Queen - Queen (1973 UK)

Em 1968, o guitarrista Brian May, estudante do Imperial College de Londres, e o bajista Tim Staffell decidiram formar uma banda. May colocou um anúncio em um painel de anúncios da universidade para um baterista "tipo Mitch Mitchell / Ginger Baker". Roger Taylor, um jovem estudante de odontologia, fez um teste e contratou o trabalho. O grupo se chama  Smile . Enquanto trabalhava no Ealing Art College, no oeste de Londres, Tim Staffell tornou-se amigo de Farrokh "Freddie" Bulsara, um companheiro de estúdio de Zanzíbar de ascendência indiana Parsi. Bulsara sentiu que ele e a banda tinham os mesmos gostos e imediatamente se transformaram em um grande fanático de Smile. Em 1970, depois de Staffell marchar para se unir à banda Humpy Bong, os membros restantes de Smile, alentados por Bulsara, que haviam entrado na banda, mudaram seu nome para "Queen" e realizaram seu primeiro concerto em 18 de julho. A banda tuvo vários bajistas durante este período que não encaixou com a química da banda, até a febre de 1971, quando foi decidida por John Deacon e começou a ensayar para seu primeiro álbum. Grabaron quatro de suas próprias canções, "Liar", "Keep Yourself Alive", "The Night Comes Down" e "Jesus", em uma faixa de demonstração, mas nenhuma companhia estava interessada. Nesta época, Freddie mudou seu apelido para "Mercury", inspirado na linha " Mother Mercury, look what they've done to me " de sua canção "My Fairy King". Em 2 de julho de 1971, Queen tocou seu primeiro show na linha clássica de Mercury, May, Taylor e Deacon em um colégio de Surrey nas áreas externas de Londres.

Mercury também desenhou o logotipo do Queen pouco antes do lançamento do primeiro álbum da banda. Combina os signos zodiacais dos quatro membros: dos leones para Leão (Diácono e Taylor), um cangrejo para Câncer (Maio) e dos hadas para Virgem (Mercúrio). Os leones abrazanam uma letra Q estilizada, o cangrejo descansa sobre a letra com lhamas elevando-se diretamente sobre ela, e as hadas se refugiam abaixo de um león. Também há uma coroa dentro do Q e todo o logotipo está sombreado por um enorme fénix. Todo o símbolo parece muito com o escudo de armas real do Reino Unido, em particular com os partidas de Leão. O logotipo original, como se encontra no verso da porta do primeiro álbum da banda, era um simples Dibujo de Linha. Edições posteriores levam versões mais intrincadas do logotipo.

Em 1972, Queen entrou em conversas com Trident Studios e Norman Sheffield ofereceu à banda um acordo com Neptune Productions, uma subsidiária da Trident, para pegar novo material, enquanto buscava um vendedor discográfico para firmar o Queen. Isso foi apropriado para ambas as partes, já que Trident se estabeleceu e Queen pôde fazer uso das instalações de gravação de alta tecnologia usadas por outros músicos como os Beatles e Elton John para produzir material novo. Ele tocou nos circuitos de clubes e universidades de Londres e arredores durante quase dois anos quando a banda tuvo esta oportunidade. Pegue uma faixa de demonstração com cinco músicas: "Keep Yourself Alive", "The Night Comes Down", "Great King Rat", "Jesus" e "Liar". Em 1973, Queen firmou um acordo com Trident / EMI e, para julho desse ano, lançou seu álbum de estreia homônimo. O álbum foi influenciado por heavy metal e rock progressivo. Freddie Mercury compôs cinco dos dez temas, Brian May quatro (incluindo "Doing All Right", que foi escrito junto com seu companheiro de Smile Tim Staffell) e o baterista Roger Taylor compôs e cantou "Modern Times Rock and roll". A música final do álbum é uma versão instrumental semelhante a "Seven Seas of Rhye", cuja versão completa aparecerá no segundo álbum da banda, Queen II.

Cara 1

1. "Keep Yourself Alive" (B. May)-3:46

2. "Doing All Right" (B. May, T. Staffell)-4:10

3. "Great King Rat" (F. Mercury)-5:41

4. "My Fairy King" (F. Mercury)-4:07

Cara 2

1. "Liar" (F. Mercury)-6:26

2. "The Night Comes Down" (B. May)-4:24

3. "Modern Times Rock 'n' Roll" (R. Taylor)-1:48

4. "Son and Daughter" (B. May)-3:19

5. "Jesus" (F. Mercury)-3:45

6. "Seven Seas of Rhye..." (F. Mercury)-1:10

Bonus Ed. 1991

11. "Mad the Swine" (previously unreleased)(F. Mercury)-3:20

12. "Keep Yourself Alive" (long lost re-take)(B. May)-4:04

13. "Liar" (1991 bonus remix by John Luongo and Gary Hellman)(F. Mercury)-6:25

CD Bonus Ed. Deluxe 2011

1. Keep Yourself Alive" (De Lane Lea Demo, December 1971)-3:51

2. "The Night Comes Down" (De Lane Lea Demo, December 1971)-4:24

3. "Great King Rat" (De Lane Lea Demo, December 1971)-6:09

4. "Jesus" (De Lane Lea Demo, December 1971)-5:06

5. "Liar" (De Lane Lea Demo, December 1971)-7:54

6. "Mad the Swine" (June 1972)-3:22

Roxy Music - Stranded (1973 UK)

Stranded é o terceiro álbum da banda de rock inglesa Roxy Music, lançado no final de 1973. Alcançou o número um nas listas de álbuns do Reino Unido. A portada mostra Marilyn Cole, nova desde Bryan Ferry e Playmate desde o ano de 1973. O primeiro álbum do grupo em que Ferry não foi o único compositor, já que Andy Mackay e Phil Manzanera também contribuíram para a composição. Também foi o primeiro sem Brian Eno, que abandonou o grupo atrás de For Your Pleasure, Eno mais tarde o qualificou como o melhor disco da Roxy Music, embora com pesar deste elogio, o álbum solo alcançou o número 186 nas listas dos Melhores Álbuns Pop nos Estados Unidos. A música "Street Life" foi lançada como single e alcançou o 9º lugar no Reino Unido.

De Allmusic: Sin Brian Eno, Roxy Music imediatamente se tornou menos experimental, sem embargo, continuando sendo aventureiros, como o ilustra Stranded. Sob a direção de Bryan Ferry, Roxy avançou para um território relativamente sensível, agregando capas maiores de piano e guitarras pesadas. Incluindo as lavagens dos sintetizadores de Eno, a música de Roxy continua inquieta em algumas ocasiões, mas nesta nova encarnação, prefere material mais medido, e faz a reflexiva "A Song For Europe" ou as texturas cambiantes de "Psalm". Incluindo rocks, como a crescente "Street Life" e a segmentada "Mother Of Pearl", se distinguem por uma composição sutil que enfatiza tanto o glamour torturado de Ferry como a compreensão cada vez mais impressionante de Roxy dos detalhes sonoros.

Cara A

1. "Street Life"-3:29

2. "Just Like You"-3:36

3. "Amazona" (B. Ferry, P. Manzanera)-4:16

4. "Psalm"-8:04

Cara B

1. "Serenade"-2:59

2. "A Song for Europe" (B. Ferry, A. Mackay)-5:46

3. "Mother of Pearl"-6:52

4. "Sunset"-6:04

   (B. Ferry, excepto indicadas)

Bryan Ferry - voz, piano, piano elétrico, armónica

John Gustafson - baixo

Eddie Jobson - sintetizadores, teclados, violino elétrico

Andy Mackay - oboé, saxofone

Phil Manzanera - guitarra

Paul Thompson - bateria, timbales

Barclay James Harvest - Barclay James Harvest (1970 UK)

No início dos anos sesenta, os futuros membros de Barclay James Harvest iniciaram-se na música nas bandas de rythm and blues de Oldham: John Lees e Stuart "Wooly" Wolstenholme em The Blues Keepers, e Les Holroyd e Mel Pritchard em Heart and Soul and the Wickeds. No outono de 1966, vários membros das duas bandas começaram a tocar juntos no The Blues Keepers, até completarem uma formação estável com John Lees, Les Holroyd, Mel Pritchard e Wooly Wolstenholme. Como sua intenção era tocar material próprio bastante alegre musicalmente do rythm and blues, decidiu dar um novo nome à banda. Escogie o nome sacando troços de papel com palavras de um sombrero. O resultado foi Barclay James Harvest. Seguiu como quarto até 1979 (quando Wolstenholme decidiu deixar a banda) e como trio até 1998. Este ano terminou a decisão: Lees e Wolstenholme (que foi reincorporado ao projeto) seguiram como  John Lees' Barclay James Harvest  até a morte de Wooly em 2010 e Holroyd, com alguma participação de Pritchard até sua morte em 2004, como  Barclay James Harvest apresentando Les Holroyd.

Hoje traemos seu álbum de estreia, editado a mediados de 1970. No momento do lançamento deste Barclay James Harvest, ele estava empleando uma orquestra, com o grandioso título de Barclay James Harvest Symphony Orchestra, dirigido por Robert Godfrey, que depois se tornou membro de The Enid. Oyendo o álbum e você conhece um pouco a música da época, pode ver influências de muitos costados (Beatles, Love, Amen Corner, Procol Harum...) com algum tema sobresaliente ("Taking Some Time On" ou "Dark Now My Sky"), mas em geral o tom desta estreia não pode nos fazer pensar em um grupo inovador, o que desgraciadamente se ele foi achado em grande parte de sua obra, semelhante a outros grupos, sinalizando sobre tudo para Moody Blues. Mas eu tenho que descobrir que eu gosto de sua música (se você quiser, sua "música fácil"), então eu amei com mais entregas.

Cara 1

1. "Taking Some Time On" (J. Lees) – 5:31

2. "Mother Dear" (J. Lees) – 3:20

3. "The Sun Will Never Shine" (W. Wolstenholme) – 5:07

4. "When the World Was Woken" (L. Holroyd) – 5:50

Cara 2

1. "Good Love Child" (J. Lees) – 5:10

2. "The Iron Maiden" (W. Wolstenholme) – 2:43

3. "Dark Now My Sky" (J. Lees) – 12:01

O álbum foi remasterizado e reeditado em 2002 com o título de Seu Primeiro Álbum com várias faixas bônus:

8. "Early Morning" (L. Holroyd, J. Lees, M. Pritchard, W. Wolstenholme) – 2:34

9. "Mister Sunshine" (W. Wolstenholme) – 2:54

10. "So Tomorrow" (L. Holroyd, J. Lees, M. Pritchard, W. Wolstenholme) – 3:28

11. "Eden Unobtainable" (L. Holroyd) – 3:10

12. "Night" (W. Wolstenholme) – 3:20

13. "Pools of Blue" (J. Lees) – 3:29

14. "Need You Oh So Bad" (W. Wolstenholme) – 1:18

15. "Small Time Town" (J. Lees) – 2:12

16. "Dark Now My Sky" (J. Lees ) – 3:43

17. "I Can't Go on Without You" (W. Wolstenholme) – 2:13

18. "Eden Unobtainable" (L. Holroyd) – 3:04

19. "Poor Wages" (W. Wolstenholme) – 2:34

20. "Brother Thrush" (J. Lees) – 3:06

John Lees - voz, guitarras

Les Holroyd - voz, baixo, guitarra, violoncelo

Stuart "Woolly" Wolstenholme - voz, mellotron, teclados, guitarra, armónica

Mel Pritchard - bateria, percussão

Jim Litherland - guitarra em "Taking Some Time On"

Orquestra Sinfônica Barclay James Harvest :

Líder: Gavin Wright

Diretor de orquestra e diretor musical: Robert Godfrey

Uli Trepte - Spacebox (1979) Alemanha • Krautrock

 

PACEBOX é o projeto solo de Uli Trepte (baixista do Guru Guru, Neu! e Faust). Dois álbuns foram lançados, "SPACEBOX" (1979) com Geoff Leigh e Williams Catherine como convidados e "Kick Up" (1984).

1. Zonk-machine (3:51)
2. Sue Is One (2:48)
3. I'm Addicted (6:00)
4. Dapp-da (5:25)
5. Sing Sung Song (4:07)
6. Tape Talk (13:59)
7. Bassomat (6:03)

- Uli Trepte / Baixo, Spacebox, Voz
- Edgar Hofmann / Saxofone soprano, Flauta, Violino, Shenai, Nagaswaram, Gaita de boca
- Julius Golombeck / Guitarra
- Winfried Beck / Bateria, Congas
- Lotus Schmidt / Bateria, Gongos

Streetmark - Dream 1977 (Psicodélico/Rock Espacial)

 

STREETMARK foi fundado em 1968 em Düsseldorf, quando Dorothea Raukes, que havia estudado música clássica e tocava teclado, conheceu os irmãos Thomas e Bernd Schreiber, ambos guitarristas. Dorothea e Thomas formaram o núcleo da banda. No começo, o STREETMARK tocava principalmente covers dos BEATLES, Jon Mayall e DEEP PURPLE. Em 1969, eles recusaram uma proposta de contrato com uma gravadora. Nos cinco anos seguintes, o STREETMARK desenvolveu seu próprio estilo baseado principalmente nas composições de Dorothea e Thomas, influenciado por PROCOL HARUM, FOCUS e ELP. Finalmente, em 1975, o STREETMARK gravou seu disco de estreia "Nordland" para a Sky. O disco foi produzido e gravado por Connie Plank com a seguinte formação: Dorothea Raukes (teclados), Thomas Schreiber (guitarra), Hans Schweiss (bateria), Georg Buschmann (vocais), Wolfgang Westphal (baixo). Bernd Schreiber fez a mixagem e as tarefas do Soundboard.

"Nordland" foi um disco de estreia brilhante, a banda teve tempo para tocar as composições ao vivo e elaborá-las. A musicalidade geral é bem alta; o único ponto fraco, como acontece frequentemente em bandas alemãs, são os vocais em inglês. Em 1977, o STREETMARK lançou seu segundo disco "Eileen" com Wolfgang Riechmann, um artista solo, que se juntou à banda nos vocais e teclados. Tragicamente, ele foi assassinado em 1978, antes do lançamento de seu disco solo "Wunderbar". A Sky relançou "Eileen" em 1979 com o novo título "Wolfgang Riechmann and Streetmark" com uma faixa bônus. Mais tarde, o disco foi renomeado para "Dreams". O terceiro (quarto) disco "Dry", inteiramente instrumental, foi lançado em 1979. Em 1981, o STREETMARK lançou seu último disco "Sky Racer", com Dorothea Raukes como o único membro fundador restante. Ainda é um disco interessante, mas muito mais influenciado pelo Pop.

"Nordland" e "Eileen" são altamente recomendados.
(Texto abduzido do progarchive)

- Wolfgang Riechmann - vocal principal, sintetizadores, guitarra
- Dorothea Raukes - teclado, backing vocal feminino
- Thomas Schreiber - guitarra, backing vocal
- Manfred Knauf - baixo
- Hans Schweiß - bateria, percussão

01. Crazy Notion - 7:58
02. Passage - 4:25
03. Sea Of Melted Lead - 5:48
04. Tomorrow - 1:11
05. Eileen - 5:33
06. Choral - 3:09
07. Dreams - 12:13
Bônus:
08. Streaming (BBHang) - 3:22

MUSICA&SOM

Review: Rincon Sapiência - Galanga Livre (2017)

 

Na estrada desde 2000, Rincon Sapiência lançou em maio o seu aguardado primeiro disco. E Galanga Livre, que foi produzido pelo músico ao lado de William Magalhães (da Banda Black Rio e também responsável pela direção musical do trabalho) atende a todas as expectativas.

Ainda que seja a sua estreia solo, o trabalho mostra um músico rodado e pra lá de experiente, e isso acaba se refletindo em todas as canções. As músicas fluem fácil, possuem todos os elementos bem encaixados e passam longe de transparecer o mínimo vestígio de imaturidade, característica comum a qualquer disco de estreia. Integrante de grupos como Ébanos, Plano B, Equilíbrio Insano e Porte Verbal e com participações em álbuns de nomes como Kamau e NX Zero, Danilo Ambrósio (seu nome de batismo) pedia passagem há tempos, e finalmente a sua hora chegou.

Galanga Livre vem com treze faixas, todas com letras que usam situações do cotidiano para construir um discurso eficaz de crítica social e política. A proximidade com o cotidiano do ouvinte torna os versos de Rincon, sempre curtos e diretos, ainda mais eficientes, e essa é, muito provavelmente, a principal força do disco.

Musicalmente, há elementos de rock, funk e música africana na construção de bases cativantes e cheias de ritmo, que soam orgânicas e pulsantes e nunca sem vida. Esse aspecto, somado à concisão das faixas (todas com duração entre três e quatro minutos), faz com que o álbum tenha uma força inerente e que só cresce com a audição constante e a familiarização do ouvinte com as canções.

Talvez este seja o principal disco de rap brasileiro lançado em 2017. O álbum é excelente, e mostra um artista que finalmente alcançou o destaque há tempos merecido e que tem muito, mas muito mesmo, a dizer. Com criatividade e uma ampla gama de influências, Rincon Sapiência chegou chegando!

Ouça já!

Review: Adrenaline Mob - We the People (2017)

 

Desde o seu nascimento, o Adrenaline Mob sempre foi uma banda mais divertida que os grupos dos quais seus principais integrantes vinham. Se tanto o Symphony X do vocalista Russell Allen quanto o Dream Theater do baterista Mike Portnoy eram gigantes do prog metal que construíram carreira sobre intrincadas peças musicais, a nova banda de ambos descomplicava tudo e trocava a pretensão (muitas vezes sadia, outras tantas não) por enormes doses de groove.

Essa abordagem levou o grupo a alcançar destaque desde o início, status que se manteve com a saída de Portnoy e a passagem de comando para a dupla Allen e Mike Orlando, o guitarrista. We the People, terceiro disco do quarteto (e que está ganhando uma edição brasileira pela Hellion Records) é o sucessor de Omertá (2012) e Men of Honor (2014), e o primeiro registro após a trágica morte do baterista A.J. Pero (ex-Twisted Sister e substituto de Portnoy) em 2015.

Só que, ao invés de um trabalho soturno e sombrio, o que temos é a manutenção do metal grooveado e ensolarado característico do quarteto, agora com Jordan Cannata na bateria e David Zablidowsky no baixo. O álbum traz treze faixas, incluindo uma versão para “Rebel Yell”, clássico de Billy Idol - esta última, ainda com a bateria de Pero.

A principal diferença em relação aos discos anteriores é a inclusão de um enorme número de pontes melódicas nas linhas vocais de Allen, intensificando, assim, a pegada acessível da música do Adrenaline Mob. Porém, esta mudança não puxa em nada o som dos caras pra baixo, apenas intensifica o seu poder de persuasão. 

O outro ponto que chama a atenção é a inserção de um discurso muito mais político nas letras, refletindo o atual momento conturbado da América de Donald Trump. Uma iniciativa válida e que mostra que Allen e companhia ocupam seus cérebros não apenas com música, mas também com questionamentos sobre o futuro de seu país.

Existem discos que chegam para mudar tudo e mostrar novas formas de fazer as coisas. E existem também aqueles que não pretendem nada disso e nasceram apenas para divertir seus ouvintes com boas canções. O Adrenaline Mob segue apostando na segunda opção, e mais uma vez entrega um álbum agradável de ouvir e repleto de músicas que colam na cabeça.

Pra curtir na boa, sempre!

Review: Body Count - Bloodlust (2017)

 

Após três anos sem material inédito, o Body Count lançou no final de março o seu sexto disco, Bloodlust. O CD saiu lá fora pela Century Media e ganhou edição nacional pela Hellion Records. A produção é de Will Putney, que já havia trabalhado com os caras em seu último álbum, Manslaughter (2014).

Bloodlust é composto por onze faixas, sendo que três delas trazem participações especiais de peso. “Civil War”, que abre o play, tem Dave Mustaine nas guitarras. “All Love is Lost” traz Max Cavalera dividindo os vocais com Ice-T. E “Walk With Me…” conta com Randy Blythe, do Lamb of God. Além disso, o medley “Raining Blood / Postmortem” é uma bela homenagem ao Slayer através da regravação de dois de seus maiores clássicos.

O disco é pesadíssimo e muito mais próximo do metal do que do rap. Neste aspecto, confesso que não acompanhava a banda há anos, e essa característica é algo que não curti muito. O que adoro no clássico primeiro álbum do grupo, lançado em 1992, é justamente a união cirúrgica entre os dois estilos. Em Bloodlust isso se perdeu - e como não acompanho a banda há um bom tempo, talvez seja algo que os caras não façam mais e só eu não sabia. O disco não é ruim, longe disso, mas ao abrir mão da alquimia entre os dois gêneros musicais o Body Count também abriu mão do aspecto que fazia a banda soar única.

Instrumentalmente, o que temos é um metal pesado pra caramba, com enormes doses de groove e passagens que lembram os momentos clássicos do thrash. Os maiores destaques ficam com “Civil War”, a ótima “Walk With Me …” e o tributo ao Slayer. 

Um bom disco de metal, e apenas isso. E é justamente esse o problema: ao surgiu no início dos anos 1990, o Body Count se destacou ao apresentar uma sonoridade única. Em Bloodlust, como já dito, a banda abriu mão dessa característica. O resultado está longe de ser ruim, mas, na minha opinião, essa escolha acabou fazendo com o grupo fosse apenas mais um dos nomes competentes da cena, sem um toque a mais.

Enfim, ouça e tire as suas próprias conclusões.

Review: Arcade Fire - Everything Now (2017)

 

É fácil criar uma antipatia com o Arcade Fire, principalmente se você for um cara “do rock”. Motivos para isso não faltam: os canadenses são idolatrados como uma das bandas mais criativas do chamado indie rock, qualquer nota tocada pelo grupo soa sempre genial para parte da crítica e do público e o sexteto transmite uma prepotência e arrogância constantes.

No entanto, ao ouvir a música do Arcade Fire, também é bastante fácil identificar e perceber as qualidades do grupo. E mesmo com uma trajetória relativamente curta - o primeiro disco saiu em 2004 -, os caras já produziram uma discografia de respeito. 

Everything Now, quinto álbum da banda, foi lançado no final de julho e segue a cartilha do grupo: reinvenção. Mais uma vez, o Arcade Fire muda o que tinha feito antes e aposta em novos caminhos sonoros. E isso, por si só, sempre será motivo de elogios. Em Everything Now, temos uma sonoridade muito mais dançante que nos trabalhos anteriores, ainda que este aspecto já tivesse sido apontado em Reflektor (2013). Há menos guitarras e mais groove. Há menos energia e mais refinamento. Há menos juventude e mais vida adulta. E isso, como bem sabemos nós que já passamos dos 30 ou 40 anos, não é algo necessariamente ruim.

Tendo entre seus produtores o Daft Punk Thomas Bangalter, Everything Now traz treze faixas (que na prática são onze se descontarmos os interlúdios que abrem e fecham o disco) dançantes e que apresentam um pop de muito bom gosto e bastante acessível. É música não apenas para sacudir o corpo, mas sobretudo para encarar o ritmo cada vez mais frenético dos nossos tempos, que aliás é a principal inspiração lírica do álbum, ainda que o discurso das letras explore o tema de uma maneira bastante rasa, de modo geral.

A mixagem é algo digno de elogios, com timbres que, ainda que coloquem teclados e outros gadgets eletrônicos como protagonistas, jamais soam amorfos e sem vida. O baixo é o principal instrumento do disco, pulsando e conduzindo todas as canções em uma performance digna de elogios. 

De modo geral, temos em Everything Now um álbum redondo e na medida. Ainda que uma ou outra música pudesse ser cortada para que o resultado final ficasse mais enxuto e eficiente, isso não compromete o resultado final. A banda entrega doses generosas de melodia, com arranjos que bebem direto de inspirações como David Bowie e ABBA. 

Com Everything Now, o Arcade Fire conseguiu colocar mais um ponto alto em sua discografia. Sem se repetir ou apelar para soluções fáceis como emular fórmulas que já funcionaram no passado, os canadenses mostram que são dignos de todos os elogios, por mais exagerados que alguns possam ser.

Discão, mais uma vez.

Review: Accept - The Rise of Chaos (2017)

 

Alguns renascimentos que a gente assiste no mundo do rock são tão improváveis que conseguem rivalizar com a mais poderosa das fênix. E o caso do Accept certamente se enquadra entre eles. Uma das melhores e mais influentes bandas do heavy metal, os alemães alcançaram o auge durante os anos 1980 com discos clássicos como Restless and Wild (1982), Balls to the Wall (1983) e Metal Heart (1985). No entanto, as constantes e infinitas brigas com o vocalista Udo Dirkschneider levaram o cantor, uma das marcas registradas do som do grupo, a trilhar outros caminhos.

Sem um de seus principais integrantes, o Accept entrou em hiato por longos 14 anos, ficando sem lançar nenhum material inédito entre 1996 e 2010. Até que, surpreendendo até o mais cético dos fãs, ressurgiu das cinzas com o excelente Blood of the Nations (2010), que trouxe Mark Tornillo no lugar de Udo. E, desde então, vem lançando bons discos em sequência.

The Rise of Chaos é o quarto álbum com Tornillo e o décimo-quinto trabalho da carreira dos alemães. Produzido por Andy Sneap, o disco está sendo lançado em todo o mundo pela Nuclear Blast e traz dez novas canções. O álbum marca também as estreias do guitarrista Uwe Lulis e do baterista Christopher Williams, que assumiram os postos anteriormente ocupados por Herman Frank e Stefan Schwarzmann. O guitarrista e líder Wolf Hoffmann e o baixista Peter Baltes completam o time.

Musicalmente, temos um álbum que mantém a mesma pegada adotada desde Blood of the Nations , honrando o som de metal clássico que sempre foi associado à banda. No entanto, é possível perceber uma inserção maior de elementos mais rock and roll, responsáveis ​​por deixar o som mais direto em músicas como as ótimas “Koolaid" e “Analog Man”. 

Como em todo o disco dos alemães, as guitarras ditam a sonoridade, seja através dos riffs ou com os solos, que seguem mantendo características de música clássica (paixão declarada de Hoffmann), ainda que de maneira mais sutil se comparamos com os álbuns anteriores. Outro ponto marcante da música do Accept, os refrãos, surgem firmes e fortes, imprimindo aquele agradável clima de “chamada e resposta” em várias das faixas.

The Rise of Chaos é mais um ótimo disco de uma banda que soube se levantar e recomeçar como poucas. O álbum é um triunfo à altura de um dos maiores nomes da história do metal, e vai agradar em cheio headbangers de todas as idades.