segunda-feira, 1 de agosto de 2022

BIOGRAFIA DE Ian Mattews







Ian Matthews

Ian Matthew McDonald, 16 de junho de 1946, Scunthorpe, Lincolnshire, Inglaterra. McDonald deixou a escola para trabalhar como pintor e decorador, mas também cantou com pequenas bandas de Lincolnshire, The Classics, The Rebels e The Imps. Ele se mudou para Londres em 1966 e foi apresentado como um dos vocalistas de uma banda de surf britânica Pyramid, que gravou o single 'The Summer Of Last Year' para a Deram Records. Para complementar sua renda, McDonald trabalhou na loja de sapatos Ravel na famosa Carnaby Street, em Londres. Ele soube de uma vaga para vocalista no Fairport Convention, ao qual se juntou em 1967 antes de gravarem (e antes de Sandy Denny se juntar a eles). Ele apareceu no primeiro single da banda 'If I Had A Ribbon Bow', lançado em Track e produzido por Joe Boyd, e em seu álbum de estreia pela Polydor Records. Convenção de Fairport, em seguida, mudou-se para Island Records em 1968,

Matthews (que mudou seu sobrenome para evitar confusão com o saxofonista Ian McDonald do King Crimson) então assinou com os astros Howard e Blaikley, que estiveram envolvidos na história de sucesso de Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick e Tich. Depois de fazer o solo de Matthews' Southern Comfort para a MCA, uma banda, também chamada Matthews Southern Comfort, foi formada em torno dele e lançou mais dois álbuns de country rock, Second Spring e Later That Same Year. A banda também liderou a parada de singles do Reino Unido com sua versão cover de 'Woodstock' de Joni Mitchell. Em 1971, Matthews deixou a banda, que continuou com pouco sucesso como Southern Comfort.

Matthews assinou um contrato de gravação solo com a Vertigo Records, lançando dois álbuns solo excelentes, mas subestimados, If You Saw Thro' My Eyes (1971) e Tigers Will Survive (1972), ambos com muitos de seus ex-colegas da Fairport Convention, antes de formar Plainsong, um quarteto ambicioso que incluía Andy Roberts (ex-Liverpool Scene), Dave Richards e Bob Ronga. Matthews ainda era obrigado a fazer outro álbum para a Vertigo, mas não estava disposto a comprometer a Plainsong com a gravadora. Como resultado, ele recebeu um pequeno orçamento para fazer um álbum de compromisso contratual, Journeys From Gospel Oak, que a Vertigo não lançou, mas vendeu para a Mooncrest, uma gravadora com a qual o produtor do álbum Sandy Robertson estava conectado. Originalmente lançado em 1974, tornou-se um dos primeiros discos compactos a apresentar o trabalho pós-Fairport de Matthews.

Plainsong então assinou com a Elektra Records, e lançou o magnífico In Search Of Amelia Earhart em 1972, antes de Bob Ronga deixar a banda. Durante a gravação de um segundo álbum (supostamente intitulado Plainsong III, referindo-se à participação da banda em vez de um terceiro álbum, e finalmente lançado sob o título And That's That em 1992), Matthews e Richards aparentemente se desentenderam. Continuar teria sido difícil, e Matthews aceitou um convite para trabalhar com o ex-Monkee Michael Nesmith em Los Angeles. Um excelente álbum solo (organizado e incentivado por Nesmith), Valley Hi, foi seguido em 1974 por Some Days You Eat The Bear... , que incluía a música de Tom Waits, 'Ol' 55', que Matthews gravou um mês antes de companheiros de rótulo, as águias. Ele então assinou com a CBS Records para Go For Broke (1976) e Hit And Run (1977),

Em 1978, Matthews estava novamente 'disponível para aluguel', quando Rockburgh (que era de propriedade de Sandy Robertson) se ofereceu para recontratá-lo. O primeiro fruto desta reunião foi Stealin' Home, em que os músicos de apoio incluíam Bryn Haworth e Phil Palmer na guitarra e Pete Wingfield no piano. Robertson licenciou o álbum para a América do Norte para uma pequena gravadora canadense, Mushroom, que havia sido financiada pela descoberta da banda Heart. 'Shake It' foi extraído como single americano e alcançou o Top 10, mas o fundador e dono do Mushroom morreu repentinamente, e a empresa praticamente entrou em colapso. Um acompanhamento de Matthews, Siamese Friends, já havia sido contratado pela Mushroom, mas desapareceu rapidamente com poucos vestígios no Reino Unido. Spot Of Interference de 1980 foi uma tentativa mal calculada de subir a bordo do vagão da banda new wave. Isso também desapareceu, e mais tarde naquele mesmo ano veio Discreet Repeat, um álbum duplo razoavelmente selecionado 'Best Of' com material pós-Matthews Southern Comfort, mas isso marcou a separação das ondas entre Matthews e Robertson. O primeiro formou uma banda improvável chamada Hi-Fi em Seattle, onde morava com o vocalista do ex-Pavlov's Dog, David Surkamp. Dois estilos vocais mais contrastantes do que os de Surkamp e Matthews dificilmente poderiam ser imaginados, mas a banda fez um mini-álbum ao vivo, Demonstration Record, em 1982, e seguiu com um álbum de estúdio completo, Moods For Mallards, ambos indicou uma vontade de experimentar com a eletrônica. O primeiro formou uma banda improvável chamada Hi-Fi em Seattle, onde morava com o vocalista do ex-Pavlov's Dog, David Surkamp. Dois estilos vocais mais contrastantes do que os de Surkamp e Matthews dificilmente poderiam ser imaginados, mas a banda fez um mini-álbum ao vivo, Demonstration Record, em 1982, e seguiu com um álbum de estúdio completo, Moods For Mallards, ambos indicou uma vontade de experimentar com a eletrônica. O primeiro formou uma banda improvável chamada Hi-Fi em Seattle, onde morava com o vocalista do ex-Pavlov's Dog, David Surkamp. Dois estilos vocais mais contrastantes do que os de Surkamp e Matthews dificilmente poderiam ser imaginados, mas a banda fez um mini-álbum ao vivo, Demonstration Record, em 1982, e seguiu com um álbum de estúdio completo, Moods For Mallards, ambos indicou uma vontade de experimentar com a eletrônica.

Em 1983, Matthews assinou com a Polydor Records na Alemanha para o lançamento discreto Shook. Matthews jogou a toalha e conseguiu um emprego como A&R da Island Music em Los Angeles, mas foi demitido em 1985. Uma aparição no Fairport Convention Cropredy Festival de 1986 em Oxfordshire convenceu Matthews de que ele deveria voltar a cantar, mesmo que ele acabara de terminar um período de desemprego ao começar a trabalhar para a famosa gravadora New Age, Windham Hill Records. Depois de um ano frustrante durante o qual ficou claro que Matthews e a gravadora estavam em desacordo criativo, Matthews saiu, mas só depois de gravar um álbum vocal para a gravadora predominantemente instrumental, Walking A Changing Line, lançado em 1988, no qual ele interpretou vários canções escritas por Jules Shear (ex-Funky Kings e Jules And The Polar Bears).

Em 1989, Matthews mudou-se para Austin, Texas, onde se juntou a Mark Hallman, um guitarrista e produtor que havia trabalhado em Walking A Changing Line. Um álbum somente em cassete da dupla foi feito para venda em shows, e Matthews assinou em 1990 com a gravadora independente americana Gold Castle, com a qual vários veteranos comparativos, incluindo Joan Baez e Karla Bonoff, também foram contratados. Pure And Crooked foi lançado em 1990 (o primeiro álbum a ter a grafia celta de seu primeiro nome), e mais tarde naquele mesmo ano, Matthews se reuniu com seu colega da era Plainsong, Andy Roberts, para uma aparição muito popular no Cambridge Folk Festival .

Em 1992, Gold Castle faliu e Matthews assinou um novo contrato de gravação com a gravadora alemã Line Records. Skeleton Keys marcou um retorno ao som acústico após a recente fase eletrônica. Em 1993, Matthews e Roberts reformaram o Plainsong com dois novos membros, Mark Griffiths e Julian Dawson. Três álbuns se seguiram antes de Clive Gregson substituir Dawson em 1997. Enquanto isso, Matthews lançou dois álbuns pela Watermelon Records e se juntou a Hallman e ao cantor e compositor Michael Fracasso em Hamilton Pool, lançando o álbum de country rock Return To Zero em 1995.

No final dos anos 90, Matthews assinou com outra gravadora alemã, Blue Rose Records, para quem lançou Excerpts From Swine Lake (1998) e A Tiniest Wham (2000) e um álbum colaborativo com Elliott Murphy, além de se reunir com seus colegas Plainsong para gravar uma nova coleção de estúdio. Desde 2000, ele está sediado em Amsterdã, na Holanda, onde continuou a lançar álbuns solo discretos e também uma colaboração com as cantoras e compositoras Eliza Gilkyson e Ad Vanderveen. Várias sessões de demonstração e gravações ao vivo foram disponibilizadas através das coleções Orphans & Outcasts e The Notebook Series.



Buy Skeleton Keys (Remastered 2007)
Cover: 150x150original

Ian Matthews - Skeleton Keys (Remastered 2007)

 Folk-Rock
  • Release type: Album
  • Release source: CD
  • Year: 1992
  • Duration: 48:36
  • Size, Mb: 

Track List

Song TitleDurationBitrateSize, MbPriceOrder
01Cover Girl4:193209.99€0.10
02Jumping Off The Roof3:513208.92€0.10
03Compass And Chart5:0532011.76€0.10
04God's Empty Chair3:233207.86€0.10
05True Location Of The Heart3:593209.24€0.10
06Back Of The Bus4:3532010.63€0.10
07A Cross To Bear3:473208.79€0.10
08The Ties We Break4:1932010.02€0.10
09Timing3:173207.65€0.10
10Get It Back3:313208.16€0.10
11Every Crushing Blow4:083209.57€0.10
12Living In Reverse4:2232010.11€0.10

Músicas de rock progressivo favoritas dos fãs (2)

 Embora muitos geralmente ofereçam sua lista dos melhores álbuns ou músicas de rock progressivo, o público também quer conversar. Continuamos falando sobre os temas mais apreciados pelos fãs do gênero.

Estas são as músicas favoritas, parte 2, atendendo apenas a critérios de audiência e não a júris qualificados. Estamos falando de milhões de visualizações no YouTube e em outras plataformas multimídia, o que também dá uma ideia do quanto nosso amado gênero progressivo é procurado pelo público em geral:

Pink Floyd - Another Brick In The Wall

The Alan Parsons Project - Eye in the Sky

Van der Graaf Generator - Darkness (11/11)


Focus - Hocus Pocus

Triana - Abre la puerta nina

PFM - Impressioni di settembre

Steven Wilson - Drive Home

Riverside - The Depth Of Self-Delusion

Symphony X - Nevermore

Caravan - Nine Feet Underground



DE RECORTES & RETALHOS

 

Jornal Se7e - Discos, Roteiro_02 / Luis Peixoto 1982




Disco Inmortal: Van Halen (1978)


Warner Bros., 1978

Eddie e Alex, dois irmãos de Amsterdã que se mudaram para a Califórnia ainda crianças, fundaram uma banda chave que leva seu sobrenome. Mas antes de ser conhecido como Van Halen —sugerido pelo cantor David Lee Roth; a princípio se chamavam Rat Salad, em homenagem ao tema instrumental de Black Sabbath (1970) — a quem serviriam, como banda de abertura, em 1978. Tiveram um longo aquecimento, entre 1972-78 no circuito de clubes de Los Angeles, na modalidade power trio — época em que Eddie oficiou como vocalista e também como guitarrista; até que eles convidaram a pessoa que alugou o equipamento para os shows para fazer parte: o próprio Diamond Dave — lá o grupo deixando para trás seu outro nome provisório, Mammoth, que já era usado por outras pessoas. Eles dispensaram o primeiro baixista de curta duração, Mark Stone—falecido em setembro de 2020; recrutando um certo Michael Anthony, configurando assim a encarnação original.

Localmente era um número que não passava despercebido; tanto que chamou a atenção do baixista do Kiss, Gene Simmons, em seu papel de caçador de talentos. Ele os levou com ele e financiou sua primeira fita demo, querendo que eles fossem assinados por sua própria gravadora. O radialista chileno Hernán Rojas, que morava nos Estados Unidos, testemunhou isso — trabalhando como engenheiro de som, especialmente para o Fleetwood Mac.  [No estúdio] Simmons chegou acompanhado de uma coelhinha da Playboy e nos disse: Rapazes, eu trazer-lhe uma gangue que vai matar. E olhe para o cara que está tocando guitarra, o nome dele é Eddie Van Halen.E ele apareceu com uma Fender Stratocaster azul pendurada no ombro, tocando a uma velocidade impressionante e, claro, escoltado pelo grande David Lee Roth. Nessas sessões, com duração de dois ou três dias, gravamos as demos daquele que foi seu primeiro álbum” .

Mas, por uma razão ou outra, essa negociação não ocorreu – e as demonstrações iniciais foram arquivadas. Embora, por outro lado, eles logo receberiam uma oferta da gravadora Warner Bros; com quem assinaram um contrato. A gravação foi rápida, durando apenas três semanas — pois o material já estava pronto com antecedência; usando o Hollywood Sunset Sound Recorders como base de operações, local que também abrigaria as quatro produções seguintes. Lançado em 10 de fevereiro de 1978, este trabalho auto-intitulado já formava uma forte aliança com o produtor Ted Templeman — imóvel até 1984, junto com um retorno fugaz em 1991. A capa, dividida em quatro instantâneos, veio de uma sessão feita no Whisky um Go Go — lugar onde era costume vê-los ao vivo; já mostrando o icônico Frankenstrat com listras,

Uma abertura imbatível com Runnin' With the Devil , e a linha de baixo que não passa despercebida - que, como fato anedótico, foi o que levou Dave Mustaine e David Ellefson do Megadeth a se encontrarem. É o exemplo perfeito da fome com que vieram, evidenciando-se logo no início: “Vivo a minha vida como se não houvesse amanhã, e tudo o que possuo tive que roubar; pelo menos eu não precisava implorar ou pedir emprestado. Sim, estou vivendo a um ritmo que mata”. Um cantor na época com uma imagem muito Robert Plant, seguida de perto por uma marca registrada clara: as segundas vozes, extremamente afiadas, confiadas ao responsável pelas quatro cordas — que será a tônica do restante da coleção .

A instrumental Eruption é uma afirmação por si só, desde o início exaltando Eddie como um herói da guitarra; na maior revolução das seis cordas depois de Jimi Hendrix. Apesar do tempo de pouco menos de dois minutos - os primeiros segundos sendo inspirados em Let Me Swimcactos; tornou-se um tesouro para o rock, ensinando o sapateado globalmente — um recurso antigo, mas nunca explorado em grande escala ou associado a uma determinada pessoa. As histórias contam que, no período dos primeiros concertos, era um pequeno e habitual solo de costas para o público; para evitar que fosse plagiado — e que acidentalmente chegou à seleção final do álbum, por decisão do produtor que o escutou durante um ensaio. Além de servir como ponte natural para o que foi o primeiro single promocional: You Really Got Me . Um dos maiores clássicos de The Kinks, deve-se à influência que tiveram dos ingleses nos primeiros anos — uma piscadela que fizeram novamente com Where Have All the Good Times Gone (1982).

Ain't Talkin' 'Bout Love , que começa lenta e lentamente sai do controle, foi uma incursão nos singles de Eddie; e que de acordo com suas palavras, a princípio ele não considerou bom o suficiente. Acabou se tornando uma das grandes do catálogo — usando uma cítara elétrica; onde ele aborda encontros casuais de uma noite. Seguindo esse tópico, mas da calçada oposta, está Jamie's Cryin' — uma garota que se vê envolvida em uma dessas aventuras, logo se arrependendo.

Originalmente intitulado Show Your Love , I'm the One atinge o acelerador - apesar do meio contendo uma pausa relaxada enquanto todos os quatro membros trazem os vocais. Atomic Punk foi deixado com o trabalho pesado - a par com o levantador de cortina que foi On Fire ; como Feel Your Love Tonight o adoçado e Little Dreamer o monolítico. sorveteiro, "dedicado às senhoras", emprestado de John Brim, colocou Lee Roth de forma incomum atrás de um instrumento - o violão introdutório. Esta nova versão, um refrescante quase rock 'n' roll dançante, distancia-se do blues inicialmente impresso. Juntado, por estrutura e som, a um projeto muito posterior – Stay Frosty (2012).

Um longa de estreia que acabou se tornando um sucesso mundial, uma estreia multi-platina que segue de perto o Led Zeppelin (1969) — ao qual o Guns N' Roses (1987) foi adicionado a esse seleto grupo. Vibração de rua em ritmo acelerado, nenhuma das músicas chegando a quatro minutos de duração, rendeu ao Van Halen uma promoção instantânea; que continuaram a cultivar durante os partos periódicos seguintes, até se tornarem dominadores da cena na década de 80.

Universo do Vinil

 

Enquanto a guitarra morre, o vinil se mostra como a resistência da música analógica

Recentemente uma longa reportagem no Whasington Post intitulada “Why my guitar gently weeps: The slow, secret death of the six-string electric. And why you should care” (numa tradução livre: Por que minha guitarra chora suavementeA morte lenta e secreta do elétrico de seis cordas) lançou o sinal amarelo para a guitarra. Nunca tivemos tantos fabricantes, porém, nunca se vendeu tão pouco deste instrumento. E o que estaria motivando essa diminuição nas vendas?

Segundo o artigo do jornal apontado acima, na última década, as vendas de guitarra elétrica caíram, de cerca de 1,5 milhão vendidos anualmente para pouco mais de 1 milhão. As duas maiores empresas, Gibson e Fender, estão em dívida, e uma terceira, a PRS Guitars, teve que cortar pessoal e expandir a produção de guitarras mais baratas. Em abril, a Moody’s rebaixou o Guitar Center, o maior varejista da cadeia, pois enfrenta US $ 1,6 bilhão em dívidas. E no Sweetwater.com, o varejista on-line, um Fender novo e sem interesse pode ser tido por apenas US $ 8 por mês.

No Brasil não acontece diferente, grande cadeias de lojas de instrumentos musicais estão fechando ou mudando seus rumos de negócios para não irem à bancarrota. A tradicional Gang Music fechou e a Musical Roriz mudou seu modelo de negócios – inclusive o nome –  entre outras, e lá fora o movimento para se readequarem aos novos tempos é enorme, como por exemplo a Fender vai passar a vender diretamente seus produtos via internet, evitando atravessadores e repassar lucro a lojistas.

Mas, o que motiva isso tudo? Crise financeira? No caso brasileiro, pode ser um motivo, mas internacionalmente, não!

Segundo George Gruhn, um negociante de Nashville, de 71 anos, “há mais fabricantes agora do que nunca na história do instrumento, mas o mercado não está crescendo”, o que o preocupa não é simplesmente que os lucros caíram. Isso acontece nos negócios. Ele está preocupado com o “porquê” por trás do declínio das vendas. Quando ele abriu sua loja há 46 anos, todos queriam ser um deus de guitarra, inspirados pelos homens que vagavam pela fase de concertos, incluindo Clapton, Jeff Beck, Jimi Hendrix, Carlos Santana e Jimmy Page. Agora, esses boomers estão se aposentando, reduzindo o tamanho e ajustando-se aos rendimentos fixos. Eles estão olhando para diminuir, não adicionar guitarras nas suas coleções, e a geração mais jovem não está entrando para substituí-los e Gruhn sabe por quê: “O que precisamos é de heróis de guitarra”, diz ele. E continua: “Eric Clapton é da minha idade e já vendi 29 de suas guitarras…

Os Heróis de guitarra chegaram com a primeira onda de rock-and-roll. Chuck Berry, Scotty Moore, Link Wray entre outros. Esse instrumental não foi um feito técnico. Requer apenas quatro acordes. Mas quatro acordes foram suficientes para Jimmy Page.

Os anos 60 trouxeram uma onda de blues brancos – Clapton, Jeff Beck, Keith Richards, bem como craques como Pete Townshend e o revolucionário Hendrix.

McCartney diz, “A guitarra elétrica era nova e fascinante, excitante em um período antes de Jimi e imediatamente depois”, disse o ex-Beatle com saudade em uma entrevista recente e ele viu Hendrix no clube de Bag O’Nails em Londres em 1967. Pensa naqueles dias com carinho e, em seus sets hoje, pega uma Les Paul para dedilhar a “Foxy Lady” de Hendrix. E faz uma pausa na mesma entrevista: “Agora, é mais música eletrônica e as crianças ouvem de forma diferente”, diz. “Eles não têm heróis de guitarra como você e eu tivemos”.

O Nirvana era enorme quando o Black Keys’Dan Auerbach, 38, estava crescendo. “E todos queriam um violão”, diz ele. “Isso não é surpreendente. Tem a ver com o que está no Top 20. Vernon Reid, da Living Color, concorda, mas também fala com uma mudança maior. Ele lembra se inspirar quando ouviu Santana no rádio. “Havia uma cultura de tocar violão e a música era central”, acrescenta Reid, 58. “Um disco sairá e você ouvirá sobre esse registro e você queria fazer a mesma jornada. Houve um certo investimento em tempo e recursos”.

Lita Ford, também de 58 anos, lembra-se de se curvar no sofá em uma noite em 1977 para assistir Cheap Trick no “Don Kirshner’s Rock Concert”. Ela tinha 19 anos e sua banda, os Runaways, tinha tocado shows com eles.

“Era apenas um mundo diferente”, diz Ford. “Havia” Concerto de Rock de Don Kirshner “, Ed Sullivan, Dick Clark, e eles tinham uma banda e você esperava toda a semana para ver quem seria essa banda. E você poderia falar sobre isso durante toda a semana com seus amigos – “Sábado à noite, o Deep Purple vai estar, o que eles vão tocar?” – e então todos estvam na TV como se estivessem assistindo um jogo de futebol. “Nos anos 80, quando a Ford foi solo e chegou no Top 40, ela se tornou uma das poucas heroínas femininas da guitarra em uma lista de reprodução composta por homens, incluindo Stevie Ray Vaughan, Joe Satriani e Eddie Van Halen. A cultura da guitarra era penetrante, seja nos filmes onde “Karate Kid” Ralph Macchio derrotava Steve Vai em 1986;  “Crossroads”, Michael J. Fox, que tocava um violão solo em “Back to the Future” e co-estrelado por Joan Jett no drama da banda de rock de 1987 “Light of Day” ou na MTV e os filmes de concertos mais antigos com o Who e Led Zeppelin em repetições aparentemente infinitas.

Mas já haviam dicas sobre as mudanças, as evoluções da tecnologia musical que acabariam por competir com a guitarra. Em 1979, o Portastudio 144 da Tascam chegou ao mercado, permitindo que qualquer pessoa com um microfone e um cabo de conexão gravassem com várias faixas (Bruce Springsteen usou um Portastudio para o “Nebraska” de 1982). Em 1981, Oberheim apresentou a máquina de ritmos DMX, revolucionando o hiphop. Assim, em vez de Hendrix ou Santana, o Brad Delson, do Linkin Park, inspirou o “Raising Hell” da Run-DMC. Delson, cuja banda recentemente aterrissou no topo das paradas com um álbum, notavelmente leve no violão, não parece o salto dos DJs como algo ruim: “A música é música “, diz ele. “Esses caras são todos heróis musicais, seja qual for o instrumento legal que eles tocam. E hoje, eles estão gravitando em direção a batidas de programação em um Ableton. Eu não acho que isso seja menos criativo quando toca baixo. Estou aberto à evolução à medida que se desenrola. O gênio musical é um gênio musical. Ele simplesmente assume formas diferentes”.

Mas, a indústria e o comércio respondem:

Diga isso ao Guitar Center, agora com uma dívida de US $ 1,6 bilhão e, com tanto medo de publicidade, que uma porta-voz disse que só teria um executivo disponível para uma entrevista com uma condição: “Ele não pode discutir financeira ou política sob nenhuma circunstância.”  Richard Ash, o executivo-chefe da Sam Ash, a maior rede de lojas de música de propriedade familiar nos EUA, não teve medo de afirmar o óbvio: “Nossos clientes estão ficando mais velhos, e eles vão ter ido logo”, diz.

Só nestes exemplos já dá para percebermos a mudança no hábito musical. As crianças hoje preferem uma mesa com CDj, por exemplo, que uma guitarra e os números de vendas mostram isso, saem muito mais dos varejos os CDjs e aparelhos digitais que as guitarras e os violões que vão para o mesmo caminho…

Na disputa histórica entre o analógico e o digital, nós sabemos quem ganhou. Está aí o digital para mostrar que é ele o vencedor, porém, os discos de vinil são a resistência destes 2 mundos.

Enquanto se vendem menos instrumentos normalmente ligados à música analógica, como as próprias guitarras, baixos, violões e etc, os toca-discos se mostram mundialmente como aparelhos voltados ao analógico e campeões de vendas e os DJs se voltam cada vez mais para o uso destes tocadores. Porém, as crianças ainda estão longe de perceberem isso, exceto quando um adulto lhes mostra. Recentemente no nosso programa de rádio Conversa de Vinil entrevistamos uma garota de 12 anos e fizemos a seguinte pergunta: seus amigos conhecem os discos de vinil? E ela foi categórica: não!

Como diz no artigo do Washington Post faltam heróis da guitarra e a maioria destes tiveram sues feitos nos tempos áureos dos discos de vinil, eram, portanto, heróis do mundo analógico! Existem bastantes heróis da música eletrônica e do apelo visual e cheio de sensações que os festivais e apresentações deste modelo musical criam nos jovens. não somos contra isso, somos a favor da diversidade musical e cada um na sua, mas nos atentemos para o futuro: os instrumentos musicais estão saindo de cena, pois, na indústria fonográfica não existem mais os heróis destes instrumentos, porém, os gênios musicais estão aí, cada um utilizando o que seus heróis utilizam e não é culpa de ninguém.

Porém, os discos de vinil e o revival de títulos antigos colocado à venda nos últimos tempos podem e devem ser exemplos para as crianças. Os heróis da guitarra retornaram aos lares pelos bolachões! Então, a possibilidade de se mostrar às crianças que eles existem e são muito legais está aí como nunca se esteviram nos últimos 20 anos. A mudança novamente de hábitos musicais está nas mãos dos… adultos! E estes e somente estes poderão mostrar que tocar um baixo, uma guitarra e um violão é bacana demais!

RARIDADES

Silvi und die Awacs - Ich Bin Wie Du (1982)



don't hang around, enjoy good music!
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Ossie Layne Show - Maddox 2 (1969)



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The Magic Mixture - This Is the Magic Mixture (1968)



don't hang around, enjoy good music!
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The Daily Flash - I Flash Daily (1966-68)



don't hang around, enjoy good music!
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Nosy Parker - Nosy Parker (1975)



don't hang around, enjoy good music!
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The Foul Dogs - The Foul Dogs No. 1 (1966)



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Destaque

Antonio Pappano conducts Rachmaninoff Symphony No. 2 (2024)

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