A Harvest Records foi fundada em junho de 1969 como subsidiária da EMI Records, com foco na cena musical underground ou, como os executivos da gravadora a viam, em artistas que tocavam no circuito universitário. Sua primeira tarefa foi contratar alguns dos artistas da gravadora-mãe que se enquadravam nessa categoria e lançar rapidamente o material que eles já haviam gravado. O primeiro álbum pela Harvest Records foi lançado no mesmo mês, por uma banda que personificava o espírito da gravadora em formação.
Deep Purple – The Book of Taliesyn
1969 foi um ano crucial para o Deep Purple. Considerada uma banda underground quando começou a se apresentar em 1968, seus integrantes se orgulhavam de seu alto nível musical. Em uma de suas primeiras apresentações no clube Roundhouse, em Londres, Mick Jagger, dos Rolling Stones, estava na plateia. Quando a banda soube mais tarde que Jagger não estava impressionado com a apresentação, eles responderam desafiadoramente: "É no dia em que ele diz que está impressionado que precisamos nos preocupar."
Em 1969, o Deep Purple gravou e lançou vários álbuns e singles e passou por uma mudança de formação que os colocou em uma nova direção na virada da década. Em junho de 1969, a banda teve a honra de ter seu nome no primeiro lançamento pela Harvest Records. The Book of Taliesyn, seu segundo álbum, já havia sido gravado em agosto de 1968 e lançado nos EUA em outubro daquele ano, mas o público britânico teve que esperar mais oito meses para vê-lo nas lojas de discos locais. Nomeado em homenagem a um livro de poesia galesa do século XIV , segue a estrutura de seu álbum de estreia Shades of Deep Purple, com metade dele consistindo de covers de músicas americanas. Duas delas foram lançadas como singles: Kentucky Woman, de Niel Diamond, e River Deep, Mountain High, originalmente interpretada por Ike e Tina Turner.
Aproveitando o sucesso de seu primeiro single, "Hush", nos EUA, a banda estava programada para uma turnê pela América do Norte em outubro de 1968. Sua gravadora americana, Tetragrammaton, solicitou um segundo álbum para promover durante a turnê. Encontrar material suficiente para um novo álbum apenas três meses após o lançamento de seu álbum de estreia, enquanto excursionavam extensivamente, provou ser difícil. Ainda assim, o segundo álbum contém algumas preciosidades originais. Embora seus primeiros singles fossem todos covers, a banda estava melhorando na composição de material original. O baixista Nick Simper disse: "A criatividade foi despertada pela interação entre cinco músicos que realmente trabalharam bem juntos. Estávamos no auge da nossa criatividade quando nos sentávamos e compúnhamos como um grupo." O álbum foi gravado com a mesma equipe de produção do primeiro – Derek Lawrence como produtor e Brian Aintsworth como engenheiro de som. Um generoso adiantamento da Tetragrammaton permitiu que a banda reservasse duas semanas no De Lane Lea Studios em Kingsway, Londres.
Uma das músicas do álbum, Anthem, mostra a direção que a banda tocaria em 1969. Em uma entrevista à revista Beat Instrumental, o tecladista Jon Lord disse: "Suponho que se possa dizer que tocamos rock sinfônico. Somos classificados como uma banda underground, especialmente nos Estados Unidos. Mas a diferença é que fomos um grupo Top Forty primeiro e depois fomos para o underground." Anthem, composta por Lord com letras do cantor Rod Evans, apresenta seu distinto estilo de órgão e é única no repertório da banda por apresentar o mellotron. Pouco antes da marca de três minutos, a faixa muda para uma melodia com influência barroca, arranjada por Lord. Certa vez, ele disse isso sobre a música de Bach: "Bach provou que a matemática pode ter emoção. Seu talento estava a serviço não da ciência, mas do coração humano." Esta não foi a última vez que Jon Lord usou arranjos semelhantes aos de Bach. Mais tarde, na década de 1970, o célebre compositor barroco foi uma influência em partes de faixas conhecidas como Highway Star e Burn.
A revista New Musical Express fez uma crítica positiva do álbum em sua edição de maio de 1969: "A musicalidade é excelente, especialmente o órgão de Jon Lord e o trabalho de guitarra de Ritchie Blackmore. Apenas sete faixas, mas longas e bem pensadas."
Deep Purple
Retornando a Londres em janeiro de 1969, após uma turnê pelos EUA, o Deep Purple estava pronto para retomar as gravações no De Lane Lea Studios. Sua primeira tarefa foi criar outro single. Ritchie Blackmore contribuiu com um lick de guitarra pesado de wah-wah para uma música que Rod Evans compôs em homenagem a Emmaretta Marks. Sua musa cantou com o The Blue's Project, de Al Kooper, antes de se juntar à produção da Broadway de Hair, onde fez parte do "Black Girl Trio", interpretando a música "White Boys" com figurinos que imitavam a estética de Diana Ross e The Supremes. Jon Lord se lembra de tê-la conhecido durante sua turnê pelos EUA em 1968: "Ela estava em Hair, em Nova York, incrivelmente atraente para mim, um jovem de Leicester na terra das mulheres bonitas. Eu estava sentado conversando com aquela mulher apenas para ser ofuscado por Rod Evans, que era muito mais descolado e bonito do que eu poderia ser. Quando Ritchie criou o riff de abertura, Rod decidiu escrever uma letra sobre Emmaretta."
Emmaretta foi lançada como single no início de 1969, antes do terceiro álbum. O New Musical Express escreveu isso em fevereiro de 1969: "Uma música de autoria própria, um som r&b denso e imponente, com vocais solo espirituosos, um trabalho de guitarra impressionante e uma bateria estrondosa. O padrão musical é inquestionavelmente alto, e o fogo e a urgência do Deep Purple têm uma crueza e vitalidade difíceis de resistir."
A banda continuou gravando seu próximo álbum durante os primeiros três meses de 1969. O produtor Derek Lawrence falou sobre cada um dos membros da banda: "Paice era muito fácil de se relacionar, um baterista muito jovem, mas brilhante, e o mais organizado. Simper podia ser muito infeliz ou engraçado, o tipo de cara que sempre queria o que você pedia no café! Evans estava mais interessado em sua aparência. Jon era o músico treinado que era amigo de todos. Ritchie era a força motriz, um brincalhão e um comerciante de cordas e um guitarrista único." Um dos sons que Jon Lord buscava exigia pensamento inovador no estúdio. Lawrence: "A coisa que mais me lembro foi colocar quatro telas ao redor dos alto-falantes Lesley do órgão e forrá-los com papel-alumínio para tentar obter um som mais cortante!". Resumindo suas lembranças do período em que produziu os primeiros álbuns do Deep Purple no final dos anos 1960, o produtor disse: "O terceiro álbum é o meu favorito simplesmente porque os caras estavam juntos há mais tempo e eram mais unidos."
Desta vez, o álbum incluía apenas uma capa, e era uma capa fantástica. Lalena foi escrita por Donovan e gravada durante as sessões que produziram seu álbum The Hurdy Gurdy Man. Foi lançada como single não incluído no álbum em setembro de 1968. Donovan falou sobre a inspiração para esta maravilhosa canção: "Eu era fascinado por The Three Penny Opera como um musical socialmente consciente, então quando vi a versão cinematográfica com Lotte Lenya pensei, OK, ela é uma prostituta. As mulheres têm papéis impostos a elas e fazem o melhor que podem com eles, então estou descrevendo a personagem que Lotte Lenya está interpretando. Eu vi a situação da personagem: 'Esse é o seu destino na vida, Lalena/Não posso te culpar, Lalena.'"
A contracapa do terceiro álbum homônimo do Deep Purple inclui a seguinte descrição da música: "A música de Donovan feita como achávamos que Donovan a teria ouvido. A única faixa dupla nesta faixa é a passagem de guitarra no final. A sensação levemente 'jazzística' do órgão é uma reverência aos dias de Mellow Yellow de Donovan."
A maior conquista do álbum é outra longa faixa que demonstra a reivindicação de Jon Lord pelo rock sinfônico e seu interesse em misturar música clássica com rock. A banda descreveu bem esta peça musical na contracapa do álbum: “Uma espécie de concerto em três partes sobre o mês de abril. A primeira seção é tocada apenas por Jon e Ritchie. Jon tocou piano e órgão, e Ritchie tocou violão (um padrão rítmico e um padrão de solo duplo) e guitarra elétrica. O coro foi adicionado posteriormente. Também se ouve Ian nos tímpanos ao fundo. A segunda seção é a descrição orquestral de abril feita por Jon. Os instrumentos utilizados foram: duas flautas, dois oboés, corne inglês, dois clarinetes, dois violinos, viola e dois violoncelos. A terceira seção é um tratamento da primeira seção de uma forma mais 'Purple'. Como um todo, esperamos que abril se mantenha como uma evocação pessoal de um mês lindo, mas triste (para nós).” Com pouco mais de 12 minutos, foi a faixa mais longa e uma das mais ambiciosas que a banda já gravou.
Embora a promoção e as vendas no Reino Unido não tenham se comparado ao sucesso no exterior, as críticas locais foram novamente elogiosas. A Beat Instrumental escreveu: “Um bom LP do Deep Purple mostrando exatamente o quão talentoso esse grupo pouco aclamado é e onde eles se posicionam musicalmente. As instalações do estúdio são usadas de forma inteligente para criar o efeito certo, como em Chasing Shadows, onde Ian Paice é ouvido tocando bateria, timbales, maracas e cowbell, e em Fault Line, onde a faixa de bateria e órgão é tocada ao contrário para dar uma sensação vulcânica. O álbum termina com um dos empreendimentos mais ambiciosos do grupo até hoje, um concerto de três partes retratando o mês de abril. Cordas, oboés, clarinetes, flautas e corne inglês, todos colocados em jogo antes que o Purple retorne ao seu som mais usual. No geral, um disco que vale a pena, que precisa de várias execuções para ser totalmente apreciado.” Outra revista destacou Lalena e April e resumiu dizendo: "Mais um álbum de bom gosto e lindamente produzido do Deep Purple, que só serve para aprofundar o mistério de por que elas ainda não são reconhecidas na Grã-Bretanha".
O álbum foi lançado nos EUA em junho de 1969, três meses antes do lançamento no Reino Unido. A capa também chama a atenção, desta vez com um painel da pintura "O Jardim das Delícias Terrenas", de Hieronymus Bosch, datada de 1599. O painel retrata o Inferno ou o Juízo Final. Curiosamente, um painel diferente da mesma pintura foi usado apenas dois anos antes em outro álbum maravilhoso, o álbum de estreia do Pearls Before Swine, "One Nation Underground".
Outra turnê americana precedeu o lançamento do Deep Purple. Ela começou a mostrar uma grande ruptura entre os membros da banda. Vou poupá-los dos detalhes bem documentados que levaram à saída de Rod Evand e Nick Simper do Deep Purple. Infelizmente, a maior parte do que você encontra escrito sobre a formação original da banda é essa separação, em vez de celebrar a ótima música que eles fizeram juntos. Para encurtar a história, em junho de 1969, o Deep Purple MK II nasceu, e sua primeira gravação foi o single não incluído no álbum, Hallelujah. Lançado em julho daquele ano com a parte 1 de abril como lado B, fracassou apesar da abordagem comercial que a banda tentou dar para obter um sucesso rápido com a nova formação.
Concerto para Grupo e Orquestra
O primeiro álbum da nova formação do Deep Purple foi gravado em 24 de setembro de 1969 no Royal Albert Hall. Esta foi a obra-prima de Jon Lord, uma oportunidade gloriosa para ele mostrar sua habilidade de misturar música clássica e rock, apoiado por uma orquestra e um maestro autênticos. Lord estava contemplando a ideia de se apresentar com uma orquestra por algum tempo antes que o empresário do Deep Purple, Tony Edwards, fosse em frente e reservasse o Albert Hall. Com menos de seis meses restantes, Lord tinha uma tarefa monumental em mãos: escrever um concerto completo para banda de rock e orquestra enquanto mantinha uma agenda de turnês ocupada. Ele disse sobre aquela época: "Eu costumava voltar para casa de um show a qualquer hora entre uma e quatro da manhã e sentar com o manuscrito e um bule enorme de café e escrever até o amanhecer. O cronograma era muito curto, especialmente porque era minha primeira tentativa nesse tipo de coisa."
As sementes da ideia de Lord para o concerto foram plantadas no início de sua vida musical, quando, em 1960, ele se matriculou na Escola Central de Fala e Drama, em Londres. Ele relembra: “Seis meses depois de entrar na Escola de Teatro, conheci um holandês que tocava clarinete por diversão e costumávamos tocar juntos. No final do primeiro ano, formei um grupo de jazz com piano, baixo, bateria e clarinete. Tocávamos um jazz moderno peculiar.” Um dos heróis de Lord no mundo do jazz foi o pianista Dave Brubeck, que impressionou o jovem organista com seus arranjos inteligentes e experimentação com fórmulas de compasso.
Lord ouviu mais tarde a colaboração marcante de Brubeck com Leonard Bernstein em 1961 no álbum "Bernstein Plays Brubeck Plays Bernstein". O primeiro lado do álbum apresentava o combo de jazz de Brubeck e a Orquestra Filarmônica de Nova York, regida por Bernstein, interpretando a composição de Howard Brubeck, "Dialogues for Jazz Combo and Orchestra". A ideia de reunir ao vivo uma banda de rock e uma orquestra completa em um palco era bastante inovadora em 1969. Embora já houvesse gravações de estúdio maravilhosas, incluindo "Days of Future Passed", do The Moody Blues, uma tentativa ao vivo era uma nova fronteira (a menos que consideremos a gravação ao vivo de 1968, "Three Pieces for Blues Band and Symphony Orchestra", da Orquestra Sinfônica de Chicago e da Siegel-Schwall Band, uma peça de vanguarda que dificilmente seria uma influência aqui). A colaboração do Nice com a Sinfonia de Londres para o álbum "Five Bridges" ainda estava um mês no futuro após a apresentação do Deep Purple.
O projeto recebeu um grande impulso quando um dos maiores compositores de música clássica da Inglaterra, Malcolm Arnold, decidiu participar. Ele foi contatado pelo editor do Deep Purple, Ben Nisbet, que disse ter "um entusiasta de sua obra em seu escritório que queria que ele regesse uma peça musical que havia escrito". Para crédito de Arnold, após analisar um rascunho inicial da partitura de Lord, ele aceitou a oferta. Mais tarde, ele disse: "Conheci Jon Lord, ouvi o que ele havia escrito até então e soube imediatamente que era extraordinariamente bom". A visão favorável de Arnold sobre a música escrita e a ideia de unir os mundos do rock e da música clássica foram um marco crucial para o projeto. Lord reconheceu isso: "Se Malcolm tivesse dito que era uma porcaria, teria morrido por terra. Nunca conheci um músico mais aberto e generoso. Eu lhe enviava algumas páginas e recebia uma carta de volta dizendo: 'Coisa fabulosa, continue, rapaz.'" Ainda assim, esta foi uma composição escrita por um músico novato na arte da notação e arranjos para seções de instrumentos musicais clássicos. Jon Lord foi humilde sobre seus esforços na época: "A primeira armadilha em que caí foi escrever cada página para cada instrumento; você coloca todos eles, todos tocando de A a Z, o que é obviamente estúpido. A próxima armadilha em que caí foi a seccional. Pensei em termos de um instrumento sendo usado, depois o próximo. A ideia é integrar. Essa é realmente a arte da orquestração, sobre a qual aprendi muito com o concerto. Se eu me sentasse e escrevesse novamente, há algumas coisas que eu mudaria consideravelmente."
Enquanto Lord estava focado no concerto, outros membros da banda estavam em um espaço musical diferente. Richie Blackmore viu o futuro da nova encarnação da banda no rock pesado. O novo material escrito pela banda para seu próximo álbum de estúdio prova essa direção claramente, evidenciado pelas faixas que eles começaram a gravar em outubro de 1969 para seu álbum marcante In Rock, lançado em 1970. Blackmore discutiu isso em uma entrevista de 1979 para a revista Sounds: "Eu não gostava de música clássica naquela época. Eu era muito temperamental e só queria tocar bem alto e pular bastante. Eu não conseguia acreditar que estávamos tocando com orquestras. Em 1969, entramos na música clássica porque era a grande coisa de Jon Lord escrever um concerto para grupo e orquestra. Ele foi muito sincero, mas eu não gostei de tocar. A orquestra era muito condescendente conosco, e eu não gostava de tocar com eles." Mas Blackmore seguiu em frente com o projeto, na esperança de fazer sucesso com o próximo álbum de rock: "Em 1970, eu disse: 'Certo, vamos fazer um LP de rock and roll. Se não der certo, vou tocar em orquestras pelo resto da minha vida'". Após o lançamento de In Rock, Blackmore não precisou mais se preocupar com orquestras.
Sobre a recepção fria da orquestra, o cantor Ian Gillan teve sentimentos semelhantes, mas também falou longamente sobre como Malcolm Arnold lidou com aquela situação difícil: “Houve um esforço muito medíocre da Royal Philharmonic Orchestra, o que levou nosso maestro a conter todo ressentimento de uma forma objetiva que nos chocou bastante. Cada vez mais irritado com a atitude deles, na metade do primeiro movimento, ele bateu a batuta furiosamente, ergueu as mãos no ar e disse palavras como: 'Não sei o que vocês pensam que estão fazendo. Vocês deveriam ser a melhor orquestra da Grã-Bretanha e estão tocando como um bando de idiotas. Francamente, do jeito que as coisas estão indo, vocês não são dignos de estar no palco com esses caras, então se recomponham e vamos ouvir algumas besteiras. Vamos fazer história esta noite, então podemos muito bem fazer música enquanto fazemos isso'.”
Jon Lord, muito mais envolvido emocionalmente neste projeto, tinha uma perspectiva diferente: “Eu diria que cerca de 5% da orquestra não se divertiu, apenas alguns dos membros mais antigos. Houve algumas partes que foram realmente muito difíceis. O tipo de coisa que um membro de um grupo conseguiria tocar de cabeça para baixo porque está acostumado à síncope – estar um pouquinho à frente do tempo. Enquanto um membro de orquestra só consegue ler os pontos na página.”
O baixista Roger Glover, que na época estava na formação do Deep Purple havia apenas três meses, ficou emocionado com toda a experiência: “Nenhum de nós lia música, então nossos roteiros consistiam em 'esperar pela melodia boba, assistir Malcolm e contar até quatro'. Foi inspirador. Nunca vi tantos músicos reunidos em uma sala.”
O concerto de 24 de setembro de 1969 foi intitulado "Concerto de Gala Beneficente em Auxílio à Força-Tarefa" e foi dividido em três seções. A primeira contou com Malcolm Arnold regendo a Royal Philharmonic Orchestra, executando sua 6ª sinfonia , estreada dois anos antes. Em seguida, o Deep Purple apresentou três músicas: Hush, Wring That Neck e uma nova faixa a ser lançada em "In Rock", o agora clássico "Child In Time". A noite encerrou com o evento principal, a apresentação do "Concerto para Grupo e Orquestra", composto por Jon Lord para orquestra e banda de rock. Na melhor tradição de um concerto, foi dividido em três movimentos:
Primeiro Movimento: Moderato – Allegro
Segundo movimento: Andante (com letras cantadas por Ian Gillan)
Terceiro Movimento: Vivace – Presto
A revista New Musical Express elogiou o concerto, escrevendo: “Ao final da obra, o público foi à loucura. Foi um ato de prazer espontâneo, como eu não presenciava desde que a Inglaterra venceu a Copa do Mundo. Este casamento pode não ser o mais fácil de consumar, mas acredite em mim, não haverá divórcio.” Em contraste, o crítico de música clássica Noël Goodwin escreveu: “A aliança entre pop e sinfonia na noite passada me deixa com uma recomendação: divórcio por consentimento.” Cada um na sua.
Aqui está o segundo movimento, com Ian Gillan:
O álbum foi lançado nos EUA em dezembro de 1969 e um mês depois no Reino Unido. As críticas na revista Beat Instrumental foram a favor do experimento de mistura de gêneros. Uma crítica o chamou de "Um dos eventos musicais mais emocionantes do ano", descrevendo a reação do público: "Uma casa cheia de uma estranha mistura de fãs de hard rock, fãs de música clássica e todos os tipos de opinião musical entre eles deu a este trabalho uma recepção incrível. No final, os pés batendo e os aplausos arrebatadores do público foram ensurdecedores." Resumiu o concerto da melhor maneira possível: "Do ponto de vista musical, isso é muito difícil de avaliar e impossível de criticar. É puramente uma questão de gosto pessoal, e realmente cabe a cada indivíduo julgar se funcionou ou não. A única coisa que se pode dizer é: dê ao disco uma audição imparcial e não faça julgamentos precipitados."
Talvez as palavras mais marcantes sobre o Concerto tenham sido ditas por Malcolm Arnold em 1970. Poucas bandas de rock podem incluir uma citação como essa de um compositor clássico em seu currículo: “O que me impressiona neste grupo pop é sua tremenda integridade musical. Isso é tão revigorante em um mundo comercial. Adorei trabalhar com eles. São músicos completos.”
