A cantora americana emocionou o mundo com sua voz incrível, tornando-se uma referência do rock e do blues
Janis Joplin encontrou no mundo da música o abraço que a sociedade se recusou a lhe dar pelo simples fato de ser e pensar diferente. Com certeza foi isso que a superou e a levou a levar seu corpo ao limite ao desafiá-lo repetidas vezes com a agulha. Houve um momento em que sua vida se tornou uma espiral contínua de drogas e álcool que a acompanhou até o fim de seus dias. Ela sabia que seus maus hábitos a levariam a morrer jovem, mas nunca parecia se importar porque não se privava de nada. Janis era extremamente popular na época de sua morte.e como outros artistas da década de 1960, ele queria aproveitar ao máximo todas as oportunidades que a vida lhe dava. No entanto, como outras lendas da música, seu grande reconhecimento não veio até depois de sua morte.
O lendário artista da contracultura hippie, pertencente ao clube dos 27 , tem sido considerado um dos maiores mestres do rock e do blues de todos os tempos. Janis Joplin consolidou-se como uma das artistas mais importantes e talentosas de seu tempo. Seu estilo era inconfundível e ele tinha uma grande habilidade para fazer música. No entanto, sua carreira profissional foi prejudicada em várias ocasiões por seu vício em drogas e álcool, um mau hábito que lhe permitia escapar e espantar seus próprios demônios.
Janis Joplin tinha um talento inato, que a levou a desfrutar da fama muito rapidamente e foi precisamente isso que a levou a experimentar drogas e álcool muito cedo. Sua carreira começou a decolar na década de 1960, mas sua popularidade não explodiu até 1966, quando ele desembarcou em Woodstok, uma congregação hippie onde dividiu o palco com outras lendas da música como Hendriz e David Crosby. Naquela época, tudo parecia correr bem, mas quem a conhecia bem já garantia que Janis tinha dificuldades em administrar a fama e que isso começava a lhe trazer problemas.
Janis Joplin, filha do engenheiro Seth Joplin e da funcionária pública Dorothy Bonita East, nasceu na cidade de Port Arthur, no Texas (Estados Unidos), mas não conseguiu se encaixar lá. Seus ideais, sua maneira de vestir e seus gostos musicais diferiam muito dos de seus colegas, que não hesitavam em apontá-la, insultá-la e humilhá-la sempre que tinham oportunidade, o que hoje seria conhecido como bullying; E foram justamente essas ofensas que a levaram a ter forte autoestima e problemas de personalidade.
No entanto, ele logo encontrou seu próprio refúgio na música para canalizar suas tristezas e frustrações. Essa foi uma forma peculiar de se livrar da dor que sofreu durante a adolescência, pois nunca se sentiu aceita ou amada por seu ambiente mais próximo. Sua situação em Port Arthur era tão delicada que ele decidiu encontrar um novo lar em San Francisco (Califórnia), onde começou a semear o caminho de sua própria lenda. Embora antes, no deserto do Texas, já tivesse começado a conquistar os palcos de alguns clubes.
San Francisco acabou se tornando sua casa, onde viveu seus melhores anos. Pouco depois de se mudar, a artista conheceu alguns rapazes que amavam a música tanto quanto ela e com quem formou uma banda com o nome de Big Brother and the Holding Company , mas logo os desentendimentos causaram a separação deles e Janis começou a procurar o vida em outros grupos para acabar na Full Tilt Boogie Band . Isso sim antes ele estava ganhando facilidade como vocalista no grupo Kozmic Blues Band .
O mistério da morte de Janis Joplin
Janis Joplin morreu aos 27 anos de overdose de heroína no Hollywood Highland Gardens Hotel, embora na época fosse conhecido como Landmark Motor Hotel. Localizado a poucos metros da Calçada da Fama de Hollywood, muitos artistas e celebridades fizeram parte de sua lista de convidados, entre os quais, é claro, o nome da própria Janis Joplin.
A cantora americana e sua banda Full Tilt Boogie residiram temporariamente neste impressionante hotel enquanto terminavam de gravar aquele que já era seu quarto álbum, Sunset Sound Recorders . Mas antes que este último projeto visse a luz do dia com todas as músicas, a artista americana faleceu no que mais tarde seria considerado por seu público como circunstâncias estranhas.
Os alarmes dispararam em 4 de outubro de 1970 quando Joplin não apareceu no estúdio de gravação , o que levou o representante do grupo, John Cooke, a ir até o quarto 105 do hotel onde residia o cantor e confirmar a pior notícia: o artista tinha morreu. Janis Joplin estava sozinha, de bruços e espremida entre a cômoda e a cama.
O laudo médico determinou que Janis Joplin morreu de overdose de heroína , consumindo uma dose oito vezes maior do que um corpo pode tolerar. No entanto, desde que se soube da notícia da sua morte, começaram a surgir novas teorias, nas quais os mais cépticos se mostraram muito reticentes quanto a esta versão oficial.
Aliás, Peggy Caserta, sua grande amiga, chegou a afirmar que isso não fazia sentido por dois motivos. A primeira, porque ela mesma havia ingerido a mesma garrafa antes de Janis, e a segunda, que a estranha posição e cenário em que o corpo da cantora havia sido encontrado deixou em aberto a hipótese de outras possíveis causas, algo que também foi compartilhado pelos mais céticos .
Ao que tudo indica, as seringas que o artista havia usado na sala nunca foram encontradas, o que pôs em dúvida a possibilidade de haver uma segunda pessoa no local , segundo Bill Graham, promotor de shows de rock da época.
Um dia antes de sua morte, Joplin havia discutido com seu parceiro na época, Seth Morgan. Depois da chateação, a cantora resolveu ir a um bar com as amigas onde acredita-se que ela não tenha ficado muito tempo bebendo, já que as autoridades estimaram sua morte por volta da 1h da manhã .
Desde o momento em que ela tomou heroína até morrer, o legista diz que Joplin até saiu do quarto para comprar tabaco, algo que os próprios amigos da cantora chamaram de "ridículo". De fato, Caserta teve sua própria versão dos acontecimentos ao afirmar que acreditava que Joplin havia tropeçado na sala e que isso havia causado um forte sangramento nasal, que por sua vez teria levado a um desmaio e isso a levaria a sufocar. em seu próprio sangue.
Surge assim o mistério da morte de um jovem astro que, após 52 anos morto, ainda se encontra rodeado de especulações e diversas teorias.
Em 23 de novembro de 2008, o primeiro álbum em 17 anos com músicas inéditas do grupo de Los Angeles chegou às lojas.
14 anos de espera. O disco de rock mais aclamado de todos os tempos. 14 milhões de dólares. O mais caro da história do rock. Esta é a crônica de Chinese Democracy, o álbum que o Guns N'Roses lançou quando Axl Rose foi deixado sozinho ; aquele que foi apresentado em turnê mundial oito anos antes de seu lançamento; por onde passaram 16 produtores - um deles, Moby; aquele que foi nomeado assim por ironia ou porque "gosto de como soa"... e aquele que é lembrado como o maior desperdício musical do rock .
-Chinese Democracy (2008) é o sexto álbum de estúdio do Guns N'Roses. Foi o primeiro da banda de rock americana desde o álbum de covers The spaghetti incident? (1993) e o primeiro com material inédito desde Use sua ilusão I e II (1991).
-Supostamente, a banda de Los Angeles havia começado a trabalhar em um novo álbum em 1994. Mas a verdade é que Axl Rose era o único membro original remanescente. Ele havia sido deixado sozinho. Seus companheiros estavam caindo um após o outro . Tensões, diferenças criativas, disseram. A saída mais significativa foi a do guitarrista Slash . Desiludido, ele descreveu a formação "como uma ditadura". Ele anunciou oficialmente sua saída em outubro de 1996: " Axl e eu não podíamos nos olhar nos olhos por algum tempo.
Em 1997, Rose, querendo expandir o som da banda com elementos eletrônicos e industriais, cercou-se de um grupo eclético de músicos e continuou trabalhando no álbum com sua nova equipe. E sua gravadora, a Geffen Records, o incentivou: US$ 1 milhão se o álbum fosse lançado em março de 1999.
-Em 1998 dizia-se que já tinham 50 ou 60 canções . Até Moby se envolveu no projeto de sonoridade industrial: "Eles estão escrevendo com muitos 'loops' e , acredite ou não, estão fazendo isso melhor do que qualquer um que eu tenha ouvido ultimamente ." Não durou muito. Ele foi substituído por Youth, que descreveu Rose como "completamente isolada" e disse ser impossível estabelecer uma relação de trabalho com ele. Então o Youth também foi embora.
-1999 foi o ano em que Axl anunciou o título do LP – Chinese Democracy – para a mídia, e deu várias explicações: “Existem muitos movimentos democráticos na China , é algo que se fala muito e seria bom ver . Você pode muito bem ser apenas uma declaração irônica , não sei. Mas gosto do jeito que soa . Ele também negou o som 'industrial' (disse que era um "amálgama de sons") e garantiu que a banda havia gravado material suficiente para um álbum duplo, e para vários LP's de outros estilos .
- Março de 1999 veio e se foi. Outras datas vieram e foram também. E o mesmo aconteceu com os produtores e com os músicos que trabalharam no disco . O verão de 2000 foi outro prazo que passou sem problemas. Rose explicou os atrasos dizendo que precisava de tempo para aprender a trabalhar com as novas tecnologias, que eram desafiadoras para ele .
- Em 2001 a publicação parecia próxima. Tanto que o Guns N'Roses empreendeu uma turnê mundial - Chinese Democracy Tour - para divulgar um álbum que não existia! Em 2002, Rose emitiu uma declaração pública: "Sentimos que esclarecemos o álbum que estamos tentando fazer ... a arte do álbum está pronta." Mas os atrasos continuaram. Eles o acusaram de ser paranóico ... "Não tem nada a ver com paranóia; tem a ver com a realidade. A coisa não é poderosa o suficiente para cravar os dentes ." Em 2003 , o problema de Rose era seu perfeccionismo . Um engenheiro de som associado ao disco disse: "Axl quer fazero melhor disco já feito. É uma tarefa impossível. Pode continuar ad infinitum, que é o que está fazendo."
- Novembro de 2004 foi outra data de ida e volta. Oficialmente, Geffen removeu Chinese Democracy de seu cronograma de lançamento e se recusou a colocar mais dinheiro, argumentando que já havia gasto milhões a mais do que o planejado e que Rose tinha a obrigação de desembolsar o resto. Respondendo à acusação, Axl disse que os custos seriam compensados pelo número de álbuns que sairiam das sessões.
Em 2005, um relatório sugeria que $ 13 milhões foram gastos até agora para o que Chinese Democracy foi classificado como "o álbum mais caro já feito".
-Em 2006, o inevitável finalmente aconteceu: cinco músicas vazaram na internet. Em 2007, depois que Rose gravou alguns vocais finais, a banda disse que o álbum estava finalizado e em processo de mixagem. Axl postou uma carta aberta aos fãs definindo a nova data de lançamento para 6 de março de 2007. Ele estava errado de novo.
-Quando Chinese Democracy finalmente chegou às lojas de discos em 23 de novembro de 2008, pelo menos 16 produtores diferentes trabalharam no álbum, 15 estúdios e 17 músicos foram usados. Apenas três dos 14 cortes não vazaram ou foram tocados ao vivo. Os custos de produção totalizaram cerca de US$ 14 milhões. O álbum de rock mais caro da história.
-A crítica musical, em geral, foi favorável. As vendas foram modestas em comparação com os lançamentos anteriores do grupo. É lembrado como o maior boondoggle musical do rock . Estreou na 3ª posição da parada da Billboard, mas não atendeu às expectativas que haviam sido criadas para ela. Alguns disseram que teria correspondido a todo o hype que vinha anunciando há anos, se nunca fosse publicado.
Os astronautas russos da Soyuz 7 declararam que relaxaram ouvindo Pink Floyd
Em 24 de novembro de 1988, David Gilmour e Nick Mason chegaram a Moscou vindos de Londres. Seu destino final era o Cazaquistão, na base espacial de Baikonur. Eles não queriam perder um momento único: o lançamento da espaçonave Soyuz TM-7. E não por capricho. A bordo do veículo, junto com a tripulação, estava uma fita cassete com as músicas de seu álbum 'Delicate sound of thunder'. Pela primeira vez, uma banda de rock soaria no espaço. E essa banda de rock era o Pink Floyd . Embora seja verdade que, em uma ocasião tão excepcional , canções como Money, Shine on you crazy diamond ou Another brick in the wall soariam sem Roger Waters.
'O Delicado Som do Trovão' sem Roger Waters
Roger Waters havia deixado o Pink Floyd em 1985. Como principal força criativa da banda, ele achava que eles não continuariam sem ele . Ele disse a seus companheiros de banda: "nós terminamos, não haverá mais Pink Floyd". No entanto, David Gilmour e Nick Mason decidiram mantê -lo, apesar de uma amarga batalha legal sobre o uso do nome. Em 1987 eles publicaram Um lapso momentâneo de razão e embarcaram em uma turnê mundial. Pela primeira vez com a ausência do membro fundador da formação inglesa e a incorporação do tecladista, Richard Wright, que havia saído após a turnê The Wall em 1981.
E não só isso, mas gravaram os cinco shows da turnê no Nassau Coliseum em Nova York e com esse material publicaram Delicate sound of thunder . O direto, no formato LP duplo, cassete duplo e CD duplo, saiu em 22 de novembro de 1988 . Além das músicas do novo álbum, continha muitos dos antigos sucessos da banda : Money, Shine on you crazy diamond, Time, Wish you were here, Another brick in the wall (Part 2)...
Um pedido dos astronautas?
E é aqui que entram em ação os astronautas russos que se preparam para embarcar em uma missão espacial a bordo da espaçonave soviética Soyuz TM-7, a quarta expedição de longa duração à estação MIR (Mir EO-4). Em coletiva de imprensa, Sergei Krikalev e Alexander Volkov confessaram que gostaram de relaxar com a música do Pink Floyd . Conforme publicou então a agência AP, os promotores da banda britânica ouviram essas declarações e não perderam a oportunidade. Eles imediatamente enviaram uma cópia de Delicate sound of thunder para Moscou, onde, depois de pesada e desinfetada, foi 'colocada em quarentena' para inclusão no navio.
Outros meios de comunicação afirmam que foram os cosmonautas que pediram expressamente para ouvir Delicate sound of thunder enquanto viajavam no espaço , e que, coincidentemente, aquele álbum foi o único álbum do Pink Floyd que havia sido lançado oficialmente na União Soviética.
A primeira banda de rock a tocar no espaço
Em 28 de novembro de 1988 , apenas seis dias após o lançamento do show ao vivo do Pink Floyd, a Soyuz TM-7 foi lançada ao espaço. A bordo, além dos tripulantes, estava uma cópia em fita cassete de Delicate sound of thunder . Para reduzir o peso, a caixa foi removida. " Dizer que estamos entusiasmados por ser a primeira banda de rock a tocar no espaço é um eufemismo ", disse David Gilmour.
David Gilmour e Nick Mason testemunharam a decolagem na maior e mais antiga base espacial do mundo: o Cosmódromo de Baikonur (Cazaquistão). Quatro dias antes, os dois membros da banda de rock progressivo haviam desembarcado em Moscou a caminho da região soviética da Ásia Central. Segundo a Tass (agência oficial de notícias soviética), a presença dos músicos havia sido inicialmente recusada pela Glavkosmos (operadora comercial da agência espacial russa). Eles foram informados de que tiveram publicidade suficiente ao concordar em enviar seu álbum ao espaço. Mas a EMI Records garante que os dois músicos foram convidados .
"Eles me ofereceram uma oportunidade que só aparece uma vez na vida"
Antes de partir para Moscou, ainda no aeroporto de Heathrow, em Londres, Gilmour revelou: "Me ofereceram uma oportunidade única na vida de estar lá para uma decolagem espacial e acho que seria louco recusar ". Ele acrescentou: ″Espero registrar o momento e poder usá-lo em um futuro disco do Pink Floyd . os dois Pink Floyds O presidente francês François Mitterrand também esteve presente no Cosmódromo da União Soviética (o astronauta francês Jean-Loup Chrétien participou da missão), entre outros VIPs.
Os cosmonautas deixaram o cassete na estação espacial. E lá continuou até 2001, até que a estação reentrou na atmosfera terrestre em março e iniciou o processo de desintegração. Supostamente, entre os fragmentos que caíram no Oceano Pacífico Sul, perto de Fiji, estariam também os pedaços de 'The Delicate Sound of Thunder', do Pink Floyd.
Em 1982, TEARS FOR FEARS apareceu no programa de música holandês 'TopPop' tocando ChANGE, (3 de dezembro de 1982)
A MUDANÇA, com a sua parte hipnótica de marimba, foi uma das canções mais dirigindo em 'The Hurting'.
Com o seu arranjo esparso, a música assume músculos extra ao vivo. A NME uma vez descartou a banda como "Joy Division for kids" e esta melodia certamente cola dois dedos nessa escavação. A mudança tem um daqueles ganchos infecciosos que a maioria das bandas mataria por isso.
O refrão cativante também o ajudou a tornar-se um grande sucesso internacional, atingindo o Top 40 em vários países e atingindo o pico de #4 no Reino Unido.
Numa entrevista de 2013, Roland disse: "Aqui está outra peça de trivialidade para ti. Escrevi "Change" para a minha mulher cantar. Fizemos uma demo. E Curt ouviu-a e disse: "É uma boa música". Eu disse, "A sério?
Nesta data, em 1981 viu o lançamento da compilação SIOUXSIE & THE BANSHEES ONCE UPON A TIME: THE SINGLES (4 de dezembro de 1981).
Once Upon A Time foi uma compilação dos primeiros singles da banda no Reino Unido, vários dos quais não tinham sido lançados nos quatro álbuns anteriores.
Desde os sinos ameaçadores de "The Staircase (Mystery)", o turbilhão giratório de "Playground Twist" e a assombrosa "Christine" ao toque mefistofeliano de "Noites Árabes", a coleção foi a introdução perfeita para muitos fãs no final de jo entrando no vagão de Banshees e uma porta de entrada sedutora para investigar mais a fundo o catálogo.
O álbum passou 26 semanas na parada de álbuns do Reino Unido e um vídeo VHS tie-in da Polygram foi lançado no Reino Unido no mesmo ano. O vídeo comp contou com os vídeos dos oito singles, mas substituiu "Mirage" e "Love in a Void" por "Red Light" do álbum "Kaleidoscope".
Do álbum, CASA FELIZ. Emoldurei e estendi a filmagem TOTP para toda a duração do single.
A CASA FELIZ hipnótica e assombrada com a sua...
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... riff insistente e guitarra líquida eram perfeitos, irresistível pop torcido que viu Siouxsie a abrir a cortina sobre a ilusória e fabricada pelo consumidor da casa feliz.
"Viemos gritar na casa feliz/ Estamos num sonho na casa feliz/Estamos todos bastante sãos".
Banshees Mark II com as lendas Budgie e John McGeoch a bordo marcaram o seu segundo sucesso no Top 20 com 'Happy House', atingindo o número #17 na parada do Reino Unido.
Fui apanhado de surpresa para dar o tema e cinco discos para essa edição do Ouve Isso Aí. Nesse dia tinha acabado de receber os dois volumes do ótimo livro Rock Raro escritos por Wagner Xavier e seu parceiro João Carlos Roberto. Para situar o leitor da Consultoria do Rock, eles escreveram duas edições de um livro em que apresentam mais de 700 discos do rock da segunda metade dos anos 60 até os anos 70. Alguma coisa aqui, outra acolá dos anos 80 também. Somente discos considerados raros pelos critérios da dupla entraram no livro - portanto não esperem ler sobre medalhões aqui - e classificaram com 3, 4 e 5 estrelas, além de elegerem alguns outros poucos como diamantes que nas palavras, e opiniões, deles seriam os “clássicos do rock raro”. Pincei aleatoriamente 5 desses álbuns, do primeiro volume, considerados diamante e propus essa edição.
Fairport Convention - Fairport Convention [1968]
Fernando: A grande maioria das pessoas que citam o Fairport Convention costumam lembrar dos discos Unhalfbricking (1969), Liege & Lief (1969) e o Full House (1970). Por isso nunca tive a curiosidade de ouvir esse primeiro lançamento dos britânicos e vi que perdi tempo. Aqui a psicodelia estava mais presente do que os álbuns seguintes, nos quais o folk aparece mais. A grande diferença é que aqui ainda não era Sandy Denny nos vocais, o posto era comandado por Judy Dybie, que tem uma bela voz, mas longe do que Denny conseguia fazer.
André: Conheci este disco graças ao Ronaldo Rodrigues no Recomenda de duetos vocais masculino e feminino. Pior que desde aquela vez, acabei não ouvindo mais este disco e ao invés de comentar os detalhes dele novamente, vejo o quanto a diferença de alguns anos dá em termos de apreciação. Se naquela época achei o disco muito bom, um belo nota 9, hoje digo que é um nota 10 muito fácil. Faixas de um rock empolgante misturadas com a sutileza de lindas baladas folk que me impressionam mais hoje do que há alguns anos atrás quando a matéria original saiu. Que incrível jogo de vozes. Que instrumental impecável. Um discaço.
Daniel: Este é um álbum que já tentei ouvir várias vezes. Esta foi mais uma tentativa, infelizmente com o mesmo resultado, mas, ao menos, serviu para saber que não devo mais insistir. Aos meus brutalizados ouvidos, as canções não conseguem me cativar, fica sempre faltando alguma coisa, seja ‘punch’, seja arrojo, seja lá o que for.
Davi: Esse eu já tinha escutado por conta de uma matéria nesse próprio site, mas foi bacana reescutá-lo. Álbum de estreia de responsa desse ótimo grupo de folk rock com trabalho vocal caprichado e um trabalho de guitarra extremamente criativo. O repertório é bem variado - não sei se intencional ou se ainda estavam em busca de seu som – mas as composições são muito boas, onde vale destacar a faixa de abertura “Time Will Show The Wiser”, “It´s AlRight ´Ma, It´s Only Witchcraft” (faixa bem bacaninha, mas que faltou a esperteza de subir um pouquinho o som da guitarra na mixagem), além da boa releitura de “Jack O´ Diamonds”, extraída do (ótimo) repertório de Bob Dylan.
Mairon: Esse álbum apareceu em um Consultoria Recomenda de Rock com Duetos Vocais. A Fairport Convention é muito conhecida por conta de Sandy Denny, a vocalista que fez a bela “The Battle of Evermore” do Led Zeppelin, ao lado de Robert Plant. Porém, antes de Denny entrar na banda, havia Judy Dyble, que faz a Fairport Convention soar como se fosse o Jefferson Airplane inglês. O ar flower power de gigantes como Jefferson Airplane está presente com destaque em faixas como "t's Alright Ma, It's Only Witchcraft", "Time Will Show the Wiser", "Sun Shade" e na pegada country de “If (Stomp)” (se me dissessem que era o Moby Grape que a gravou, eu caia como um patinho). Curto os duetos vocais de Dyble e Ian McDonald em “Chelsea Morning” e “Decameron”, o dedilhado e o solo psicodélico de “I Don’t Know Where I Stand. E falando em psicodelia, o instrumental de “Portfolio” e “The Lobster” é a referências para lembrarmos que é uma banda britânica que está nas caixas de som. Um discaço de uma banda que é muito mais do que uma excelente participação em um disco de um gigante.
Ronaldo: Um grupo inglês soando como norte-americano. Psicodelia tipicamente californiana, com vocais divididos entre vozes masculinas e feminina (da elegante e recém-falecida Judy Dyble). Essa emulação sonora durou apenas um disco, no qual o Fairport Convention trocou a neblina britânica pelo litoral semi-árido da Califórnia. O mais bacana dessa história toda é que o grupo soa bastante autêntico, e em nenhum quesito fica devendo aos psicodélicos californianos. Guitarras tão bem colocadas quanto os melhores exemplares americanos (Quicksilver Messenger Service, Jefferson Airplane, Byrds) e harmonias vocais de primeira linha, embalando ótimas composições. Baladas como “I Don’t Know Where I Stand” e “Decameron” valem o disco. Depois desse trabalho, Judy Dyble se manda e Sandy Denny assume as rédeas, transformando o Fairport Convention em um ícone do folk-rock britânico.
Hairy Chapter - Eyes [1970]
Fernando: Um pouco confusa a discografia dessa banda alemã, apesar de poucos discos. Eyes mesmo foi lançado, regravado e relançado de novo e depois que o segundo saiu os dois foram lançados juntos de novo. Mas vamos nos ater somente ao primeiro álbum, que é o citado Eyes. Todo o peso e distorção de “Bad Dreams” desaparece na faixa seguinte, “Pretty Talking Girl” para retornar com a blueseira “Pauline”. Destaque total para a guitarra de Harry Titlbach, que, inclusive, parece estar gravada mais alta que os outros instrumentos. Voltarei certamente pra esse disco.
André: Não conhecia esta banda e gostei muito do que ouvi. Um hard/blues pesado na guitarra e na cozinha de baixo e bateria, com a gaita de boca (nem sempre tocada com maestria) e tudo mais que o velho blues dá direito, e toda aquela energia se apresenta em ótimas composições. Minha favorita aqui é "Illusions" com uma guitarra e um baixo estupendos e um contraste muito interessante entre o vocal calmo de Harry Unte e o instrumental mais rápido e pesado. Tirando algumas passagens desafinadas de gaita, todo o restante aqui é de ótima qualidade.
Daniel: Não conhecia este disco, mas curti bastante. Aquela sonoridade Hard, com um pezinho no Blues, e que eu curto muito. Destaco a potente abertura do álbum, “There’s a Kind of Nothing” e a ótima “You’ve Got to Follow this Masquerade”. Certeza que o ouvirei muitas outras vezes. Em tempo: em diversas passagens a voz do vocalista me lembrou a do grande Phil Mogg, do UFO... será que viajei?
Davi: Essa indicação do Rock Raro, na verdade, é em cima da edição em CD onde a gravadora reuniu 2 álbuns do conjunto no mesmo pacote. Parei para ouvir os dois discos. Comecei pelo Eyes, o mais antigo, e a impressão que tive foi de um conjunto com um som calcado no blues rock, com um peso até que interessante, mas que carecia de um produtor. Havia bons momentos como “Pauline”, que tem um riff de guitarra bem Hendrix ou “Life 69” que é simplória, porém redondinha. Já em outras como “Illusions” e “Looking For a Decent Freedom”, a banda parecia embolada e sem direção. Em Can´t Get Through, a banda continuava tirando um som pesado, já mais focado, mais bem elaborado. Agora, eu percebi o plágio de Led Zeppelin no final da faixa-título. Coisa feia, hein senhores... Disco mediano.
Mairon: Essa banda chegou até a mim justamente com uma compilação que une os dois únicos discos do grupo, de 1970 e 1971. Hardzão raiz, sem frescuras, com bons licks de guitarra, boas vocalizações, boa cozinha, tudo do bom e do melhor, esse primeiro disco é bem diferente do segundo, que já mergulha um pouco no krautrock, e por que não, no progressivo. Faixas como "Bad Dreams", "Big Fat Woman Blues", "Illusion" e "Life 69" trazem aquele velho mas sempre bem vindo cheiro de blues que as bandas dos anos 70 carregavam com forte exalação, algumas inclusive com gaitinha e tudo mais. Outras vem carregadas de lisergia, sejam no wah-wah de "Cry For Relief", no peso e solos sobrepostos de "Looking For A Decent Freedom" ou nas ácidas notas de "Pauline". E até as vinhetinhas "Pretty Talking Girl" e "Thought After" casam bem no conjunto total da obra. Hardeira, quem curte o estilo vai curtir muito esse disco.
Ronaldo: Aqui é testerona e distorção! Contando com aquele groovezinho malandro do começo dos anos 70, riffs de orientação blueseira são jogados de um lado para o outro e cantados com uma voz rouca-rasgada que acompanha muito bem as guitarras. Ainda que alguns lampejos psicodélicos (e folk) também se façam presentes, o disco é um belo espécime do hard rock dos anos 70, com aquela atmosfera selvagem e descompromissada. O disco seguinte do grupo traz a mesma fórmula, com uma maturidade instrumental um pouco maior e um som ainda mais potente. Mas o conteúdo todo da música do Hairy Chapter já estava presente desde esse disco de estréia.
Boulder Damn - Mourning [1971]
Fernando: Os americanos do Bolder Dawn atacavam em seu único álbum lançado com um hard rock bastante festeiro e divertido. Algumas passagens lembram bastante o Grand Funk Railroad, outras o Mountain. Destaque para a faixa que fecha o disco, Dead Meat”, com seus 16 minutos e funcionando como uma amálgama do que acontece em todo o resto do álbum. Uma pena a banda não ter tido sequência. O mais incrível é saber que o álbum foi gravado em apenas quatro (QUATRO!!!) horas.
André: Um bom disco da época dos primórdios do heavy metal, mas com alguns pequenos defeitos. O vocalista John Anderson não tem lá vocais marcantes, apesar de segurar a onda e o som da caixa de bateria me incomoda um pouco nas duas primeiras músicas (me lembrou levemente a bateria do disco mal fadado do Metallica, mas a do St. Anger é muito pior obviamente). Todavia, o estilo das composições me agrada. As guitarras de "Got that Feeling" me agradam muito, assim como o grooveado de baixo de "Portfolio" também é de alto nível. Não sei o que houve com a banda que só possui este disco, mas se tivessem um vocalista melhor e dessem uma arrumada nessa caixa de bateria (curiosamente, em algumas canções ela está OK) de algumas faixas, é bem possível que a banda alçasse vôos maiores.
Daniel: Um daqueles casos de bandas com duração efêmera e apenas um disco lançado. Mourning é uma fúria inconteste, com aquela sonoridade Hard/Heavy do começo dos anos 70, em faixas calcadas no peso e na agressividade das guitarras. Baita disco, ótima indicação.
Davi: Não conhecia essa banda, mas gostei do álbum. A primeira faixa não me empolgou tanto, mas a partir de “Got That Feeling” o disco toma um rumo bem interessante. Um hard rock bem sacana construído com riffs que não são complexos, mas são bem elaborados, trabalho vocal eficiente e bom trabalho de bateria. O meu momento favorito, contudo, fica com “Find a Way”, canção onde peguei uma boa referência de Grand Funk Railroad. Boa indicação. Esse, provavelmente, irei correr atrás para minha coleção.
Mairon: Quarteto americano que faz um hard típico da época, com a guitarra recheada de wah-wah, uma cozinha foderosa e um vocal poderoso. Uma banda que musicalmente está em um nível muito alto, assim como todas as outras citadas aqui, mas talvez essa seja a mais rara apresentação que o Fernando nos indicou. O vinil de Mourning é praticamente impossível de se encontrar na versão original. Todas as faixas são ótimas, algumas lembrando um Grand Funk na fase inicial ("B.R.T.C.D.", "Breakthrough" e "Rock On"), outras com as vocalizações beatle ("Find A Way" e "Monday Mourning"), e outra com aquele clima blues que conhecemos bastante das bandas da época ("Got That Feeling"). Claro, como toda banda do estilo, é necessário um épico longo para explorações de solos, e isso é entregue em "Dead Meat", mais de dezesseis minutos que talvez mostrem o por que da banda não ter vingado, já que eu acho um tanto prepotente e sem rumo. Mas o resto do disco é muito bom. Vale conferir!
Ronaldo: Uma pena que este grupo da Flórida não conseguiu um contrato para gravar seu álbum. Mourning chegou ao mundo por uma pequena prensagem particular e contando com uma estrutura modesta de gravação. O disco mostra uma banda com ótimas ideias e muito gás, trazendo riffs pesados e músicas cativantes tal como o Grand Funk Railroad, privilegiando bastante destaque para o baixo e boas linhas vocais. O maior destaque do disco vai para a sinistra e longa faixa “Dead Meat”, que apesar dos excessos, poderia tranquilamente estar no repertório do Black Sabbath.
Analogy - Analogy [1972]
Fernando: O disco já começa surpreendente pela capa, que apesar de ser um disco de 72, tem um clima totalmente anos 60. E já nas primeiras participações da vocalista Jutta Taylor sabemos que vem coisa boa pela frente, apesar de algumas resenhas que eu li dizerem que ela talvez estivesse um pouco deslocada ali. Com uma formação ítalo-germânica a banda empresta elementos do krautrock (um pouquinho), do prog italiano (em mais quantidade) e da psicodelia americana (muito). Em “Weeping My Endure” a voz bastante aguda de Jutta se contrapõe ao peso dos instrumentos baixo. No geral só “Tin’s Song” que não caiu muito bem aos meus ouvidos, mas por ser curtinha não incomodou. O lado B inicia com a faixa título em um clima totalmente progressivo. Já “The Year’s At the Spring” me lembrou passagens de músicas do Doors.
André: Fui ver a localização e dizia que era da Itália. Mas daí percebi uns sobrenomes estranhos para o italiano e daí soube que os integrantes eram alemães que se mudaram para lá. Pois olha, esse disco é um caso curioso. Percebe-se claramente que o ácido e outras "dorgas" rolava solto porque impossível alguém sóbrio gravar estes instrumentais e letras. Não que isso fosse incomum naqueles tempos, mas acho que o negócio aqui era mais hardcore. A capa hiponga também passa esta impressão. Agora não tem como não comentar o esquisitíssimos vocais de Jutta Nienhaus. Apesar de não estar nem na faixa dos 20 anos na época, seus vocais limpos quando tentam dar um ar "jazzístico" parecem mais os de alguma velha que consumiu diariamente duas carteiras de cigarro por uns 30 anos. Curiosamente ela também faz o uso de vocais líricos que até que são razoáveis, embora cansem após um tempo. Em relação ao instrumental, gosto do fato da banda usar muito hammond, dando aquela tradicional aura setentista que tanto gosto. Um álbum para mim razoável, outros podem se incomodar com as coisas que falei mas não me marcará em me empolgar para futuras audições.
Daniel: Este eu não conhecia. Um álbum bem interessante, com uma veia artística aguçada e um ótimo trabalho vocal. A sonoridade oscila entre o progressivo e o psicodélico, com o trabalho dos teclados me chamando a atenção pelo protagonismo, especialmente na ótima “Weeping My Endure”. Outra canção que merece destaque é “Analogy”. Enfim, ótima indicação.
Davi: Analogy é uma banda de rock progressivo, porém aqui, nesse álbum, os arranjos ainda contavam com uma grande influência da cena psicodélica do final dos anos 60. Embora eu goste tanto de rock progressivo quanto de psicodelia, o disco não me encantou. O vocal de Jutta Nienhaus costuma ser bastante elogiado pelos admiradores do grupo, mas não é um estilo que eu curta, acho a voz dela bem cansativa. Também achei o trabalho de guitarra de Martin Thurn bem mediano e as composições fracas. Para não dizer que não gostei de nada, achei o baterista H.J. Nienhaus bem competente e a capa do álbum muito bonita. Em termos de composição, a melhorzinha foi “Pan-Am Flight 249”, mas ainda assim longe de ser uma grande canção.
Mairon: A Analogy quando chegou até a mim foi por uma indicação de um amigo que curte muito Curved Air. Essa banda alemã tem nos vocais hipnotizantes de Jutta Nienhaus um ponto muito forte, mas é o instrumental com guitarras, órgão e uma bela cozinha que nos faz pensar como os anos 70 paria música boa em tudo que é canto do mundo. "Indian Meditation", "The Year's At The Spring" e "Weeping May Endure" são pequenas delícias do hard setenta em 5 minutos. Mas a banda investia forte no progressivo viajandão, bem próximo ao que o Curved Air fazia, mas claro, com grandes temperos chucrutes. A faixa título, com seus nove minutos, é o auge de um disco impecável. Outros bons momentos progressivos vão para "Dark Reflections" e "Pan-Am Flight 249", a última com uma introdução flower power rasgante no solo da guitarra, lembrando a Big Brother dos tempos de Janis Joplin. Curto muito The Suite, lançado bem depois, com outra vibe, muito mais viajante, mas essa estreia aqui é para desbundar muito gigante.
Ronaldo: Ainda que o disco seja bem intencionado, a pouca perícia dos músicos e uma qualidade de gravação pouco esmerada joga o resultado para baixo. Os vocais de Jutta Taylor-Nienhauss tem alguns maneirismos irritantes, mesmo quando sua voz busca soar “sexy”. As mesmas composições em um disco do Frumpy, por exemplo, tornariam o disco bem mais apreciável, já que os mesmos elementos estão presentes – boa divisão entre guitarra e órgão, um certo ar psicodélico que se cruza com tons sinfônicos e os vocais agudos. A faixa título tem uma seção instrumental bastante viajante. É um trabalho que tem status de “cult” e agrada os iniciados, mas se analisado com mais critério mostra claras deficiências.
Armageddon - Armageddon [1975]
Fernando: Timaço que se juntou para gravar esse único álbum autointitulado (gente de Renaissance, Yardbirds, Captain Beyong, Steamhammer e Iron Butterfly. Quem conhecia o Keith Relf só do Renaissance pode estranhar a pancada que os caras fizeram. A faixa que abre o disco, “Buzzard”, por exemplo, é quase metal. Alias, o que o Armageddon gravou aqui talvez não seria adequado, ou não se assemelharia a nada que qualquer uma dessas bandas citadas acima faria. O peso quase que some em “Silver Tightrope” para voltar com tudo de novo em “Paths and Planes And Future Gains”. Destaque para o baixo em “Last Stand Before”. No ano seguinte a trágica morte de Keith Relf abreviou a carreira da banda e nos primou de uma grande banda.
André: Conheço este disco há muitos anos. Daqueles supergrupos formado por membros de grandes bandas que lançaram este belo disco, um daqueles hards setentistas excelentes com algumas pitadas de prog e psicodelia. "Buzzard" inicia de forma frenética e tirando "Last Stand Before" (a mais fraquinha), as outras faixas são todas de um belíssimo bom gosto. É um disco que meio que resume tudo de bom que havia no hard setentista condensado em um trabalho só. Então, fica fácil amar uma pérola dessas.
Daniel: Este álbum é excelente e uma espécie de ‘clássico cult’. Uma fusão bem estruturada entre Hard & Heavy, mas com inegável viés Progressivo. A contagiante “Paths and Planes and Future Gains” é uma verdadeira ‘porrada’ e é uma amostra do trabalho incrível do guitarrista Martin Pugh. Outra faixa que precisa ser destacada é “Last Stand Before”, mas todas são inegavelmente muito acima da média.
Davi: Bah, esse eu já conheço. Tenho o LP em casa, bandaça com Keith Relf (Yardbirds) e Bobby Caldwell (Captain Beyond). Para quem nunca ouviu os caras, a sonoridade da banda é basicamente um hard rock com pitadas de prog. Já na empolgante faixa de abertura, “Buzzard”, é possível perceber com clareza essa mistura. A soturna “Silver Tighrope” quebra um pouco o clima trazendo um pouco de leveza numa canção super bonita e super bem construída, uma de minhas favoritas. Em “Paths and Planes and Future Gains” a guitarra volta a falar alto e segue assim até o término do disco com a longa suíte “Basking In The White of Midnight Sun” que, inclusive, traz um solo inspiradíssimo do guitarrista Martin Pugh. Ótima lembrança!
Mairon: Sou um grande fã dos Yardbirds, e um grande fã da Captain Beyond. Quando o vocalista do primeiro se uniu ao batera da segunda, e ainda mais dois virtuoses na guitarra e baixo, o resultado só poderia ser uma paulada absurda como essa. Armageddon é o último projeto do vocalista Keith Relf, ao lado de Bobby Caldwell, Martin Pugh e Louis Cennamo. Armageddon, o disco, é um dos meus preferidos de todos os tempos, seja pela violência de "Buzzard", pela rifferama de "Paths and Planes and Future Gains", pela elegância de "Silver Tightrope", pelo clima safado de "Last Stand Before” ou pelos delírios progressivos de "Basking in the White of the Midnight Sun". As fusões de guitarra pesada, bateria incandescente, baixo galopante e a harmônica é exclusiva, e perfeita para se chapar sem drogas. Um disco fantástico! Creio que Armageddon foi o encerramento de uma tríade de bandas que tinha, tudo para ser a Santíssima Trindade do Hard Setentista, ao nível de Black Sabbath, Led Zeppelin e Deep Purple, mas que ficaram relegadas a bandas de poucos discos (as outras são Warhorse e a já citada Captain Beyond).
Ronaldo: Uma super banda que poderia ter sido, mas não foi! Talvez o timing para o lançamento desse repertório não foi o ideal (soaria mais apropriado em 1972-1973 do que em 1975) e as circunstâncias não favoreceram o estouro do grupo, mas o fato é que o disco é icônico a começar por sua capa e pelos segundos iniciais da introdução de sua faixa de abertura “Buzzard”, que reciclou um riff do Steamhammer (antiga banda do guitarrista Martin Pough). A levada de bateria de Bobby Caldwell é simplesmente soberba e essa faixa como um todo é um épico. Ainda que nenhuma das outras faixas tenham tamanha envergadura, o disco todo é bem legal e os músicos envolvidos eram capazes de produzir muita música de qualidade juntos, como se fosse uma retomada do som chocante que o Captain Beyond produzira alguns anos antes - um hard rock pra lá de sofisticado e explosivo.
As duas da manhã do dia 30 de agosto de 1970, um domingo como hoje, há 52 anos, uma das maiores bandas britânicas da história da música realizou aquele que é considerado o maior show de sua carreira. Trata-se do The Who, e sua inesquecível apresentação no Festival da Ilha de Wight. Para os perdidos, o Isle of Wight Festival de 1970 foi realizado entre os dias 26 e 31 de agosto de 1970, sendo considerado por muitos como o Woodstock britânico. O festival apresentou nomes como Jimi Hendrix, The Doors (já em despedida), Jethro Tull, Taste, Chicago, Procol Harum, Miles Davis, os novatos Supertramp e Emerson Lake & Palmer, muitos outros e claro, o The Who. Esta incrível apresentação de Roger Daltrey (vocais, harmônica), John Entwistle (baixo, vocais), Pete Townshend (guitarra, vocais) e Keith Moon (bateria, vocais) chegou ao mercado pela primeira vez no mesmo pacote, com o show na íntegra em CD, e as filmagens quase completas da apresentação em um DVD que acompanha o fantástico Live at the Isle of Wight Festival 1970, lançado pelo selo Salvo em 2013.
O selo tem sido notável em lançamentos desse tipo, tais como as apresentações de Van der Graaf Generator, Zombies e Caravan no Metropolis Studios de Londres, ou o Jethro Tull no mesmo Festival da Ilha de Wight de 1970, com as apresentações em vídeo e áudio sendo um deleite para os fãs e colecionadores de música em geral, e fez um serviço inquestionável para quem curte rock ao lançar esse pacote. A versão aqui apresentada foi lançada em um formato Digipack, com 4 painéis que armazenam os dois CDs, o DVD e um belo encarte de 12 páginas, com texto de Patrick Humphries lembrando sobre o show do The Who e muitas fotos daquela noite.
Mas é musicalmente que os caras do The Who estraçalham. Seguindo o lançamento do aclamado Tommy, essa apresentação no Isle of Wight é poderosa do início ao fim, e marca o encerramento das grandiosas apresentações que os britânicos fizeram entre 1967, quando surgiram ao mundo no Monterey Pop Festival, e passa pela inesquecível apresentação no Woodstock de 1969. É um show incendiário, cuja abertura com "Heaven and Hell" já traz toda a energia que a banda exalava, seguida de uma impecável "I Can't Explain", clássico absoluto da banda, uma ótima revisitada para "Young Man Blues" e as audaciosas apresentações para as então inéditas "I don't Know Myself" e "Water", as duas últimas partes da ópera-rock abortada pós-Tommy, Lifehouse. O CD não segue a ordem original do show, mas traz também "Naked Eye", outra de Lifehouse, e que foi apresentada antes do grupo chegar na apresentação quase que na íntegra de Tommy.
A ópera-rock mais famosa do mundo já estava sendo apresentada ao vivo há mais de um ano, então, o grupo estava afiadinho, mesmo diante de 600 mil pessoas que aguardavam ansiosos para ver uma noite que ficou para a história. Ouvi-la quase que na totalidade, ainda com as inspirações de Townshend aflorando pelos poros, e um endiabrado Moon fazendo misérias em seu kit, além de Daltrey mostrando por que é uma das vozes mais potentes do rock, e toda a elegância de John Entwistle, empunhando seu baixo como se fosse uma guitarra, é um deleite.
"Overture", "Sparks", "Eyesight to the Blind (The Hawker)" são os grandes momentos na primeira parte de Tommy, a qual está presente no CD 1. O CD 2 começa com "Acid Queen", e perpassa por mais onze partes de Tommy, com as clássicas "Pinbal Wizard", "Smash The Mirror", "I'm Free" e destaque especial para o mágico encerramento com "We're Not Gonna Take It". Uma performance magistral, que por si só já vale a aquisição do CD, mas ainda há mais. O grupo resgata aqui "Summertime Blues", o Medley de clássicos do blues ("Shakin' All Over, Spoonful e Twist & Shout", e fecha com uma sequência de tirar o fôlego para qualquer fã do The Who, com "Substitute", "My Generation", essa com muitos improvisos, e "Magic Bus", além da já citada "Naked Eye". Ou seja, é uma coletânea perfeita, mas caught in the act, das melhores canções que os britânicos gravaram.
O DVD é uma atração a parte. A filmagem eterniza as roupas que praticamente fizeram a imagem do The Who, com a fantasia de esqueleto de John Entwistle, o macacão branco de Pete Townshend, as longas franjas e o cabelo comprido e encaracolado de Roger Daltrey, com seu peito aberto, encarnando Tommy, e as viradas inconfundíveis e únicas de um Keith Moon vestindo apenas uma camisa branca e jeans, mas sempre com um sorriso afável e debochado no rosto. O DVD está na ordem correta do show, e ainda traz como bônus as versões de "Substitute" e "Naked "Eye".
Para quem conhece e gosta de Live at Leeds, aquele repertório talvez seja melhor. Porém, ver o The Who ao vivo é o principal diferencial nesse lançamento de Isle of Wight. Difícil imaginar que 50 anos depois, um show ainda estaria sendo tão visto, aplaudido, curtido e celebrado quanto esse de um dos quartetos mais impressionantes e potentes que os palcos do mundo já ouviram e viram.
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