DISCOGRAFIA - ANEKDOTEN Heavy Prog • Suécia

 

ANEKDOTEN

Heavy Prog • Suécia

Biografia do Anekdoten
Fundado em Borlänge, Suécia, em 1991.

No início dos anos 90, uma onda de novas bandas de progrock inspiradas pelo King Crimson surgiu na Escandinávia. Uma das primeiras foi a formação de quatro integrantes Anekdoten, da Suécia, e eles ainda estão vivos e tocando proggin, ao contrário de seus promissores contemporâneos Anglagard e Landberk.

As raízes do Anekdoten remontam a 1990, quando Nicklas BERG (guitarra e Mellotron) e Jan Erik Liljestrom (baixo e vocal) decidiram fundar uma banda para fazer rock progressivo. Eles batizaram a banda de King Edward e os músicos começaram a ensaiar, logo acompanhados pelo percussionista Peter Nordin. Seu repertório consiste em músicas do King Crimson. Em 1991, Anna Sofi Dahlberg se junta ao King Edward, o que os inspira a intensificar os ensaios, a escrever suas próprias composições, a renomear a banda para Anekdoten e a lançar duas demo-tapes com o novo nome em 1991 e 1992. Com a segunda demo, as coisas começam a rolar para o Anekdoten, pois várias gravadoras de rock progressivo escandinavas demonstram interesse e convidam a banda para gravar um CD por sua gravadora. Mas a banda prefere lançar seu álbum de estreia, intitulado Vemod, por sua própria gravadora na primavera de 1993. A imprensa elogia as composições obviamente inspiradas no KING CRIMSON e impregnadas de Mellotron. Um ponto forte na música do Anekdoten é a enorme tensão entre os climas suaves, muitas vezes melancólicos, e as partes dinâmicas, que entregam uma guitarra elétrica uivante inspirada em ROBERT FRIPP, um baixo agressivo e propulsivo e uma bateria esplêndida.  Em 1994, o Anekdoten inicia uma turnê mundial (incluindo Suécia, Noruega, Alemanha, Suíça, Itália, EUA e Canadá) com uma apresentação aclamada no festival anual de rock progressivo Progfest, nos EUA, como seu ponto alto absoluto. Algumas faixas desse show incrível estão presentes no CD duplo ao vivo e no vídeo "Progfest 1994". No final de 1995, o Anekdoten lança seu aguardado segundo álbum, intitulado "Nucleus". A banda consegue soar mais original e está a caminho de desenvolver uma identidade musical própria. No ano seguinte, o Anekdoten excursiona pelos mesmos grandes países europeus, mas o Japão acaba sendo de longe o país mais importante onde eles tocaram e impressionaram bastante (depois da Suécia). Vemod logo é relançado, seguido por um mini-CD chamado "Live EP". Três...

ANEKDOTEN Videos (YouTube and more)

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• Anekdoten - The War Is Over Promo Video
  (5 min 41 sec )

  Added by VanderGraafKommandöh

• Anekdoten - From Within Live At the Rehearsal Room
  (8 min 9 sec )

  Added by VanderGraafKommandöh

• Anekdoten - Writing On The Wall
  (9 min 2 sec )

  Added by M3g52

ANEKDOTEN discografia

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ANEKDOTEN top albums (CD, LP,)

4.09 | 517 ratings Vemod 1993	4.02 | 486 ratings Nucleus 1995	4.09 | 507 ratings From Within 1999
3.95 | 461 ratings A Time of Day 2007 3.83 | 399 ratings Gravity 2003	4.17 | 781 ratings Until All the Ghosts Are Gone 2015

ANEKDOTEN Live Albums (CD, LP, MC, SACD, )

4.32 | 93 ratings Official Bootleg - Live in Japan 1998

4.57 | 113 ratings Waking the Dead - Live in Japan 2005 2005

ANEKDOTEN Videos (DVD, Blu-ray, VHS)

ANEKDOTEN Boxset & Compilations (CD, LP, MC, )

4.09 | 91 ratings Chapters 2009

ANEKDOTEN Official Singles, EPs, Fan Club & Promo (CD, EP/LP, MC, )

3.80 | 40 ratings Live 1997

4.30 | 10 ratings Shooting Star 2016

DISCOGRAFIA - ANDRÔMELOS Progressive Electronic • Japão

 

ANDRÔMELOS

Progressive Electronic • Japão

Biografia de Andromelos:
Supergrupo de rock japonês "Kosmische" formado por Kawabata Makoto (Acid Mothers Temple), Yamasaki Maso (Masonna, Space Machine) e Okano Futoshi (Ghost). A música alterna eletrônica astral meditativa e "estranha" com guitarras de rock espacial, pesadas e difusas, pontuadas por efeitos sonoros de ficção científica. O resultado é honesto e definitivamente lembra Ashra, Klaus Schulze e TD em seus momentos mais synth prog.

ANDROMELOS discografia

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ANDROMELOS top albums (CD, LP, )

3.00 | 4 ratings Andromelos 2006

Nick Cave and the Bad Seeds – Tender Prey (1988)

 

Ao quinto álbum, Nick Cave atinge a sua maturidade criativa, sintetizando a dissonância do seu passado pós-punk com um melodismo até então inédito. As más sementes teimando em brotar.

Em 1987, Nick Cave e seus compinchas dos Bad Seeds viviam em Berlim ocidental, encantados com a sua atmosfera artística e dissoluta. Na sua canção “The City of Refuge”, Nick presta homenagem à cidade que o acolheu, elogiando, não os seus poderes redentores (sempre fora demasiado pessimista para acreditar em tal coisa), mas o requinte com que oferece a perdição. Cave não se importava de se destruir com o veneno da heroína; com uma condição: que tudo acontecesse com o glamour dos cabarets berlinenses como pano de fundo. Decadência, sim; mas cuidando da sua estética. Não fora sempre esse o lema de Nicholas Edward Cave?

Como é que no auge dos seus consumos Nick conseguia ser actor em “Ghosts… of the Civil Dead”, músico em Tender Prey e romancista em “And the Ass Saw the Angel”, nunca ninguém percebeu muito bem; já era um milagre conseguir manter-se de pé. O que é certo é que Cave vivia um dos seus maiores picos criativos. No estúdio exíguo onde vivia, cujas paredes estavam decoradas com uma estranha mistura de arte religiosa com pornografia vintage, Nick descarregava o seu romance na máquina de escrever; os dedos matraqueando de noite e de dia, movidos à gasolina das anfetaminas. Muito do imaginário gótico e sulista deste seu primeiro romance transbordou para Tender Prey: o mesmo gosto pelo grotesco e pela violência, as mesmas obsessões bíblicas, o mesmo sentido de humor negro e retorcido.

Tender Prey é um disco de transição, com um pé no seu passado musical, e o outro no futuro. Das obras anteriores mantém a estranheza gótica e uma reinvenção demente do blues (onde a mitologia do sul profundo tem muito mais importância do que uma fidelidade estritamente musical).  É rejeitada, contudo, a dissonância pura e dura, em favor de uma abordagem mais doce e melódica. Ainda estamos longe do intimismo de The Boatman’s Call, mas algumas das sua baladas (como a voyeurista “Watching Alice” e a fumarenta “Slowly Goes the Night”) apontam o caminho para lá.

Cave desejava libertar-se da imagem de enfant terrible do pós-punk, para ver reconhecidos os seus talentos de songwriter. Nos seus três primeiros discos, Nick começara já a aproximação ao universo dos “escritores de canções”, através de versões de temas dos seus mentores (“Avalanche” do Cohen, no primeiro álbum; “Wanted Man” do Dylan, no segundo disco; um lote inteiro de versões de clássicos, em Kicking Against the Pricks). Agora, ao quinto capítulo, Cave dava o passo lógico seguinte, compondo ele próprio temas inseridos nesta tradição. Com o génio de “The Mercy Seat”, media-se finalmente com os seus mestres.

Toda a gente sabe que a Austrália tem dois bichos bizarros: o ornitorrinco e Nick Cave. Convoquemos agora ambos. A grandeza de Tender Prey é justamente ser esse disco-ornitorrinco: metade noise rock, metade doce melodia. From Her to Eternity pode ser brilhante, mas a sua permanente tensão e violência acaba por nos fatigar. The Boatman’s Call será com certeza uma obra-prima, mas com todo aquele langor ao piano é impossível não bocejarmos de vez em quando. Tender Prey, no seu justo meio, é um álbum que nunca cansa. Para ouvir em loop, uma e outra vez: “and I’m not afraid to die”…

The Moody Blues – Long Distance Voyager (1981)

 

Quando os anos oitenta ameaçavam muitos daqueles que nas décadas passadas haviam produzido os seus melhores discos, os The Moody Blues fizeram-se ao caminho, e ao décimo álbum deram uma enorme prova de vida.

Ofereci a mim próprio o disco Long Distance Voyager, dos The Moody Blues, no dia em que completei 14 anos. Nunca havia ouvido até então um único disco da banda (que na altura lançava já o seu décimo trabalho), e o que me fascinou terá sido, em primeiro lugar, uma faixa escutada na Rádio Comercial (ou “The Voice” ou “Talking Out of Turn”, não consigo precisar), e depois, coisa igualmente importante para quem viva fascinado pela música e pelos discos em vinil, foi a capa que me entusiasmou o suficiente para juntar uns trocados e comprar o álbum. Bendita hora, confesso. Long Distance Voyager foi ficando como o disco que mais aprecio, até hoje, feito pela banda inglesa, mesmo tendo depois, bem mais tarde, adquirido alguns álbuns clássicos como Days of Future Passed (1967), On the Threshold of a Dream (1969), To Our Children’s Children’s Children (1969), A Question of Balance (1970), Every Good Boy Deserves Favour (1971) ou Seventh Sojourn (1972) e gostado bastante de todos eles. Mas Long Distance Voyager consegue juntar à sua qualidade instrumental intrínseca, essa coisa tão apreciável que é ter boas canções (tão simples quanto isto), e de ter aparecido numa altura importante da minha existência de aprendiz de melómano. Este disco faz parte de mim há pouco mais de 35 anos, o que não deixa de ser já uma fatia de tempo considerável. Nunca mudei a minha opinião sobre ele, e há muito que devia a mim próprio (e ao próprio disco) este pequeno texto.

Ouvir a transição inicial das épicas cordas orquestrais de “The Voice” para uma batida pop / rock tão bem urdida como a que se ouve aos 31 segundos da faixa inicial, é algo que me arrepia até aos dias que correm. A canção fala, toda ela, por si mesma, mas aquele princípio permanece sublime aos meus ouvidos. Depois, logo a seguir, surge “Talking Out of Turn”, e ainda hoje duvido que a banda de Graeme Edge, Justin Hayward e John Lodge, entre muitos outros que foram entrando e saindo dela ao longo da sua existência, tivesse produzido um tema de igual beleza. “Gemini Dream”, a faixa seguinte, retorna ao rock, para depois o álbum serenar de novo, como se estivesse vagando por mares mais ou menos agitados, com as belíssimas “In My World” e “Meanwhile”. Depois, era altura de mudar para o lado B que abria com a triunfante “22,000 Days” em ritmo de exército a avançar para um qualquer destino imprevisto, dando posteriormente lugar a “Nervous” (“Why am I so nervous / Please explain to me / Why I can’t sleep”) e a “Painted Smile”, outro momento de singular elegância, de tão dramaticamente teatral. Para o fim, a brevíssima “Reflectvive Smile” (mais um interlúdio do que uma canção, mas sobretudo um elo de ligação perfeito entre os dois últimos temas do disco) e a mais acelerada “Veteran Cosmic Rocker”, que o finaliza.

Lendo estas palavras, parece curta a viagem deste Long Distance Voyager. Puro engano, sobretudo porque, no meu particular caso, ela é e será sempre entendida de forma dupla: pelo álbum e pelas suas canções, mas também pelo trajeto que faço, sempre que o ouço, ao distante dia 2 de outubro do ano em que o disco saiu. Como vos disse no início destas linhas, era o dia do meu aniversário, e nunca mais consegui oferecer a mim próprio uma prenda tão durável como aquela. Como esta, melhor dizendo, uma vez que permanece em minha companhia até hoje, embora multiplicada pela presença de um outro vinil (o primeiro tem há muito o ruído próprio do uso que lhe dei, e por isso está já reformado), de um primeiro cd também comprado há uma pequena eternidade, e de um segundo, remasterizado de acordo com as mais recentes artes de enganar os completistas desta vida.

Amon Düül II – Yeti (1970)

 

Yeti é um monstro sonoro que precisa de amigos. É, igualmente, uma explosão de sons, um cardápio de experimentalismo musical, um festim psicadélico e um banquete de drogas lisérgicas.

Já todos sabemos a história do rock alemão e do como o kraut foi ganhando, aos poucos, credibilidade na sua terra natal, ao contrário do que aconteceu na Europa e nos Estados Unidos, territórios onde o apreço por esse novo som foi quase imediato. Na verdade, o krautrock surge porque a juventude com vontade de fazer música encontrava-se num beco sem saída, espreitando assim, por via de experimentalismos vários, uma nova fórmula sonora. Para isso, a inspiração de muitos foi fundamental, e aos poucos algumas das bandas que melhor vieram a representar esse novo rock alemão foram ganhando forma, construindo uma identidade própria, embora resultante também de elementos tão tradicionais e díspares como a ópera (ouça-se a brevíssima “Gulp a Sonata”, neste Yeti), alguma inspiração irlandesa (“Flesh-Coloured Anti-Aircraft Alarm”, em breves momentos instrumentais), a cultura hippie e o folk britânico (“She Came Through The Chimney”), bem como os Pink Floyd, os Velvet Underground, os Jefferson Airplane, entre outras tantas e tão diferentes referências.

Os Amon Düül II viviam numa pequena comuna, embora nem sempre na maior das tranquilidades. Diz-se, e esse propósito, que circulavam revólveres pelos músicos durante a gravação do álbum Carnival in Babylon, saído dois anos depois de Yeti. A diversidade de interesses dos membros da banda, a pouca idade dos mesmos e o uso e abuso de LSD e outros ingredientes afins, agitou-lhes as ideias e os pensamentos, pelo que não é de estranhar o (delicioso) emaranhado de estilos, estados de alma e ritmos que podemos testemunhar naquele que foi o segundo álbum da banda surgida dos Amon Düül, grupo com interesses artísticos e políticos bem definidos. Depois do parto que deu origem à separação da família Düül, Peter Leopold, Renate Knaup, John Weinzier, entre outros, fizeram-se ao caminho, entrando decisivamente para a história maior do rock alemão. Para muitos, Yeti foi o seu maior feito, embora Phallus Dei (1969), Tanz Der Lemminge (1971), o já referido Carnival in Babylon e Wolf City (1972) sejam, todos eles, extraordinários.

Yeti é um álbum duplo, sem conceitos claros, parecendo ter sido construído pelo prazer de tocar música, de explorar ideias e conceitos, de procurar vias sonoras divergentes daquelas que mais se ouviam naquele tempo, de encontrar uma identidade própria. Vai do mais puro rock psicadélico repleto de estridentes guitarras, à mais profunda improvisação, passando por tribalismos sonoros e por viagens alucinadas pelo espaço interior de cada músico participante. É, por que não dizê-lo, uma orgia total, completa e suculenta.

Os destaques, num trabalho tão díspar e tão coeso ao mesmo tempo, têm de ir forçosamente para a rockeira “Archangels Thunderbird” (a minha preferida), “Burning Sister”, “Halluzination Guillotine”, para a enorme “Yeti”, com os seus mais de 18 minutos de extensão e improvisação, e para “Yeti Talks To Yogi”, outro improvisado tema, este mais atmosférico e espacial, quase a encerrar o disco. No entanto, não se julgue que as outras faixas do disco são de menor qualidade ou consistência. São ótimas, todas elas, como é igualmente ótimo este Yeti que precisa de ser mais conhecido, sobretudo pelas mais novas gerações de amantes de boa música.

Uma última nota para a capa de Yeti, bastante conhecida por todos os admiradores de um certo estilo de música mais underground. É um tributo post mortem feito por Falk Rogner (teclista do grupo) em honra de Wolfgang Krischke, homem ligado ao som da banda e que com ela trabalhava assiduamente, que acabou por morrer de hipotermia após ter consumido uma boa dose de LSD. Nela consta uma imagem do falecido Krischke, representando a personificação da morte (“Der Sensenmann”, como dizem os alemães), tornando-se, ao longo dos tempos, numa imagem verdadeiramente icónica.