MUSICA&SOM

quinta-feira, 26 de fevereiro de 2026

Black Sabbath – Headless Cross [1989]

Após as clássicas eras Ozzy e Dio, o Black Sabbath deixou de ser uma banda para se transformar definitivamente no projeto de Tony Iommi. Obrigações contratuais fizeram com que o nome fosse mantido, mas demorou a uma formação se estabelecer ao lado do guitarrista. Mas isso acabou acontecendo em Headless Cross, décimo – quarto trabalho de estúdio do grupo. Após a estréia em The Eternal Idol, Tony Martin se estabelecia definitivamente como o titular do microfone, tendo pela primeira vez um disco composto para sua voz, já que no anterior, assumiu a função no meio do caminho, em substituição ao saudoso Ray Gillen.

Outro grande reforço trazido pelo bigode mais conhecido do mundo do Rock foi o exímio baterista Cozy Powell, eterno participante dos conjuntos da ‘família Deep Purple’. Aliás, o espancador de peles não apenas participaria em sua tradicional ocupação como dividiria a produção do álbum com o chefão. Apenas o baixista levou mais tempo para ser definido, com Laurence Cottle sendo responsável pelo trabalho em estúdio, com Neil Murray realizando a turnê. Aliás, basta uma rápida investigada para constatar por quantas bandas essa dupla (Powell/Murray) passou junto. Nos teclados, Geoff Nicholls se mantinha firme e forte, quase chegando a uma década na função, algo raro para a época em que o dono da bola trocava de músicos como quem troca de roupa.

Headless Cross ficou marcado por resgatar o Sabbath ao seu melhor no contexto lírico, explorando o ocultismo como nos velhos tempos. Musicalmente, claro que estávamos falando de outra banda, com características bem próprias, fugindo dos padrões de seus lendários tempos. Tony Martin se aproveitou do momento e impôs toda a categoria vocal, o que se refletiu posteriormente nos palcos, já que sua contestada performance atingiu o auge durante a excursão que promovia esse álbum. Segurança essa atestada pelo primeiro álbum a ser aclamado por público e crítica em muito tempo, reconhecido até pelos mais radicais entre os puristas.

Desde a intro “The Gates of Hell”, passando pela imortal faixa-título, temos um já clássico exemplar do estilo. Na sequência a incrível “Devil and Daughter” conquista desde a primeira escutada, especialmente por Martin em um de seus grandes desemenhos em toda a carreira. Dos mesmos elogios é digna a sombria “When Death Calls”, que traz um solo de ninguém menos que o glorioso Brian May, nas palavras do próprio Iommi, seu melhor amigo não apenas musicalmente – ou como diria aquele famoso apresentador, tanto no profissional quanto no pessoal. Relação tão boa que fez com que ele fosse o único guitarrista a participar como convidado especial de um disco do Sabbath até hoje.

A segunda parte mantém o alto nível, iniciando com a fantástica “Kill In the Spirit World” e suas variações. “Call Of the Wild” originalmente se chamaria “Hero”. Mas Ozzy foi mais rápido e lançou uma música com o mesmo nome em No Rest For the Wicked. Para evitar confusão, Iommi alterou o nome da sua. Independente disso, essa aqui dá um pau na do Madman e isso é o que interessa. A pegada Hard de “Black Moon” e a lúgubre “Nightwing” encerram o tracklist normal. Para fechar de vez, o Heavy/Blues de “Cloak & Dagger”, bônus para a edição japonesa que não merecia ter ficado de fora da versão normal, vide o espetacular solo de guitarra, acompanhado por uma pegada fulminante da cozinha.

As vendas alcançaram números satisfatórios na Europa, enquanto nos Estados Unidos ficaram longe do ideal, alcançando um modesto 115º lugar na parada da Billboard, o que levou até mesmo ao abreviamente da turnê anteriormente planejada. Mas esse fracasso comercial na terra de Obama não apaga o brilhantismo do melhor momento do Black Sabbath pós-fase heróica. Excelente pedida para quem ainda não conhece os plays da banda além daqueles trabalhos obrigatórios, embora essa classificação possa se adequar sem contestações maiores a esse aqui também.

Tony Martin (vocals)
Tony Iommi (guitars)
Laurence Cottle (bass)
Cozy Powell (drums)
Geoff Nicholls (keyboards)

Special Guest
Brian May (guitar solo on 4)

01. The Gates of Hell
02. Headless Cross
03. Devil and Daughter
04. When Death Calls
05. Kill In the Spirit World
06. Call Of the Wild
07. Black Moon
08. Nightwing
09. Cloak & Dagger

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Gilbert Becaud – Cantando En Castellano (1986)

Gilbert Bécaud nasceu em Toulon, França, em 24 de outubro de 1927, e seu nome verdadeiro era François Gilbert Léopold Silly . Aos nove anos, já havia ingressado no Conservatório de Nice e progredia rapidamente, incentivado por sua mãe, Mamico, a quem o artista sempre foi muito grato. Ele tinha poucas lembranças do Sr. Silly, no entanto: este havia abandonado a família quando Gilbert tinha três anos, sem dar entrada em um processo de divórcio, de modo que o homem que veio preencher esse vazio, Louis Bécaud, jamais poderia ser o marido de sua mãe. O rapaz, que aos dezesseis anos já colaborava com a Resistência e aos dezoito foi tentar a sorte na Paris do pós-guerra, remediou essa injustiça adotando o sobrenome do pai.

A partir daí, ele perseguiu seu sonho de se tornar um compositor de música clássica, um sonho que nunca abandonou, mas a necessidade o levou a aplicar seu conhecimento musical em uma área mais acessível e — relativamente — melhor remunerada: o vaudeville. E embora nunca tenha parado de aperfeiçoar suas habilidades musicais, ele as aprimorou tocando piano em cabarés ou, ocasionalmente, compondo trilhas sonoras para filmes.

Em 1948, ele conheceu Maurice Vidalin , que se tornaria um de seus letristas mais frequentes; meses depois, conheceu Pierre Delano, que escreveria as letras de “Et maintenant”, “La solitude ja n’existe pas”, “Je t’appartiens” e “Nathalie ”, entre muitas outras; em 1950, conheceu o cantor Jacques Pills, que o convidou para ser seu pianista acompanhante (ele foi à Argentina com ele pela primeira vez) e que dois anos depois se casaria com Edith Piaf. Com ele, compôs “Je t’ais dans la peau ”, que Piaf tornou famosa e que lançou sua carreira internacional: renomeada “Let It Be Me”, a canção foi interpretada pelos Everly Brothers, Elvis Presley, Tom Jones e Bob Dylan .

François tornou-se Gilbert em 1952, o mesmo ano em que fez amizade (e colaborou com) Aznavour e conheceu Louis Amade , seu outro letrista favorito, com quem comporia “L’important c’est la rose” e “Quand il é mort le poète”. A partir daí, o sucesso se acumulou. Um primeiro disco – “Mes mains ”, com letra de Delano – um primeiro Grand Prix de Disque – “Quand tu danses” – uma apresentação no Olympia durante a temporada de Lucienne Delyle . E no ano seguinte, sua consagração, também no templo do Boulevard des Capucines: a noite de delírio, cadeiras quebradas e o nascimento de “Monsieur 100,000 volts ” .

Bécaud trabalhou no cinema - com Marcel Carné e ao lado de Françoise Arnoul - sem muito sucesso, mas se estabeleceu como compositor, cantor e showman, ampliando o leque de seus temas, que agora podiam ser tão sérios quanto a morte - em "L'absent" (1960), sobre o desaparecimento do editor Raoul Breton - ou como o desespero, naquele tipo de bolero estrondoso que ele chamava de "Et maintenant", que em inglês Sinatra popularizou como "What now, my love" e que em espanhol era conhecido como "Por qué me dejas" .

Por volta de 1974, foi nomeado Cavaleiro da Legião de Honra da França. Em 1982, gravou um dueto com a então estreante cantora canadense Martine St. Clair na canção "L'amour est mort", lançando posteriormente uma versão em espanhol com a cantora mexicana Arianna, intitulada "Murió el amor ". Durante a década de 1990, a atividade de Bécaud diminuiu, com o lançamento de várias coletâneas e turnês esporádicas.

Ele morreu de câncer de pulmão em 2001 a bordo de sua casa flutuante no rio Sena e foi enterrado no cemitério Père Lachaise.

***

Lista de faixas:

01. Lo importante es la rosa
02. El amor murió (con Arianna)
03. Cuando salga el sol
04. Qué me importa el fin del mundo
05. Vive
06. Au revoir
07. Yo partiré
08. Yo voy a cantar
09. El pequeño pájaro multicolor
10. El baño de medianoche
11. Por qué me dejas
12. Nathalie
13. Septiembre amor
14. La indiferencia
15. Volveré a buscarte
16. Te pertenezco
17. Que seas tú
18. Rosy y John
19. Siempre hay un tren
20. Yo te amaré

Gilbert Becaud – L’important C’est La Rose (1967)

Este álbum, lançado em 1967, apresenta a obra em seu idioma original, o francês. E em meio a toda essa poesia musical está a canção que foi cantada por gerações e que dá título ao álbum. Uma maravilha com dezenas de versões ao redor do mundo, ela fala por si só.

Lista de faixas:

01. L’important c’est la rose
02. Merci beaucoup
03. Dans le lit d’un homme d’affaire
04. Les petites mad’maselles
05. Les beaux quartiers
06. Hey, mon frère
07. Le petit oiseau de toutes les couleurs
08. Le petit prince est revenu
09. Seul sur son étoile
10. Quand il est mort le poète
11. Je t’aime

Gigliola Cinquetti – Alla Moda Dei Montagnon (1972)

Gigliola Cinquetti nasceu em Verona, em 20 de dezembro de 1947. Começou a se apresentar aos cinco anos de idade em sua cidade natal, onde ficou conhecida como a “Shirley Temple italiana ”. Em 1963, triunfou no festival “Voci Nuove” , realizado nas termas de Castrocaro. Essa apresentação abriu portas para ela na RAI (emissora estatal italiana) e, no ano seguinte, foi convidada para o Festival de Sanremo. A edição de 1964 foi possivelmente a mais disputada da história do festival, a ponto de apenas uma canção ser escolhida como vencedora, que foi justamente aquela que Gigliola interpretou com Patricia Carli : “Non Ho l'Etá (Per Amarti) ”, de Nicola Salerno e Mario Panzeri .

Gigliola representou a Itália no Festival Eurovisão da Canção com a mesma música, tornando-se a única artista a vencer os dois festivais de música mais importantes da Europa no mesmo ano. "Non Ho l'Etá" vendeu mais de 2 milhões de cópias na Itália e alcançou o topo das paradas musicais em diversos países, incluindo o exigente mercado britânico. Com apenas 18 anos, "Dolce Gigliola" já havia se consolidado definitivamente como um dos grandes nomes da música italiana.

Naturalmente, esse sucesso chegou à Argentina, onde em 1973 foi lançada uma versão em língua vernácula do álbum italiano de 1972 dedicado a canções tradicionais da península. A informação inexistente na capa apenas indica que os arranjos e a direção são de Renato Angiolini.

Este álbum foi um sucesso total de vendas, e é um disco que eu particularmente adoro porque muitas dessas músicas me foram ensinadas pelo meu pai, que se acompanhava ao acordeão, quando eu era muito jovem, especialmente “Quel mazzolin di fiori” .

Lista de faixas:

01. Il povero soldato
02. Quel mazzolin di fiori
03. La mula de Parenzo
04. Bombardano Cortina
05. C’ereno tre sorelle
06. Vinassa, vinassa
07. Ninna-Nanna
08. La blonde
09. Alla moda dei montagnon
10. Addio mia bella, addio
11. Beve, bevè compare
12. Gran Dio del cielo
13. Se ben che son dai monti
14. Sul cappello che noi portiamo
15. L’Allegrie
16. Il testamento del capitano

Melange - Progressive Psych Rock (Spain)

Melange é um quinteto formado em Madrid no final de 2014. Seu estilo transita entre a psicodelia, a música experimental e o folk, entre outros. Melange é o nome da especiaria que torna possíveis as viagens intergalácticas, a telepatia e a longevidade na saga "Duna", de Frank Herbert. O quinteto Melange busca possibilidades semelhantes em sua música. Os integrantes da banda já atuam na cena musical independente há algum tempo, tendo tocado em bandas como Lüger, RIPKC e Bucles, entre outras. No entanto, a banda é, na verdade, um grupo de amigos unidos com a intenção de dar vazão à sua própria inquietação criativa. Melange é formada por Adrian Ceballos (bateria e vocal), Daniel Fernandez (baixo e vocal), Mario Zamora (teclado e vocal), Sergio Ceballos (guitarra e vocal) e Miguel Rosón (guitarra e vocal). Eles lançaram seu primeiro álbum, "Melange", em vinil independente pelo seu selo "Discos Tere", em formato de LP duplo, em abril de 2016. Em novembro de 2017, foi lançado o selo "Viento Bravo" (Discos Tere / Beyond Beyond is Beyond Records). A faixa-título antecipa o álbum de estreia duplo, "Melange", com lançamento previsto para março de 2016 pela Discos Tere. Gravado, mixado e produzido no Dangerous Productions (Los Tablones, Alpujarra, Granadina), com Carlos Diaz e Jose A. Sanchez, e no Fantom Power (Madri), com Enrique Borrajeros, entre agosto e novembro de 2015. Masterizado por Pablo Sanchez no Dangerous Productions. Todas as músicas foram compostas e interpretadas pela banda Melange.

Melange (2016)

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MEDEA - Heavy Prog • Netherlands

MEDEA é o projeto solo do guitarrista/tecladista Henry Meeuws (CASUAL SILENCE). Suas raízes musicais remontam a 1989, quando era guitarrista da banda de metal melódico YARRETH, com quem gravou três demos. Cerca de uma década depois, seguiu carreira solo e gravou alguns álbuns de peças clássicas para violão. Em 2000, juntou-se à banda holandesa de art rock CASUAL SILENCE como tecladista. Em 2002, autoproduziu o CD solo "Individual Unique", um álbum conceitual muito bom, para o qual compôs quase todas as músicas, tocou todos os instrumentos e conta com nove vocalistas, entre eles Rob Laarhoven, Eric Smits e Ernst Le Cocq d'Armandville, todos do CASUAL SILENCE.

"Individual Unique" é uma ópera rock, não exatamente prog metal, mas definitivamente mais encorpada que o prog sinfônico tradicional, com um elenco de cantores e cantoras personificando os diversos personagens. O conceito gira em torno de um jovem e ambicioso artista na Florença do século XVIII que recebe a visita do espírito de Michelangelo. Musicalmente, muitas passagens, assim como vários riffs de guitarra, remetem o ouvinte à admiração de Meeuws pelo DREAM THEATER – ele admite que sua principal influência é John Petrucci, embora sua técnica seja bem menos complexa. O álbum apresenta nove faixas com duração variando de 2 a quase 10 minutos, desde peças de prog metal a baladas emotivas e uma adaptação de uma fuga de J.S. Bach. No geral, alcança um bom equilíbrio entre prog metal e prog sinfônico.

Uma "ópera rock", Northern Light tem estilo e tom semelhantes a muitas bandas holandesas de metal sinfônico, mais especificamente aos conceitos ambiciosos de Arjen Lucassen e aos musicais de Clive Nolan. Meeuws é responsável por todos os instrumentos principais, incluindo guitarras, teclados, piano e orquestrações, com a assistência de Igor Koopmans na bateria e Frank de Groot no baixo.

Northern Light (2017)

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Big Al Calhoun - Blues (Harmonica)

Big Al Calhoun começou a tocar gaita ainda menino, enquanto vivia em uma grande plantação de meeiros no Mississippi. Ao ouvir Sonny Boy Williamson no rádio, ele começou a tocar blues. Na plantação, ele ouviu muitos dos grandes músicos de blues da época, tanto ao vivo quanto em gravações, e tocou com alguns deles, notavelmente Eddie Cusik. Esta sessão apresenta Big Al na gaita amplificada e nos vocais. Ele é acompanhado por seus colaboradores de longa data, Henry Townsend na guitarra elétrica e vocais, e Vernell Townsend nos vocais. A música foi gravada em agosto de 1979 em St. Louis.

Big Al Calhoun - Harmonica Blues

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