LOS ROMEROS

 

Uma afirmação do The New York Times resume o que são LOS ROMEROS: "Coletivamente, eles são o único quarteto de violão clássico de estatura real no mundo de hoje, na verdade, eles praticamente inventaram o formato".

Los Romeros, também conhecido como A Família Real do Violão, foi criado por Celedonio Romero em 1960, e tinha como integrantes ele e seus três filhos: Angel, Celin e Pepe. 

Formação que perdurou até 1990, quando Ángel Romero optou por uma carreira-solo, sendo substituído por Celino, filho de Celin, havendo então três gerações no grupo.

Com a morte de Celedonio em 1996, em seu lugar entrou Lito Romero, que é filho de Ángel.

Como a família diz, "o espírito do quarteto é ele, todos os nossos concertos agora será em homenagem a ele"; seus filhos e netos continuam o legado de Celedonio.

Os Integrantes:

Celedonio Romero

Celedonio Romero nascido em Cienfuegos, Cuba, no dia 02 de Março de 1913, num momento em que seus pais, espanhóis de origem, estavam numa viagem de negócios pela ilha.

Joaquín Turina

Aos cinco anos começou a tocar violão. Estudou violão clássico no Conservatório de Málaga, e mais tarde no Conservatório de Madrid, onde ele foi aluno de Joaquín Turina.

Casou-se com Angelita Ines Romero, com que teve três filhos, Celin, Pepe e Angel. 

Quando cada um de seus filhos atingiu a idade de dois ou três, ele iniciava com eles a aprendizagem de violão. 

Todos os seus filhos estrearam profissionalmente na Espanha, entre seis e sete anos de idade.

Gen. Franco

Tornou-se um solista de renome na Espanha, entretanto privado de liberdade artística sob o governo opressivo do generalíssimo Francisco Franco que não permitia que fizesse concertos no exterior, ficando desconhecido do restante do mundo.

Conseguiram um visto americano, secretamente, e uma permissão do governo para visitarem um parente doente em Portugal, em 1957. E dali ao invés de retornarem à Espanha, a família rumou para o sul da Califórnia onde se estabeleceram.

Angelita Ines Romero

Celedonio gravou diversos discos tanto solo como com Los Romeros, também escreveu mais de uma centena de composições para violão, incluindo uma dúzia de concertos.

Joaquín Rodrigo, um dos maiores compositores da Espanha, disse de Celedonio Romero:

"Ele tem contribuído imensamente através de suas interpretações artísticas para o violão clássico e mais importante, ele ampliou e enriqueceu o repertório de música do século 20 com suas próprias composições".

Celedonio Romero

Faleceu no dia 08 de Maio de 1996, em San Diego, Califórnia, vítima de um câncer no pulmão. Angelita, sua esposa, faleceu em 10 de Março de 1999.

Celin Romero

Celin Romero nascido em Málaga, no dia 23 de novembro de 1936, é o filho mais velho de Celedonio e Angelita, além de violonista é também professor de música na Universidade da Califórnia em San Diego. 

Suas aulas atraem estudantes de música de lugares como Istambul, Belgrado, Düsseldorf e Moscou, que vão até San Diego para buscar a experiência do Maestro Celin Romero.

Sua discografia abrange a história da música desde a Renascença até o presente.

Apresentou-se em todas as grandes cidades dos Estados Unidos, Europa e no Extremo Oriente, e com praticamente todas as grandes Orquestras Sinfônicas nos Estados Unidos.

Pepe Romero

Pepe Romero, nascido no dia 08 de Março de 1944, também em Málaga é o segundo filho do casal, teve como único professor, o seu pai, muito conhecido por sua técnica e interpretações excepcionais no violão. 

Publicou em 2012, Lo Violão, um método de violão desenvolvido por ele. Apesar de seu um violonista clássico, talentoso no flamenco. 


Seu álbum mais popular é Flamenco Fenómeno! Pepe Romero recebeu o "Prêmio Andaluzia de Música", o mais alto reconhecimento dado por sua terra natal por sua contribuição para as artes. 

Ele possui um doutorado honorário em música pela Universidade de Victoria, Columbia Britânica.

Teve aparições como solista, com diversas orquestras famosas tanto nos Estados Unidos como na Europa. 

Pepe Romero é dedicado a repassar seu conhecimento do violão através de seus muitos alunos, vários deles vencedores do primeiro prêmio em concursos de violão internacionais.

Ángel Romero

Ángel Romero é o mais jovem dos irmãos Romero, nascido em 17 de Agosto de 1946, também em Málaga, tornou-se violonista clássico e maestro. 

Aos dezesseis anos foi o primeiro solista de violão da Los Angeles Philarmonic interpretando Concierto de Aranjuez de Joaquin Rodrigo. 

Estudou regência com Eugene Ormandy, o maestro da Orquestra de Filadélfia. 

Regularmente se apresenta nos principais centros culturais em todo o mundo, incluindo Londres, Paris, Berlim, Viena, Madrid, Munique, Zurique, Chicago, Los Angeles, e Nova York. 

Segovia

Aclamado como o maestro espanhol do violão, Angel Romero é conhecido em todo o mundo como um dos principais artistas de sua geração e continua a tradição de grandes virtuosos do violão como Andres Segovia e seu pai Celedonio Romero. 

Em 1986 foi concedido ao Maestro Romero o Mérito Civil da Grande Cruz da Espanha, tornando-se o mais jovem a receber tal homenagem àquela data.

Celino Romero

Celino Romero, filho de Celin Romero, foi o substituto de Ángel, no quarteto, nascido em Hollywood na Califórnia, em 1969. 

Quando tinha três anos de idade sua família mudou para Del Mar, na costa de San Diego. 

Ele foi criado um verdadeiro californiano do sul, amando tudo que a natureza e um clima mediterrâneo tinham a oferecer: das praias oceânicas às montanhas e desertos, Celino sempre encontrou inspiração perto de casa. 

Celino é o membro mais jovem do renomado quarteto, mas provou ser um veterano com performances brilhantes. Juntou-se ao quarteto em 1990. 

A jornada de Celino no violão começou na tenra idade de três anos, sob a tutela cuidadosa de seu avô lendário, Celedonio, e seu famoso pai, Celin. 

O músico mostra um virtuosismo que é sinônimo com o nome Romero. Ele se apresenta como músico solo, com grandes orquestras, em performances duo com o pai Celin, seu tio Pepe, ou primo Lito. 

Suas aparições em todo o mundo incluem Hollywood Bowl, Carnegie Hall e Metropolitan Museum, o Auditorio Nacional (Madrid), Gewandhaus (Leipzig), Concert Hall (Seul), Centro Cultural Concert Hall (Hong Kong) e Musikverein (Viena).

Lito Romero

Lito Romero é o mais novo membro do Los Romeros, filho de Ángel Romero, substituiu Celedonio após a sua morte em 1996. 

Lito se apresentou em concerto com o seu pai, Angel Romero, em Tóquio, Madrid, Los Angeles, Chicago, Nova York, Seul, Cidade do México, Puerto Rico, e em vários festivais de música, incluindo o Festival de Música Blossom. 

Em 1988 ele se juntou a seu pai na gravação de A Touch of Class para Telarc, e em 1995 eles gravaram concertos de violão de Vivaldi com a Academy of St. Martin-in-the-Fields. 

Sua primeira aparição pública como solista foi com a Orquestra Sinfônica de Wyoming, em 1991, apresentando “Concierto de Aranjuez”, de Joaquín Rodrigo, e seu primeiro recital solo foi durante a temporada 1994-1995.

O quarteto é considerado como uma verdadeira instituição no mundo da música clássica, Los Romeros têm deslumbrado diversos públicos e conquistado elogios dos críticos em todo o mundo.

João Paulo II

Los Romeros iniciou a carreira enquanto os garotos ainda eram adolescentes. 

A partir daí foram centenas de concertos em todo o mundo.

Príncipe Charles

A família foi duas vezes convidada à Casa Branca; em 1983 fizeram um concerto especial no Vaticano, para o Papa João Paulo II.

Três anos mais tarde, eles se apresentaram para o Príncipe Charles.

Após uma apresentação no Gewandhaus de prestígio em Leipzig, Alemanha, em novembro de 1996, o Leipzig Volkszeitung afirmou: "Los Romeros: os Guardiões do Santo Graal do violão clássico, o que os 'Três Tenores' são para o mundo da ópera, Los Romeros são para o violão clássico".

Os Romeros englobam três gerações de virtuosismo que por mais de 40 anos têm inspirado compositores para enriquecer o repertório de quarteto de violões com orquestra, que inclui obras de compositores ilustres como Joaquín Rodrigo, Federico Moreno Torroba, Morton Gould, Francisco de Madina, Lorenzo Palomo e outros.

Com um sentido excepcional para tocar conjunto, Lito tem provado em numerosas performances para ser um digno sucessor de seu avô no quarteto da família.

Joaquin Rodrigo

Após estreia quarteto de Celino, The New York Times observou: 

"Um dos mistérios duradouros de talento musical é como habilidades parecem fluir geneticamente de pai musical a criança musical. 

Na família Romero, o fluxo foi rápida e desimpedida, o virtuosismo foi uniformemente sólido e finamente considerado, como se estas técnicas tinha derivado de um único molde".

Celino em tom filosófico diz o que a música trouxe à sua vida:

É beleza, tradição, calor, disciplina, paixão e muito mais. A música é o núcleo de quem eles são e como eles vivem.

Juan Carlos I

Nas palavras do compositor espanhol Joaquin Rodrigo, "Os Romeros desenvolveram a técnica do violão, fazendo o que é difícil de ser fácil, pois eles são, sem dúvida, os grandes mestres do violão".

Em 11 de Fevereiro de 2000, no Thornton USC School of Music, Ángel, Pepe e Celin foram agraciados, pelo Rei Juan Carlos I, com a grã-cruz de Isabel La Católica (a maior honraria espanhola), e foram condecorados por suas realizações musicais.

A cerimônia incluiu uma apresentação de gala do Los Romeros e a Orquestra de Câmara Thornton.

ouvir: https://drive.google.com/drive/folders/1Hwnn5C6dQkdMvGyuI4dgevCd0lW9QYAx?usp=sharing

ROCK ART

 

Bicho do Mato – A Vingança do Bicho do Mato (2016)

 

Nos Estados Unidos, existe o chamado southern rock, todo ele orgulho das suas raízes sulistas. No seu auge, nos anos setenta, bandas como os Allman Brothers e os Lynyrd Skynyrd conquistaram uma enorme popularidade, não só por serem músicos incríveis, mas também porque geravam uma forte identificação cultural nas gentes do sul, há muito ressentidas com a irritante sobranceria dos yankees.

Em Portugal, com os nossos brandos costumes, nunca existiu nada de semelhante. Mas deveria haver, pois há muito pedantismo indie na capital do império. É conhecida a passagem de “Os Maias”, quando a personagem João da Ega, alter-ego do próprio Eça, desabafa: “Lisboa é Portugal. Fora de Lisboa não há nada. O país está todo entre a Arcada e S. Bento!” Tudo bem que hoje já não existe, entre o campo e a cidade, o fosso cultural de outrora: para o bem e para o mal, a net e a tv tornaram o país mais homogéneo. Existem contudo novos fenómenos de exclusão, como a desertificação do interior, sempre selada com a abjecta cumplicidade do poder político. A indústria musical não é excepção, também ela barricada em Lisboa e demais litoral. Cento e trinta anos depois, o resto continua a ser paisagem.

E, contudo, uma aldeia gaulesa resiste. A Capote Música, sediada em Évora, acreditou que era possível romper o cerco, e afirmar uma cultura local. Se existem bons músicos no Alentejo, bons designers, bons dinamizadores, porque raio estes não haveriam de se organizar e criar as suas próprias estruturas de produção e distribuição cultural? Não será fácil a vida de uma pequena editora, independente e periférica ao mesmo tempo; mas esta malta sabe, por experiência própria, que sem este tipo de alicerces é a própria sobrevivência que está em causa. É difícil? É desgastante? É quixotesco? Será tudo isso. Mas nada tem mais força do que o que tem que ser.

É neste contexto de resistência que nasceu o mais recente filho da Capote Música: o grande álbum de estreia dos Bicho do Mato. Com tudo o que dissemos, haveis porventura formado expectativas erradas sobre o disco, imaginando langorosos cantos alentejanos. Nada disso. Há muita influência anglo-saxónica em A Vingança do Bicho do Mato, e, em vez de Janita Salomé como convidado especial, é Sequin, a musa da electrónica, que nele assoma. A conclusão só não é óbvia para os maus etnomusicólogos: a cultura do Alentejo nunca foi estanque no tempo, ou isolada do mundo, mas sim mutante e promíscua, como este saboroso disco.

Se há, de facto, Mississippi na guitarra slide de Zé Peps (sempre pincelando de blues eléctrico os alicerces acústicos das canções), a viola campaniça de Tó Zé Bexiga é puro Alentejo: trigo em vez de algodão, sobreiros em vez de magnólias, migas em vez de hambúrgueres. O fado de “Mosca sem Asa”, e os ritmos populares de “Pato Psicopata” e “A Vingança do Bicho do Mato”, vão no mesmo lusitano sentido. Mas onde o coração do Bicho do Mato mais bate em português é na sua linguagem popular, satírica, quase grotesca, uma espécie de cantigas de escárnio e maldizer para a pós-modernidade. Numa altura em que Lisboa se transforma cada vez mais em postal para turistas, enfeitando-se por todo o lado com patéticos estrangeirismos, o português vernacular de Daniel Catarino é por demais bem-vindo.

Não será também fortuito o lugar-conceito que a fábula ocupa no disco: treze canções, treze animais, cada um carregando às costas os vícios e virtudes dos homens (mais vícios do que virtudes, que os podres costumes da nação corrompem sempre o que há de melhor em nós). Quem leu em miúdo as histórias do Salta-Pocinhas, saberá o quanto a fábula pode ter de tradição oral, jocosa e picaresca. É como se a bicharada de Aquilino Ribeiro tivesse fugido dos seus livros e houvesse encontrado abrigo neste disco: o mesmo imaginário rural e burlesco, a mesma inteligente subversão.

A Vingança do Bicho do Mato é, contudo, muito mais do que as suas grandes canções. É a história da música popular a fazer-se. O southern rock português acabou de nascer.

Goat – Requiem (2016)

Em 1791, Wolfgang Amadeus Mozart compunha o seu Requiem em ré menor. A altura não poderia ser mais irónica – a encomenda de uma missa fúnebre chegava-lhe nos seus últimos meses de vida, fazendo do Requiem K. 626 a sua própria missa fúnebre, a sua lápide, num certo sentido a sua autobiografia. A morte cairia em cima de Mozart a dois terços da obra, vindo esta a ser completada meses mais tarde por Franz Xaver Süssmayr e a tornar-se numa das mais célebres composições da popularmente chamada música clássica.

225 anos depois, também os Goat nos trazem o seu Requiem. Uma obra que nos fala menos sobre o juízo final católico, aproximando-se de filosofias orientais e africanas e seguindo um caminho mais direccionado ao significado literal, em latim, da palavra – descanso. Com Mozart, partilhará também o seu cariz autobiográfico e misterioso.

Requiem abre com uma referência a “Djorolen”, de Oumou Sangaré. A letra, em bambara, fala de um pássaro que canta na floresta, preocupado com as crianças que não têm pai, oferecendo-lhes os seus pensamentos e preces. Tal como o primeiro disco da banda sueca, também este abre com a adaptação de uma canção do Mali – sendo a outra “Diarabi”, de Boubacar Traoré. Alegadamente oriundos da remota vila de Korpilombolo, na Suécia, os Goat sempre justificaram a sua postura cénica, sónica, mística e comunal numa suposta tradição antiga de Voodoo que existiria nesse lugar. Mesmo sendo tudo isso verdade, o universo dos Goat sempre foi muito além das fronteiras de Korpilombolo, da Suécia e mesmo da Europa.
No passado, no irónico e crítico título do disco World Music, em “Diarabi” e em muitas referências rítmicas às cordas do Saara e ao afrobeat – e até mesmo à música indiana, turca e de tantos outros lugares. Em Requiem, em referências ao budismo tibetano, novamente a África – seja norte ou sul – em ritmos, instrumentos, samples ou até filosofias, ao Olho da Providência e a muitos rituais emprestados de outros lados.

A par desta mescla de referências, recorrente nos discos do conjunto sueco, há também em Requiem um repousar – o tal descanso – das guitarras eléctricas distorcidas e dos pedais de wah-wah mergulhados em psicadélicos. Desligam-se os amplificadores e deixam-se soar alegres flautas, rítmicos reco-recos, mansas guitarras, tântricos tambores, alaúdes, koras, lamelofones e muitos outros instrumentos escondidos na manta sonora palpável que é Requiem.

A magia de Requiem reside na capacidade dos Goat em se reinventarem, abandonando completamente o som do passado para criar algo novo e oposto, ainda que mantendo a cem por cento a sua identidade, o seu ADN e as suas referências – por outras palavras, mantendo tudo aquilo que gostamos neles.
O terceiro álbum desta banda é também aquele onde a voz se torna mais relevante (e sonante). “I Sing In Silence”, que curiosamente retoma na flauta as notas do pássaro de “Djorolen”, carrega consigo um manifesto espírito hippie, de irmandade e entreajuda, mais inspirado pela experiência humana directa que a experiência narcótica dos trabalhos que precederam este disco. “Try My Robe” perpetua esse espírito, aqui incentivando à partilha. Em “Psychedelic Lover” ouve-se ao longe um chamamento muçulmano à oração, numa arabesca cantiga de amor.

O disco culmina com o duo “Goodbye” e “Ubuntu”. A primeira coloca a kora no lugar da frente, numa despedida feita homenagem de oito minutos a um dos mais belos instrumentos do continente-mãe e que certamente muito fez pela banda. A última põe em primeiro lugar as pessoas – mais concretamente, os testemunhos daqueles que ajudaram directamente o imaginário e o ideário dos Goat a ser construído e esculpido em pedra no seu terceiro disco. A palavra Zulu “ubuntu”, explicam-nos, significa literalmente humanidade – num sentido de se ser humano e bondoso perante os outros.

O tema final de Requiem é uma das peças mais enigmáticas dos Goat até à data. Ao ouvirmos vozes que nos explicam aquela que é no fundo a ideia por detrás de toda a visão de comunhão do colectivo, voltamos também a ouvir “Djorolen”, que desagua na primeira música que os Goat nos deram num disco – “Diarabi”. E a questão é deixada em aberto: será o fim o início? Será este Requiem uma semente de futuro ou o fechar de um ciclo? A resposta poderá estar mesmo no começo (do disco) – a União do Sol e da Lua é um texto budista que descreve o estado entre a morte e o renascimento. Resta-nos saber se o renascimento dos Goat já aconteceu com este álbum duplo ou se estará ainda para acontecer.

 

Wilco – Schmilco (2016)

 

Os Wilco serão sempre uma daquelas bandas que se ouvirá com agrado – e que a cada novo disco soarão bem, porque são uma banda “certinha”, que raramente faz um mau disco e nunca um péssimo.

Talvez o facto de se considerar que passam actualmente por um período de menor fulgor se deva a duas coisas: a primeira é um eventual cansaço que pode haver da banda (afinal, eles já cá andam desde os anos 90, e não são o tipo de banda que cria polémicas mediáticas – salvo raras excepções – ou campanhas de promoção megalómanas para enfiar o disco em tudo quanto é sítio); a segunda pode ser qualquer comparação que se faça com Yankee Hotel Foxtrot (2001), que considero a obra-prima da banda, não só pela enorme qualidade do disco mas por tudo o que o rodeou, desde logo o contexto temporal em que é editado, no pós-11 de Setembro e numa altura em que canções melancolicamente belas (como “Jesus, etc”, por exemplo) e quase premonitórias do que aí vinha ( “Ashes of American Flags”) – foram escritas e gravadas bem antes do acontecimento que desolou a América e mudou o Mundo – eram um consolo bonito e possível para todos nós.

As comparações com uma obra-prima são sempre difíceis; e não foram raras as bandas que ficaram reféns do seu disco excepcional, aquele que elevou tão alto a bitola que os que se lhe seguiram, apesar de bons, foram sempre encarados como “menores”. O tempo tratará de trazer uma avaliação mais racional e distanciada do legado que os Wilco nos deixaram no pós-Yankee Hotel Foxtrot; e estou certo que, por exemplo, Star Wars, o álbum que lançaram o ano passado, será apreciado quer pelos mais críticos quer pelos que pura e simplesmente não se interessaram por ele. Não por acaso, usemos antes as palavras do próprio guitarrista e vocalista da banda, Jeff Tweedy, que explicou a campanha de promoção e venda desse disco (que esteve disponível, durante algum tempo, para download gratuito na página oficial dos Wilco) em entrevista recente:

“Acho que há muitas expectativas que se perdem pelo facto de sermos uma banda há muito tempo e termos lançado muitos discos. Tudo o que envolveu o lançamento do álbum, a maneira como foi embalado, tudo foi realmente um esforço para tentar subverter as expectativas das pessoas e para tentar que estas dêem atenção à banda, por forma a gerar uma discussão ou um diálogo sobre o disco”.

É quase como se Jeff Tweedy estivesse a querer recordar-nos de que os Wilco estão aqui e para ficar: e que melhor maneira de acentuar a mensagem do que lançar novo álbum um ano depois do anterior (coisa que só por uma vez tinham feito na carreira, que já dura há 21 anos)?

Schmilco, nome do álbum editado no passado mês de Setembro, é mais um bom disco na carreira dos Wilco, coisa que não é grande novidade. Menos eléctrico, cheio e com risco diria até “rock” do que o anterior, volta a recordar-nos os Wilco de outros tempos, a meio caminho entre as baladas de indiscutível bom gosto e o country-rock mais vitaminado mas sempre delicado.

Com mais espaço dado ao lado cançonetista e à voz de Jeff Tweedy – que aqui se volta a ouvir com clareza, como bom herdeiro da tradição da canção americana – não faltam malhas óptimas para ouvir neste Outono meio-quente-meio-frio, preferencialmente numa qualquer estrada nacional (que com boa dose de imaginação nos recorde a boa, deserta, interminável e poeirenta estrada americana de outros tempos): oiça-se a inicial “Normal American Kids” (bem sarcástica e pertinente num momento em que a diferença é olhada com crescente desconfiança), o single “If I Ever Was a Child” e a mais dinâmica mas profundamente bela “Cry All Day” (não é de fazer chorar as pedras da calçada, não temam).

A somar a isso, os bons momentos disruptivos a que sempre nos habituaram também cá continuam presentes, em temas como “Common Sense”, “Quarters” e “Locator”; e ajudam a que o disco seja tudo menos monótono. Se é relevância na música que os Wilco querem manter, o trabalho está feito e bem feito; acontece que nem tudo depende deles, pelo que o resto fica, a partir de agora, nas nossas mãos – de ouvintes.

Kaiser Chiefs – Stay Together (2016)

 

Stay Together é um disco fraco e incaracterístico de uma banda agora mergulhada na irrelevância, que foi em busca de um novo começo mas que se limitou a perder o rumo.

Mas eles ainda existem? Sim, é verdade, os Kaiser Chiefs ainda existem, ainda lançam música nova e não se limitam a ir ao Crato em formato best-of.

Ainda assim, o futuro da banda estava e está longe de estar assegurado. As dúvidas começaram em 2012, com a saída do baterista Nick Hodgson. Acontece que este era, também, um dos principais compositores do grupo que nos deu coisas tão boas como “Ruby” ou “I predict a riot”. Em 2014 saiu Educacion, Educacion, Educacion & War, que manteve o percurso rock “a la Kasabian” mas que acabou por não ter grande impacto. Agora, em 2016, descambou tudo.

Ricky Wilson, o vocalista conhecido pela sua energia e loucuras em palco, passou os últimos anos a tornar-se uma celebridade em Inglaterra, como jurado do The Voice e noutras aventuras televisivas similares. Agora que voltou a juntar a banda parece ter ficado possuído por esse mundo de plástico. E fez um disco lastimável.

Os Kaiser Chiefs recorreram ao produtor Brian Higgins, que também é co-autor de vários dos temas e que no passado trabalhou com irrelevâncias como as Girls Aloud. O resultado é um disco que nunca diríamos ser dos Kaiser Chiefs, até porque Wilson usa agora um estranho tom mais grave. Mais, as guitarras indie deram lugar à electrónica, aos sintetizadores, às baterias programadas. Se não soubéssemos, na verdade, nunca diríamos estar perante a mesma banda.

Os Kaiser Chiefs mudaram e aqui está a prova de que a mudança não é sempre boa. Neste disco, nos momentos menos maus, lembram uns Hot Chip ou uns New Order pouco inspirados; nos momentos mais ou menos são uns Cut/Copy de segunda, mas a coisa acaba por tresandar mais aos Coldplay dos últimos tempos e algumas foleiradas dos Killers.

RIP Kaiser Chiefs. Foi giro enquanto durou.

King Gizzard & The Lizard Wizard – Nonagon Infinity (2016)

 

Os prolíficos King Gizzard estão de volta e com eles trazem mais uma pedrada de rock psicadélico, com uma toada mais negra do que os anteriores. Tudo isto num disco construído para ser um loop infinito.

Há bandas que não conseguem estar paradas. Em apenas cinco anos os Australianos King Gizzard & The Lizard Wizard já conseguiram editar oito discos e prometem não ficar por aqui. É, de facto, muita obra. E o melhor disto tudo é que não é apenas muita parra e pouca uva. É muito sumo daqui espremido, e da melhor qualidade. Algo que só está ao alcance dos melhores. E a banda de Melbourne é-o, sem dúvida. As vezes que vieram a Portugal tiraram as dúvidas a qualquer um que pensasse que apenas eram mais uma banda da Austrália a retirar dividendos dos tubarões Tame Impala.

Se as primeiras audições de Nonagon Infinity fizeram torcer o nariz ao regresso da banda a um registo mais pesado, as audições seguintes mostraram que Nonagon é um portento de força que não poderia ser negligenciado, podendo-se até dizer que é um dos seus discos mais fortes.

Nonagon atinge-nos forte como os melhores socos de Mike Tyson no seu auge. Uma luta titânica entre a banda e o ouvinte. Esmurrando-nos a toda a hora como bombas auditivas mas nunca nos deixando cair, preparando-se sempre, sem interrupções, para nos deixar K.O, sem qualquer chance de pedir para desistir. Quando finalmente formos ao tapete não nos levantamos mais. É este o poder de Nonagon Infinity. No entanto, somos masoquistas e queremos mais, muito mais. Golpeiem-nos, atinjam-nos. Estamos sempre preparados para mais, qual Rocky Balboa contra Ivan Drago, em Rocky IV.

Após terem lançado dois discos fantásticos em 2015, cada qual no seu estilo, Quarters mais espacial e existencial, com longos solos e momentos para sentir o cosmos e tudo o que nos rodeia. Por outro lado, Paper Maché pegou na pop pastiche dos anos 60 e transportou-a para os nossos dias. Com Nonagon, os King  Gizzard voltam um pouco às origens ultra sónicas e mostram que são uma banda que pode fazer de tudo. São como um comboio de alta velocidade que percorre o mesmo caminho às voltas e voltas sem nunca se cansar. Nonagon é uma espiral. É só colocar em repeat e poderíamos pensar que o disco só teria uma música. Somos consumidos por tamanha velocidade.

Nonagon é um disco negro, visível até pela própria capa do disco, ao contrário de Paper Maché que irradiava arco-íris por todo o lado. Neste comboio de alta velocidade que é Nonagon Infinity, a primeira paragem efectua-se em “Mr beat”, que é o primeiro momento de alguma acalmia do fulgor inicial, que até podia ter feito parte do disco anterior, uma tentativa de entrar alguma luz na negritude que o disco contém.

Feita a pausa para acalmar a máquina, lá voltamos nós ao combate de alta velocidade com “Evil Death Roll.” e assim por diante.

Acabamos a nossa viagem com “Road Train” à boa maneira de Hawkwind ou Motörhead. Bruta e destemida. Mas terá sido realmente o fim desta viagem tenebrosa? Tiraram a opção do repeat? Não? Então boa viagem! Vemo-nos no inferno!