ROXY MUSIC - FLESH AND BLOOD (1980)

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ROXY MUSIC
''FLESH+BLOOD''
1980
41:56
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01 In the Midnight Hour 03:12 (Steve Cropper, Wilson Pickett)
02 Oh Yeah 04:50
03 Same Old Scene 3:57
04 Flesh and Blood 3:13
05 My Only Love 5:19
06 Over You 03:27 (Bryan Ferry, Phil Manzanera)
07 Eight Miles High 04:53 (Gene Clark, David Crosby, Roger McGuinn)
08 Rain Rain Rain 3:20
09 No Strange Delight 04:44 (Bryan Ferry, Phil Manzanera)
10 Running Wild 05:01 (Bryan Ferry, Phil Manzanera)
Tracks By Bryan Ferry Except 01, 06, 07, 09, 10
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Bryan Ferry/Voices, Keyboards
Phil Manzanera/Guitar
Andy Mackay/Saxes
Allan Schwartzberg/Drums
Andy Newmark/Drums
Simon Phillips/Drums
Alan Spenner/Bass
Neil Jason/Bass
Gary Tibbs/Bass
Neil Hubbard/Guitar
Paul Carrack/Keyboards

Um disco ainda mais elegante do que Manifesto, Flesh + Blood equilibra precariamente entre o sedutor soul-pop sofisticado e o disco-pop enjoativo e pronto para o rádio. Na melhor das hipóteses, o álbum é suave e encantador sem esforço - "Over You" é um de seus maiores singles, e "Oh Yeah" é quase tão persuasivo - mas grande parte do álbum é dedicado a estilos malformados e estilosos. pop. Em particular, a dependência de covers retrabalhados de "In the Midnight Hour" e "Eight Miles High" é angustiante, não apenas porque sinaliza falta de imaginação, mas também porque sugere que Flesh + Blood é simplesmente um esforço solo menor de Bryan Ferry. E mesmo um punhado de momentos inegavelmente fortes não pode apagar a sensação de que o Roxy Music estava começando a ficar sem ideias.

MUSICA&SOM

Black Sabbath: os 50 anos do álbum "Vol.4"

 

Vindo do vasto deserto industrial de Birmingham (a Detroit do Reino Unido), o Black Sabbath lançou sua estreia auto-intitulada em 1970 e mostrou ao mundo como o rock and roll pode ser macabro e ainda soar estelar. Eles provaram ser o terceiro e último elo ao lado de Led Zeppelin e Deep Purple como as três principais bandas que iniciaram o ataque do heavy metal. Depois disso, eles fariam "Paranoid" e "Master of Reality" com grande sucesso. Mas em 1972, como todos os quatro membros estavam no meio do excesso de narcóticos, eles se retiraram para Los Angeles para gravar o "Vol. 4" depois de três anos seguidos de turnês e festas. O álbum em si custou US$ 65.000 para ser gravado quando, na verdade, eles gastaram US$ 75.000 em cocaína durante toda a sessão de gravação, a droga preferida neste momento de sua carreira. A capa do álbum ainda afirma: “Desejamos agradecer à grande COKE-Cola Company de Los Angles”. Mas o resultado final seria uma marca registrada para muitas bandas de hard rock que apareceriam nos próximos 30 anos e serviriam como protótipo para o stoner-metal. Entendi, gente. Se não fosse o "Vol. 4", não haveria Kyuss.

"Vol. 4" é acelerado quando “Wheels of Confusion/The Straighter” se transforma em oito minutos de caos progressivos cheios de riffs. Sendo uma das introduções mais soberbas para um álbum, a música contém o lendário guitarrista Tony Iommi tocando em um modo de boogie completo enquanto o baterista Bill Ward exibia seus colapsos de jazz ao estilo de Gene Krupa. O álbum gira em seu perímetro mais melódico e astuto com precisão absoluta graças à cadência do baixo fuzzed de Geezer Butler em “Tomorrow’s Dream”.

Ao longo dos anos 80 e início dos anos 90, no auge de sua carreira solo, o vocalista Ozzy Osbourne fez muito sucesso com uma série de baladas neoclássicas como "Mama I'm Coming Home", "No More Tears” e o dueto com Lita Ford, “Close My Eyes Forever”. Mas antes de tudo isso, ele ficou com os pés molhados no "Vol. 4" com as muito fervorosas “Changes”. Ozzy mais tarde cantaria em um dueto da mesma música 31 anos depois com sua filha Kelly, que alcançou o primeiro lugar nas paradas de singles do Reino Unido em dezembro de 2003. Como o Led Zeppelin estava prestes a lançar "Houses of the Holy" no ano seguinte, influência de os ganchos acústicos folclóricos de “Laguna Sunrise” sem dúvida tinham passado para “Over the Hills and Far Away”.

Uma das muitas características que tornam o "Vol. 4" tão incrível é o efeito cascata que causou para dar o pontapé inicial em alguns subgêneros do metal. “FX” é um minuto e meio de lamentação assustadora que salta para o tumulto da raiva na estrada de “Supernaut”, onde Bill Ward bate seus címbalos de bateria como um agiota faz com um caloteiro. Essa música por si só seria um estêncil para bandas como Motorhead e até certo ponto, Queens of the Stone Age, com sua mistura de riffs esticados e o chocalho do chocalho. Como a homenagem à cocaína “Snowblind” (que seria o título original do álbum) e “St. Vitus Dance” brilharam no mundo, Ozzy e companhia lançaram a primeira pedra para o que se tornaria o boom underground da cena doom metal no início do século 21 com a eclosão de bandas como High on Fire, Mastodon e Probot.

"Vol. 4" marcou oficialmente o início do fim do Black Sabbath, pois eles teriam apenas mais dois álbuns estelares na forma de "Sabbath Bloody Sabbath" e "Sabotage" antes que todos os membros sucumbissem aos seus vícios de drogas e egos enormes. O "Vol.4" mostra claramente os dias de glória do Sabbath enquanto eles estavam no auge antes que a formação original fosse dissolvida apenas seis anos depois.

Via TREBLE.

Lionel Richie é a primeira confirmação do Cool Jazz 2023

 

O histórico da soul atua no Hipódromo Manuel Possolo, em Cascais, a 8 de julho.

O Cool Jazz anunciou hoje o primeiro nome para a edição de 2023. O norte-americano Lionel Richie, que adiou por duas vezes a presença no festival de Cascais devido à pandemia, confirmou a presença em Cascais no próximo ano. O músico, que vai andar na estrada com a digressão "An Evening with Lionel Richie", atua no Hipódromo Manuel Possolo a 8 de julho.

"Estamos muito entusiasmados por confirmar a 18ª edição do Cool Jazz e pelo facto de o primeiro nome ser a lenda Lionel Richie", refere Karla Campos, Diretora da Live Experiences - a promotora do festival. "É um artista muito querido do público português e vamos poder assistir finalmente à apresentação ao vivo no palco do Cool Jazz, com o cenário único do Hipódromo Manuel Possolo", acrescentou. 

Membro da banda Commodores, Lionel Richie decidiu seguir um caminho a solo e assinar temas que praticamente toda a gente sabe de cor, como 'Hello', 'All Night Long', 'Say You, Say Me' ou 'Endless Love'. 

O músico, que nasceu no Alabama, em 1949, começou a carreira a solo logo depois da faculdade, preferindo seguir as artes musicais, em vez da licenciatura que tirou no Instituto Tuskegee, na terra que o viu crescer. Em 1968, tornou-se membro da banda Commodores, como vocalista e saxofonista, e deu o talento a clássicos como 'Easy', 'Three Times a Lady', 'Still' ou 'Sail On'. 

Em 1982, Lionel Richie lançou o primeiro álbum a solo, que incluía músicas como 'You Are' e 'My Love'. Em 1984, lançou o álbum "Can't Slow Down" que inclui um dos maiores sucessos musicais do artista, o tal 'Hello'. Ao longo dos anos, Richie continuou a produzir música, criando autênticos hinos que fazem parte da banda sonora da vida de muita gente. Com 37 nomeações para prémios como os Óscares, os American Music Awards e Globos de Ouro, Lionel Richie foi premiado 17 vezes, ao longo dos anos, pelos seus álbuns e temas únicos. 

Os bilhetes vão estar à venda a partir das 11h00 do dia 3 de novembro nos locais habituais. 

CAPICUA VENCE PRÉMIO JOSÉ AFONSO 2021 COM ÁLBUM "MADREPÉROLA"

A rapper portuguesa Capicua venceu, por unanimidade, o Prémio José Afonso 2021. É um prémio atribuído pela Câmara Municipal da Amadora.

A rapper portuguesa Capicua venceu, por unanimidade, o Prémio José Afonso 2021 com o álbum "Madrepérola", que é "mais uma prova da atualidade do empenho crítico da artista", revelou hoje o júri.

O Premio José Afonso, com um valor monetário de 5.000 euros, é atribuído pela Câmara Municipal da Amadora, a álbuns "cujo tema tenha como referência a cultura e a história portuguesas".

Em nota de imprensa, o júri sublinha "a qualidade das letras, a interpretação emotiva e a cuidada produção do álbum, que vem coroar uma carreira já significativa e cada vez mais reconhecida pela sua importância musical e social".

O júri atribuiu ainda menções honrosas aos álbuns "Canções do Pós-Guerra", de Samuel Úria, "Eva", de Cristina Branco, "Kriola", de Dino d'Santiago, e "Liwoningo", de Selma Uamusse.

"Madrepérola", editado em janeiro de 2020, é o terceiro álbum de Capicua, no qual a artista volta a abordar temas como o machismo e a gentrificação, mas de uma forma "mais solar", mais dançável, com mais canções e uma mão cheia de convidados de Portugal e do Brasil, como contou, na altura, em entrevista à agência Lusa.

O álbum inclui alusões à maternidade de Capicua, mas não só.

"A metáfora da ostra que faz a pérola tem tudo que ver com falar de coisas sérias de uma forma mais luminosa, no sentido em que as ostras só fazem pérola quando entra um grão de areia na concha e começa a incomodar, elas criam uma espécie de baba que vai cobrindo esse grão de areia porque querem que deixe de incomodá-las e acabam por criar uma pérola", contou.

Além disso, o processo de criação das pérolas "também tem muito que ver com a própria maternidade, que é tão cheia de incómodos e desconfortos, e de provações físicas e que implica uma superação permanente".

Entre os convidados, contam-se nomes como D-One, Stereossauro, Ride, Virtus, Emicida, Karol Conka, Mallu Magalhães, Catarina Salinas (dos Best Youth), o fadista Ricardo Ribeiro, Lena D’Água e o ator Pedro Lamares.

"Madrepérola" sucede aos álbuns "Sereia Louca" (2008) e "Medusa" (2015).

O júri do Prémio José Afonso 2021 integrou o compositor Sérgio Azevedo, o maestro Hélder Gonçalves e a cantora Lena d’Água, vencedora do Prémio José Afonso 2020.

 

BACKSTREET BOYS ENTRAM NA ÉPOCA NATALÍCIA COM UMA VERSÃO DE 'LAST CHRISTMAS'

A versão do clássico dos anos oitenta faz parte do disco "A Very Backstreet Christmas", editado a 14 de outubro.

Os Backstreet Boys já partilharam com o mundo a versão que fizeram de 'Last Christmas' - tema que os Wham! editaram em 1984. A canção recriada pelo grupo norte-americano faz parte do disco "A Very Backstreet Christmas" - álbum natalício editado no passado dia 14 de outubro. É também o primeiro disco dedicado ao Natal lançado pelos Backstreet Boys.  

A "Very Backstreet Christmas" inclui outras versões de clássicos de Natal, como é o caso de 'White Christmas', 'Silent Night', 'Have Yourself A Merry Little Christmas', 'Christmas In New York' ou 'Together'.

O vídeo que ilustra a nova vida de 'Last Christmas' já está disponível:

Os Backstreet Boys estão em digressão. A DNA World Tour, que arrancou na Altice Arena, em Lisboa, no passado dia 3 de outubro, continua na Europa. Em 2023, o grupo norte-americano vai levar a digressão até à Ásia.   

 

"Dio: Dreamers Never Die" é o documentário que Ronnie James Dio merece

 

Iluminado, engraçado e ocasionalmente brutalmente honesto, fime é um retrato perspicaz de uma das figuras mais amadas do metal.

Que Ronnie James Dio continua sendo um dos maiores vocalistas de rock e metal de todos os tempos é incontestável, uma verdade objetiva em uma forma de arte definida por gostos extremamente subjetivos. O motivo pelo qual ele é tão considerado é o foco de "Dio: Dreamers Never Die", o novo documentário autorizado que examina a vida de Dio desde seus dias de infância no interior de Nova York, passando por suas icônicas reviravoltas em Rainbow, Black Sabbath e Dio, até sua morte em 2010. Por vezes, familiar, esclarecedor e até engraçado (como o relato do fotógrafo Gene Kirkland de como foi tirar a foto da banda para o álbum "Holy Diver"), "Dreamers Never Die" é um passeio bem ritmado e envolvente do início ao fim .

À medida que uma linha do tempo linear percorre a vida de Dio, um panteão de luminares, incluindo Rob Halford, Tony Iommi, Geezer Butler, Jack Black, Glenn Hughes e a esposa e gerente de Dio, Wendy, pesam com anedotas e insights coloridos, na grande tradição do rock arquetípico.

Amplas imagens de arquivo do próprio Dio revelam um homem tão obstinadamente ligado à sua visão artística que perdeu empregos no Rainbow e no Sabbath em vez de chegar a um acordo com vários colegas de banda. Em última análise, a formação e ascendência de Dio, sua banda solo, validaria que seu som, seus temas e sua personalidade de palco de demônios e magos, tocando chifres, atingiria um acorde ressonante entre os fãs de rock que buscavam uma marca de música que emocionasse e empoderasse ao mesmo tempo.

Felizmente, nem tudo é um elogio servil. Uma cena assustadora com Don Dokken mostra o perfeccionismo inflexível de Dio e seu lado sarcástico, de uma maneira totalmente pouco lisonjeira. Em última análise, no entanto, esta é uma produção autorizada e a lenda duradoura de Dio está bem preservada. Na verdade, Ronnie James Dio realmente era um cara amigável e acessível que sempre arrumava tempo para seus fãs. Mas ele também era um artista complicado, de força de vontade e altamente introspectivo com medidas saudáveis ​​de orgulho e ambição, todas as quais aparecem mais brilhantemente através dos comentários de seus ex-colegas de banda; por exemplo, o baterista Vinny Appice lançando fitas antigas das primeiras jam sessions de Dio e revelando que "Rainbow In The Dark" quase foi pro lixo, porque Dio odiou muito depois do primeiro take.

O tratamento do filme sobre os últimos dias de Dio, contado principalmente por Wendy, é difícil, particularmente a história de sua última sessão de estúdio, onde ele gravou uma impressionante versão solo de "This Is Your Life". E sim, as origens dos chifres do diabo são cobertas com os devidos detalhes, com o próprio Dio explicando que eles foram inspirados por Ozzy Osbourne, a quem Dio substituiu no Black Sabbath, jogando o sinal da paz no palco.

A marca registrada de um documentário convincente é sua capacidade de informar e entreter não apenas aqueles familiarizados com o assunto, mas, mais importante, os não iniciados. A este respeito, "Dio: Dreamers Never Die" bate fora do parque com um retrato ricamente matizado e perspicaz de uma das figuras mais amadas do metal. Visualização essencial.

"Dio: Dreamers Never Die" chegou aos cinemas de todo o mundo em 28 de setembro.

As 10 melhores músicas de Barry Manilow

 Barry Manilow é um dos 100 melhores artistas pop de todos os tempos. Ele nunca teve a intenção de ser cantor, mas queria que suas músicas fossem ouvidas. A Bell Records gostou de Barry Manilow cantando suas próprias músicas e lançou seu primeiro álbum. Mais tarde, a Bell foi incorporada à recém-formada Arista sob Clive Davis. Barry Manilow estava relutante em gravar a música "Mandy", mas com a insistência de Clive Davis, foi incluída no segundo álbum e se tornou o primeiro hit pop de Barry Manilow. O resto, como dizem, é história. Estas são as 10 melhores músicas pop de Barry Manilow classificadas subjetivamente.

01

de 10

"I Write the Songs" - 1975"

Embora alguns fãs de música ocasionalmente fiquem confusos sobre suas origens, Barry Manilow não escreveu "I Write the Songs". Em vez disso, foi escrito por Bruce Johnston dos Beach Boys . A primeira versão gravada foi lançada pelo Capitão e Tennille, que frequentemente trabalhavam com Bruce Johnston. Eles a incluíram em seu álbum inovador de 1975, Love Will Keep Us Together. David Cassidy teve um pequeno sucesso com a música no Reino Unido antes da versão de Barry Manilow. Mais uma vez, Clive Davis teve que convencer o artista a gravar o que se tornou outro single número 1. Barry Manilow achou que a música poderia ser mal interpretada pelo público como uma enorme viagem do ego. Foi o primeiro single do álbum Tryin' To Get the Feeling e liderou as paradas pop e adultas contemporâneas.

"I Write the Songs" foi a segunda gravação de Barry Manilow a ganhar uma indicação ao Grammy de Gravação do Ano. Ganhou o Grammy de Canção do Ano, que foi para Bruce Johnston como compositor. Bruce Johnston diz que alguns acreditam que ele estava se referindo a Brian Wilson dos Beach Boys como o "eu" na música. Ele diz que na realidade ele estava se referindo a Deus e ao espírito de criatividade como o escritor das canções.

02

de 10

"Mandy" - 1974

"Mandy" foi originalmente intitulada "Brandy" e, como tal, atingiu o 12º lugar na parada de singles pop do Reino Unido em 1971 em uma versão gravada por um dos escritores da música, Scott English. O outro co-escritor Richard Kerr trabalhou em várias músicas que se tornaram hits para Barry Manilow, incluindo o hit número 1 "Looks Like We Made It". 

Barry Manilow não queria gravar "Brandy", mas Clive Davis o convenceu a fazê-lo. O nome foi alterado para "Mandy" para evitar confusão com o hit "Brandy (You're a Fine Girl)" do grupo Looking Glass. Foi lançado como o primeiro single do segundo álbum de estúdio de Barry Manilow, Barry Manilow II , depois que o primeiro álbum não conseguiu produzir nenhum single de sucesso. O resultado foi o primeiro hit pop #1 de Barry Manilow.

"Mandy" foi o primeiro disco de Barry Manilow e o primeiro lançado pelo selo Arista a alcançar a Billboard Hot 100. "Mandy" também recebeu a primeira indicação de Barry Manilow ao Grammy de Gravação do Ano. Em 2003, a boy band irlandesa Westlife fez um cover de "Mandy" e alcançou o primeiro lugar na parada de singles pop do Reino Unido.

03

de 10

"Can't Smile Without You" - 1978

Os Carpenters gravaram uma versão de "Can't Smile Without You" um ano antes do icônico hit pop #3 de Barry Manilow. Foi incluída no álbum A Kind of Hush e eles a lançaram como lado B do single "Calling Occupants of Interplanetary Craft".

Chris Arnold, David Martin e Geoff Morrow, os escritores de "Can't Smile Without You", gravaram sob o nome Butterscotch. "Can't Smile Without You" é frequentemente o tema de uma multidão cantando junto nos shows de Barry Manilow. Barry Manilow incluiu em seu álbum Even Now . A música alcançou o 3º lugar na parada de singles pop nos EUA e o 1º na parada de adultos contemporâneos.

Dick James Music, a editora de "Can't Smile Without You" processou George Michael por plágio em meados da década de 1980, alegando que o Wham! canção "Last Christmas" tomou sua melodia desta canção. O caso foi resolvido fora do tribunal.

04

de 10

"Copacabana" - 1978

Barry Manilow ganhou seu primeiro e (até agora) seu único Grammy de Melhor Vocal Masculino Pop por "Copacabana (At the Copa)". O enredo claro e os personagens da música se tornaram a peça central de um musical de TV que mais tarde foi adaptado para o palco. Barry Manilow e seus letristas Jack Feldman e Bruce Sussman foram inspirados para escrever a música pelas memórias de Barry Manilow da boate Copacabana em Nova York que ele visitou na década de 1960. "Copacabana" foi incluída como música no filme de sucesso de 1978 Foul Play e também aparece no álbum Even Now de Barry Manilow . "Copacabana" alcançou o 8º lugar na parada pop e o 6º na parada adulto contemporâneo.

Barry Manilow lançou uma versão em espanhol de "Copacabana", mas não conseguiu alcançar nenhuma parada. Um remix da música original atingiu a parada de singles pop do Reino Unido em 1993 e alcançou a posição # 22. Em 2008, Barry Manilow gravou uma versão acústica da música para seu álbum The Greatest Songs of the Seventies .

05

de 10

"Looks Like We Made It" - 1977 

"Looks Like We Made It" tornou-se o terceiro e aparentemente último single pop de Barry Manilow. É uma canção de amor agridoce sobre um casal encontrando felicidade e realização com os outros depois de terminar. No entanto, a música expressa dúvidas sobre a realidade dessa felicidade. O compositor Will Jennings disse à Billboard Books: "É uma letra bastante triste e irônica sobre separar e não juntos, e é claro que todos pensam que é uma declaração positiva e completa. Eu não sei. Talvez seja ... de certa forma." "Looks Like We Made It" foi um dos três top 10 hits pop do álbum This One's For You e representa Barry Manilow no auge de seu sucesso comercial e artístico. O álbum Este é para vocêfoi para # 6 na parada de álbuns e foi certificado de platina tripla por vendas. Imediatamente precedeu o primeiro álbum #1 de Barry Manilow, o conjunto de dois álbuns Barry Manilow Live .

06

de 10

"Ships" - 1979

Ian Hunter, vocalista da banda de rock clássico Mott the Hoople, escreveu e gravou "Ships" para seu álbum de 1979,  You're Never Alone With a Schizophrenic . Foi escrito sobre seu relacionamento com seu próprio pai. Ian Hunter começou a escrever a música enquanto ainda fazia parte do grupo Mott the Hoople no início dos anos 1970, mas não foi gravada até que ele se tornou um artista solo. 

Barry Manilow gostou da música quando a ouviu e levou sua versão para o top 10 pop. Foi o único hit pop top 10 do álbum One Voice de Barry Manilow e marcou o início do declínio comercial do artista no final dos anos 1970. Foi o último álbum de estúdio de Barry Manilow a chegar ao top 10 até The Greatest Songs of the Fifties 27 anos depois. "Ships" alcançou a 9ª posição na parada pop e a 4ª na parada de adultos contemporâneos. Ian Hunter comentou a versão de Barry Manilow dizendo: "Esse cara não é desleixado quando se trata de organizar".

07

de 10

"Weekend In New England" - 1976 

Barry Manilow liderou a parada de adultos contemporâneos com esta balada sobre se apaixonar em uma viagem à Nova Inglaterra e retornar à cidade se perguntando "quando vou ver você de novo?" A música ganhou um pouco de notoriedade quando foi interpretada por Jennifer Hudson na semana em que ela foi eliminada do  American Idol . Mais tarde, ela cantou "Weekend In New England" ao vivo com Barry Manilow na festa pré-Grammy Awards de Clive Davis em 2009. A música foi escrita por Randy Edelman, que é mais conhecido por escrever várias trilhas sonoras para filmes de sucesso. "Weekend In New England" alcançou o 10º lugar na parada pop e foi até o 1º lugar no gráfico adulto contemporâneo. 

Os fãs de pop casual muitas vezes não reconhecem "Weekend In New England" pelo título porque a frase "New England" aparece apenas uma vez na música. Uma linha no verso diz: "Time in New England me levou embora ..." A palavra "fim de semana" nunca aparece nas letras. "Weekend In New England" foi um dos três top 10 hits pop do álbum This One's For You .

08

de 10

"Could It Be Magic" - 1975

Barry Manilow e Adrienne Anderson escreveram "Could It Be Magic" em torno do  Prelude in C Minor, Opus 28, Number 20, de Frédéric Chopin . A música abre e fecha com um trecho da peça. Há uma referência na letra da música a "doce Melissa" que se pensa se referir à cantora Melissa Manchester.

"Could It Be Magic" foi gravado pela primeira vez em 1971, quando Barry Manilow ainda era um compositor e arranjador de jingles comerciais. Ele não teve permissão para fazer o arranjo original sozinho, e a gravação foi produzida sob a tutela de Tony Orlando, mais conhecido por seu hit nº 1 "Tie a Yellow Ribbon". A gravação foi feita em um estilo pop chiclete, creditada a Featherbed com Barry Manilow, e falhou miseravelmente quando lançada. Barry Manilow lançou seu próprio arranjo pela primeira vez em 1973, e também falhou nas paradas. Finalmente, em 1975, foi relançado depois que "Mandy" atingiu o primeiro lugar nas paradas pop. Desta vez, Barry Manilow atingiu o ouro e "Could It Be Magic" alcançou a posição #6.

Em 1976 , Donna Summer lançou uma versão disco de "Could It Be Magic" e alcançou o 3º lugar na parada de dança. A boy band britânica Take That fez um cover da música em 1992 e eles a levaram para o 3º lugar na parada de singles pop do Reino Unido.

09

de 10

"I Made It Through the Rain" - 1980

No momento, "I Made It Through the Rain" permanece como o último single de sucesso de Barry Manilow no top 10 da  Billboard  Hot 100. É uma música inspiradora positiva co-escrita pelo próprio Barry Manilow. Depois de cinco álbuns de estúdio consecutivos chegarem ao top 10,  Barry , o álbum incluindo "I Made It Through The Rain", só chegou ao 15º lugar. No entanto,  Barry  foi disco de platina para vendas. A música foi escrita pela primeira vez pela equipe de Gerard Kenny e Drey Shepperd. Quando Barry Manilow ouviu, ele ajustou a letra com Bruce Sussman e Jack Feldman alterando o ponto de vista de um músico para um homem comum. A música "I Made It Through the Rain" alcançou a 10ª posição na parada de singles pop e a 4ª na parada de adultos contemporâneos.

10

de 10

"Somewhere In the Night" - 1978

A música "Somewhere In the Night" alcançou a  Billboard  Hot 100 duas vezes antes de Barry Manilow gravar a única versão top 10. Sua versão se tornou a interpretação definitiva da música. Helen Reddy atingiu o top 20 com "Somewhere In the Night" em 1976. Também apareceu em álbuns de Batdorf & Rodney, Yvonne Elliman e Kim Carnes em 1975.

A música foi o quarto single do álbum de platina triplo de Barry Manilow,  Even Now . O álbum alcançou a posição # 3 na parada de álbuns e foi certificado triplo platina pelas vendas. Foi o único álbum de Barry Manilow que gerou três singles pop top 10.

"Somewhere In the Night" foi escrita pela equipe de compositores de Richard Kerr e Will Jennings, que também se uniram no sucesso nº 1 "Looks Like We Made It". "Somewhere In the Night" foi lançado pela primeira vez em um single no Reino Unido no verão de 1978 como o lado B de "Copacabana". Depois que ganhou airplay de rádio lá, foi lançado como seu próprio single nos EUA em dezembro.