CRONICA - PAPPO’S BLUES | Volumen VI (1975)

 

O Volume VI foi lançado em 1975 pela gravadora Music Hall. Após o lançamento de Triángulo no ano anterior, Pappo dissolveu a Pappo's Blues e voou para Londres, deixando para trás um catálogo ainda recente e um público ávido por material novo.

Para atender a essa demanda, a gravadora compilou faixas inéditas das sessões para o quinto álbum. Daí a brevidade deste LP, com apenas 24 minutos de duração, pontuado aqui e ali por fragmentos de conversa e composto principalmente por faixas instrumentais. Pappo é acompanhado, assim como em Triángulo , por Eduardo Daniel “Fanta” Beaudoux no baixo e Eduardo Garbagnati na bateria.

O álbum abre com “Slide Blues”, uma faixa stoner de hard blues lenta, envolvente e abrasadora, como se o próprio diabo estivesse à espreita atrás de um amplificador fumegante. A outra música de verdade do LP, “Nervioso Visitante – Parte 2”, dispara como um carro de corrida, flertando com elementos de jazz-rock e sinfônicos, pontuada por um órgão cósmico. Uma peça de tirar o fôlego, ainda mais interessante considerando que sua versão em Triángulo era inteiramente instrumental.

No lado instrumental, “Abordo” explode como uma faixa de heavy metal estratosférica e movida a querosene, mas sem jamais sacrificar a melodia: seus solos de guitarra, em algum lugar entre o country-blues e o rock progressivo, mostram o talento camaleônico de Pappo. “El Escarabajo”, por sua vez, segue um ritmo funky e metálico.

O LP encerra com “Los Libres Pecan por Ser Libres”, um final onírico e nostálgico onde Pappo revela um desejo de liberdade que é ao mesmo tempo simples e profundo. Talvez um eco de sua própria fuga para Londres.

Um álbum curto, sem dúvida, mas um álbum que atinge o objetivo: cru, inspirado e, em grande parte, digno da lenda do Pappo's Blues.

Títulos:
1. Slide Blues
2. Abordo
3. Nervioso Visitante (Parte II)
4. El Escarabajo
5. Los Libres Pecan Por Ser Libres

Músicos:
Pappo: Guitarra, Voz;
Eduardo Daniel “Fanta” Beaudoux: Baixo;
Eduardo Garbagnati: Bateria

Produção: Music Hall

CRONICA - O TERÇO | Criaturas Da Noite (1975)

 

Em meados da década de 1970, o rock progressivo atingiu seu auge. Entre 1974 e 1975, o gênero ainda dominava amplamente o cenário internacional: o Yes lançou Relayer , o Genesis acabara de lançar Gabriel após The Lamb Lies Down on Broadway , o Pink Floyd triunfou com Wish You Were Here e o Camel refinou sua sensibilidade melódica com Mirage e, posteriormente, Snow Goose . Em todos os lugares, o prog se tornou mais ambicioso, mais sinfônico, mais estruturado, enquanto uma sensibilidade mais voltada para o folk e a atmosfera emergia, defendida por grupos como Renaissance, Harmonium e Strawbs. Foi uma era em que grandes álbuns conceituais, composições intrincadamente elaboradas e experimentação instrumental reinavam absolutas.

O Brasil, no entanto, permaneceu um tanto à margem dessa cena em expansão. Ostentando uma brilhante cena Tropicalia na virada dos anos sessenta, mas prejudicada pela censura da ditadura militar, o país desenvolveu um rock progressivo mais discreto, muitas vezes caseiro, mas imbuído de grande sensibilidade. Alguns grupos surgiram timidamente, misturando influências locais com aspirações europeias, mas poucos conseguiram abraçar completamente as convenções do rock progressivo sinfônico. O Terço seria um deles.

Após um segundo álbum em 1973 que oscilava entre o hard rock e o rock progressivo, o grupo passou por uma reformulação completa: Cezar de Merces (baixo, vocal) e Vinícius Cantuária (bateria) deixaram a banda, restando apenas Sérgio Hinds na guitarra. Ele, no entanto, optou por continuar a aventura e reformou completamente o O Terço, recrutando Sérgio Magrão no baixo, Luiz Moreno na bateria e, principalmente, Flávio Venturini nos teclados, um compositor refinado que redefiniria profundamente o som do grupo.

Foi com essa nova formação que gravou Criaturas da Noite em 1975 , um álbum que claramente contrastava com seus antecessores e se tornaria um dos ápices da música progressiva sul-americana.

Um álbum que se inspira em bandas como Yes, Camel e Caravan, mas mantém uma textura inconfundivelmente brasileira. Um LP que explora harmonias vocais celestiais, emoções intensas, paisagens sonoras épicas e um toque de exotismo, realçado pelos vocais em português. É como se Jon Anderson, Chris Squire, Steve Howe e Rick Wakeman tivessem experimentado um tropicalismo elegante e luminoso, despojando-o de todo o brilho para reter apenas o essencial: sensibilidade, cor e uma sinceridade rara.

“Queimada”, “Pano de Fundo”, “Ponto Final”, “Jogo das Pedras” e a faixa-título ilustram essa ponte entre dois continentes, misturando música folclórica brasileira, coros suntuosos e arranjos no estilo do Yes, bem como sequências etéreas no espírito do Camel.

Mesmo no rock cósmico de “Volte Na Próxima Semana”, encontramos referências ao Yes, com essa guitarra deliberadamente dissonante, mas sobretudo com teclados pomposos que lembram os de “Hey Amigo” na abertura, embelezados com um groove à la Jon Lord, outra grande figura do rock sinfônico.

Mas a faixa de destaque é, sem dúvida, “1974”, a música de encerramento, que se estende por mais de 12 minutos. Um ápice quase instrumental do rock progressivo sul-americano, certamente encantará os fãs de Yes e Camel. Este final começa com um piano melodioso e uma guitarra elétrica sensível, porém estratosférica. Então, galopa, se entrelaça, explode, faz jazz, alça voo, tudo em passagens deslumbrantes. Sobe e desce em uma euforia mística que nos convida a uma jornada bucólica, cósmica, surreal e atemporal.

Atemporal, como a totalidade das Criaturas da Noite .

Títulos:
1. Ei Amigo
2. Queimada 
3. Pano De Fundo
4. Ponto Final
5. Volte Na Proxima Semana
6. Criaturas Da Noite
7. Jogo Das Pedras
8. 1974

Músicos:
Sérgio Hinds: Violão, Violino, Voz
Sérgio Magrão: Baixo, Voz
Luiz Moreno: Bateria, Percussão, Voz
Flávio Venturini: Piano, Órgão, Sintetizador, Voz
+
Cesar De Mercês: Voz, Percussão
Marisa Fossa: Voz

Produção: Mario Buonfiglio, Santiago “Sam” Malnati, O Terço

CRONICA - CONGRESO | Terra Incognita (1975)

 

Em 11 de setembro de 1973, o Chile sofreu um dramático golpe militar. O presidente socialista Salvador Allende foi deposto pelo general Pinochet, com o apoio da CIA. Toda a esperança de mudança social e cultural desapareceu. As liberdades foram restringidas, até mesmo eliminadas, e toda a oposição foi silenciada.

A cena do rock chileno, então fervilhando de criatividade, não escapou da repressão. Para o regime no poder, o rock psicodélico era considerado a música de jovens comunistas drogados.

Nesse clima de terror, os artistas politicamente engajados tinham poucas opções. Los Blops se separaram, Los Jaivas se exilaram na Argentina antes de buscarem refúgio na Europa. Congreso, no entanto, decidiu ficar. Mas teria que se adaptar, fazendo discos mais convencionais para evitar a censura.

Em 1971, Pancho Sazo (vocal), Tilo González (bateria), Fernando González (guitarra), Patricio González (guitarra, violoncelo) e Fernando Hurtado (baixo) lançaram El Congreso , seu álbum de estreia, que combinava habilmente o rock anglo-saxão com a música folclórica andina. O álbum foi muito bem recebido, principalmente nos círculos estudantis e culturais. Encorajados pela aclamação da crítica, os músicos começaram a trabalhar em um segundo álbum. No entanto, sua produção e gravação foram prejudicadas pelo clima político opressivo estabelecido pelo regime militar.

Este segundo álbum foi finalmente lançado em 1975, distribuído pela gravadora inglesa London Records. Para esta ocasião, a banda expandiu-se com a chegada do flautista Renato Vivaldi e também com a entrada de Patricio Acuña, um tocador de charango (instrumento de cordas dedilhadas dos povos indígenas dos Andes).

Este álbum marca uma ruptura radical com seu antecessor. Os floreios psicodélicos desapareceram, e os solos de guitarra com toques de acid rock dão lugar a texturas mais contidas e acadêmicas. Intitulado Terra Incognita , este LP se baseia quase que exclusivamente em raízes locais, abraçando completamente uma mudança em direção a um folclore reinventado.

Títulos como "El Torito", "Tus Ojitos" ou "Quenita, Violín" são peças herdadas diretamente do folclore andino, sem qualquer influência externa real: melodias tradicionais, percussão leve, charango luminoso e flautas bucólicas compõem seu universo.

No restante, o sexteto oferece um som folk sul-americano intimista e bucólico, rico em melodias e emoções. "Donde Estarás" abre o álbum com uma euforia agridoce. "Romance" assume a forma de uma balada estranha e suspensa. Outonal e envolta em mistério, "Los Maldadosos" ganha vida gradualmente até se tornar quase festiva. Como um véu leve, "Canción de la Verónica" é uma serenata latina envolvente, enquanto a sinfônica "Vuelta y Vuelta" flerta com o rock progressivo em um cenário de conto de fadas. "Canción de Reposo" exala um exotismo despreocupado.

Mas Congreso não abandona completamente os traços de rock, mesmo que nunca sejam explícitos. A épica e pungente "Juego" permite que a guitarra desenvolva um refrão sensível e ligeiramente dissonante. "En Río Perdí la Voz" soa como uma tropicalia vibrante e jazzística. "Canción de Boda" revela uma raiva contida, enquanto "El Oportunista" adota um rhythm and blues carnavalesco, o único momento em que a guitarra desafia, ainda que brevemente, o proibido.

Por fim, "Entre la Gente Sencilla" encerra o álbum com um olhar para o futuro. Um futuro que ainda esperamos ser possível, mesmo em um país silenciado.

Um álbum permeado por uma amargura contida e uma resignação palpável, um reflexo de um país forçado a viver um dos períodos mais sombrios de sua história.

Títulos:
1. ¿Dónde Estarás?   
2. Romance   
3. Los Maldadosos    
4. Canción De La Verónica  
5. El Torito    
6. Tus Ojitos  
7. Juego         
8. Quenita Violín      
9. Vuelta Y Vuelta    
10. En El Río Perdí La Voz  
11. Canción De Boda
12. Canción Del Reposo

Músicos:
Francisco Sazo: Voz, Flauta
Sergio “Tilo” González: Bateria, Piano, Guitarra
Fernando González: Guitarra
Patricio González: Guitarra, Violino
Fernando Hurtado: Voz, Baixo
Renato Vivaldi: Flauta, Tarka
+
Patricio Acuña: Charango

Produção: Congresso

Geologist - Can I Get a Pack of Camel Lights? (2026)

Can I Get a Pack of Camel Lights? (2026)

Geologist

Fiquei encantado com esta descrição peculiar na página do Bandcamp do Geo: “Surprise #2 é a busca [deste álbum] por uma resposta musical para a pergunta que não é feita com frequência suficiente: e se, nos anos 80, Ethan James tivesse feito um álbum de gaita de roda para a SST?” Você quer dizer o mestre da gaita de roda que também foi o engenheiro de som de Double Nickels on a Dime? Claro, eu também não precisei pesquisar no Google.

O álbum começa com o que considero a marca registrada do Geo: atenção aos detalhes. Há a gaita de roda monótona em primeiro plano, sim, mas também há o som percussivo de cliques com delay, os sinos arranhados e suaves à nossa esquerda. O tambor oco que serve como caixa. Você se imagina no deserto, usando uma das lanternas de cabeça clássicas do Geologist, descobrindo um baú de madeira cheio de cascavéis.

Mas! A gaita de roda cresce até um clímax arrebatador. E “Tonic” surpreende com uma bateria e um baixo realmente envolventes e vibrantes, que se mantêm ao longo de todo o álbum. É quase como se o Geologist estivesse dizendo: “A gaita de roda é um instrumento de rock tão bom quanto a guitarra” (imagino que seja assim que ele chama o instrumento). “Vou provar para vocês. Vou emplacar um hit número 1.”

“Not Trad” termina em êxtase ambiente, com a gaita de roda deslizando suavemente enquanto o reverb aumenta. “Color in the B&W” adiciona uma bateria jazzística precisa à equação. “Compact Mirror / Last Names” leva a gaita de roda à distorção e nos deixa alucinados com o ruído. E “Pumpkin Festival” remete à colaboração do Geologist de 2025, “A Shaw Deal”, onde o violão foi completamente distorcido e disfarçado por efeitos.

Único e original, um exemplo do que a gaita de roda pode fazer, e o som é mais impactante do que você imagina.

Charli XCX - Wuthering Heights (2026)

Wuthering Heights (2026)

Charli XCX

Acho que, em termos de recepção, este álbum estava fadado ao fracasso desde o início. Principalmente porque não é apenas uma "trilha sonora", mas sim a trilha sonora de um filme que dividiu opiniões. Além disso, embora "House" seja uma faixa fantástica, ela não representa nem de longe o som geral do álbum. Imagino que isso tenha gerado muita expectativa entre os fãs de que receberiam um álbum nesse estilo (ou no estilo de True Romance , com o qual ela comparou este), e, nesse caso, eles ficariam compreensivelmente decepcionados. É uma pena, porque, na minha opinião, este é o seu melhor trabalho desde How I'm Feeling Now .
Talvez eu esteja sendo parcial porque ele se encaixa na interseção de muitos dos meus gêneros favoritos. Afinal, sou fã da Charli há muito tempo e frequentemente me interesso por art pop fora desse gênero ( Um , da Martha Skye Murphy, está no meu top 5 de álbuns de todos os tempos). Mas este álbum realmente superou minhas expectativas. O uso de cordas ao longo do álbum não só contribui para a coesão de Wuthering Heights
, como também se integra quase perfeitamente à sua composição. As principais exceções são "Out of Myself" e "Seeing Things", que são agradáveis, mas parecem um pouco inacabadas e provavelmente seriam mais fortes com uma produção mais completa e eletrônica. Seu lirismo aqui atinge seu ápice em muitas das faixas, e há paralelos com True Romance (e seu álbum irmão, Charli ) nesse sentido. Sonoramente, no entanto, é bem diferente de tudo que ela lançou no passado, embora as faixas mais pop lembrem os momentos mais lentos de Charli, como I Don't Wanna Know e Thoughts.
Este não é, de forma alguma, um álbum perfeito (como obviamente a maioria dos álbuns não é), e além das já mencionadas "Out of Myself" e "Seeing Things", há algumas escolhas desconcertantes. "Open Up", que é absolutamente linda, certamente poderia ter pelo menos o dobro da duração. Algumas faixas se beneficiariam de vocais mais crus e menos afinados, e embora Sky Ferreira brilhe no refrão de “Eyes of the World”, seus vocais no verso soam, no mínimo, estranhos. Mas, no geral, este é um projeto incrível que supera a soma de suas partes.

Erik Hall - Solo Three (2026)

Solo Three (2026)

Erik Hall

Por se tratar da interpretação de Erik Hall sobre quatro peças diferentes do minimalismo americano, este álbum parece um pouco menos profundo que Canto Ostinato , mas ainda assim é belíssimo e me dá a sensação de estar limpando minha mente e me permitindo respirar novamente.

A abordagem deles permanece a mesma — gravar cada camada individualmente, em reação às gravações anteriores — e eles combinam uma peça mais curta com uma mais longa em cada lado. Acho que "A Folk Study" e "Music for a Large Ensemble" formam o par mais impactante, mas isso pode ser porque foram as duas faixas lançadas antecipadamente, então já tive tempo para ouvi-las. Elas também são talvez o par mais "ativo". "The Temple of Venus Pt. 1" e "Strumming Music" também são ótimas, sendo esta última muito hipnótica e explorando paisagens belíssimas.