho. Acho difícil acreditar que esse álbum seja subestimado, mais difícil ainda acreditar que a banda já tenha sido subestimada, mas, ei, nesta vida vamos ouvir de tudo, então é preciso ter "ouvidos de testículo" para algumas coisas. Voltando à estreia do Dug, posso dizer que ele tem atitude, qualidade e coragem . O conceito deles é marcante, a fusão que eles aplicam aqui deixa seu som de alguma forma fresco, alegre e com uma dose de acidez, por outro lado a visão deles para esse trabalho deixa uma linha tênue para o que eles querem seguir, não se sabe qual identidade eles querem assumir, o álbum parece um buquê de coisas, um trabalho onde eles tocam o que cai bem no saco, desde um rock psicodélico pesado até uma espécie de "Beat Pop de linha floral", então é aí que a onda irregular a que eu estava me referindo entra em cena. O álbum em si tem músicas excelentes, boas, medianas, e Deus sabe o que aconteceu com algumas delas. Não há nenhuma tendência para a tecnicalidade completa, e isso é natural. Aqui eles caem em uma fórmula mais solta; parece um álbum de garagem típico no sentido de: "vamos tocar o que gostamos, ponto final." Talvez eu não esteja certo, mas quando ouvi o trabalho com todos os meus sentidos no lugar, tive a impressão de que essa era a mensagem, então se você pegar a vibe do Dug verá que há muito o que cortar, muito gringo e britânico, muito latino e acima de tudo composto sob a visão de ser um trabalho que se enquadra em uma proposta pseudoprogressiva ou melhor, eu poderia dizer que está mais próximo do Prog Related - bem, talvez não tanto - mas seus álbuns seguintes conseguirão chegar muito perto disso, voltando a este álbum agradeço à banda por conseguir manter seu trabalho de pé. Eles são como camaleões e dinamites. Até mais. 

Na minha opinião, um trabalho concreto, sólido, eclético, mas prejudicado por suas limitações e sua ânsia de entrega. Embora caia em seu território positivo, eles ainda precisam dar mais personalidade à música e atingir o que é chamado de "seu carimbo pessoal". Não sou duro com eles, eles alcançam seu objetivo no final. Qual é? Faça você vibrar, o começo é tudo. Bom som, boa performance instrumental e uma boa fórmula, todos os elementos essenciais que um álbum precisa para se destacar. Pode não ser o melhor da carreira dele — pelo menos para mim — mas tem caráter em seus grooves, e isso quer dizer alguma coisa. Até mais.

Minidados:
*Banda lendária de Durango, México, cujos primórdios remontam a meados dos anos 60, quando Armando NAVA (vocal, guitarra, flauta, percussão) e Jorge DE LA TORRE (baixo, percussão) tinham uma banda na escola chamada “”XIPPOS ROCK””. Quando sentiram que tinham experiência suficiente, mudaram o nome para DUG DUG'S (porque eram originalmente de Durango) e viajaram para Tijuana, onde se deram muito bem. Tanto que naquele mesmo ano viajaram para a Cidade do México, onde gravaram seu primeiro álbum e foram convidados a participar do lendário Festival Avándaro.

* As primeiras cópias incluíam o single "Stupid People" b/w "Joy to People", cujas músicas foram regravadas para o álbum "El loco" (1975). As versões originais, por sua vez, foram incluídas na coletânea de 1985: "15 Dug Dug's Hits ".

01. Lost in My World - (Perdido En Mi Mundo)
02. Without Thinking - (Sin Pensarlo)
03. Eclipse
04. Sometimes - (Algunas Veces)
05. Let's Make It Now - (Hagámoslo Ahora)
06. World of Love - (Mundo de Amor)
07. I Got the Feeling - (Tengo el Sentimiento)
08. It's Over - (Se Acabo)
09. Going Home - (Yendo a Casa)
10. Who Would Look At Me? - (¿Quien Me Mirara?)

CODIGO: H-25

MUSICA&SOM

Uriah Heep - The Lansdowne Tapes

 

Você precisa ser um fanático por Uriah Heep como eu para apreciar este disco duplo de outtakes, versões alternativas e gravações do Spice. Se você não é um fanático por Heep, pule isso, mas se for, venha ouvir onde tudo começou. Organizado!

Descanse em paz, David Byron

Ecos de Lansdowne: O Nascimento Inexplorado de Uriah Heep

Há álbuns que nascem para serem ouvidos e outros que, com o tempo, se tornam portais para momentos perdidos. The Lansdowne Tapes não é apenas uma coleção de gravações; É o eco de uma gênese sonora, uma janela aberta para os dias em que Uriah Heep ainda não sabia que seria Uriah Heep . Nós nos encontramos nos recessos do estúdio Lansdowne, em Londres, entre 1969 e 1971, quando a banda ainda estava escondida sob o nome Spice . Fumaça de cigarro, cheiro de equipamentos velhos e o zumbido de amplificadores ligados enchiam a atmosfera. Ali, naquelas primeiras sessões, começaram a ser lançadas as bases de um gigante do hard rock.

As fitas são um testemunho de uma banda em meio a uma metamorfose, presa entre o blues pesado, o hard rock emergente e toques de psicodelia que ainda não haviam se estabelecido totalmente. Ouvir essas músicas é como espiar os esboços de uma obra-prima antes que os traços finais definam a pintura. "Astranaza" começa com uma crueza que parece quase primitiva, com uma energia selvagem que beira o descontrolado. É como assistir ao primeiro batimento cardíaco de uma fera que ainda não compreende sua própria força. Depois vem "Born in a Trunk" , uma música que tem cheiro de garage e promessa, com aquele groove sujo e direto que mais tarde seria refinado em seus álbuns oficiais. Mas nem tudo é grosseria; Há momentos de pura alquimia sonora. "Why" já exibe aquelas camadas vocais tão características do Heep, um pequeno vislumbre do que viria em álbuns como Demons and Wizards. E, claro, "Come Away Melinda" aparece aqui em uma versão mais crua e menos polida, mas carregada de uma melancolia que transcende o tempo. Cada faixa de The Lansdowne Tapes tem o cheiro de uma banda que ainda está em busca de si mesma, mas que, sem saber, já encontrou algo único: sua alma.

Este não é um álbum para iniciantes, mas para quem busca, para aqueles que gostam de se perder nas passagens menos percorridas da história do rock. É um mapa de tesouro enterrado, com marcas de sujeira e rabiscos nas margens, mas com um brilho que antecipa grandeza. Então, se você decidir tocá-lo, faça-o com os ouvidos bem abertos. Você não ouvirá o rugido maduro de Uriah Heep aqui, mas sim o primeiro murmúrio de uma tempestade que estava prestes a desabar.

Impressões pessoais:

Lansdowne Tapes não é um disco simples, mas um verdadeiro documento sonoro, um registro dos primeiros passos do Uriah Heep. Aqui você encontrará os singles resgatados da esquecida banda Spice (proto-Uriah Heep) e algumas músicas “alternativas” de obras lendárias como: Very 'eavy... Very 'umble, Salisbury e Look at Yourself. É certamente um material digno de consideração, pois contém as sementes do que eventualmente se tornaria o som icônico da banda. Na minha opinião, é um documento essencial para qualquer fã de Uriah Heep e uma aventura sonora fascinante, repleta de raridades, versões alternativas e conceitos iniciais. Um álbum delicioso, sugestivo e um daqueles complementos essenciais para os seguidores mais fiéis .  Então esta compilação é, em essência, uma janela para os primeiros dias do Uriah Heep . O som que se desenvolve aqui é puro hard rock, cru e direto, com aquela energia típica dos primeiros tempos. No entanto, o que diferencia esta coleção das obras oficiais é a presença sutil de nuances de jazz e soul. Eles não aparecem em todas as faixas, mas aparecem em algumas músicas, especialmente aquelas ligadas a Spice , o verdadeiro coração deste trabalho. É um álbum divertido e sugestivo, repleto de qualidade e com uma visão clara do que seria o proto-Uriah Heep. Não há encenação mais versátil do que esta, onde cada música oferece algo diferente. Ouvi-lo é realmente um tesouro, não só pelo som em si, mas pela experiência que ele oferece. Aqui você encontrará versões em diferentes tonalidades, peças antigas ainda em condições precárias, mas com uma elegância inata. É isso que torna esse disco ótimo. Você provavelmente já tem uma ideia aproximada do que esperar... E acredite, não há nada desprezível aqui: técnica, qualidade, som... tudo está coberto! Pode parecer excêntrico para alguns ou um gosto adquirido para outros, mas é fácil de ouvir e oferece uma espécie de batalha sonora entre o que percebemos desses músicos em seus primeiros dias e a grandeza que eles alcançarão mais tarde. Ele sempre considerou este álbum como a porta de entrada antes de mergulhar nos álbuns titânicos do Uriah Heep . Espero que você ache essas gravações de valor especial. O resto, como sempre, deixo com vocês. Vejo vocês no próximo verão.

01. Born In A Trunk [*]
02. Simon The Bullet Freak
03. Here Am I
04. Maguc Lantern [*]
05. Why (11.18 minute version)
06. Astranaza
07. What Within My Heart
08. What Should Be Done
09. Lucy Blues
10. I Want You Babe (Behind The Green Shed Blues) [*]
11. Celebrate [*]
12. Schoolgirl [*]
13. Born In A Trunk (Inst) [*]

[*] Spice

CODIGO:@

MUSICA&SOM

Manfred Mann's Earth Band - Solar Fire

 

Este é um álbum de hard rock progressivo. Devo admitir que o baixo, as guitarras e a bateria são bem tocados, nunca simples. A guitarra tem um bom som de hard rock, não muito alto, dando todo o espaço necessário para a exibição dos teclados. O que torna a earth band de Manfred Mann única são certamente esses sons de teclado. Órgão, Moog, piano... Muitas vezes experimentais e surpreendentes, eles nunca são monótonos e são bastante sofisticados: você pode notar o quão versátil ele pode ser nas músicas "earth, the cycle".

O melhor disco do Manfred Man de todos os tempos - músicas fantásticas com ótimo clima!
Coisa deliciosa!!!

A Earth Band de Manfred Mann é uma banda que sempre deixou claro o conceito que quer passar; Com um selo especial e um fator de foco progressivo, cada um de seus álbuns tem sido uma experiência gratificante e muito agradável. Seus trabalhos sabem capturar uma visão diferente e conseguiram atingir um bom nível. A performance da banda sempre soube se movimentar em todas as áreas possíveis. Solar Fire aborda a exploração do Space Rock , então a banda se "espalha" por atmosferas cósmicas, que são passagens encorajadoras dentro de seu universo, pois eles sempre testam sua engenhosidade ao criar música. Para mim, esta obra consegue se expressar muito bem dentro de seu terreno progressivo, já que o conceito aqui de alguma forma consegue se fundir muito bem e atingir um bom clímax. A banda expressa seu interesse pelo efeito Espacial de uma forma muito sugestiva, basta ouvir a faixa-título do álbum ( Solar Fire ) para perceber que o MMEB transita bem em todas as áreas possíveis e consegue recriar uma atmosfera ácida e sugestiva que transforma Solar Fire em um álbum CULT. Na minha opinião, um dos melhores da gravadora dele. Aqui estão minhas impressões do álbum.

Solar Fire é eclético, sofisticado e um tanto experimental em suas fusões. O álbum segue um caminho de entonação "cósmica", mas também abraça a linha do rock progressivo sob um véu de escuridão e acidez. Nele, você pode apreciar um excelente trabalho de teclado e guitarra, além de sugestivas passagens progressivas que fazem desta obra uma viagem agradável. A performance é maravilhosa, mesmo que se torne pesada e esmagadora às vezes. No entanto, o trabalho aqui é envolvente; seu conceito é único, e sua fórmula não transmite uma sensação de "exaustão" ou saturação. O álbum em si é fácil de ouvir e não é saturado com parafernália progressiva. Na minha opinião, um dos melhores álbuns do MMEB, pois consegue recriar atmosferas muito delirantes sob a tutela de um excelente cenário musical. Refrões elegantes, mudanças de tempo, abordagens ácidas sob uma visão cósmica, dispositivos psicodélicos e uma performance instrumental calibrada e dedicada fazem de Sola Fire algo verdadeiramente memorável. Obra fundamental em sua discografia.  

Mini-fatos:

*O álbum passou 15 semanas nas paradas da Billboard 200, chegando ao número 96 em 11 de maio de 1974.

*A obra foi inicialmente concebida para ser uma adaptação completa de “The Planets Suite”, mas o herdeiro de Gustav Holst, que já havia dado permissão para a adaptação de “Jupiter, the Bringer of Jollity”, não permitiu que isso acontecesse, então a banda fez seu próprio álbum “cósmico”.

01. Father Of Day, Father Of Night

02. In The Beginning, Darkness

03. Pluto The Dog

04. Solar Fire

05. Saturn, Lord Of The Ring / Mercury, The Winged Messenger

06. Earth, The Circle Part 2

07. Earth, The Circle Part 1

CODIGO: E-5

MUSICA&SOM

Alquin - Marks

 

Jazz prog holandês, com bastante influência do Soft Machine. Os saxofones de duelo lhes dão um pouco de distinção, assim como o fato de o guitarrista tocar violino também de vez em quando. Mas cuidado com os vocais terríveis em “I Wish I Could” e “You Always Can Change”!

O primeiro álbum, Marks, é majoritariamente instrumental, e os poucos vocais que há são realmente fracos. Há muita execução boa de saxofone e flauta, e a vibração do prog do início dos anos setenta está definitivamente presente, mas a música é geralmente meio fraca, geralmente baseada em sequências de acordes muito básicas, mas com melodias decentes e uma boa quantidade de improvisação. O que é legal em muitas das faixas é que elas são concisas. O tema é declarado, há um pequeno espaço para solos e então termina. Eles não recorrem a improvisações intermináveis ​​como muitos grupos progressistas aspirantes pareciam fazer no início dos anos 1970.

Outra joia progressiva, mas TENHA CUIDADO, esta não tem um perfil de presença ameaçadora como King Crimson, Gentle Giant e/ou Van Der Graaf Generato e não é tão exibida dentro das grandes elites do prog, mas, MAS!, MAS!!!, MAS!!!!, este trabalho consegue ser uma JOIA PROGRESSIVA do início dos anos 70, concebido em pleno brilho de ART AS ROCK (1972). Marks consegue ser magnífico, etéreo e sublime. O álbum é cheio de atmosferas que vão do folk prog às entonações ácidas e trechos psicodélicos , uma pequena joia eclética cuja performance é muito estilizada e tem toda aquela vibe progressiva inicial.

Um álbum que consegue ser fresco, divertido e bastante agradável de ouvir, a execução instrumental mágica é perfeita; Eles pegam emprestado elementos de suas influências mais atuais (Pink Floyd, Caravan, Genesis, Jhetro Tull) e recriam passagens novas, elevadas e às vezes etéreas, optam até por usar pequenos "gadgets" que dão ainda mais presença, e apesar de às vezes tenderem a ser "pomposos", conseguem capturar "música de alta qualidade", e acredite, supera todas as expectativas porque os músicos sabem fazer bem o seu trabalho, e o resultado é uma performance polida, meticulosa e brilhante. O álbum é feito de progressões, mudanças de ritmo, passagens sinfônicas, tons folk, trechos psicodélicos, ou seja, pura delicadeza progressiva que não pode faltar , exceto por algumas músicas doces e melódicas muito beatle-like, que na minha opinião são desnecessárias porque não consigo encontrar nenhum sentido nelas, mas tudo bem, essa é só a minha opinião. Além disso, toda a performance é bem conseguida e consegue cumprir o objetivo desejado: "NOS SURPREENDER com sua performance e qualidade". Uma banda que entrou em um território mais profundo. 197

2 é o ano da "descoberta", dos MEGA SINGLES, dos álbuns conceituais, do ROCK como CULTURA e das megabandas.

O que mais posso dizer sobre esse álbum? É outra experiência enriquecedora que não tem muitos pontos fracos, e cada músico sabe o que está fazendo, e apesar de explorar seus recursos, eles nos oferecem novas sensações, ou pelo menos lutam contra elas. Um ótimo álbum, de fato. RECOMENDADO. Até mais.

Minidados:

*A banda foi fundada em Delft, Holanda, em 1971, dissolvida em 1977, reunida em 1995 e dissolvida em 2012.

*ALQUIN foi uma banda holandesa inovadora que lançou quatro álbuns de estúdio no início e meados dos anos 70, sendo os dois primeiros de particular interesse para os progressivos.

01. Oriental Journey

02. The Last You Could Do Is Send Me Some Flowers

03. Soft Royce

04. Mr. Barnum Jr's Magnificent & Fabulous City

05. I Wish I Could

06. You Always Can Change

07. Marc's Occasional Showers

08. Catharine's Wig

CODIGO: D.1-22

MUSICA&SOM

Rufus Zuphall - Weiß der Teufel

 

Prog instrumentalmente rico e emocionante, com flautas estridentemente tocando por toda parte (eu queria que outros discos do kraut tivessem uma instrumentação tão única), com uma atmosfera folk sobrepondo a intensidade do forte trabalho de guitarra. bateria imensa (a faixa-título final é suprema, uma das melhores loucuras que já ouvi, melhor até do que qualquer coisa que Can faz: a porra da bateria!) É verdade que entra em território mais fraco, mas a fusão de prog e folk mantém o som interessante e envolvente.

Um primeiro álbum sensacional desta banda de folk rock com pegada muito blues. A música é totalmente imaginativa, principalmente instrumental, apresentando composições dinâmicas e cativantes acompanhadas por linhas de flauta psicodélicas e possessivas, riffs de guitarra com toques de blues e arranjos progressivos. O clima geral tende a ser voltado para atmosferas psicodélicas e ácidas. Todos os jams de blues e sons sofisticados de violão acústico são realçados por solos de flauta excêntricos e proeminentes. Um item de folk rock psicodélico sólido e poderoso, dominado por seções instrumentais extraordinárias, engraçadas, eficazes e épicas. Este álbum é essencial e pode facilmente convencer todos os fãs de folk progressivo!

Um álbum que entrega, mas não voa aos céus com toda a parafernália tão característica do Kraut-Folk. No entanto, ele apresenta algumas músicas que conseguem nos imergir no fascínio progressivo com uma abordagem "PROGREDELICA" que nos lembra dos dias distantes do Stand Up do Jethro Tull, então algo disso está a seu favor. A experiência do álbum é bastante agradável e leva a uma certa paz; Toques folk, percussão, tons psicodélicos e ecos de Krautrock produzem aquele pastiche sonoro que não acrescenta muito, mas o caminho nos deixa com um certo gosto doce. Não é uma obra fundamental, mas é uma curiosidade rara que os fãs de Folk Prog não irão ignorar. Uma obra que, sem chegar muito, é bem afinada e, OLHA, é um marco de valor incalculável, já que muitos colecionadores  a consideram uma joia underground muito procurada. Dizem que um original daquela época custa uma fortuna , portanto, seu valor vale a pena considerar, além de sua execução e sua idealização musical, cumpre tudo.  A performance do Weiß der Teufel é altamente polida, já que o design instrumental da banda é de alta qualidade. Tons quentes, atmosferas psicodélicas, tons pastorais e um som cru e amador que lhe dá personalidade podem ser apreciados em sua música. Assim como o Jethro Tull, o Rufus Zuphall mostra influências de Folk e Blues, por isso eles foram "rotulados" como a resposta alemã ao Jethro Tull; No entanto, sua música vai além disso, já que "Zuphall" incorpora trechos de jazz em suas músicas e tem uma tendência a expandir sua formação instrumental muito mais do que Tull. Em suma, um álbum ideal para todos os fãs de rock progressivo "embrionário".

Minhas impressões são boas, sendo um trabalho que a princípio não apresenta nada de novo e/ou inovador, sua execução consegue chamar a atenção quando chegamos ao clímax final com a épica Weiß der Teufel , uma música de 17 minutos que nos "entusiasma" com uma performance Psycho-Folk bastante sugestiva que consegue passar a natureza autêntica da banda e consequentemente nos faz revalorizar toda a obra; Essa magnificência, que emite uma aura de Jethro Tull,  consegue acalmar a raiva do descontentamento para dar lugar a uma nova visão do álbum. É um trabalho que, aos poucos, nos leva a um novo caminho e nos adoça. Depois de tanto tempo, retomar seu caminho me levou por um caminho estranho quanto aos seus benefícios, mas quando comecei a me "aclimatar" (da última música  do álbum) o panorama mudou completamente; O melhor é entrar em suas águas a partir desse ponto e, então, aumentar gradualmente a experiência. Uma obra com um final glorioso e livre de posturas distantes quando certas "coisas" são mencionadas, o álbum dá um bom tapa na cara no final. Até mais.

Minidata:
*Eles surgiram em Aachen, dentro do chamado krautrock, a fervorosa cena de rock sinfônico alemão dos anos 70. Seu primeiro álbum, "Weiß der Teufel...", gravado na Holanda, foi lançado em 1970, embora com uma edição independente e muito limitada. O som da flauta e sua fusão de temas folk com rock hard e psicodélico já lhes davam um toque diferente, e lhes rendeu o apelido de "Jethro Tull alemão".

*Em 1993, seu terceiro álbum, que permaneceu inédito, foi lançado sob o título "Avalon and On", um CD que incluía algumas músicas ao vivo, e em 1999 eles finalmente se reagruparam, após o que lançaram dois novos álbuns ao vivo, "Colder Than Hell" (2000) e "Outside the Gates of Eden" (2007), que mantiveram o grupo em turnê, especialmente na Alemanha.

01. Walpurgisnacht
02. Knight of 3rd Degree
03. Spanferkel
04. Freitag
05. Weiß der Teufel

CODIGO: H-1

MUSICA&SOM

Belle & Sebastian – Write About Love (2010)

 

Após cinco anos de trabalho solo, projetos paralelos, participações em trilhas sonoras e pausas muito necessárias, Belle & Sebastian retorna com um de seus melhores álbuns. O novo álbum da banda mais querida de Glasgow se chama "Write About Love", um título que não poderia ser mais adequado à sua sensibilidade característica. O álbum combina a intimidade que se destaca em seus trabalhos anteriores com os pensamentos cativantes e às vezes perturbadores de Stuart Murdoch.

Write About Love foi gravado em abril e maio no renomado estúdio Sound Factory, em Los Angeles. A produção ficou a cargo de Tony Hoffer (Beck, Phoenix, Goldfrapp, Stars, Air e Depeche Mode), que trabalhou com a B&S em The Life Pursuit. A composição do álbum foi um esforço colaborativo, com todos os membros colaborando, com Stuart sendo a força motriz por trás de sua criação.

O álbum conta com participações especiais de luxo nos vocais: a atriz Carey Mulligan e Norah Jones. Write About Love será lançado em um digipack impecável. O livreto inclui ensaios e lembranças escritas por Stuart sobre a gravação do álbum.

Em uma entrevista recente, Stuart afirmou que “cada álbum é uma representação da banda”. E sem dúvidas, “Write About Love” é uma prova de um grupo que não perdeu o talento para compor músicas que contam grandes histórias, com muito humor e acompanhadas de uma música intimista e majestosa. Com este novo álbum, Belle & Sebastian quebra a espera pelo retorno de uma das bandas mais queridas da música e nos mostra que a espera valeu a pena.

***

Tracklist:

01. I Didn’t See It Coming
02. Come On Sister
03. Calculating Bimbo
04. I Want The World To Stop
05. Little Lou, Ugly Jack, Prophet John (con Norah Jones)
06. Write About Love (con Carey Mulligan)
07. I’m Not Living In The Real World – de Stevie
08. Ghost of Rockschool
09. Read The Blessed Pages
10. I Can See Your Future
11. Sunday’s Pretty Icons

Bee Gees – The Ultimate (2009)

Formada pelo trio de irmãos Barry, Robin e Maurice Gibb na década de 1960, eles estão entre os mais importantes do gênero, com mais de 40 anos de atividade musical ininterrupta. Nos anos 60 e 70, eles foram parte inseparável do cenário musical mundial, especialmente com a febre disco, liderada pelo produtor Robert Stigwood. Nos anos 80 eles se dedicaram a colaborar com outros artistas e depois retornaram aos estúdios.

A banda encerrou suas atividades em 2003 com a morte do mais novo dos irmãos, Maurice Gibb . Os sobreviventes Barry e Robin anunciaram então que o nome Bee Gees não seria mais usado nas apresentações. Eles foram um dos grupos de maior sucesso na história da música, vendendo mais de 220 milhões de cópias entre álbuns e singles.

Como se sabe, dos três, os irmãos Robin e Maurice eram gêmeos e nasceram em 22 de dezembro de 1949, uma desculpa ideal para compartilhar esta grande compilação contendo todos os seus maiores sucessos (do início ao fim da carreira), e algumas gravações ao vivo inéditas até o lançamento deste álbum (como “ Guilty” ou “Hearbreaker” ).

Barry White – I’ve Got So Much to Give (1973)

O primeiro (e melhor) álbum de Barry é absolutamente fantástico do começo ao fim. Cada faixa é um clássico. A primeira faixa, “Standing in the Shadows of Love”, um cover do grande sucesso de 1966 do The Four Tops, tem oito minutos de pura emoção que supera em muito o original. A faixa mais popular do álbum é, claro, “I'm Gonna Love You Just A Little More Baby”, uma faixa clássica de funk. “Bring Back My Yesterday” e “I've Found Someone” também são excelentes. Este é talvez um dos álbuns de estreia mais fortes que você pode ouvir. Um dos melhores álbuns de soul/funk já gravados.

O vocalista e produtor Barry White, nascido no Texas em 1944, teve uma das carreiras de maior sucesso da história do pop. Enquanto mantinha sua posição como um homem de A&R, ele desenvolveu tarefas de produção e foi o arquiteto do sucesso de vários grupos no início dos anos 1960.
Ele cresceu no gueto negro de Los Angeles. Ele era um adolescente louco e estava preso por roubar pneus e peças de carro. Na prisão, ele decidiu mudar de vida e de seus amigos.
Ele teve grande sucesso como intérprete de baladas românticas na década de 1960. Em 1969, ele criou o trio Love Unlimited. Mais tarde, ele usaria esse título para nomear seu grupo de apoio, a Love Unlimited Orchestra.
Quando ele finalmente lançou seu primeiro álbum solo, “I've Got So Much to Give” (1973), nada poderia pará-lo. Nas décadas seguintes, ela ganhou 106 álbuns de ouro e 41 de platina, 20 singles de ouro e 10 de platina, e suas vendas internacionais ultrapassaram 100 milhões de cópias.
Barry era um artista completo: cantor, compositor, arranjador, líder de banda e músico. A isto deve ser adicionado o papel de patrocinador de outros grupos musicais. É por isso que ele foi apelidado de “O Maestro” e é reconhecido como um gênio musical. Ele frequentemente fazia uma introdução sensual e falada às suas músicas com uma voz grossa, profunda e máscula. Muitas de suas criações musicais eram declarações de amor em forma de canções. Em determinado momento de sua carreira, ele foi o artista mais bem pago do mundo.
Ele morreu de insuficiência renal em 2002.

***

Tracklist:

01. Standing in the Shadows of Love
02. Bring Back My Yesterday
03. I’ve Found Someone
04. I’ve Got So Much to Give
05. I’m Gonna Love You Just a Little More Baby

Barbra Streisand – ButterFly (1974)

O primeiro álbum de estúdio de Barbra Streisand com novas gravações além de trilhas sonoras em três anos.
Quando este álbum foi lançado em 1974, ele foi tratado como uma piada entre críticos e pessoas da indústria musical, simplesmente porque o então parceiro de Barbra, Jon Peters, recebeu créditos de produtor. Até então ele era conhecido como um cabeleireiro e empresário de sucesso, aparentemente sem talento ou experiência musical. Quem sabe quanto controle ou responsabilidade ele realmente tinha sobre o projeto?
Tom Scott, vindo de uma temporada de grande sucesso com Joni Mitchell no álbum “Court & Spark”, foi contratado como coordenador musical. Acho que é seguro dizer que Tom foi o principal colaborador musical de Barbra neste projeto.
E, olhando para trás, esse álbum é muito subestimado. Sim, Barbra às vezes tenta exagerar no rock and roll, especialmente em Life On Mars, de David Bowie, mas mesmo assim ela faz um bom trabalho. Algumas das faixas são absolutamente de primeira classe, em particular “Love in the Afternoon”, “Simple Man”, “I Won't Last a Day Without You” (que é a mais próxima das típicas Barbra's dos anos 70) e “Let The Good Times Roll”. E algumas das faixas de menor sucesso, como sua incursão no soul no clássico de Bill Withers, "Grandma's Hands", são, vistas muitos anos depois, tentativas interessantes de crescimento por parte de Barbra.
Este álbum é muito mais interessante e agradável do que vários álbuns repetitivos posteriores de “Adult Contemporary”, como “Songbird”, “Wet” e especialmente “Emotion”, nos quais ele atingiu o fundo do poço; esses álbuns têm pouquíssimas músicas decentes. “Butterfly”, por outro lado, é divertido do começo ao fim.

O álbum foi relançado em CD em 1990.

***

Tracklist:

01. Love in the Afternoon
02. Guava Jelly
03. Grandma’s Hands
04. I Won’t Last a Day Without You
05. Jubilation
06. Simple Man
07. Life on Mars
08. Since I Don’t Have You
09. Crying Time
10. Let the Good Times Roll

Barbra Streisand – One Night Only (at the Village Vanguard) (2010)

Em 26 de setembro de 2009, Barbra Streisand se apresentou com seu quarteto no Village Vanguard, em Nova York , o lendário clube de jazz onde ela não pisava desde 1961. Foi uma apresentação histórica e única, de apenas uma noite, cuja gravação está incluída neste álbum.

Na ocasião, Barbra apresentou seu mais recente álbum de estúdio, “Love is the answer” , que alcançou o primeiro lugar nas paradas americanas e significou o 51º Disco de Ouro de Barbra Streisand. Apenas alguns privilegiados conseguiram preencher os assentos no Village Vanguard, mas este álbum é tão bem gravado que é possível se sentir parte do público.

Lista de faixas:

01. Intro
02. Here’S To Life
03. In The Wee Small Hours Of The Morning
04. Gentle Rain
05. Spring Can Really Hang You Up The Most
06. If You Go Away (Ne Me Quitte Pas)
07. Where Do You Start?
08. Nobody’S Heart (Belongs To Me)
09. Make Someone Happy
10. My Funny Valentine
11. Bewitched, Bothered And Bewildered
12. Thank You’S And Introductions
13. Evergreen (A Star Is Born)
14. Exit Music
15. Some Other Time
16. The Way We Were