1 - Song for My Father 2 - The Natives Are Restless Tonight 3 - Calcutta Cutie 4 - Que Pasa 5 - The Kicker 6 - Lonely Woman
Faixas 1, 2, 4, 5 Horace Silver – piano Carmell Jones – trompete (solo 2 e 5, conjunto 1 e 4) Joe Henderson – sax tenor Teddy Smith – baixo Roger Humphries – bateria
Faixa 3 Horace Silver – piano Blue Mitchell – trompete (conjunto) Junior Cook – sax tenor (conjunto) Gene Taylor – baixo Roy Brooks – bateria
Faixa 6 Horace Silver – piano Gene Taylor – baixo Roy Brooks – bateria
Artista: Kino Origem: URSS (Leningrado) Álbum: Night Ano de lançamento: 1986 Gênero: Pós-punk Duração: 43:08
Песни: Музыка и стихи - Виктор Цой. 01. Видели ночь - 3:07 02. Фильмы - 4:53 03. Твой номер - 3:32 04. Танец - 4:32 05. Ночь - 5:38 06. Последний герой - 2:14 07. Жизнь в стёклах - 3:36 08. Анархия - 2:45 09. Звёзды останутся здесь - 3:34 10. Игра - 5:05 11. Мы хотим танцевать - 4:12
Музыканты: - Виктор Цой - вокал, гитара - Юрий Каспарян - лидер-гитара, бэк-вокал - Александр Титов - бас-гитара - Юрий Густав (Георгий Гурьянов) - ударные, бэк-вокал + - Игорь Бутман - саксофон - Андрей Тропилло - флейта, бэк-вокал, звукорежиссёр - Группа "Младшие братья" - бэк-вокал (11)
Artista: Stella Group Origem: URSS (Moscou) Álbum: Fever Ano de lançamento: 1989 Gênero: Hard'n'Heavy Duração: 37:17
Músicas: Музыка и стихи - Александр Кирсанов. 01. Лестница фортуны - 4:49 02. Время любви истекло - 3:39 03. Коварный май - 5:42 04. Приступ - 3:44 05. Мост нашей встречи - 4:50 06. Лето для двоих - 5:45 07. Соблазн велик - 4:38 08. Давай держаться вместе - 4:10
Músicas: Em inglês. Música e letra por Stalwart, exceto onde indicado. 01. Dive To Nowhere - 8:34 02. Machine's Deadly Breath - 6:21 03. Envenomed By Reality - 7:35 04. Wall Of Solitude - 5:36 05. Captive Of Madness - 3:16 06. Betrayed - 6:20 07. Beyond The Horizon - 6:37 08. The Tower Of Babel - 6:59 Bônus: 09. Egypt (King Diamond) - 4:56
Músicos: - Leonid "Jakk" Jacques - vocais - Kirill Sapozhnikov - guitarras - Leonid Verman - guitarras, teclados - Dmitry "Demian" Ivanov - baixo - Vladimir "Vavila" Isaev - bateria + - Anssi Hippo - engenheiro de som e produtor
Considerações: Com certeza, mais um sucesso do Pupil Slicer. Seu primeiro álbum, "Mirrors", era uma agressividade mathcore caótica e mais curta, enquanto o sucessor, "Blossom", apresentava músicas mais longas explorando um pouco mais de sua dinâmica e melodias. Agora, com "Fleshwork", eles combinaram ambos em uma experiência incrível, mais coesa e impactante, com 9 músicas e 36 minutos de duração. O som deles fica em algum lugar entre The Dillinger Escape Plan, o início da carreira de Rolo Tomassi e Converge, um trio fantástico, e eles criaram seu próprio som individual a partir dessas influências. A vocalista Kate é incrível, com gritos quase de banshee, além de uma angústia crua e vocais limpos e misteriosos em faixas como "Innocence", tudo com uma profundidade e peso emocional impressionantes, assim como as letras. Há também alguns toques de elementos industriais, como zumbidos de máquinas ou sons de máquinas lutando para funcionar. Para mim, é o nível certo de elementos industriais, que não soam forçados para seguir a tendência; há cuidado e esforço em sua execução. As músicas vão ficando mais longas ao longo do álbum, e a faixa de encerramento, "Cenote", é uma fantástica epopeia de quase 8 minutos que encerra o álbum com tudo o que a banda é capaz de fazer. Minha faixa favorita foi "Sacrosanct", com um início brutal que mantém a intensidade com um solo que soa como uma sirene distorcida. Uma agressividade criativa do começo ao fim, um arraso.
Os primeiros sucessos de Sunmi — “Gashina”, “Heroine”, “Siren” — mostram que ela é uma mulher independente e desprezada. Ela os interpreta com um contralto mordaz, em contraste com o registro mais agudo usado na JYP. Suas coreografias permanecem simples, porém sensuais. O refrão é sempre impecável, os sintetizadores onipresentes. Ela não pode ser simplesmente chamada de uma versão coreana de uma artista americana, porque a sua é uma produção genuinamente coreana, menos Beyoncé e mais Uhm Jung Hwa. Levando tudo isso em conta, não é de se admirar que ela tenha admiradores na geração mais jovem: Chungha, Yves, Seulgi do Red Velvet, Yeji do ITZY. (Sunmi retribui o carinho com prazer; sua melhor música, “Secret Tape”, com influências de Beach House, foi escrita para Seulgi.) Essa singularidade é uma raridade no K-Pop, que reluta em permitir que seus ídolos e artistas escrevam/componham/produzam nesse nível por conta própria. Assim, ela chama sua música, que combina seu amor por sintetizadores com uma boa dose de groove de baixo, de “Sunmipop”.
“Sunmipop” domina suas faixas principais, mas os lados B — desde as músicas que ela escreveu/compôs para o álbum Reboot do Wonder Girls em 2015 , “Rewind” e “Faded Love”, bem como o lado B de 2016 “Beautiful Boy” — revelam um lado mais reflexivo que mostra sua inclinação para o soft rock e o alternativo adulto. No cenário do K-Pop energético e de alta octanagem, incomoda ouvi-la nesse estilo, muito menos algo tão simples combinado com videoclipes conceituais. “Heart Burn”, “Balloon in Love” e “Blue” soam agradáveis e surpreendentemente comparáveis : são, respectivamente, seu “Circle in the Sand”, “Human” (a música do The Killers que NMIXX também usa como referência em “Love is Lonely”) e sua canção de Natal. Os videoclipes a apresentam como alguém que não merece o final feliz que deseja, seja porque ele é uma barata (“Blue”), seja porque ela chora às vezes (“Balloon in Love”) ou porque possui poderes fatais (“Heart Burn”) — a única vez em que ela consegue o que quer é em “You Can't Sit With Us”, e mesmo assim, seu amado precisa se tornar um zumbi para que Sunmi acredite em seu amor. Uma troca, uma estratégia para se tornar popular? Dificilmente: além de se encaixarem perfeitamente com alguns de seus lados B, essas provavelmente são as inclinações de uma baixista que ouve o chamado de uma líder de banda. Consequentemente, ela lançou seus lados B em uma versão com a banda em vinil; as faixas também estão disponíveis no YouTube, sendo que a envolvente “Black Pearl”, com sua pegada city pop (do seu melhor EP, WARNING , de 2019 ), é um exemplo particularmente convincente de sua direção musical.
Essas faixas compõem a segunda metade de seu primeiro álbum completo, Heart Maid (que também pode ser lido como "heart made" , uma conexão que Sunmi destaca para a NME).como se tivesse se entregado completamente a este álbum, a ponto de precisar de uma pausa), que começa com a sinistra instrumental “Bass(ad)” antes de dar a guinada para… “Blue”, de todas as faixas. Mas esse tipo de Sunmi desarmada e simples não deixa de ter seus encantos. Há um toque de shoegaze na faixa de encerramento “A long, long walk”; suas faixas de andamento médio “Walking at 2am” e “Bath”; o mais perto que ela chega de unir seu Sunmipop com suas inclinações para o soft rock é em “Happy af”, na qual seus pensamentos ameaçam explodir a qualquer momento, que os fardos não desaparecem apenas desejando felicidade. (É em músicas como essas, e não apenas na faixa de encerramento 1/6, “Borderline”, que ela deixa claras as características do Transtorno de Personalidade Borderline.) Sente-se falta dos lados B dos singles anteriores, Tail e Heart Burn, que insinuavam essa direção, especialmente o ótimo lado B de Heart Burn, “Childhood”.
Quanto à primeira metade de HEART MAID , que ela descreveu como tendo experimentado tudo o que ainda não havia feito — o hit dançante "MAID", o disco com sua inesquecível composição pop em "CYNICAL", outra incursão no synthpop à la The Weeknd com "Sweet Nightmare", bossa nova em "Miniskirt" e uma referência ao seu EP de 2014 com a faixa "Tuberose", com ares de James Bond. Ou seja: a longa espera por seu primeiro álbum valeu totalmente a pena; há poucas músicas dela que sejam dispensáveis, e nenhuma delas está neste; trata-se, no entanto, de dois EPs condensados em um único álbum.
A nova era de Danny Brown é uma era de alegria, trazendo-nos uma carta de amor à música pop transbordando felicidade, mas tão inovadora quanto se espera de um álbum que vê uma força criativa como Danny colidir de frente com a comunidade queer. E com Quadeca. O álbum transita constantemente entre tendências experimentais e refrões pop impactantes, e embora as inconsistências possam criar uma experiência auditiva fragmentada, há algo a se dizer sobre Danny encontrar paz e transparência no caos. Danny está aqui para se divertir acima de tudo, e ele faz isso com grande sucesso, seja através de reflexões genuínas sobre alguns dos momentos mais delicados do álbum ou através de versos pop-rap que poderiam facilmente soar piegas em uma voz menos enigmática.
O carisma e a desenvoltura de Danny combinam perfeitamente com as diversas nuances da música eletrônica presentes aqui, com cada música mostrando-o encontrando seus colaboradores onde eles estão. Isso só reforça a confiança demonstrada, já que sua inclinação para o excêntrico é testada e subvertida, e ainda assim ele consegue transcender todo o grupo. Essa formação variada transmite uma gama de batidas que abrangem breakbeats, house, pop e muito mais, e embora nem todas sejam um sucesso absoluto, é uma plataforma admirável para talentos empolgantes que, em grande parte, acertam em cheio. Danny Brown se transformou como ser humano, e Stardust é uma celebração incrível de sua nova perspectiva, que provavelmente agradará a todos os fãs de EDM e pop que desafiam os limites.
Após quase uma década de visão artística e ambição implacáveis, chegamos a 'Riviera', a versão mais completa de um álbum de Noah Dillon e Chandler Lucy. Longe de ser um mero exemplo de elegância, mas sempre a seu favor, o The Hellp criou uma obra-prima sonora incomparável a qualquer outro álbum lançado este ano.
Enquanto muitos fãs do The Hellp esperavam por hits impactantes, experimentais ou no estilo de hinos, Noah Dillon e Chandler Lucy seguem na direção oposta e produzem um álbum que remete à verdadeira era "indie sleaze" de bandas como LCD Soundsystem e MGMT. Este não é 'Caustic', este não é 'Tu Tu Neurotic', este é um projeto único e independente, completamente à parte de qualquer expectativa que se possa ter de um álbum do The Hellp. Mas, por outro lado, se você espera algo diferente de autenticidade crua desta banda, estará se decepcionando.
Eu incluiria músicas de destaque deste álbum, mas seria injusto dizer que não há uma única faixa aqui que não brilhe. Acredito sinceramente que álbuns quase perfeitos devem ser ouvidos do início ao fim, como um livro ou um filme, e acho que 'Riviera' não é exceção. Tenho certeza de que, ao ler isso, você já sabe que o Hellp é uma banda eletrônica e, nesse sentido, este é o álbum menos eletrônico deles até agora. Se alguma coisa, este também é o menos experimental, mas já tivemos faixas mais cruas e agressivas da banda antes, então ouvir uma nova direção é ótimo. Eu tinha grandes expectativas para este álbum e, para ser honesto, ele as superou completamente de uma forma que eu jamais imaginaria. Então, se você está em dúvida ou está ouvindo este álbum agora, simplesmente relaxe, feche os olhos e absorva tudo.
Sem muita alarde, o THE SMITHEREENS conseguiu conquistar um espaço próprio na cena do rock americano durante a segunda metade da década de 80, lançando três álbuns de estúdio. Todos os três entraram nas paradas musicais dos EUA, e o mais recente, 11 , alcançou considerável sucesso nacional (certificado de ouro) e é considerado um dos álbuns de destaque de 1989.
O The Smithereens começou a década de 90 com o lançamento de seu quarto álbum, Blow Up , em 10 de setembro de 1991 (uma semana antes do lançamento dos dois volumes de Use Your Illusion, do Guns N' Roses ). Comparado aos álbuns anteriores, a formação da banda de Boston permaneceu inalterada, e o mesmo produtor que esteve à frente de 11 , Ed Stasium, também esteve envolvido em Blow Up .
A experiência e o domínio recém-adquiridos da banda ficam evidentes ao ouvir Blow Up . Os poucos singles lançados atestam isso. Por exemplo, a faixa de andamento médio "Top Of The Pops" apresenta guitarras pesadas, melodias cativantes, vocais melódicos e vocais de apoio arrebatadores (no refrão contagiante), além de uma seção rítmica pulsante que se mostra notavelmente eficaz no estilo Power-Pop; "Tell Me When Did Things Go So Wrong" é bastante típica do que o THE SMITHEREENS ofereceu em seus três álbuns anteriores, e vale a pena notar o ocasional toque de gaita. Já "Too Much Passion" é uma faixa pop-rock de andamento médio com arranjos sutis e toques de soul, encaixando-se muito bem no contexto do início dos anos 90. Ela tem até potencial para agradar aos fãs de Lenny Kravitz e alcançou o 37º lugar na parada de singles dos EUA (também chegou ao 22º lugar no Canadá, 33º na Nova Zelândia e 87º na Austrália). Curiosamente, "Too Much Passion" é historicamente a última música dos Smithereens a entrar na Billboard Hot 100. Outros dois singles foram lançados, mas apenas como músicas promocionais para rádio. "Girl In Room 12", em algum lugar entre o power-pop e o hard rock, é como uma sequência de "A Girl Like You" (seu sucesso de 1989) e, considerando tudo, o Cheap Trick não teria rejeitado uma música assim, dado o timbre envolvente das guitarras. Já "Get A Hold Of My Heart" é uma composição pop-rock descontraída com melodias leves que, dentro do seu estilo, é apenas razoável.
Quanto às outras faixas do álbum, "Now And Then", que destaca as harmonias vocais, segue os passos de "Tell Me When Did Things Go So Wrong"; "Indigo Blues" tem um estilo mais Pop-Rock/Blues-Rock FM, e seu ritmo simples e breve solo de saxofone a tornam uma faixa muito agradável; "Over And Over Again" é uma canção leve com um refrão despreocupado e uma forte influência dos anos 60; e, de forma um tanto anedótica, "It's Alright" é uma composição que soa mais como os Beatles do que qualquer outra coisa. Para outra faixa fortemente influenciada pelos Beatles, "Evening Dress", uma balada muito agradável ao estilo dos anos 60, é uma escolha melhor. Finalmente, concluirei esta análise do álbum com duas faixas que, na minha opinião, poderiam ter sido pequenos sucessos respeitáveis: "Anywhere You Are" é uma composição pop com melodias refinadas e elegantes, com arranjos bem típicos dos anos 60, habilmente disfarçada de balada; já "If You Want The Sun To Shine", que fica a meio caminho entre os Beatles e o Led Zeppelin, é uma composição esplêndida, sutilmente trabalhada, com um verdadeiro poder de persuasão, capaz de enfeitiçar, cativar e prender a atenção, e teria sido um grande sucesso nas paradas da época se tivesse sido lançada como single e, claro, se a sorte estivesse do seu lado.
Homogêneo, porém nunca entediante, Blow Up é um álbum bastante bem-sucedido no geral. Mesmo que este disco fique um pouco aquém dos três álbuns anteriores da banda, ele contém muitas músicas boas e transborda arranjos de alta qualidade. E, notavelmente, o The Smithereens lançou quatro bons álbuns consecutivos, o que não é pouca coisa. No entanto, apesar de suas qualidades, Blow Up fracassou nas paradas americanas, alcançando apenas a posição 120 e permanecendo lá por apenas três semanas (em comparação, o álbum 11 chegou ao 41º lugar e passou 38 semanas na parada nacional de álbuns). Embora injusta e imerecida, essa queda foi brutal.
Lista de faixas : 1. Top Of The Pops 2. Too Much Passion 3. Tell Me When Did Things Go So Wrong 4. Evening Dress 5. Get A Holf Of My Heart 6. Indigo Blues 7. Now And Then 8. Girl In Room 12 9. Anywhere You Are 10. Over And Over Again 11. It's Alright 12. If You Want The Sun To Shine
Formação : Pat DiNizio (vocal, guitarra, gaita), Jim Babjak (guitarra), Mike Mesaros (baixo), Dennis Dicken (bateria)
