Quicksilver Messenger Service - Bill Graham Archives 1966-67

 

Quicksilver Messenger Service (às vezes creditado simplesmente como Quicksilver) é uma banda americana de rock psicodélico formada em 1965 em São Francisco. Eles eram mais famosos por seu maior sucesso, o single "Fresh Air" (do álbum Just for Love), que alcançou a posição #49 em 1970. O Quicksilver Messenger Service ganhou grande popularidade na área da Baía de São Francisco e, por meio de suas gravações, com entusiastas de rock psicodélico ao redor do mundo, e vários de seus álbuns ficaram no Top 30 da parada pop da Billboard. Embora não tenha tido tanto sucesso comercial quanto seus contemporâneos Jefferson Airplane e The Grateful Dead, o Quicksilver foi essencial para o início do gênero. 

Com suas influências de jazz e música clássica e uma forte formação folk, a banda tentou criar um som individual e inovador. O membro Dino Valenti se inspirou fortemente nas influências musicais que adquiriu durante o renascimento folk de seus anos de formação musical. O estilo que ele desenvolveu a partir dessas fontes é evidente nos ritmos suingados e nos sons vibrantes de guitarra do Quicksilver Messenger Service. Depois de muitos anos, a banda tentou se reunir, apesar da morte de vários membros. Recentemente, os membros originais Gary Duncan e David Freiberg têm excursionado como o Quicksilver Messenger Service, usando vários músicos de apoio. Im Murray deixou o grupo logo após sua apresentação no Monterey International Pop Festival em junho de 1967. A banda iniciou um período de turnês intensas na Costa Oeste dos Estados Unidos, onde construiu uma sólida base de fãs e participou de muitos shows repletos de estrelas no Avalon Ballroom e no Fillmore West. O engenheiro de som (e famoso químico de LSD) Owsley Stanley gravava regularmente shows em grandes casas de shows de São Francisco durante esse período, e seu arquivo inclui muitas apresentações ao vivo do QMS de 1966 a 1967, que foram lançadas em seu selo Bear Recordings em 2008-2009.

A QMS inicialmente hesitou em assinar um contrato com uma gravadora na época, mas acabou assinando com a Capitol Records no final de 1967, tornando-se a última das bandas mais bem classificadas de São Francisco a assinar com uma grande gravadora. A Capitol foi a única empresa que não conseguiu contratar uma banda "hippie" de São Francisco durante a primeira onda de interesse das gravadoras e, consequentemente, a Quicksilver Messenger Service conseguiu negociar um acordo melhor do que muitas de suas concorrentes. Ao mesmo tempo, a Capitol contratou a Steve Miller Band, com quem a Quicksilver Messenger Service havia participado do filme e da trilha sonora Revolution, juntamente com o grupo Mother Earth. A Quicksilver Messenger Service lançou seu álbum de estreia homônimo em 1968. Foi seguido por Happy Trails, lançado no início de 1969 e gravado em grande parte ao vivo no Fillmore East e no Fillmore West. "Happy Trails" tem algumas adições às apresentações ao vivo originais: um comentário de estúdio no início do lado 2 e uma versão completamente diferente de "Calvary", que foi gravada em estúdio pouco antes de Gary Duncan deixar a banda; De resto, reflete fielmente o som ao vivo do Quicksilver. Happy Trails foi premiado com um disco de ouro nos Estados Unidos.  Esses álbuns, aclamados como "...dois dos melhores exemplos do som de São Francisco em sua forma mais pura", definem o período clássico da carreira do grupo e exibem seu som distinto, enfatizando arranjos estendidos e improvisação fluida com duas guitarras. O estilo de guitarra solo altamente melódico e individualista de Cipollina, combinado com a escala menor imponente e o som jazzístico de Gary Duncan, criam um contraste claro e notável com o som fortemente amplificado e distorcido de contemporâneos como Cream e Jimi Hendrix. 

Em 2003, "Happy Trails" foi classificado em 189º lugar na pesquisa "Top 500 Albums" da Rolling Stone, onde foi descrito como "...a gravação ao vivo definitiva da experiência psicodélica de salão de baile de São Francisco em meados dos anos 1960...". Canções arquetípicas do QMS incluem a suíte alongada e continuamente renomeada baseada em "Who Do You Love?", de Bo Diddley, apresentada em "Happy Trails". Duncan deixou o grupo pouco depois da gravação de "Happy Trails"; segundo David Freiberg, isso se deveu em grande parte aos seus crescentes problemas com opiáceos e anfetaminas. Suas apresentações de "despedida" foram as gravações de estúdio que acabaram em Happy Trails e uma última apresentação ao vivo com a banda na véspera de Ano Novo de 1969. Duncan relembrou 18 anos depois: "Bem, vamos colocar desta forma, no final de 1968, eu estava bastante esgotado. Estávamos na estrada pela primeira vez em nossas vidas. Eu simplesmente parei por um ano. Eu não queria ter nada a ver com música. E parei por um ano, andei de moto, morei em Nova York e Los Angeles e simplesmente fiquei louco por cerca de um ano." Freiberg mais tarde lembrou que a saída de Duncan abalou o cerne da banda: "Duncan era o 'motor', simplesmente não FUNCIONAVA sem ele... para mim. Eu estava realmente... Eu estava devastado...

Para o álbum Shady Grove, de 1969, Duncan não participou, sendo substituído pelo renomado tecladista inglês Nicky Hopkins, que havia tocado em dezenas de álbuns e singles de sucesso de artistas como The Kinks, The Rolling Stones, The Beatles, The Who e Steve Miller, entre muitos outros. O virtuoso boogie ao piano de Hopkins domina o álbum, conferindo-lhe um som único dentro do catálogo do Quicksilver. A banda que se tornou o Quicksilver Messenger Service foi originalmente concebida como um veículo de rock para o cantor e compositor folk Dino Valente (n. 7 de novembro de 1943, m. 16 de novembro de 1994), autor de "Get Together". Morando em São Francisco, Valente conheceu o guitarrista John Cipollina (n. 24 de agosto de 1943, m. 29 de maio de 1989) e o cantor Jim Murray. O amigo de Valente, David Freiberg (nascido em 24 de agosto de 1938), juntou-se ao baixo, e o grupo foi completado com a adição do baterista Greg Elmore (nascido em 4 de setembro de 1946) e do guitarrista Gary Duncan (nascido em 4 de setembro de 1946). Enquanto a banda estava sendo formada, Valente foi preso por porte de drogas e só voltou ao Quicksilver mais tarde. Happy Trails Eles estrearam no final de 1965 e tocaram na Bay Area e na Costa Oeste pelos dois anos seguintes, conquistando um grande número de fãs, mas resistindo a ofertas de gravação que haviam sido aceitas por colegas do acid rock de São Francisco, como Jefferson Airplane e Grateful Dead. 

Quicksilver finalmente assinou com a Capitol no final de 1967 e gravou seu álbum de estreia autointitulado em 1968 (nessa época, Murray já havia saído). Happy Trails, o sucessor de 1969, foi gravado ao vivo. Após seu lançamento, Duncan deixou a banda e foi substituído em Shady Grove (1970) pelo pianista de estúdio britânico Nicky Hopkins. Na época de seu lançamento, no entanto, Duncan havia retornado, junto com Valente, tornando o grupo um sexteto. Just for Love Esta versão do Quicksilver, com destaque para as músicas e vocais principais de Valente, durou apenas um ano, durante o qual dois álbuns, Just for Love e What About Me, foram gravados. Cipollina, Freiberg e Hopkins então saíram, e o trio restante de Valente, Duncan e Elmore contratou substitutos e gravou mais alguns álbuns antes de se separar. Houve uma reunião em 1975, resultando em um novo álbum e uma turnê, e em 1986 Duncan reviveu o nome Quicksilver para um álbum que também contou com Freiberg nos vocais de apoio.

Personnel:
♣ Gary Duncan - guitar, vocals
♣ John Cipollina - guitar
♣ Jim Murray - guitar, vocals
♣ David Freiberg - bass, vocals
♣ Greg Elmore - drums

Fillmore Auditorium 1966.11.05
Set 1:
01. Dino's Song
02. Hair Like Sunshine
03. I Hear You Knockin'
04. Babe I'm Gonna Leave You
05. Smokestack Lightning
06. If You Live
07. All Night Worker

Set 2:
01. Got My Mojo Workin'
02. You Don't Love Me
03. Suzy Q
04. Babe I'm Gonna Leave You
05. Gold And Silver
06. Stand By Me
07. Pride Of Man

Fillmore Auditorium 1967.02.04 
Set 1:
01. You Don't Love Me (Cuts In After 10 Seconds Following An Unknown Song)
02. I Hear You Knockin'
03. Gold And Silver
04. All Night Worker
05. Codeine
06. Got My Mojo Workin'
07. Mona
08. A Fool For You
09. I Can't Believe It
10. Look Around You

Set 2:
01. Dino's Song
02. Walkin' Blues
03. Babe I'm Gonna Leave You
04. Hoochie Coochie Man
05. Stand By Me
06. Drivin' Wheel (Early Version Of ''it's Been Too Long'')
07. Duncan And Brady
08. Pride Of Man
09. Who Do You Love

Fillmore Auditorium 1967.02.05
Set 1:
01. Suzy Q ( Cuts In )
02. I Hear You Knockin'
03. Dandelion
04. Gold And Silver
05. You Don't Love Me
06. Codeine
07. Instrumental
08. Smokestack Lightning

Set 2:
01. Dino's Song ( Cuts In )
02. Walkin' Blues
03. Drivin' Wheel ( Early Version Of It's Been Too Long )
04. Babe I'm Gonna Leave You
05. Hey Mama
06. Hoochie Coochie Man
07. All Night Worker
08. Stand By Me
08. Pride of Man

Fillmore Auditorium 1967.02.06
Set 1:
01. You Don't Love Me
02. All Night Worker
03. Gold And Silver
04. Hey Mama
05. Walkin' Blues
06. Year Of The Outrage
07. I Hear You Knockin'
08. A Fool For You
09. I Can't Believe It

B.B. King - Singin' The Blues (US 1957) & The Blues (US 1958)

 

B.B. King - Singin' The Blues (US 1957)

 Seu reinado como Rei do Blues foi tão longo quanto o de qualquer monarca na Terra. No entanto, BB King continua a usar bem sua coroa. Aos 76 anos, ele ainda é leve, cantando e tocando blues com paixão implacável. O tempo não tem efeito aparente sobre BB, além de torná-lo mais popular, mais querido, mais relevante do que nunca.  Não o procure em algum tipo de semi-aposentadoria; procure-o na estrada, tocando para as pessoas, aparecendo em uma miríade de comerciais de TV ou gravando faixas para seu próximo álbum. BB King é tão vivo quanto a música que toca, e um mundo grato não se cansa dele. 

Por mais de meio século, Riley B. King — mais conhecido como BB King — definiu o blues para um público mundial. Desde que começou a gravar na década de 1940, lançou mais de cinquenta álbuns, muitos deles clássicos. Ele nasceu em 16 de setembro de 1925, em uma plantação em Itta Bena, Mississippi, perto de Indianola. Na juventude, tocava nas esquinas por dez centavos e às vezes tocava em até quatro cidades por noite.  Em 1947, pegou carona para Memphis, Tennessee, para seguir carreira musical. Memphis era o lugar onde todos os músicos importantes do Sul gravitavam e que sustentava uma grande comunidade musical onde todos os estilos de música afro-americana podiam ser encontrados. BB morou com seu primo Bukka White, um dos mais célebres músicos de blues de sua época, que o ensinou ainda mais sobre a arte do blues.  A primeira grande chance de BB veio em 1948, quando se apresentou no programa de rádio de Sonny Boy Williamson na KWEM, em West Memphis. Isso levou a compromissos constantes no Sixteenth Avenue Grill, em West Memphis, e mais tarde a um comercial de dez minutos na rádio WDIA, de Memphis, com equipe e administração negras. "King's Spot" tornou-se tão popular que foi expandido e se tornou o "Sepia Swing Club".  Logo, o BB precisava de um nome de rádio chamativo. O que começou como Beale Street Blues Boy foi encurtado para Blues Boy King e, eventualmente, BB King. 

Em meados da década de 1950, enquanto BB se apresentava em um baile em Twist, Arkansas, alguns fãs ficaram indisciplinados. Dois homens brigaram e derrubaram um fogão a querosene, incendiando o salão. BB correu para fora em busca de segurança com todos os outros, mas percebeu que havia deixado seu amado violão de US$ 30 lá dentro e correu de volta para dentro do prédio em chamas para recuperá-lo, escapando por pouco da morte.  Quando descobriu mais tarde que a briga tinha sido por causa de uma mulher chamada Lucille, decidiu dar o nome ao seu violão para lembrá-lo de nunca fazer uma loucura como brigar por uma mulher. Desde então, cada uma das guitarras Gibson, marca registrada de BB, foi chamada de Lucille.  Logo após seu sucesso número um, "Three O'Clock Blues", BB começou a fazer turnês nacionais. Em 1956, BB e sua banda fizeram a impressionante marca de 342 shows de uma noite.  Do circuito de chitlin com seus cafés de cidade pequena, bares de juke e salões de dança country a palácios de rock, salas de concerto sinfônicas, universidades, hotéis resort e anfiteatros, nacional e internacionalmente, BB se tornou o músico de blues mais renomado dos últimos 40 anos. 

01. Please Love Me  
02. You Upset Me Baby  
03. Everyday I Have the Blues  
04. Bad Luck  
05. 3 O'Clock Blues  
06. Blind Love  
07. Woke Up This Morning  
08. You Know I Love You  
09. Sweet Little Angel  
10. Ten Long Years  
11. Did You Ever Love a Woman  
12. Crying Won't Help You

BB King - The Blues (EUA 1958) 

Gravado em 1958, THE BLUES foi um dos últimos álbuns que B.B. King gravou para a gravadora Crown antes de se mudar para a ABC-Paramount. 

O disco tem uma pegada solta, estilo roadhouse, e traz King acompanhado por uma banda completa, incluindo instrumentos de sopro, piano, gaita e uma seção rítmica vibrante. No coração do repertório estão, é claro, os solos pungentes e comoventes de King e seus vocais apaixonados, que trazem clássicos instantâneos como "Why Does Everything Happen to Me" e "When My Heart Beats Like a Hammer". O álbum se distingue por uma pegada crua e irregular, o que se mostra refrescante em vista das gravações subsequentes mais sofisticadas do artista.

01. Why Does Everything Happen to Me 

02. Ruby Lee 

03. When My Heart Beats Like a Hammer 

04. Don't Have To Cry (AKA Past Day) 

05. Boogie Woogie Woman 

06. Early in the Morning 

07. I Want To Get Married 

08. That Ain't The Way To Do It 

09. Troubles, Troubles, Troubles 

10. Don't You Want a Man Like Me 

11. You Know I Go for You 

12. What Can I Do

John Lennon - Live In New York City (1986)

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Em 30 de agosto de 1972, no Madison Square Garden, em Nova York, John Lennon realizou dois shows, um à tarde e outro à noite, para arrecadar fundos para crianças com problemas mentais, a pedido do amigo Geraldo Rivera. Os shows beneficentes, anunciados como One to One, também contaram com outros artistas além de Lennon, incluindo Stevie Wonder, Roberta Flack, Melanie Safka e Sha-Na-Na. Esses shows foram as únicas apresentações ao vivo ensaiadas e completas de Lennon em sua carreira solo, e seus primeiros – e últimos – shows ao vivo formais e completos desde que os Beatles se aposentaram das estradas em 1966.
Ambos os shows esgotaram antecipadamente. O primeiro show, que havia sido adicionado devido à demanda do público por ingressos, foi apelidado de "o ensaio" por Lennon, devido à relativa falta de experiência da banda em se apresentar ao vivo para públicos tão grandes.

O repertório completo foi (conforme compilado pelo selo The Amazing Kornyfone a partir de gravações amadoras):

- Introdução de Power To The People / Nova York
- É tão difícil
- Siga em frente rápido
- A mulher é a negra do mundo
- Irmãs, ó irmãs
- Bem, bem, bem
- Nascido em uma prisão
- Karma instantâneo
- Mãe
- Somos todos água
- Come Together
- Imagine
- Abra sua caixa
- Cold Turkey
- Hound Dog
- Don't Worry Kyoko (tocada apenas na apresentação da matinê)
- Dê uma chance à paz

"Give Peace A Chance" foi a última música, e Lennon e Ono foram acompanhados no palco por outras estrelas e pelos organizadores dos shows.

Durante os primeiros anos de carreira solo de John Lennon, ele gravou músicas e fez declarações públicas sobre injustiça social e a necessidade de paz mundial, mas em Nova York envolveu-se ativamente em protestos políticos. Vários dos radicais de esquerda mais conhecidos dos Estados Unidos, incluindo Jerry Rubin e Abbie Hoffman, logo entraram em contato com ele, acolhendo com satisfação o apoio e a publicidade que seu nome trazia a qualquer causa. John e Yoko apoiaram um protesto pelos direitos dos indígenas americanos em Syracuse, deram um concerto para os parentes das vítimas de um controverso tio na prisão de Attica e tocaram em um evento beneficente para o ativista preso John Sinclair.

John Lennon e a Banda de Memória dos Elefantes de Plástico Ono

Em 1972, John e Yoko se uniram a uma banda de rock americana chamada Elephant's Memory para gravar algumas canções de protesto para o álbum "Some Time in New York City", que também incluía um LP bônus com gravações ao vivo feitas na Inglaterra pela Plastic Ono Band em 1969. Foi um disco malsucedido, tanto comercial quanto criticamente, e marca o ponto mais baixo da carreira de Lennon pós-Beatle.
As canções, algumas solos escritas por John ou Yoko, outras em colaboração, eram agressivas e simplistas, focando em diversas questões radicais da época, incluindo a libertação das mulheres, a guerra na Irlanda do Norte entre o IRA e o exército britânico e a prisão de ativistas de esquerda, e ilustravam de forma bastante aguda a ingenuidade e a falta de compreensão de Lennon sobre muitas das questões envolvidas.

A imprensa foi dura em seus comentários quando o LP foi lançado em meados de 1972, incluindo a Rolling Stone, que descreveu o trabalho como "Desastroso... a política é insensata e as jams ao vivo, insensatas". John parecia ter esquecido suas sábias palavras do ano anterior sobre adoçar a mensagem "com um pouco de mel", e mais tarde concordaria que as músicas não eram boas: "Virou jornalismo e não poesia, e eu basicamente me sinto um poeta".

Apesar da recepção extremamente negativa ao disco, John continuou popular, e um evento beneficente no enorme Madison Square Garden, em Nova York, com a participação de John, Yoko e Elephant's Memory, foi um grande sucesso, arrancando uma ovação de pé de cinco minutos por um show que incluiu interpretações fortes e impressionantes das músicas "Give Peace A Chance", "Cold Turkey" e "Instant Karma", e arrecadou muito dinheiro para crianças deficientes. Foi um dos vários eventos de arrecadação de fundos envolvendo os Lennons no verão de 1972, que arrecadou cerca de £ 700.000.

"Live in New York City" alcançou a posição 55 no Reino Unido e surpreendeu muitos com seu apelo nos EUA, onde alcançou a posição 41 e, eventualmente, foi disco de ouro. [trecho de John Lennon: An Illustrated Biography, de Richard Wootton, Hodder & Stoughton Books, 1984, p. 108-109]

Este post consiste em FLACs extraídos do meu vinil virgem (encontrado naquele Bazar de Geelong, ainda embalado) e inclui a arte completa do álbum, além de scans do selo.
É bom encontrar uma preciosidade como esta e pagar apenas o mínimo.
Embora não seja rara, é a única gravação que eu não tinha na minha coleção, então, estou compartilhando com vocês - e lembrem-se sempre de dar uma chance à paz. 

Lista de faixas 

01 - Power To The People_New York City02 - It's So Hard
03 - Woman Is The Nigger Of The World
04 - Well, Well, Well
05 - Instant Karma (We All Shine On)
06 - Mother
07 - Come Together
08 - Imagine
09 - Cold Turkey
10 - Hound Dog
11 - Give Peace A Chance

MUSICA&SOM ☝

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Plastic Ono Elphants Memory Band
John Lennon (guitarra/teclado, vocal)
Yoko Ono (teclado)
Stan Bronstein (saxofone)
Wayne 'Tex' Gabriel (guitarra solo)
John Ward (baixo)
Gary Von Scyoc (baixo)
Jim Keltner (bateria)
Rick Frank (bateria)
Adam Ippolito (teclados)

John Mayall - The Turning Point (1969)

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Podemos debater para sempre quais são os melhores discos de John Mayall , e muitos amantes do blues escolheriam facilmente o álbum que ele fez com Clapton, Blues Breakers With Eric Clapton. No entanto, seu trabalho mais famoso, mesmo que não tenha sido o melhor, veio vários anos depois que Clapton saiu e se tornou um grande herói da guitarra. Foi em 1969, não muito depois da  saída de Taylor, que "The Turning Point" foi gravado ao vivo no Fillmore East. "

The Turning Point" é único porque o show e o lançamento do álbum subsequente apresentaram um quarteto totalmente acústico e nenhum baterista, algo inédito no hard rock de 1969. Mayall tocou gaita e violão, Johnny Almond tocou sax e flauta, Jon Mark tocou, segundo Mayall, "guitarra acústica dedilhado" e Steve Thompson foi o baixista. Mark e Almond saíram logo após o lançamento do álbum para formar sua própria banda.

Entre as músicas, está a faixa mais conhecida do álbum, o clássico exuberante "Room to Move", uma peça que se tornou famosa pelo truque de percussão de Mayall, e há o discurso atual que abriu o álbum, "The Laws Must Change", uma música que expressa sua opinião sobre a legalização da maconha. No entanto, as melhores faixas têm o baixista Thompson e o músico de sopro Almond roubando a cena. Como este show foi "acústico" (um termo que ainda não era usado em 1969), o baixo do primeiro está em destaque, enquanto o segundo provou que pode tocar com qualquer músico de blues ou banda de jazz em qualquer lugar. Ambos brilham em "Thoughts About Roxanne" e "California".

Os vocais de Mayall podem ser uma distração, mas, uma vez que você os supera, "The Turning Point" é definitivamente uma experiência muito gratificante. [notas de Charlie Ricci no bloggerhythms ]
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O jornalista Chris Welch analisa a primeira apresentação britânica da nova banda de John Mayall.
Eles são sensacionais! A nova banda de "blues sem críticas" de Mayall se tornou repentinamente o grupo mais original, inovador e empolgante da Grã-Bretanha, ou melhor, do mundo.

Sem um baterista e sem a habitual bateria de amplificadores, a banda, como resultado da inspiradora mudança de fórmula de John, está criando algumas das músicas mais sutis e gratificantes que tive o prazer de ouvir em muitas luas.
No Baile de Maio de Cambridge, na semana passada, a banda recebeu uma ovação do público mais descolado de todos os tempos, usando trajes de gala completos. O novo grupo, com o guitarrista fingerstyle Jon Mark adicionado de última hora, fez sua estreia no Olympia de Paris e saiu em turnê pela Alemanha. Cambridge foi sua primeira apresentação na Inglaterra.

John está tocando gaitas e guitarra elétrica conectadas ao seu sistema de som, tendo abandonado o órgão e o piano. O multi-instrumentista e extraordinário looner Johnny Almond está na flauta tenor e contralto.
A gama de sons e climas que eles obtêm é impressionante. É preciso admitir. Eu tinha muitas dúvidas sobre qualquer banda tocar sem bateria, o que eu achava que só levaria a horas de tédio. No entanto, eles tocaram dois sets, o segundo se mostrando mais integrado e intenso do que o primeiro.

A execução de Johnny Almond foi brilhante do começo ao fim. Depois de anos de trabalho árduo com muitas bandas inglesas, ele certamente está destinado a ser uma estrela. Com o volume baixo, ele consegue tocar os sons mais doces sem se sentir sobrecarregado. O mesmo vale para a excelente guitarra de Jon Mark, que costumava acompanhar Marianne Faithfull antes de começar a trabalhar em estúdio.

Steve Thompson, no baixo, imprimia a pulsação firme à música e trabalhava de tal forma que a ausência de um baterista se tornava quase imperceptível depois que alguém se acostumava ao som.
Mas a característica mais marcante da nova banda é a interação e a empatia. Às vezes, talvez apenas um membro esteja tocando, então os outros se juntam suavemente, construindo clímaxes que soam ainda mais emocionantes pela contenção que os antecedeu.
Conversando mais tarde, durante um jantar na biblioteca, Mayall disse que o plano agora é conseguir um LP da nova banda e que ele quer gravá-lo ao vivo no Fillmore, nos Estados Unidos.
Falando pessoalmente, mal posso esperar para ver o efeito que eles terão no resto do país e, claro, na cena musical [cortesia da Melody Maker, 21 de junho de 1969]
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Este post consiste em FLACS extraídos do meu CD recém-adquirido, outra joia encontrada em meio a uma pilha de títulos clássicos no mercado local. A arte completa do álbum, tanto para CD quanto para vinil, está incluída, juntamente com 3 faixas bônus (disponíveis no lançamento remasterizado/CD estendido), também gravadas no mesmo show do Fillmore. 

. Lista de Faixas 01. The Laws Must Change - 7:21 02. Saw Mill Gulch Road - 4:39 03. I'm Gonna Fight For You JB - 5:27 04. So Hard To Share - 7:05 05. California - 9:30 06. Thoughts About Roxanne - 8:20 07. Room To Move - 5:03 FAIXAS BÔNUS 08. Sleeping By Her Side - 5.10 09. Don't Waste My Time - 4.54 10. Can't Sleep This Night - 6.19

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A banda é composta por
John Mayall (vocal, guitarra, gaita),
Jon Mark (guitarra acústica finger-style),
Steve Thompson (baixo),
Johnny Almond (sax/flauta)
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MUSICA&SOM ☝

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