segunda-feira, 5 de dezembro de 2022

Disco Imortal: Mr. Bungle – California (1999)

 

Warner Bros., 1999

Sem dúvida, o estilo de Mr. Bungle é reconhecido por misturar diferentes elementos, que muitas vezes foram desenvolvidos sem complexos em uma única música. Em “ California ” (1999), o grupo nos dá uma sonoridade mais acessível, e ao ouvir o álbum, podemos perceber que esse espírito de proposta extravagante se mantém, mas as canções parecem ser fruto de sua maturidade musical. Com melodias focadas próximas a um formato de canção mais tradicional, surpreendem com influências de compositores como Burt Bacharach, embelezadas com toques sutis de loucura e costumes musicais depravados.

A música que abre o álbum é " Sweet Charity ", uma composição suave de Mike Patton, onde ele demonstra toda a sua sensibilidade pop e embora algo obscuro se esconda em suas letras, a melodia rapidamente nos transporta para um lindo pôr do sol de frente para o mar. no ritmo da guitarra havaiana e no requintado trabalho de percussão. Aqui a imersão deve ser lenta, para apreciar plenamente a beleza e os detalhes sutis por trás dessa música.

Este álbum é intrigante, pois em cada música há algo a descobrir e que se torna agradável e interessante de ouvir; Se a calma e a melodia reinavam na faixa anterior, em “ None of Them Knew They Were Robots ” a banda se aproxima um pouco mais de suas antigas composições, soando como verdadeiros esquizofrênicos musicais. À medida que a música avança, descobrimos elementos interessantes de swing e rockabilly, onde se destaca o som do sax de Clinton McKinnon, o estilo elegante de Danny Heifetz na bateria e as partes de guitarra originais de Trey Spruance.

Em " Retrovertigo " o baixista Trevor Dunn nos mostra e deixa claro que é um tremendo compositor, compondo uma das melhores músicas do catálogo da banda. A melodia tem algo de perturbador, embora tenha uma parte encantadora, também tem uma atmosfera de tensão, algo sinistro, o que a torna uma peça única e difícil de esquecer.

Com todas as vibes das praias californianas, “ The Air-Conditioned Nightmare ” é uma música ao estilo surf rock onde Mike Patton demonstra toda a sua versatilidade, num espantoso exercício vocal, aproximando e fazendo lembrar as gloriosas harmonias dos Beach Boys.

Em " Ars Moriendi " encontramos a música mais pesada do disco, aqui a banda mistura música do Médio Oriente, com electrónica e metal, embora possa ser hilariante, a verdade é que estamos perante uma das melhores e mais inspiradas discotecas momentos.

Pink Cigarette " é uma balada pop psicopata, por trás de sua linda e romântica melodia, esconde o que poderia ser o bilhete suicida de uma pessoa obcecada com o fim de um relacionamento e onde o cigarro do ex com batom rosa, faz sua cabeça atormentada se encher de lembranças . Ao final, inicia-se uma contagem regressiva que avisa quanto tempo resta, enquanto ouvimos, aquela espécie de monitor cardíaco de hospital dispara anunciando o final sublime.

O carácter acessível deste álbum parece esconder algo mais profundo, sobretudo nas suas letras, é o caso de canções como " Golem II: The Bionic Vapor Boy ", " The Holy Filament " ou " Vanity Fair " grandes melodias e que nela os textos contêm certos elementos niilistas, com sátiras sociais inteligentes que falam de beleza e materialismo.

« Goodbye Sober Day » é uma explosão de excentricidade, desde a sua exótica melodia de xilofone e o som refinado das percussões, até à explosão final de gritos frenéticos e metal. A música é a página final perfeita, pois funde engenhosamente o melódico e o experimental, realçando e mantendo-se fiel à sonoridade que queriam alcançar em “ California ”, mas também relembrando as suas duas produções anteriores em certas passagens.

Se fôssemos criar um ranking de bandas inclassificáveis, com certeza os californianos do Mr. Bungle estariam no pódio das mais destacadas, brilhando pelo seu ecletismo revolucionário e versatilidade ao entregar sua fascinante arte musical.

Com apenas três discos lançados em uma década, a banda sempre nos desafiou a explorar novas experiências sonoras, mostrando que vários estilos podem coexistir perfeitamente na música, aniquilando todas aquelas mentes com ideias limitadas e tão odiosamente fechadas.

”Blak And Blu”: A estreia do grande Gary Clark Jr.

 Dos nomes mais relevantes da guitarra dessa nova geração talvez o cara mais aclamado pelos fãs do Rock clássico seja Gary Clark Jr. É bacana ver que tem uma galera um pouco mais nova que faz um som com excelência e relevância nos dia de hoje! Se é que alguém ainda não conhece esse cara extremamente talentoso, eu vou apresentar indicando o disco que pra mim é o grande trabalho dele, o ”Blak And Blu”!

Lançado em 2012, o disco é a estreia de Gary Clark Jr, um guitarrista americano que vem experimentando um sucesso exponencial nos últimos anos, lotando casas de show e encabeçando festivais. Eu mesmo tive a oportunidade de ver um show dele na grade em Londres no ano de 2019, e vou te falar, em termos de guitarra é um dos caras com mais vontade que já vi tocar ao vivo, foi uma grande experiência.

Falando um pouco do disco, ele carrega fortes influências do Rock dos anos 50 e 70, mas como estamos num novo milênio, é comum que os discos dessa época tenham uma sonoridade mais moderna que ás vezes não me agrada tanto, mas Gary Clark é um guitarrista tão criativo e de bom gosto que passa por cima desse detalhe com tranquilidade. Seus solos são de fato seu diferencial. É interessante destacar também a sua voz, que apesar de não ser um virtuose, ele possui uma voz muito bonita.

Já em sua estreia, Gary nos mostra um guitarrista muito maduro e pronto para topar qualquer projeto, além de todas essas qualidades citadas, ele também é um grande compositor, por exemplo, aqui temos um sucesso que dificilmente fica de fora de seus shows ”When My Train Pulls On”, que possui um solo maravilhoso bem característico de seu estilo. Mas o disco não se resume a isso, ele também aborda outros estilos musicais que funcionam mas que quase sempre são apoiados em sua guitarra.

”Blak And Blu” é um disco bem respeitado pelos admiradores dessa nova geração da indústria musical, não seria exagero dizer que é um disco bem influente para essa sonoridade do Rock da década de 2010 e se você ainda não parou para dar uma conferida na discografia de Gary Clark Jr, eu acredito que esse disco possa ser um bom começo! Fica a recomendação!





”There Is A Place”: Mais um nome interessante do Jazz atual com Maisha.

 Por incrível que pareça, uma das cenas mais ricas da atualidade é o Jazz, ela vem crescendo muito com nomes como Kamasi Washington, Christian Scott, Kamaal Williams e tantos outros. Hoje, vai recomendar um outro belo nome desse cenário, ”Maisha”, mais precisamente o disco ”There Is A Place”!


A história é a seguinte, há cerca de 2 anos, estava eu numa loja de discos em Londres quando de repente começou a tocar um disco de Jazz que imediatamente me remeteu à algum clássico que me era desconhecido, rapidamente fui na vitrola olhar do que se tratava e fui surpreendido com o disco ”There Is A Place” lançado em 2018.

A banda londrina é formada pelo baterista Jake Long, o saxofonista e flautista Nubya Garcia, o guitarrista Shirley Tetteh, o tecladista Amané Suganami e a harpista Maria Zofia Osuchowska. Eles fizeram um disco fantástico de Jazz Vintage, carregando referências clássicas do gênero dos anos 60 e 70 de nomes como John Coltrane e Miles Davis, eles somaram isso com um sutil refinamento de Jazz contemporâneo que casou muito bem com a sonoridade espacial e climática que Maisha propõe!

Eu considero a banda ”Maisha” e o disco ”There Is A Place” um verdadeiro achado da música moderna, eles fazem uma música que eu considero um verdadeiro serviço ao cenário atual e ajudam e muito a resgatar esse gênero lindo para ser apresentado à uma nova geração que precisa de artistas como esse! Fica a recomendação!


CAPAS E FOTOS DO ROCK PORTUGUÊS


Uma foto da teclista dos FACE OCULTA

A capa do EP dos FACE OCULTA

CRONICA - CHRISTINE PERFECT | Christine Perfect (1970)

 

A equipe editorial me perdoará por esta discrepância neste mês de dezembro dedicado ao blues, mas os eventos atuais obrigam.

De fato, a famosa cantora / pianista do Fleetwood Mac, Christine McVie, se foi em 30 de novembro com a idade de 79 anos. Classic Rock 80 não poderia deixar de homenageá-lo, evocando seu primeiro álbum.

Depois de ter sido cantora/pianista do grupo inglês de blues Chicken Shack entre 1967 e 1969, Christine Perfect casou-se com o baixista do Fleetwood Mac, John McVie.

Estando na mesma gravadora, Blue Horizon, Chicken Shack e Fleetwwod Mac têm a oportunidade de se encontrar em turnês. Tendo um senso inato para o blues, percebeu que Christine McVie é convidada pelos integrantes do Fleetwood Mac para tocar piano como musicista convidada em composições de Peter Green, que farão parte do LP Mr. Wonderful .

Incentivada a seguir a carreira, ela gravou um primeiro álbum solo em 1970, intitulado simplesmente Christine Perfect , também pela Blue Horizon. Para isso ela é apoiada pelo baixista Martin Dunsford, o baterista Chris Harding e também pelos guitarristas Rick Hayward e Top Topham. Este último ficou famoso por ter sido substituído por Eric Clapton dentro dos Yardbirds. Alguns músicos de Chicken Shack e Fleetwood Mac (os guitarristas Danny Kirwan e Stan Webb, bem como os baixistas John McVie e Andy Silvester) ocasionalmente participam deste disco homônimo. Observe que também há uma seção de metais, mas também instrumentos de corda.

Composto por 12 faixas, este vinil é feito para metade de covers (Little Walter, Deadric Malone, Ellington Jordan, Ellington Jordan, Etta James, Chuck Jackson, Tony Joe White). Com exceção do galopante "For You", estamos longe do blues britânico encarnado por Fleetwood Mac e Chicken Shack em seu início. Se ainda é perceptível a influência do blues, este disco é muito variado. Há rock suave de olho no estilo californiano (a oscilante "Crazy 'Bout You Baby", a psicodélica "Let Me Go", a intrigante "Close to Me"...), baladas (a sentimental "I'm on My Way" , a outonal "Wait and See", a nostálgica "I'd Rather Go Blind", a emocionalmente orquestrada "When You Say", ...) soul e rhythm & blues (a suave "And That's Saying a Lot" , o tribal "No Road Is the Right Road",

Obviamente, este bolo destaca a voz quente, séria e sensual de Christine McVie. Sem esquecer o seu lânguido órgão Farfisa e o seu piano que se transforma em boogie. Note-se, no entanto, que o vocalista está admiravelmente acompanhado por Top Topham. Longe do talento de Eric Clapton, ele faz um excelente trabalho. As suas seis cordas blueseiras participam activamente no clima quente e ingénuo que reina neste disco, fazendo tímidas incursões pelo folk ou pelo exotismo. Já os latão, discretos, trazem um belo equilíbrio.

Em suma, um disco que não tem nada de revolucionário, mas que é cativante.

Após esta prova, Christine McVie fará oficialmente parte do Fleetwood Mac e terá sucesso com os rumores de 33 voltas .

Títulos:
1. Crazy ‘Bout You Baby      
2. I’m On My Way     
3. Let Me Go (Leave Me Alone)      
4. Wait And See        
5. Close To Me
6. I’d Rather Go Blind           
7. When You Say      
8. And That’s Saying A Lot  
9. No Road Is The Right Road         
10. For You   
11. I’m Too Far Gone (To Turn Around)     
12. I Want You

Músicos:
Christine Perfect: Vocais, Piano, Órgão
Topham: Guitarra
Rick Hayward: Guitarra
Martin Dunsford – Baixo
Chris Harding: Bateria
+
Danny Kirwan: Guitarra
John McVie: Baixo
Stan Webb: Guitarra
Andy Silvester: Baixo
Dave Bidwell: Bateria

Produtores: Mike Vernon, Christine McVie, Danny Kirwan


CRONICA - B.B. KING | Live At The Regal (1965)

Longe vão os dias em que BB King, no esplendor da década de 1950, teve sucesso. A culpa é da gravadora ABC, que quer transformar o bluesman em um cantor de variedades. A culpa é desse público afro-americano que abandona o blues pelo soul ou pelo rhythm & blues, mais alegre e mais entusiasmado. Ao contrário do que se poderia pensar no início dos anos 60, o blues tornou-se um gênero moribundo. Até que ele foi pego por jovens ingleses de bico branco. Mas saqueadas, as grandes lendas do blues negro americano terão dificuldade em encontrar um lugar para si nos anos que se seguirão.

Aqui, em 1965, a oportunidade para BB King, que é criticado por falta de autenticidade, encontrar um novo fôlego que vai deixar sua marca. De fato, no mesmo ano, o guitarrista / cantor publicou no ABC Live At The Regal capturado em um show em 21 de novembro de 1964 no Regal Hall, no distrito sul de Chicago.

DJ Pervis Spann está encarregado de anunciar o show. E não mede esforços para apresentar o artista como o rei do blues, apelido que jamais sairá de BB King, seguido de aclamação triunfante. Porque o público, descomprometido, vinha só para uma coisa: passar uma boa noite ouvindo seus maiores sucessos. Apoiado pelo baixista Leo Lauchie, o baterista Sonny Freeman, o baixista Mayall York, o pianista Duke Jethro, o trompetista Kenneth Sands, o trombonista Pluma Davis além dos saxofonistas Johnny Board e Bobby Forte, o Rei do Blues dispensa pedidos e balança para aquecer o ambiente. quarto "Every Day I Have The Blues", um rhythm & blues galopante feito de bombardeamento de metais. Rapidamente a orquestra continua com um "Sweet Little Angel" para deixar os espectadores histéricos, especialmente as meninas. Aqui estamos no BB King que gostamos, para um stoner blues, uma balada de andamento lento onde o guitar hero se transforma num crooner com uma voz fria a fazer a sua guitarra chorar. Chamado de Lucille, seu Gibson harmoniza em alguns momentos com um sax quente e charmoso. Sem perceber, através de um piano lânguido e sedutor, ficamos no mesmo registro com "It's My Own Fault" e "How Blue Can You Get". O lado A termina de forma sensacional com "Please Love Me" para uma provável homenagem a Elmore James que faleceu recentemente. Sem perceber, através de um piano lânguido e sedutor, ficamos no mesmo registro com "It's My Own Fault" e "How Blue Can You Get". O lado A termina de forma sensacional com "Please Love Me" para uma provável homenagem a Elmore James que faleceu recentemente. Sem perceber, através de um piano lânguido e sedutor, ficamos no mesmo registro com "It's My Own Fault" e "How Blue Can You Get". O lado A termina de forma sensacional com "Please Love Me" para uma provável homenagem a Elmore James que faleceu recentemente.

O lado B permanece no mesmo formato do anterior. Começamos com um rhythm & blues padrão, "You Upset Me Baby" com um refrão de sax abrasivo e chegamos ao clímax com os seis minutos para fazer você chorar "Worry, Worry" onde BB King toca com delicadeza e agressividade contida atinge o touro olho. Afastando-se de sua dor de cabeça, o herói da noite solta um breve mambo, "Woke Up This Mornin'". Peça curta que é muito incongruente porque BB King rapidamente volta ao seu estado de espírito com "You Done Lost Your Good Thing Now" feita de orquestração dramática e épica. Sedutor, o guitarrista/cantor encerra seu set com “Help the Poor”, um tanto exótica.

Um disco ao vivo que ficará na lenda. Alcançou o número 78 na Billboard 200 e o número 6 na parada de R&B. Em 1983, o álbum foi introduzido no Blues Hall of Fame da Blues Foundation na categoria "Classic Blues Recordings". Em 2005, entrou no Registro Nacional de Registros da Biblioteca do Congresso dos Estados Unidos. A revista Rolling Stone o classifica em 141º lugar em sua lista dos 500 melhores álbuns de todos os tempos. É um dos 1001 álbuns que você deve ter ouvido na vida.

No entanto, BB King em termos de gravações de shows terá ampla oportunidade de fazer melhor.

Títulos:
1. Every Day I Have The Blues
2. Sweet Little Angel
3. It’s My Own Fault
4. How Blue Can You Get
5. Please Love Me
6. You Upset Me Baby
7. Worry, Worry
8. Woke Up This Mornin’
9. You Done Lost Your Good Thing Now
10. Help The Poor

Músicos:
BB King: guitarra, vocal
Leo Lauchie: baixo
Mayall York: contrabaixo
Duke Jethro, Millard Lee: piano
Sonny Freeman: bateria
Bobby Forte, Johnny Board: saxofone tenor
Lawrence Burdine, Barney Hubert: saxofone
Henry Boozier, Ken Sands: trompete
Pluma Davis: trombone

Produtor: Johnny Pate

MUSICA AFRICANA

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