ANNON VIN Progressive Metal • Germany

 

ANNON VIN

Progressive Metal • Germany

Biografia do Annon Vin:
ANNON VIN foi um trio de metal progressivo de curta duração, originário de Hesse, Alemanha. A banda era formada por Erik Groesch (guitarra e vocal, atualmente no MEKONG DELTA e STRAIGHT FROM HELL), Tom BRENNEIS (vocal e baixo, SCHAFFRATH e THE LIFELONG PROJECT) e Uwe RUPPEL (vocal e bateria, AMITAV, ex-TELLTALEHARD). Após uma demo em fita cassete em 1991 e o EP "Higher Spheres" em 1993, lançaram seu único álbum completo, "A New Gate", em 1996, produzido pela Zardoz Music e Ralph HUBERT, o gênio por trás da lendária banda de prog-thrash metal MEKONG DELTA.

Não surpreendentemente, a música de ANNON VIN é influenciada pela então florescente cena do metal progressivo alemão, particularmente por bandas como MEKONG DELTA e SIEGES EVEN, sendo altamente recomendada para fãs de metal progressivo técnico.

A New Gate
Annon Vin Progressive Metal

 Definitivamente, este é um álbum magistral e pode ser considerado uma pérola musical esquecida! O ANNON VIN conseguiu lançar apenas este álbum em sua curta carreira, mas que álbum fantástico eles fizeram! A NEW GATE é fortemente influenciado por SIEGES EVEN - podemos dizer que o ANNON VIN é uma cópia da conhecida banda de metal progressivo técnico - infelizmente agora extinta - mas eles tinham um vocalista melhor do que Thomas Herde, o vocalista horrível do SIEGES EVEN nos dois primeiros álbuns! O que temos neste álbum é uma demonstração das capacidades técnicas desses três jovens e ambiciosos músicos - às vezes podemos sentir que eles tentam fazer um pouco mais do que são capazes, elevando o aspecto técnico deste álbum a um nível inacreditável! A audição do álbum inteiro é um teste de força de vontade, mas, no final, podemos dizer que este álbum é quase uma obra-prima! Habilidades técnicas incríveis, reviravoltas, mudanças de ritmo, linhas de baixo impressionantes e uma versatilidade quase assustadora. O baterista! O guitarrista/vocalista também é de outro mundo - ele é totalmente impressionante quando pensamos que ele é o responsável pelos vocais, além do trabalho sofisticado na guitarra - UAU!!! Difícil dizer qual música é a melhor - o álbum todo é complexo e exige muitas audições e uma imersão profunda para entender a complexidade e os significados de um álbum tão fantástico! Produção muito boa, capa sem inspiração - mas a música é fabulosa! 4,75 estrelas para mim!

ANNEXUS QUAM Krautrock • Germany

 

ANNEXUS QUAM

Krautrock • Germany

Biografia do Annexus Quam
Fundada em Düsseldorf, Alemanha, em 1967 (como Ambition of Music),

esta é mais uma excelente banda de krautrock com influências de jazz, que oferece sons ambiciosos e inventivos. Como já mencionado, as raízes geográficas da banda remontam a Kamp-Lintfort, perto de Düsseldorf, em 1967. Nessa época, os músicos estavam ligados a uma banda de metais religiosa local e decidiram formar uma banda de rock "cósmico" para expandir suas ideias musicais e enfatizar o lado mais jazzístico de sua música. Seu primeiro álbum, lançado em 1970 pelo selo Ohr, representa de forma bastante intrincada a fusão entre música "cósmica" e jazz rock. Suas improvisações psicodélicas e peculiares são misturadas com efeitos espaciais/eletrônicos inusitados. Instrumentos de sopro (principalmente flauta e trompete) são associados ao órgão elétrico e às partes convencionais de guitarra elétrica. Essas combinações oferecem um conjunto musical de bom gosto. Gravado em 1972, seu álbum seguinte é talvez mais elaborado, com uma abordagem improvisatória mais evidente e refinada. Consequentemente, dois esforços notáveis ​​que contribuíram para o desenvolvimento da cena Krautrock.

Beziehungen
Annexus Quam Krautrock

O ANNEXUS QUAM passou de uma banda hippie dos anos 60 para uma mistura bizarra de rock psicodélico com jazz livre quando estreou com "Osmose", mas depois desse lançamento, passou os dois anos seguintes mergulhando mais no lado jazzístico da equação e se apresentando em diversos festivais do gênero. A banda havia perdido dois membros e, em seu segundo álbum, BEZIEHUNGEN (relacionamentos), era apenas um quinteto. Embora a banda já tivesse desenvolvido um som experimental que buscava as experiências musicais psicodélicas mais extremas, em BEZIEHUNGEN eles se apoiaram um pouco menos no lado do rock psicodélico (mas ele ainda está presente) e se entregaram completamente à experiência do jazz livre, com papéis mais proeminentes para os saxofones tenor e soprano, bem como a aparição inusitada do trombone.

Embora o número de músicos tenha sido reduzido a apenas cinco, a quantidade de instrumentos que tocavam era outra história, com cada integrante desempenhando diversas funções. Enquanto a guitarra, o baixo, a bateria, a flauta e a seção de metais retornavam do segundo álbum, nesta jornada selvagem pelo cosmos somos brindados também com todos os tipos de instrumentos completamente fora do rock e do jazz, como a cítara elétrica, o bendir, a harpa de boca e a flauta de pã. Assim como no álbum de estreia, ainda há um fluxo meditativo com influências indo-raga, e a tabla oferece um impulso percussivo étnico em vários momentos. O álbum contém apenas quatro faixas e, assim como o primeiro, apresenta duas curtas e duas longas, com mais de quatorze minutos de duração.

Embora o rock progressivo e seus muitos componentes, como o krautrock e o rock psicodélico, sejam naturalmente excêntricos e pouco comerciais, o ANNEXUS QUAM foi uma daquelas bandas que atacou a jugular da vanguarda, criando paisagens sonoras bizarras que podem ser demais para muitos, o que explica por que BEZIEHUNGEN foi seu segundo e último álbum de carreira. Enquanto muitas bandas alemãs surgiram com álbuns igualmente bizarros e alucinantes, muitas aprenderam a suavizar suas sonoridades para atrair um público maior, e algumas (como Amon Düül II e Can) a ponto de toda a magia ter sido substituída por algo previsível e superficial. No caso do ANNEXUS QUAM, em vez de suavizar as coisas, eles se tornaram ainda mais cósmicos e livres, a ponto de não haver uma espinha dorsal, como um groove ou uma batida previsível, como havia em "Osmose", pelo menos na maior parte do tempo. Ouvidos sensíveis encontram padrões.

Considerando que os aspectos roqueiros foram atenuados, BEZIEHUNGEN é uma experiência muito mais suave, com menos percussão e uma interação instrumental quase "conversacional". Há trechos em "Leyenburg 1", por exemplo, onde os instrumentos realmente soam como se estivessem dialogando em uma língua alienígena. Embora possa parecer totalmente não musical, trata-se mais de uma espécie de universo musical próprio, onde os instrumentos se unem em um efeito de colagem bizarro, representando uma realidade sonora maior que tenta invadir nossa dimensão para nos iluminar com uma frequência vibracional superior. Este não é um álbum que possa ser analisado sob uma perspectiva composicional tradicional, mas sim um que pega o movimento desconstrucionista da cena Krautrock e o avalia em uma escala alucinante. Na minha opinião, BEZIEHUNGEN não é superior nem inferior ao seu antecessor, mas sim uma experiência complementar soberba. Ambos os álbuns têm sonoridades diferentes, e este definitivamente leva a experiência transcendental a novos patamares. Uma das minhas bandas de Krautrock favoritas.

Osmose
Annexus Quam Krautrock

 Embora o space rock psicodélico possa ter tido suas origens na cena britânica de meados dos anos 60, principalmente com o Pink Floyd, bem como outros artistas do famoso UFO Club em Londres, é inegável que foi a cena alemã do Krautrock que realmente o nutriu e o levou às viagens mais radicais da época, com uma enorme cena underground que se diversificou em inúmeras vertentes musicais. Uma das mais interessantes foi a banda ANNEXUS QUAM, de Düsseldorf (na verdade, da vizinha Kamp-Lintfort), que lançou dois álbuns no início dos anos 70, transitando entre o rock psicodélico e o free jazz. Suas raízes remontam a 1967, quando era uma banda hippie chamada Ambition In Music, mas, no processo de constantes shows e turnês, os membros foram ficando entediados com a previsibilidade da cena da música pop e se tornaram mais aventureiros, eventualmente reunindo sete integrantes que adicionaram guitarra, baixo, bateria, clarinete, flauta, saxofone e trombone ao som.

A banda assinou com a gravadora underground Ohr e fez sua estreia na coletânea de 1970 "Ohrenschmaus - Neue Pop-Musik aus Deutschland", que incluía a faixa "Kollodium", nunca presente no primeiro álbum, mas que apresentou sua interessante mistura de liberdade cósmica à la Third Ear Band com flauta folk psicodélica, explosões jazzísticas de saxofone e trombone, tudo misturado em uma névoa psicodélica e difusa. Seu álbum de estreia, OSMOSE (osmose), apresentava quatro faixas, sendo as duas primeiras mais curtas e voltadas para um rock psicodélico com forte presença da bateria e toques de jazz, e as duas últimas com mais de dez minutos de duração, aventurando-se no desconhecido com um dos Krautrocks mais cósmicos de 1970. Eles tocaram na turnê da Expo 70 em Osaka, Japão, e têm a honra de serem a primeira banda de rock alemã a se apresentar naquele país.

OSMOSE é um daqueles álbuns instantaneamente reconhecíveis por sua capa lisérgica e colorida, que apresenta diversas cenas se fundindo umas nas outras, exibindo o visual perfeito para os efeitos sonoros que as acompanham. Trata-se de uma música fluida, sem se preocupar com estruturas convencionais de canções, que se baseia em uma percussão constante, no estilo indo-raga, que varia da bateria rock da primeira faixa à segunda, com forte influência de jazz. Conforme o álbum avança, torna-se cada vez mais hipnótico, simplesmente deslizando enquanto os outros instrumentos flutuam em fluxos de consciência aparentemente aleatórios. A psicodelia é levada ao extremo, com ocasionais guitarras distorcidas, teclados psicodélicos e efeitos de eco característicos, incluindo modulação em anel. Embora por vezes assuma uma vibe Ash Ra Temple, transita igualmente pelo lado jazzístico e krautrock de bandas como Embryo ou Lard Free, ainda que bem antes de essas bandas explorarem esse gênero.

O ANNEXUS QUAM surgiu na esteira das primeiras experiências do Krautrock, como Amon Düül II, Can e Xhol Caravan, mas imediatamente criou um estilo espacial único, uma jornada instrumental pelo cosmos e além, com apenas gemidos incoerentes e psicodélicos como vocais. Trata-se, na verdade, de uma jam session prolongada, ambientada predominantemente em um contexto acústico, numa experiência que mescla Indo-raga com jazz experimental e rock. O álbum é bastante relaxante e avança em ritmo lento, incorporando elementos de diversas vertentes musicais e surfando numa onda sonora infinita. Embora não tão estruturado quanto seus contemporâneos em termos de composição, o álbum alcança com sucesso a psicodelia em níveis máximos. OSMOSE é um dos primeiros exemplos da cena krautrock cósmica, com um toque atemporal, já que o espírito da época do movimento inicial transcendeu o lugar e o tempo em que surgiu. Um dos meus favoritos do lado psicodélico da cena Krautrock, mas gosto igualmente do segundo e último álbum, "Beziehungen".

ANNAMY Prog Folk • Sweden

 

ANNAMY

Prog Folk • Sweden

Biografia de AnnaMy:
AnnaMy é uma cantora, compositora e musicista sueca, nascida e residente em Estocolmo. Após algumas tentativas frustradas de estudo na escola de música Adolf Frederic, ela começou a buscar sua inspiração musical por conta própria e participou por um tempo de uma banda local de thrash metal como guitarrista. Os temas musicais agressivos, no entanto, começaram a se transformar em abordagens mais sensíveis. Depois de mais estudos, canto e experiência de vida, a criatividade musical de Anna finalmente culminou em seu álbum de estreia, "Woodpecker", gravado no lendário estúdio Silence em Koppom, Värmland, e lançado pela gravadora Subliminal Sounds. No álbum, as composições sinceras e emotivas de Anna Myrsten se unem à guitarra elétrica de Reine Fiske, aos teclados de David Svedmyr, à bateria de seu irmão Johan Svedmyr e à percussão e vocais de apoio de Mattias Gustavsson. As composições têm liberdade para explorar esferas emocionais, alcançando arranjos inteligentes e imaginativos, e atingindo uma presença espiritual sublime através de sonoridades vintage, marca registrada de seus amigos músicos. Artistas altamente recomendadas para aqueles que apreciam as canções vocais do POPOL VUH de meados dos anos 70 , as visões sonoras estelares de Linda PERHACS , e também para aqueles que admiram o lado mais delicado do vasto catálogo de bandas suecas de art rock pós-anos 90 com tendências psicodélicas, como os grupos THE AMAZING e DUNGEN .

Woodpecker
AnnaMy Prog Folk

 Vi essa artista ao vivo este ano, no mesmo show em Estocolmo em que vi o Fairport Convention quando eles estiveram por lá, e como ela mesma disse na época, o Fairport Convention estava entre suas influências. Anna Myrsten é uma cantora e compositora sueca cuja música tem sido descrita como folk pop psicodélico, e eu concordo. Em algumas de suas faixas, ela também apresenta uma sonoridade progressiva. Seu primeiro álbum, "Woodpecker", conta com a participação de muitos músicos talentosos: a própria Anna toca guitarra e canta, Reine Fiske toca guitarra e outros sete músicos contribuem para o sucesso do disco. A capa mostra uma garota em pé em uma sala elegante com a natureza ao fundo.

Gostei muito do resultado deste disco. Para ser sincero, estou realmente impressionado. Quando a vi ao vivo, gostei do que ouvi, mas este disco me tornou fã. Nem todas as oito faixas são igualmente boas e não posso dizer que o álbum seja perfeito, mas algumas das músicas são realmente perfeitas. Os melhores momentos de Annamy acontecem quando ela acerta em cheio em uma melodia simples com um toque especial e uma atmosfera sonora envolvente. Acho que ela consegue fazer isso muito mais no primeiro lado do que no segundo. "Snowflakes" nos surpreende com sua perfeição. É difícil não amar sua voz, que lembra Joni Mitchell, e o toque especial de surpresa que permeia a música. A faixa-título "Woodpecker" também é mágica; a mais progressiva, com uma introdução psicodélica, além de uma bela melodia e harmonias. "Care" é mais uma música pop psicodélica, mas ainda assim encantadora. "Stegen" é a única música em sueco e um novo exemplo de "progg" não muito distante do que Turid Lundqvist fez nos anos setenta. Gosto da flauta e da melodia diferente. O lado B não transmite a mesma sensação de perfeição. "Come and sit" é a melhor e as outras três também são ótimas; a última é mais calma e parece estar suspensa no tempo e no espaço, mas nenhuma delas consegue o mesmo efeito das músicas mencionadas anteriormente.

Estou ansioso para ouvir mais músicas e discos de Anna Myrsten, que tem um álbum de estreia muito promissor. A produção é excelente, profissional e autêntica. Recomendo para amantes de folk rock e folk prog, assim como para cantores/compositores e trovadores. Espero que mais pessoas aqui no Prog Archives o descubram e compartilhem sua opinião com o mundo. Recomendado!

Breve e Interminável - 1996 - Algaravia

 

1 - Crimsoniana

Sidney Jaires - Fred Herbaud
2 - Lamento

Fred Herbaud - Jean-Jacques Herbaud
3 - Variações sobre tema nenhum

Fred Herbaud 

4 - Cellula mater

Fred Herbaud
5 - Crisálida

Sidney Jaires
6 - Mosaico

Fred Herbaud
7 - Quimera

Fred Herbaud
8 - Bebop blues

Fred Herbaud
9 - Illuminância

Fred Herbaud

 

Músicos

Fred Herbaud - Sidney Jaires - Jean-Jacques Herbaud - Albert Pimenta - Vladimir Ricardo

 

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Grupo formado 1994, em Recife, durou até 1998. Esse registro não deixa dúvidas sobre a influência da produção, de meados dos anos 1970, da banda inglesa de rock progressivo, King Crimson. A maioria das faixas são instrumentais e também incorporam elementos do piano jazz e o jazz rock. Esse álbum aparece em meio a uma retomada do rock progressivo (ainda que de forma alternativa) na cena brasileira do início dos anos 1990.

MUSICA&SOM ☝

Ao Capitão Furtado Marvada Viola - 1986 - Roberto Corrêa - João Lyra - Adelmo Arcoverde

 

1 - Luar do sertão 

João Pernambuco - Catulo da Paixão Cearense

2- Parecença 

Roberto Corrêa
3 - Tristeza do Jeca 

Angelino de Oliveira

Fim do mundo 

Capitão Furtado
Valsinha caipira 

Roberto Corrêa
Saudade de Matão 

A. Silva, R. Torres - Jorge Galati
O homem e a espingarda 

Zé Mulato - Churrasco
Destinos iguais

Capitão Furtado - Laureano
Sertão do Laranjinha

Capitão Furtado - Tonico & Tinoco
Saudade de Matão

A. Silva - R. Torres - Jorge Galati
4 - Disparada 

Geraldo Vandré - Théo de Barros
5 - Asa Branca 

Luiz Gonzaga - Humberto Teixeira
6 - Folia da esmilinguida 

Roberto Corrêa

7 - No quintal do matuto

João Lyra
8 - Chalana

Mário Zan - Arlindo Pinto
9 - Lambança Qu’imba-lança

Roberto Corrêa
10 - Três histórias

João Lyra - Ivanildo Maciel

 

Participação especial

Sivuca - Rolando Boldrin - Zé Mulato & Cassiano - Maurício Carrilho

 

Músicos

Roberto Corrêa - João Lira - Adelmo Arcoverde

 

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Esse é mais um dos LPs trazidos à baila do acervo da Funarte, homenageando o legado de Ariovaldo Pires, vulgo Capitão Furtado, um grande incentivador da cultura caipira. Para além disso, destaco a centralidade prodigiosa da viola de Roberto Corrêa.

 

Reproduzo trecho de um texto do rico encarte do álbum, assinado por Ferrete:

 

"A partir dos muitos discos que gravou nessa década e por força dos programas de rádio que nessa ocasião, desde o Rio de Janeiro, levou a todo o País, Ariovaldo Pires — que já se transformara, para essa missão. no pitoresco Capitão Furtado — não encontrou qualquer dificuldade em seu próprio Estado, o de São Paulo. Dava seu incentivo como homem de rádio e de discos, mas, sobretudo, como poeta popular e "contador de causos", à música de caipiras e aos violeiros, dando origem a um movimento crescente que, até recentemente, poria em confronto ante o grande público consumidor os valores da música urbana e rural no Brasil. Através de seu Arraiá da Curva Torta todos os domingos à tarde, na Rádio Difusora de São Paulo, o Capitão Furtado movimentava toda sorte de duplas e instrumentistas caipiras de nova safra, tendo surgido nesse período, que começa em 1940, nomes como Tonico e Tinoco (revelação dele, Capitão Furtado), Hebe Camargo (que com sua irmã Estela formava a dupla Rosalinda e Florisbela), Mário Zan e Orlando Silveira, só para mencionar alguns nomes importantes ainda em evidência no mundo artístico nacional."

MUSICA&SOM ☝

Tom Jones with Alison Krauss - PBS Soundstage, WTTW Studios, Chicago, IL, 2-12-2016

 

Aqui está mais um episódio do ótimo programa de TV "PBS Soundstage". Este é estrelado por Tom Jones, com uma participação especial de Alison Krauss.

Tenho que admitir, meio que quero detestar Tom Jones, porque ele é praticamente o epítome da cafonice do show business dos anos 70. Mas ele continua me surpreendendo com boa música. Em particular, ele teve um renascimento inesperado no final da carreira. Em vez de se tornar um artista estritamente de músicas antigas, ele seguiu novos caminhos. Dá para perceber isso claramente aqui, começando com um cover de Leonard Cohen como primeira música. 

Na época deste concerto, ele estava promovendo seu álbum de 2015, "Long Lost Suitcase". O álbum dá continuidade ao seu renascimento aclamado pela crítica, com maior ênfase na música de raiz, como blues e folk. Dito isso, ele também tocou alguns sucessos antigos, como "Thunderball" e "It's Not Unusual".

Uma coisa que eu realmente gosto neste programa é como ele incentiva a participação de um artista convidado no show principal. Essa tradição continua aqui com Alison Krauss. No entanto, ao contrário de alguns outros episódios, o papel dela é relativamente pequeno. Em vez de cantar algumas músicas sozinha, ela cantou dois duetos com Jones no meio do show e depois voltou para um terceiro.

A música aqui apresentada é inédita. A qualidade do som é excelente. 

Este álbum tem uma hora e 26 minutos de duração.

01 Tower of Song (Tom Jones)
02 talk (Tom Jones)
03 Run On (Tom Jones)
04 talk (Tom Jones)
05 Strange Things (Tom Jones)
06 talk (Tom Jones)
07 Delilah (Tom Jones)
08 Take My Love [I Want to Give It] (Tom Jones)
09 talk (Tom Jones)
10 Opportunity to Cry (Tom Jones & Alison Krauss)
11 Raise a Ruckus (Tom Jones & Alison Krauss)
12 talk (Tom Jones)
13 Elvis Presley Blues (Tom Jones)
14 talk (Tom Jones)
15 Soul of a Man (Tom Jones)
16 talk (Tom Jones)
17 If I Give My Soul (Tom Jones)
18 Burning Hell (Tom Jones)
19 Don't Knock (Tom Jones)
20 talk (Tom Jones)
21 Didn't It Rain (Tom Jones & Alison Krauss)
22 talk (Tom Jones)
23 Green Green Grass of Home (Tom Jones)
24 'Til My Back Ain't Got No Bone (Tom Jones)
25 Kiss (Tom Jones)
26 talk (Tom Jones)
27 I Wish You Would (Tom Jones)
28 talk (Tom Jones)
29 Thunderball (Tom Jones)
30 talk (Tom Jones)
31 It's Not Unusual (Tom Jones)
32 talk (Tom Jones)
33 What Good Am I (Tom Jones)
34 talk (Tom Jones)

MUSICA&SOM ☝

Vários Artistas - Uma Homenagem a Burt Bacharach e Hal David, Royal Albert Hall, Londres, Grã-Bretanha, 29/06/2000

 

Infelizmente, não vou mais postar vídeos dos concertos em homenagem ao Prêmio Gershwin e ao MusiCares, pelo menos até que mais deles estejam disponíveis publicamente. Mas existem outros concertos tributo semelhantes por aí. Este é tão parecido em formato que é basicamente o mesmo que os outros dois tipos de concerto. Este concerto homenageia a dupla de compositores Burt Bacharach e Hal David. 

De fato, houve um concerto do Prêmio Gershwin em 2012 em homenagem a esses dois compositores. Mas eu diria que este é superior. Para começar, tem o dobro da duração. Além disso, conta com mais estrelas de renome, especialmente Dionne Warwick, amplamente considerada a melhor intérprete de canções de Bacharach-David.

Não tenho certeza do motivo exato deste concerto, se foi um aniversário ou algo do tipo. Mas suponho que não importe muito. Sei, porém, que a renda do concerto foi destinada à organização sem fins lucrativos de musicoterapia Nordoff-Robbins. O concerto foi transmitido pela televisão na época e posteriormente lançado em DVD. É por isso que o tenho aqui, com excelente qualidade de som, já que nunca foi lançado em nenhum formato de áudio.

Aliás, eu sei que Hal David estava lá, por causa de fotos dele, incluindo a foto da capa que escolhi. Mas não há sinal dele nesta gravação. Suspeito que ele tenha feito um discurso perto do final do concerto, assim como Burt Bacharach fez, mas o discurso dele foi cortado da transmissão televisiva (e, portanto, do DVD), já que Bacharach é muito mais famoso que ele. 

Este álbum tem uma hora e 42 minutos de duração. 

01 talk (emcee)
02 Wives and Lovers (Kenny Lynch)
03 talk (emcee)
04 One Less Bell to Answer (Lucie Silvas)
05 talk (emcee)
06 Don't Make Me Over (Lynden David Hall)
07 talk (emcee)
08 Reach Out for Me (Brian Kennedy)
09 talk (emcee)
10 Do You Know the Way to San Jose (Yazz)
11 talk (emcee)
12 You'll Never Get to Heaven (Shola Ama)
13 talk (emcee)
14 Raindrops Keep Fallin' on My Head (Sacha Distel)
15 talk (emcee)
16 This Guy's in Love with You (Paul Carrack)
17 talk (emcee)
18 A House Is Not a Home (Petula Clark)
19 Wishin' and Hopin' (Petula Clark)
20 [They Long to Be] Close to You (Petula Clark)
21 talk (emcee)
22 [There's] Always Something There to Remind Me (Leo Sayer)
23 talk (emcee)
24 Alfie (Sumudu Jayatilaka)
25 talk (emcee)
26 I'll Never Fall in Love Again (Brian Kennedy)
27 talk (emcee)
28 What's New Pussycat (Brian Conley)
29 Twenty Four Hours from Tulsa (Brian Conley)
30 talk (emcee)
31 I Just Have to Breathe (Teish O'Day)
32 talk (emcee)
33 Make It Easy on Yourself (Edwin Starr)
34 talk (emcee)
35 The Look of Love (Linda Lewis)
36 talk (emcee)
37 Elvis Costello (talk)
38 I Just Don't Know What to Do with Myself (Elvis Costello with Burt Bacharach)
39 talk (emcee)
40 Walk on By (Dionne Warwick with Burt Bacharach)
41 I Say a Little Prayer (Dionne Warwick with Burt Bacharach)
42 Do You Know the Way to San Jose (Dionne Warwick with Burt Bacharach)
43 Anyone Who Had a Heart (Dionne Warwick with Burt Bacharach)
44 What the World Needs Now Is Love (Dionne Warwick & Everyone)

MUSICA&SOM ☝

Covered: Joe South: 1962-2005

 

Ultimamente, tenho descoberto tanta música, especialmente de programas como "Midnight Special", "Ultrasonic", "Live at the Record Plant" e "PBS Soundstage", que minha série "Covered", que destaca compositores talentosos, acabou ficando de lado. De novo. Mas vou me esforçar mais para postar mais dessas séries, já que tenho várias prontas. Aqui está um álbum que celebra as canções de Joe South.

As canções de Joe South foram muito populares por alguns anos no final da década de 1960 e início da década de 1970. Ele nasceu em 1940 em Atlanta, Geórgia, e sua música tem uma clara influência sulista. Ele começou sua carreira como intérprete e compositor no final da década de 1950, quando ainda era adolescente. Por muitos anos, ele teve apenas um sucesso modesto em ambas as áreas. A primeira música aqui é de 1962 e a segunda de 1965. Mas ele alcançou o sucesso em 1968, quando mais pessoas começaram a fazer covers de suas músicas, e às vezes emplacavam grandes sucessos com elas. Por exemplo, o Deep Purple teve um grande sucesso com "Hush" em 1968 (o que era bastante atípico para eles, comparado ao seu som hard rock habitual).

Em 1969, ele teve um grande sucesso próprio, "Games People Play". A música quase chegou ao Top 10 da parada de singles dos EUA e, desde então, é provavelmente considerada sua canção mais emblemática. Em 1970, ele teve outro sucesso com "Walk a Mile in My Shoes", que também quase alcançou o Top 10. Optei por incluir a versão de Joe South para "Games People Play". Mas o objetivo principal desta série é focar em covers, então essa é a única música interpretada por ele que incluí. 

Em 1970, ele também alcançou seu maior sucesso como compositor com "(I Never Promised You A) Rose Garden". A canção foi lançada originalmente por Billy Joe Royal em 1967, e houve algumas outras versões depois disso. Mas quando Lynn Anderson lançou sua versão em 1970, ela chegou ao primeiro lugar na parada country e ao terceiro lugar na principal parada de singles dos EUA, tornando-se uma das músicas mais vendidas do ano. 

Após todo esse sucesso em apenas alguns anos, seu futuro parecia muito promissor. Mas então a tragédia o atingiu. Tommy South, seu irmão, cometeu suicídio. Tommy havia sido integrante da banda de apoio de Joe, e os dois eram muito próximos. Joe, irracionalmente, se culpou pelo suicídio. Ele mergulhou em uma profunda depressão que durou anos e começou a usar drogas pesadas para lidar com a situação. Sua carreira como um compositor promissor basicamente terminou naquele momento, pois ele perdeu sua inspiração por muitos anos. Mais tarde, ele disse: "Eu me culpei muito por anos... um dos principais problemas era que eu simplesmente me recusava a me perdoar. Sabe, você pode passar por clínicas de reabilitação, mas não é uma cura permanente até que seja uma cura espiritual." Ele finalmente deu a volta por cima no final da década de 1980, mas as tendências musicais já o haviam deixado para trás, e ele nunca lançou nenhum álbum novo depois de 1975. Todas as músicas aqui foram escritas antes da tragédia de 1971, embora algumas delas tenham sido regravadas muitos anos depois. 

Ele faleceu de um ataque cardíaco em 2012, aos 72 anos.

Este álbum tem 50 minutos de duração.

01 You're the Reason (Arthur Alexander)
02 I've Got to Be Somebody (Billy Joe Royal)
03 Hush (Deep Purple)
04 Games People Play (Joe South)
05 Down in the Boondocks (Billy Joe Royal)
06 These Are Not My People (Johnny Rivers)
07 Don't It Make You Want to Go Home (Brook Benton)
08 Walk a Mile in My Shoes (Elvis Presley)
09 [I Never Promised You A] Rose Garden (Lynn Anderson)
10 Redneck (Swamp Dogg)
11 Yo-Yo (Osmonds)
12 Don't Throw Your Love to the Wind (Jody Miller)
13 Birds of a Feather (Johnny Nash)
14 I Knew You When (Linda Ronstadt)
15 Children (Stephanie Finch)
16 The Greatest Love (Kelly Hogan)

MUSICA&SOM ☝

Nightlosers - Rhythm & Bulz - 2004

 

1. Telephone Blues - 4:06
 2. One Last Try - 4:26
 3. Six Days On The Road - 3:47
 4. Little Red Rooster - 4:51
 5. Sophisticated Mama - 3:59
 6. Ain't Coming Back - 4:45
 7. Good Understanding - 3:40
 8. Sporting Life - 4:36
 9. Man Of Many Words - 3:39
10. If You Want Me To Love You - 4:25
11. Mind Your Own Business - 3:17
12. My Babe - 3:09
13. Petre Butch - 2:22
14. Nu Mai Plange Baby - 3:29
15. Dragostea-I Ca Si O Raie - 4:12

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MUSICA&SOM ☝

Rhythm & Bulz: O Sabor Ardente do Blues Balcânico dos Nightlosers

Prepare-se para uma viagem sonora com Rhythm & Bulz (2004), do Nightlosers! Este álbum é uma explosão de ethno-blues romeno, misturando country-rock, blues americano e raízes folclóricas do Leste Europeu. Faixas como “Little Red Rooster” e “Six Days On The Road” brilham com guitarras vibrantes e a voz marcante de Hanno Höfer, enquanto “Dragostea-I Ca Si O Raie” injeta humor e alma balcânica. O projeto, apelidado de The Groove Distillery, traz convidados especiais tocando instrumentos inusitados como címbalo, taragot e até folha de álamo, criando texturas únicas.  Destaque para a habilidade da banda em fundir blues com grooves jazzy-funky, tudo com um toque de ironia. Gravado com músicos como El Lako Jimy (violino) e Geza Grunzo (teclados).