segunda-feira, 5 de dezembro de 2022

Icarus Phoenix – No Trees Can Grow To Heaven Unless Its Roots Reach Down To Hell (2021)


 

“No Trees Can Grow To Heaven Unless Its Roots Reach Down To Hell” é uma citação de Carl Jung, mas é também o título da pequena maravilha sonora que Icarus Phoenix nos deu este ano. Honra seja feita ao ilustre suíço, mas é para o norte-americano Drew Danburry que a maior das vénias terá hoje de ser feita!

Icarus Phoenix é um quase ilustre desconhecido. No entanto, o disco que aqui vos apresentamos mereceria toda a sorte do mundo, coisa que, eventualmente, nunca terá. Triste sina, a de muitos grandes músicos que não conseguem elevar-se mais do que à altura de um pequeno pulo, tantas vezes dado a custo. No Trees Can Grow To Heaven Unless Its Roots Reach Down To Hell exemplifica muito bem aquilo que dizemos, mas talvez isso pouco ou nada importe para Drew Danburry que, perdido entre discos, concertos, filmes, documentários que realiza e a sua barber shop na cidade de Provo, no estado de Utah, talvez se esteja nas tintas para o sucesso. Assim sendo, menos mal. Que siga fazendo coisas tão boas como estas, é o que importa.

É impossível não ouvir No Trees Can Grow To Heaven Unless Its Roots Reach Down To Hell sem pensar em Silver Jews, Purple Mountains, Stephen Malkmus, Adam Green, Clem Snide e ainda em tanta outra gente boa, mas todos eles açucarados, em versão radio friendly, sem que, no entanto, percam estilo e qualidade artística. Isso, aliás, é o que não falta neste disco. Antes sobra, se quisermos ser justos. São treze canções que não sairão facilmente das cabeças por onde venham a entrar. Isso parece-nos garantido. O próprio Drew Danburry lançou a ideia, ao apresentar este seu segundo longa duração, dizendo “The last album changed my life. This one might change yours.” Com a fasquia assim tão elevada, talvez seja interessante dar ouvidos a No Trees Can Grow To Heaven Unless Its Roots Reach Down To Hell. Foi o que fizemos, felizmente, embora com algum atraso, uma vez que o álbum saiu com os calores do nosso verão. Pouco importa. Aquece-nos agora. Ponhamos os óculos escuros, e carreguemos no play.

Só os norte-americanos sabem fazer discos assim. Basta ouvir o tema inicial (“Adam Seawright”) para se perceber que esse tão particular sotaque melódico e rítmico tem marca há muito registada no imaginário daquela parte do globo. Há por ali uma espécie de elegante nostalgia que lhes deve vir das imensas pradarias, dos cowboys estilosos à maneira de Lee Hazlewood, dos hambúrgueres, da Coca-Cola, do tabaco que mascam e cospem ou do que quer que seja, mas que lhes assenta que nem uma luva. Na verdade, nem só de nostalgia vive este álbum. Aqui há rock n’ roll com cheiro a kentucky fried chicken pronto a morder. “Jam Sessions”, “Sleep, for Ian Aeillo”, “Eddie King” (tão deliciosamente upbeat), “The Sea Legs of the Mandarin Dynasty” são provas bem acabadas do que dizemos. Mas os mais baladeiros encontram também em No Trees Can Grow To Heaven Unless Its Roots Reach Down To Hell canções de fazer tremer o coração, sendo que o único remédio, ao ouvi-las, será abrir mais uma lata de Budweiser ou de Coors Banquet para que o som e as palavras cantadas entrem de maneira ainda mais escorreita. Os exemplos são vários: “Swim (For Jake and Morgan)”, “All The Same” (linda, linda de morrer), “Anthem” (quase cópia de Adam Green dos tempos de Friends of Mine) ou “Dogma of No Dogma, Non Dogmatically”.

Um pouco fora desse âmbito encontra-se “Rivers”, uma das mais belas canções do álbum. Os versos iniciais são “So you want to write songs in a world full of sound / So you want to make art when entertainment abounds”, o que seguramente remete para as grandes e eternas dúvidas de quem quer fazer arte através de canções com pouco mais de três minutos de duração. Se entendermos esses versos como perguntas elaboradas pela consciência do próprio artista, então a nossa resposta sairá pronta e na forma deste texto. E assim, to cut a long story short, diremos que Icarus Phoenix é merecedor dos melhores aplausos que daremos neste ano que agora finda. A big round of applause para Drew Danburry, por favor!


Perfil e História da Columbia Records


 

Os primórdios da Columbia Records

Columbia Records deriva seu nome de origem do Distrito de Columbia. Originalmente, era a Columbia Phonograph Company e distribuía fonógrafos Edison e cilindros gravados em toda a área de Washington, DC. Em 1894, a empresa encerrou seus laços com Edison e começou a vender suas próprias gravações fabricadas. A Columbia começou a vender discos em 1901. Os dois principais concorrentes da Columbia nas vendas de discos logo após a virada do século foram Edison com seus cilindros e a Victor Company com discos. Em 1912, a Columbia vendia exclusivamente discos.

A Columbia Records tornou-se líder em jazz e blues depois de comprar a gravadora Okeh em 1926. A compra adicionou Louis Armstrong e Clarence Williams a uma lista de artistas que já incluía Bessie Smith. Devido a problemas financeiros na Grande Depressão, a Columbia Records quase foi extinta. No entanto, uma assinatura fortuita do grupo country gospel The Chuck Wagon Gang em 1936 ajudou a gravadora a sobreviver e, em 1938, a Columbia Records foi comprada pelo Columbia Broadcasting System ou CBS, iniciando uma longa colaboração entre as empresas de transmissão e gravação.

Desenvolvimento do LP e 45

A Columbia Records se tornou líder na música pop na década de 1940 com a popularidade de Frank Sinatra . Na década de 1940, a Columbia Records também começou a experimentar discos mais longos e de maior fidelidade para substituir os discos de 78 rpm. O primeiro LP pop lançado oficialmente foi uma reedição de The Voice Of Frank Sinatra , de Frank Sinatra , em 1946. O único disco de 10 polegadas substituiu quatro discos de 78 rpm. Em 1948, a Columbia Records introduziu o LP padrão de 33 1/3 rpm que se tornaria um padrão da indústria musical por quase 50 anos.

Em 1951, a Columbia Records começou a emitir discos de 45 rpm. O formato havia sido introduzido pela RCA dois anos antes. Tornou-se a maneira padrão de emitir gravações de canções de sucesso individuais. nas próximas décadas.

Mitch Miller e uma gravadora não-rock

O cantor e compositor Mitch Miller foi afastado da Mercury Records em 1950. Ele se tornou o chefe de Artistas e Repertório (A&R) e logo se tornou responsável por contratar artistas importantes para a gravadora. Lendas como Tony Bennett , Doris Day, Rosemary Clooney e Johnny Mathis logo se tornaram estrelas da Columbia Records. A gravadora ganhou a reputação de ser a gravadora não-rock de maior sucesso comercial. A Columbia Records não teve um impacto significativo na música rock até o final dos anos 1960. No entanto, a Columbia Records fez uma oferta para comprar o contrato de Elvis Presley da Sun Records. No entanto, eles foram rejeitados em favor da RCA.

Estéreo

A Columbia Records começou a gravar música em estéreo em 1956, mas os primeiros LPs estéreo não foram lançados até 1958. A maioria das primeiras gravações estéreo eram de música clássica. No verão de 1958, a Columbia Records começou a lançar álbuns estéreo pop. Os primeiros foram versões estéreo de gravações mono lançadas anteriormente. Em setembro de 1958, a Columbia Records começou a lançar versões mono e estéreo dos mesmos álbuns simultaneamente.

A década de 1960 na Columbia Records

Mitch Miller pessoalmente não gostava de rock e não fazia segredo de seu gosto. A Columbia Records entrou no crescente mercado de música folk. Bob Dylan assinou com a gravadora e lançou seu primeiro álbum em 1962. Simon e Garfunkel foram adicionados à formação de artistas logo depois. Barbra Streisand tornou-se um esteio pop para a empresa quando foi contratada em 1963. Mitch Miller trocou a Columbia Records pela MCA em 1965, e não demorou muito para que o rock se tornasse uma parte fundamental da história da Columbia Records. Clive Davis foi nomeado presidente em 1967. Ele sinalizou um forte empreendimento na música rock quando assinou com Janis Joplin depois de participar do Monterey International Pop Festival.

estúdios de gravação

A Columbia Records possuiu e operou alguns dos estúdios de gravação mais respeitados de todos os tempos. Eles abrigaram seu primeiro estúdio no Woolworth Building, na cidade de Nova York. Foi inaugurado em 1913 e foi o local de gravação de alguns dos primeiros discos de jazz. O Columbia 30th Street Studio em Nova York foi apelidado de "A Igreja" porque originalmente abrigava a Igreja Presbiteriana Memorial Adams-Parkhurst. Foi operado de 1948 a 1981. Entre as gravações lendárias criadas, estavam o marco do jazz de Miles Davis em 1959, Kind of Blue , a gravação do elenco da Broadway de Leonard Bernstein em 1957 de West Side Story e a obra-prima de 1979 do Pink Floyd, The Wall .A localização da sede e dos estúdios da Columbia Records no final dos anos 1970 está imortalizada no título do álbum histórico de Billy Joel, 52nd Street .

A Era Clive Davis

Sob Clive Davis, a Columbia Records se posicionou como uma gravadora na vanguarda da música pop e rock. Electric Light Orchestra, Billy Joel , Bruce Springsteen e Pink Floyd são apenas alguns dos artistas que logo se tornaram estrelas da Columbia Records. Bob Dylan continuou a prosperar e Barbra Streisand liderou artistas pop no início dos anos 1970. Clive Davis saiu da empresa sob uma nuvem legal em meados da década de 1970 e foi substituído por Walter Yetnikoff. Ele levou a Columbia, agora chamada de CBS Records, à marca de US$ 1 bilhão em vendas pela primeira vez.

Artistas da Columbia Records

  • Adele
  • Beyoncé
  • Daft Punk
  • Celine Dion
  • Bob Dylan
  • Calvin Harris
  • Bruce Springsteen
  • Barbra Streisand
  • Pharrell Williams

Mover para Sony

Em 1988, o CBS Records Group, que incluía a Columbia Records, foi comprado pela Sony. O CBS Records Group foi oficialmente renomeado para Columbia Records em 1991. Mariah Carey, Michael Bolton e Will Smith estão entre os artistas que forneceram sucessos para a gravadora durante esse período.

Adele, Glee e Columbia Records hoje

Nos últimos anos, a Columbia Records ressurgiu como uma grande força na música pop mainstream. O atual presidente é Rob Stringer e os co-presidentes são o produtor Rick Rubin e Steve Barnett. Uma grande reorganização da Sony Music Entertainment em 2009 fez da Columbia Records uma das três principais gravadoras do conglomerado. Os outros dois são RCA e Epic. A Columbia Records já vendeu mais de 10 milhões de álbuns e 33 milhões de músicas gravadas pelo elenco do programa de TV Glee . Além disso, a gravadora viu seu investimento em Adele resultar em vendas de mais de seis milhões de cópias de seu álbum 21 em seu primeiro ano de lançamento em 2011-2012 e vendas de mais de três milhões de cópias de seu álbum seguinte, 25 , em apenas uma semana.

Resenha do álbum: Jhene Aiko – Chilombo

Seguindo o álbum conceitual anterior de Jhene Aiko, Trip, e seu curta-metragem e livro de poesia que o acompanha, Chilombo é muito menos extravagante. Em vez de focar na dor e na perda, o álbum deste ano é baseado principalmente em falhas de relacionamento.

Atualmente, Aiko viaja pelo mundo, dividindo o palco com as superestrelas J. Cole, Drake, The Weeknd, Snoop Dogg, Wiz Khalifa, Lana Del Rey e Beyoncé. No entanto, os holofotes nem sempre foram direcionados diretamente para ela, na verdade, sua voz apareceu pela primeira vez como backing vocal do B2K. Este e um punhado de vídeos musicais com o grupo abriram o caminho para seu primeiro álbum solo. Infelizmente, enquanto ainda estava na escola, seu projeto de álbum com a Sony fracassou e nunca foi lançado. Em vez disso, ela continuou seus estudos até 2011, quando assinou um contrato de gravação com a ARTium (uma gravadora distribuída pela Def Jam Recordings). Uma aparição em um single de Big Sean com Lil Wayne se seguiu em 2013, que se tornou seu primeiro single no top 40.

Avançando para 2020, este talentoso artista indicado a vários prêmios Grammy está no álbum número 3, Chilombo. É, como era de se esperar, um projeto sensual que defende tanto a vulnerabilidade quanto a força. Aiko continua a usar uma receita testada e comprovada de vocais suaves com confiança, produções descontraídas e lirismo relacionável. Cada música conta uma história, algo que Aiko faz particularmente bem. Sua narrativa dolorosamente honesta é de desgosto e não tem certeza se o resultado é amargura ou positividade. De certa forma, parece que o rompimento sobre o qual ela está cantando realmente fez algum bem, pois ela parece ter ainda mais autoconfiança e segurança do que nunca.

Quase todas as peças foram produzidas por Lejkeys e Fisticuffs, e há uma série de recursos de alto perfil (nas 20 faixas desnecessariamente longas), de Big Sean, HER, Future, Miguel, Ab-Soul, Dr. Chill, Nas, John Legend e Ty Dolla $ign. Embora o álbum se beneficie de alguma diversidade, essas colaborações às vezes parecem forçadas; e realisticamente eles lutam para igualar as habilidades de Aiko. Uma grande parte do álbum soa muito semelhante, mas há algo tão frio sobre essa versão contemporânea e alternativa do R&B que é difícil ver isso como negativo. Ela cresceu ouvindo Aaliyah e Brandy, e citou John Mayer como uma de suas maiores influências, levando a um som frequentemente calmo e espiritual que poderia ser comparado a SZA ou Summer Walker.

O álbum começa com uma introdução de piano elegante, onde também somos apresentados às habilidades vocais impecáveis ​​de Aiko. Logo depois de mergulharmos em um de seus singles de maior sucesso até hoje, o viciante Triggered (estilo livre) do verão de 2019; um exemplo perfeito de Aiko pregando sua fórmula. Os fãs pensaram que isso pode ter sido uma dissimulação contra seu ex Big Sean, mas esses rumores foram esmagados pelo Twitter de Aiko. Nunca fugindo de temas arriscados, passamos para o confiante P * $ $ Y Fairy (OTW) e None Of Your Concern, ambos são arrogantes e sexualmente explícitos (Big Sean também não esconde segredos aqui). Essa atitude arrogante também é ouvida mais tarde em BS, que no geral é menos mansa do que a maior parte do álbum, a batida que acompanha também tem um pouco mais de vantagem, mas permanece tão bonita quanto o resto.

Também nos afastamos da estrutura usual de R&B algumas vezes, e One Way St. tem mais uma sensação de hip-hop na produção; sem surpresa, é aqui que Ab-Soul aparece para seu verso de convidado decente. Infelizmente, outras aparições, como a adição quase no tempo de Future a Happiness over Everything (HOE) (uma versão atualizada de Hoe, tirada de Sailing Souls) e o verso decepcionante de Nas que aborda seu casamento com Kelis, acrescentam muito pouco e falham. para combinar bem. Outras faixas, como Born Tired com suas simples palhetas de violão, é uma das peças mais viáveis ​​comercialmente, mas por outro lado é uma das menos emocionantes de Chilombo. Novamente em LOVE, seguindo as vibes de rádio do horário nobre da faixa anterior, soa um pouco como a de Beyoncé – Insubstituível ; uma música que também compartilha um sentimento semelhante.

Uma faixa que resume o tom geral de Chilombo é Speak, onde sua voz emocional e sem esforço ocupa o centro do palco “Estou seguindo em frente, estou colocando meu vestido favorito, aquele que você odiava, disse que fico nua, f *confira sua opinião sobre isso, estou me sentindo bem, não vou esconder”. Outros que se destacam incluem Define ME (interlúdio), que é tão fácil de ouvir que provavelmente merecia ter uma música inteira construída em torno dela. Mourning Doves também poderia facilmente ter sido uma peça completa, completa com o canto dos pássaros e um delicado piano elétrico. Sua voz em torno de 1:45 é simplesmente perfeita, embora não permaneça por muito tempo. Surrender com Dr. Chill também soa bem, onde ondas de vocais em camadas preenchem o espaço maravilhosamente e tudo está exatamente onde precisa estar. Com tantas faixas, é provável que haja alguns deslizes, como Lightning and Thunder, que utiliza um estilo de produção mais tradicional; optando por uma banda ao vivo comovente configurada para variar. Infelizmente, a música em si, especialmente o dueto com John Legend, é inegavelmente brega. Finalmente, Party For Me, a 20ª e última faixa do álbum, nos mostra. Este tem muita energia e um arranjo mais digerível, o rap atrevido de Ty Dolla $ ign amarra a faixa muito bem, mas é estranho que Aiko não tenha a última palavra.

O carisma de Jhene Aiko mantém esse longo projeto unido. Sua voz abafada e controlada é o evento principal, com batidas esfumaçadas e nebulosas se tornando menos importantes. O álbum, em sua maior parte, é muito suave, essa vibração atmosférica e meditativa faz maravilhas para um single, ou mesmo um EP, mas pode não ser suficiente para carregar um álbum tão longo. Talvez haja muito da mesma vibração, ou paleta sonora, ou talvez o projeto possa simplesmente perder um punhado de faixas. Existem muitas pistas boas e ótimas, mas com tantas opções fica mais difícil para o mais forte brilhar. Dentro das mudanças estilísticas ainda há falta de variedade, falta de clareza ou conclusão. No entanto, perdoaremos isso porque, quando ela acerta, você não pode deixar de ficar impressionado. 

CRONICA - JOHN LEE HOOKER | That’s My Story (1960)

Quando John Lee Hooker se aproxima dos anos 60, então provavelmente com 45 anos (sua data de nascimento não é precisa), ele já tem quatro LPs em seu currículo, todos impressos em 1959 em vários rótulos. Esta lenda do blues é um daqueles artistas que percorre os Estados Unidos incansavelmente, de concerto em concerto e que a cada paragem é convidado para sessões em diferentes estúdios.

Em 9 de fevereiro de 1960, o cantor/guitarrista nativo de Tutwiler no Mississippi estava em Nova York e se trancou no Reeves Sound Studios, onde foi acompanhado pelo guitarrista Tony McPhee, mas acima de tudo pela seção rítmica do saxofonista Cannonball Adderley, o baixista Sam Jones e o baterista Louis Hayes. Este dia de gravação dará origem ao LP That's My Storylançado em maio do mesmo ano pelo selo Riverside com 12 faixas. Aqui estamos longe do boogie urbano de tirar o fôlego que caracteriza o estilo de John Lee Hooker. Por agora, o bluesman transporta-nos para um folk blues rústico que cheira a espaços abertos. No entanto, é bem reconhecível o seu jogo de riffs revigorantes intercalados com solos subtis tocados por instinto sem esquecer a sua voz sombria nervosa em alguns pontos, queixosa e resignada em alguns momentos que se impõe nestes 33 rpm. Canção que conta como sempre histórias de afro-americanos em apuros onde ter mágoas uma vez ou ser negro no país do Tio Sam é uma humilhação diária (e obviamente isso não melhorou muito).

O disco abre em um registro metronômico de rhythm & blues rural com "I Need Some Money", um rearranjo de "Money (That's What I Want)" de Barrett Strong (que os Beatles cobrirão mais tarde). É fácil imaginar estar em um trem de carga atravessando campos de algodão. Encontramos esta decoração em "No More Doggin'", que balança bem.

De resto estamos num blues de andamento lento com uma atmosfera vagamente perturbadora e tensa, até vaporosa, quer num quarteto onde o ritmo tende a aproximar-se do jazz ("I'm Wanderin'", "I Want to Talk About You" , "Gonna Use My Rod", "Wednesday Evenin' Blues", "One of These Days", "I Believe I'll Go Back Home", "You're Leavin' Me, Baby") ou mesmo John Lee Hooker sozinho com seu violão ("Come On And See About Me", "Democrat Man", "That's My Story" na conclusão).

Em suma, um disco fácil de ouvir, afogado na imensidão da discografia de John Lee Hooker.

Títulos:
1. I Need Some Money
2. Come On And See About Me
3. I’m Wanderin’
4. Democrat Man
5. I Want To Talk About You
6. Gonna Use My Rod
7. Wednesday Evenin’ Blues
8. No More Doggin’
9. One Of These Days
10. I Believe I’ll Go Back Home
11. You’re Leavin’ Me, Baby
12. That’s My Story

Músicos:
John Lee Hooker: Guitarra, Vocais
Louis Hayes: Bateria
Sam Jones: Contrabaixo
Tony McPhee: Guitarra

Produção: Orrin Keep News


ROHMA presta homenagem a Madonna em clipe de “Manda Nudes”

 Vídeo chegou junto com remix assinado pelos DJs baianos Telefunksoul, DJ Werson e Fall Clássico

Rohma

O cantor e compositor ROHMA, italiano radicado há 20 anos no Brasil, lançou nos serviços de streaming o clipe feito para a faixa “Manda Nudes”.

Terceiro single do recente álbum @rroboboy, a música ganhou vídeo em animação 3D que chegou junto com um remix assinado pelos DJs e produtores baianos Telefunksoul, DJ Werson e Fall Clássico!

Dirigido por Francisco Salles, o registro audiovisual traz a participação especial de Fairy Adams e presta homenagem a Madonna, assim como aos 30 anos de seu livro SEX e do disco Erotica (1992), maior influência no trabalho de ROHMA.

“Nessa música faço uma crítica direta à hipocrisia das pessoas que censuram quem trabalha com o corpo, como tantos artistas, performers e dançarines como eu e Fairy Adams,” explica o artista, que convidou a amiga e dançarina de burlesco para participar do clipe.

Nas cenas, ROHMA encarna um super-herói inclusivo e liberta Fairy de uma armadilha dos Monstros censores que a atraíram a um planeta deserto para condená-la por seus atos obscenos. Após desmascarar os moralistas, o protagonista leva a amiga para longe e os dois dançam livremente.

“Profissionais como nós não podem abrir mão da sensualidade da expressão corporal para criar uma atmosfera de fantasia, mas muitas vezes são julgados e até cancelados por isso, em geral por gente realmente pervertida,” comenta o artista.

A narrativa de “Manda Nudes” dá continuidade aos dois vídeos anteriores de ROHMA. O primeiro deles foi “Kobra”, canção hit de Rettore, cantora ícone do pop-rock italiano nos anos 1980, regravada em dueto com a cantora e compositora Letrux.


Jambu explana suas brisas em novo single

 Banda manauara levou o prêmio de Artista do Ano no PMKT, com troféu entregue pelo fundador do TMDQA

Jambu

A banda manauara Jambu vem abrindo os caminhos para o seu álbum de estreia, que será lançado em Fevereiro de 2023 pelo selo Bolo de Rolo. Há alguns dias, os fãs puderam comemorar a chegada da inédita “viajei“, o segundo single do trabalho.

Novo single da Jambu

A novidade retorna as influências indie do grupo, com o diferencial de trazer uma roupagem mais pop e uma harmonia simples. Segundo o quarteto, a ideia principal da faixa é construir uma identificação com a geração atual através de relatos comuns de quando se está com os amigos.

“viajei” busca trazer no contexto do álbum um reconhecimento com o tempo que vivemos, conectando os ouvintes e a Jambu nesses aspectos em comum. A música surgiu espontaneamente, no início do ano, quando juntos todos os integrantes fizeram uma viagem para a Bahia.

A canção veio ao mundo a partir de uma brincadeira entre o vocalista Gabriel Mar e a diretora criativa Rebeca Cancelli sobre como é estar viajando com amigos.

“viajei” retrata essa viagem de uma maneira panorâmica, onde todos os membros da Jambu aparecem como personagens. Sobre a composição, Gabriel comenta:

Quando eu iniciei a ideia da música, imaginava construir uma canção no estilo já conhecido de Legião Urbana como ‘Eduardo e Mônica’ e ‘Faroeste Caboclo’. Uma linguagem bem mais popular, com acontecimentos vividos ali na viagem.

A Jambu

Além de Gabriel Mar (vocalista e guitarrista), a Jambu conta com Roberto Freire (guitarrista), Yasmin Costa (vocalista e baterista) e Gustavo Pessoa (baixista). Baseada em Manaus, Amazonas, a banda surgiu no início de 2020 e mistura influências dos mais variados gêneros musicais, indo do rock de garagem ao indie pop.

O quarteto já reúne mais de 1 milhão de streamings nas plataformas digitais e um público que cada vez mais se cativa através das diversas fases sonoras propostas ao longo de sua trajetória promissora.

Há poucos dias, a Jambu levou o prêmio de Artista do Ano no PMKT, o maior evento de criatividade da região Norte do Brasil, e recebeu o troféu pelas mãos de Tony Aiex, editor-chefe e fundador do TMDQA!, e do apresentador Cauê Paciornik.

Destaque

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