Crítica ao disco de Motorpsycho - 'Kingdom of Oblivion' (2021)

 Motorpsycho - 'Kingdom of Oblivion'

(16 de abril de 2021, Rune Grammofon)

Hoje temos o prazer de apresentar "Kingdom Of Oblivion", o mais recente álbum do grupo norueguês MOTORPSYCHO, que foi lançado em 16 de abril pelo selo Rune Grammofon em associação com a Stickman Records, tanto em CD quanto em vinil duplo de cor clara (com tons esbranquiçados ou azulados). Trio veterano formado por Bent Sæther [baixo, voz, guitarra acústica e elétrica, mellotron, sintetizador, piano, percussão ocasional], Tomas Järmyr [bateria, percussão, piano elétrico] e Hans Magnus Ryan [guitarra, voz, saxofone] recebe agora o apoio do maestro Reine Fiske como convidado em várias faixas do álbum, o que confere aos guitarristas uma densidade particularmente dinâmica nestes itens. Outras intervenções convidadas, mais esporádicas, são do guitarrista holandês Tos Nieuwenheizen e de Ola Kvernberg na percussão. O álbum foi gravado em várias sessões entre 2018 e 2020 nos estúdios Black Box e Kommun, enquanto outros processos de mixagem e masterização ocorreram no Punkerpad UK e no Audio Virus Lab. A perturbadora capa do álbum, a mesma que reflete a ideia de que o que é morto pode gerar o florescimento de uma nova vida, exibe um autorretrato do próprio artista gráfico que o cuidou, que atende pelo nome de Sverre Malling: supomos que essa nova vida brota para sulcar novos caminhos, deixando no esquecimento o que foi feito em uma vida passada e já consumado. Bem, vamos agora revisar os detalhes específicos do set list contido em “Kingdom Of Oblivion”. enquanto os processos de mixagem e masterização subsequentes ocorreram no Punkerpad UK e no Audio Virus Lab. A perturbadora capa do álbum, a mesma que reflete a ideia de que os mortos podem gerar o florescimento de uma nova vida, exibe um autorretrato do próprio artista gráfico que cuidou dela, que responde pelo nome de Sverre Malling: supomos que esta nova vida brota para sulcar novos caminhos, deixando no esquecimento o que foi feito numa vida passada e já consumado. Bem, vamos agora revisar os detalhes específicos do set list contido em “Kingdom Of Oblivion”. enquanto os processos de mixagem e masterização subsequentes ocorreram no Punkerpad UK e no Audio Virus Lab. A perturbadora capa do álbum, a mesma que reflete a ideia de que os mortos podem gerar o florescimento de uma nova vida, exibe um autorretrato do próprio artista gráfico que cuidou dela, que responde pelo nome de Sverre Malling: supomos que esta nova vida brota para sulcar novos caminhos, deixando no esquecimento o que foi feito numa vida passada e já consumado. Bem, vamos agora revisar os detalhes específicos do set list contido em “Kingdom Of Oblivion”. que responde pelo nome de Sverre Malling: supomos que esta nova vida brota para sulcar novos caminhos, deixando no esquecimento o que foi feito numa vida passada e já consumado. Bem, vamos agora revisar os detalhes específicos do set list contido em “Kingdom Of Oblivion”. que responde pelo nome de Sverre Malling: supomos que esta nova vida brota para sulcar novos caminhos, deixando no esquecimento o que foi feito numa vida passada e já consumado. Bem, vamos agora revisar os detalhes específicos do set list contido em “Kingdom Of Oblivion”.

Com quase 7 minutos e meio de duração, 'The Waning (Pt. 1 & 2)' abre o repertório com exibições conjuntas de rock punch e hook, uma peça muito atraente e descontraída para começar o dia. A música homônima segue com uma exibição de gancho muito semelhante, mas com um groove um pouco mais contido, o que torna o bloco de som mais rítmico. Também é verdade que existe uma oportunidade de ouro para criar uma aura mais sofisticada para o swing, algo que é totalmente explorado durante o interlúdio. O epílogo sonhador surpreende-nos, culminando a matéria num espírito sóbrio e contemplativo. A propósito, aqui encontramos um dos mais brilhantes solos de guitarra do disco. Com a dupla 'Lady May' e 'The United Debased', o conjunto continua a explorar recursos de variedade expressiva que conseguem manter o interesse do ouvinte empático. A primeira destas canções é uma balada de base acústica que nos remete para a faceta introvertida do lendário TRETTIOÅRIGA KRIGET, e talvez também para o lado pastoral do GENESIS do período 70-73. Por seu turno, o segundo deles ruma para vibrações épicas e ferozes através da sua duração de mais de 9 minutos, aproximando-se dos paradigmas do DEEP PURPLE e BLACK SABBATH através de um filtro melódico muito estilizado que nos remete a WISHBONE ASH. O facto de o swing criado para a ocasião não ser muito agitado no início permite que prevaleça um senhorio cerimonioso, mas, a meio do caminho, tudo se volta para algo mais denso a partir de um andamento ainda mais parcimonioso. A atmosfera torna-se mais aguçada e turva enquanto o novo motivo impõe a sua presença, terminando tudo num animado exercício de rock pesado com tendência stoner. 'The Watcher' é um cover de uma música do HAWKWIND composta por Lemmy Kilmister para o álbum “Doremi Fasol Latido”, um clássico absoluto do rock progressivo espacial. Nas mãos de MOTORPSYCHO, a balada acústica original envolta em efeitos flutuantes de sintetizador torna-se um exercício de entrelaçamento do paradigma do PINK FLOYD da fase 69-71 e a faceta mais serena de AMON DÜÜL II, que se traduz num trabalho de remodelação sob o domínio cósmico diretrizes de um humor acinzentado. Quando chega a vez de 'Dreamkiller', o grupo completa a ideia delineada na peça anterior de avançar para um exagero de densidades space-rocker sobre uma batida inusitada.

'Atet' apresenta um exercício de lirismo pastoral que se impõe como contraponto eficaz à exibição de obscurantismo sofisticado corporificado na peça imediatamente anterior. Quando se trata de 'At Empire's End', a banda estabelece conexões filiais com ANEKDOTEN e SQUINTALOO no que é um exercício introspectivo em prog pesado aguçado por uma clareza melódica comovente, ocasionalmente enriquecido por ornamentos de teclado etéreos discretos. Uma vitalidade muito peculiar transparece nesta música, embora sua atmosfera e groove sejam os de uma balada progressiva. Uma balada muito bonita, por sinal, e também contém um dos solos de guitarra mais impressionantes do álbum. 'The Hunt' também se destaca em seus próprios termos, desenvolvendo inicialmente um cenário sereno no tom do folk ácido, ao mesmo tempo que se conecta com a tradição do lendário GENESIS da fase 70-73 em sua faceta bucólica. Posteriormente, uma segunda seção se encarrega de implementar mais ornamentos para que os recursos psicodélicos que vão surgindo tragam um vigor renovador à peça. Até mesmo surge perto do final um breve enclave orquestral que fica em algum lugar entre o sonhador e o luxuoso. 'After The Fair' é uma curta peça instrumental de pouco menos de 2 minutos que cumpre a função de pôr fim à atmosfera folk-rock que predominava na peça anterior, e fá-lo com uma leveza quase irreal, como um devaneio absorto em sua própria coloração solipsista. Logo em seguida, surge a música mais longa, intitulada 'The Transmutation Of Cosmoctopus Lurker' e dona de um espaço de quase 11 minutos. Sua função central é retomar e capitalizar as vibrações poderosas e contundentes que inspiraram algumas canções anteriores, como a primeira e a terceira. O refrão do rock é direto, mas não falta o uso de algumas quebras rítmicas em certas passagens estratégicas; nem faltam passagens solenes que articulam o epílogo com cadências moderadamente sombrias. Estabelecendo-se como o apogeu definitivo do álbum, consegue estabelecer um contraponto eficaz à agitação introspectiva da oitava música e ao panache country da nona (grandes canções, sem dúvida). O final do álbum vem com 'Cormorant', um instrumental etéreo que explora a mistura entre o space-rock e o pós-rock sob um manto relaxado e nebuloso, embora não misterioso, mas sim gentil.

Tudo isso foi "Kingdom Of Oblivion", um álbum onde a equipe do MOTORPSYCHO fez uma exploração contínua de alguns elementos desenvolvidos em seus três álbuns anteriores em combinação com uma retomada dos aspectos mais ácidos e pesados ​​de seus melhores álbuns de seu primeiro 10 anos de trajetória Este álbum não passará despercebido por seus fãs de longa data ou por quem está sempre curioso sobre o que está acontecendo na sempre ativa cena do rock experimental escandinavo. No que diz respeito a este ano de 2021, este grupo mantém o seu reinado dentro desta cena: são tão veteranos e ainda têm tanto para dar. Mantem!

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- Amostras de 'Kingdom of Oblivion':

At Empire’s End:

The Hunt:

The Transmutation Of Cosmoctopus Lurker:

Crítica ao disco EP de Leo Carnicella - 'Until A New Dawn' (2021)

Motorpsycho - 'Leo Carnicella - 'Until A New Dawn' (EP)

(27 de junho de 2021, produção própria) 

Muitos "amanheceres" ocorreram no ambiente de Leo Carnicella desde que ele lançou seu álbum Demo "Strange Land Of Weird Colors" em 2011, onde suas influências no rock progressivo estiveram presentes e ainda hoje são confirmadas; A grande fonte de inspiração na gravação deste trabalho, baseou-se no infeliz falecimento (27 de janeiro de 2016) do lendário radialista venezuelano Alfredo Escalante, que apoiou o compositor divulgando suas canções em seu cultuado programa de rádio "La Música que Abalava the World” oferecendo-lhe a sua amizade e entusiasmo para continuar a fazer música.

Em "Until A New Dawn", que em espanhol se traduz como "Até um novo amanhecer", frase popularizada por Alfredo Escalante , Leo conta com a presença de músicos notáveis ​​como o baixista Tony Franklin , que já trabalhou com artistas tão diversos quanto Roy Harper , The Firm, Blue Murder e Whitesnake , entreoutros; Marco Ciargo , guitarrista fundador da cultuada banda venezuelana “Resistencia”; e Jan-Vincent Velazco , atual baterista do Pendragon . A composição e letras das músicas foram creditadas a Leo Carnicella, com participação dos quatro músicos nos arranjos.

A primeira música é a emocionante "Until A New Dawn", no início da qual ouvimos a voz de Alfredo Escalante tal como apareceu no seu programa de rádio, destacando-se a excelente interpretação do baixo fretless sobre um fundo de piano e guitarra, cujo entonações acompanhadas pela voz de Léo, sobre fundo de címbalos, realçam o carácter melancólico do tema, cuja letra constitui uma saudade de amizade e a ausência que inevitavelmente enfrentamos com o passar do tempo, integrando o som de um mellotron enquanto os últimos versos são cantadas.
Em seguida, ouvimos uma música instrumental chamada "Limbo", cujo dinamismo e interpretação de teclado lembram o grupo PFM com sua música "Celebration", destacando-se a seção rítmica composta por Franklin e Velazco que executam uma excelente performance, enquanto Ciargo acompanha o teclado.

O terceiro tema é "An Endless Path To Infinity", no início do qual se denota a influência que os Pink Floyd tiveram no compositor, que é acompanhado por um baterista contundente que marca o ritmo. A voz segue as notas de um mellotron, expressando através de suas letras a nostalgia do passado mas mantendo as esperanças no que o futuro trará, um ótimo trabalho de guitarra de Ciargo se destaca nesta grande canção. Cinco minutos depois, a música ganha velocidade com Tony brilhando em um excelente solo de baixo.

O EP foi mixado pelo músico Mark Wingfield , e a arte da capa foi obra do conhecido artista gráfico Hugh Syme . O álbum está disponível nas plataformas de streaming e em versão CD através do site oficial do artista, que inclui adicionalmente as canções "Until A New Dawn" e "An Endless Path To Infinity" em sua versão instrumental.

- Amostras de 'Until A New Dawn':

Crítica ao disco de The Aristocrats - 'Freeze! Live in Europe 2020' (2021)

 The Aristocrats - 'Freeze! Live in Europe 2020'

(7 de maio de 2021, Boing! Records)

Supergrupo anglo-alemão-americano THE ARISTOCRATSmarca presença no mercado musical neste ano de 2021 com o álbum ao vivo intitulado “FREEZE! Live In Europe 2020”, que registra momentos de apresentações que aconteceram nas cidades espanholas de Bilbao, Sevilha e Múrcia em fevereiro de 2020, pouco antes de o mundo implodir como aconteceu e nos deixar em situação de distanciamento social sistemático. tem sobre nós. A capa jocosa, obra de Tom Colbie, é uma poderosa mostra gráfica do que surgiu e que, até agora, nos faz ansiar por várias coisas. Bom, o fato é que esse trio formado pelos monstros Guthrie Govan [guitarra], Marco Minnemann [bateria] e Bryan Beller [baixo] lançou esse estupendo disco ao vivo pelo selo próprio BOING! Music LLC., tanto em CD quanto em vinil duplo, no início de maio passado. Justamente porque nos anos de 2019 e 2020 o grupo estava promovendo seu álbum de estúdio "You Know What...?", todas as músicas que aparecem aqui exceto uma pertencem a ele. A exceção nesse caso é a retomada de uma antiga composição de Minnemann para o primeiro álbum da banda (o autointitulado de 2011), que é bastante ampliada com um solo de bateria para que a peça seja dedicada à memória do maestro Neil Peart . Mas deixaremos para mais tarde outros detalhes relacionados com esta peça: a produção do álbum esteve a cargo do próprio grupo, enquanto a mistura de som esteve a cargo de Forrester Savell e a posterior masterização a cargo de Dimitris Karpouzas. Agora, vamos rever o set list de “FREEZE! Live In Europe 2020” na ordem correspondente. A exceção nesse caso é a retomada de uma antiga composição de Minnemann para o primeiro álbum da banda (o autointitulado de 2011), que é bastante ampliada com um solo de bateria para que a peça seja dedicada à memória do maestro Neil Peart . Mas deixaremos para mais tarde outros detalhes relacionados com esta peça: a produção do álbum esteve a cargo do próprio grupo, enquanto a mistura de som esteve a cargo de Forrester Savell e a posterior masterização a cargo de Dimitris Karpouzas. Agora, vamos rever o set list de “FREEZE! Live In Europe 2020” na ordem correspondente. A exceção nesse caso é a retomada de uma antiga composição de Minnemann para o primeiro álbum da banda (o autointitulado de 2011), que é bastante ampliada com um solo de bateria para que a peça seja dedicada à memória do maestro Neil Peart . Mas deixaremos para mais tarde outros detalhes relacionados com esta peça: a produção do álbum esteve a cargo do próprio grupo, enquanto a mistura de som esteve a cargo de Forrester Savell e a posterior masterização a cargo de Dimitris Karpouzas. Agora, vamos rever o set list de “FREEZE! Live In Europe 2020” na ordem correspondente. Mas deixaremos para mais tarde outros detalhes relacionados com esta peça: a produção do álbum esteve a cargo do próprio grupo, enquanto a mistura de som esteve a cargo de Forrester Savell e a posterior masterização a cargo de Dimitris Karpouzas. Agora, vamos rever o set list de “FREEZE! Live In Europe 2020” na ordem correspondente. Mas deixaremos para mais tarde outros detalhes relacionados com esta peça: a produção do álbum esteve a cargo do próprio grupo, enquanto a mistura de som esteve a cargo de Forrester Savell e a posterior masterização a cargo de Dimitris Karpouzas. Agora, vamos rever o set list de “FREEZE! Live In Europe 2020” na ordem correspondente.

A primeira faixa deste disco é 'D Grade Fuck Jam', que também abriu o álbum “You Know What…?”. O groove jazz-funky em que se sustenta a jam central é manejado com força suficiente para suportar o fraseado vital e os eflúvios da guitarra, incorporando alguns momentos estratégicos para que a desenvoltura reinante se reveste de sofisticação. A seguir vem 'Spanish Eddie', justamente a segunda faixa do álbum promovido na época: é uma expressão de jazz-rock imponente e extravagante que nos remete igualmente à MAHAVISHNU ORCHESTRA e à inesquecível ATTENTION DEFICIT, usando climas flamencos na base e as conseqüentes decorações de seu corpo central. Algum dia,
o groove torna-se explosivo de forma a revigorar a garra e nos preparar para o clímax conclusivo. As exigências técnicas são maiores aqui do que na faixa de abertura, então agora o vitalismo essencial do trio ganha um brilho mais intrincado. Foi uma das peças mais notáveis ​​do disco de estúdio de 2019 e agora é um destaque do presente disco ao vivo. Com a dupla de 'When We All Come Together' e 'The Ballad Of Bonnie And Clyde', o conjunto transita de uma celebração do Tex-Mex através de um filtro de jazz-rock para uma exibição de jazz-prog repleta de socos incandescentes. O primeiro desses temas se aquece em suas próprias vibrações joviais, enquanto o segundo estabelece uma fosforescência marcada por uma verve sofisticada e um frescor retumbante. Temos talvez em 'The Ballad Of Bonnie And Clyde' um dos melhores solos de Goven em todo o disco. O quinto item do álbum é 'Get It Like That (Dedicated To Neil Peart)', um gracioso exercício de jazz-prog que começa com uma demonstração de franqueza graciosa e depois se transforma em um reggae psicodélico marcado por um efeito cósmico no fogoso sons de guitarra. . Não demora muito para que o swing se desloque para o blues-rock enquanto o baixo elabora magníficos floreios. E é a vez de um esplêndido solo de bateria que surge por volta do sexto minuto e meio: extenso, vibrante, versátil. Quando o trio se rearma no palco e há um momento de interação entre o grupo e o público, o terreno está preparado para que surja o explosivo final.

Com uma duração de quase 11 minutos, 'Last Orders' encerra o repertório com uma exibição de duas secções bem diferenciadas, uma introvertida e calma, que aponta para uma aura melancólica, e outra mais aguerrida onde o grupo aproveita o aumento da expressividade vigor para fazer alguns ornamentos interessantes. A guitarra e o baixo sabem se misturar preservando seus recursos individuais de facilidade expressiva, enquanto a bateria oscila entre o sutil e o extrovertido preservando o swing persistente na tonalidade do blues-rock. Há um momento de extrema calma que se desenvolve até alguns segundos depois de cruzar a fronteira do oitavo minuto, momento em que o trio se concentra em uma virada para um ritmo genuinamente gracioso. Dura pouco tempo, mas é o suficiente para deixar uma marca significativa na estrutura da peça antes da calmaria final. E foi tudo isso que o sublime trio THE ARISTOCRATS nos deu com “FREEZE! Live In Europe 2020”, um álbum ao vivo cativante e exultante que mostra, como seus outros álbuns e vídeos ao vivo, quão grande é a química do grupo que brota das interações criativas desses três senhores. Hoje, desde o ano passado, cada um deles está ocupado com novos projetos (discos com outros grupos, sessões como convidados, composições para trilhas sonoras, design de som, etc.)*, mas não perdemos as esperanças de que o próximo trabalho de estúdio do THE ARISTOCRATAS demorarão pouco para se concretizar, apesar da pandemia. Enquanto isso... todos fiquem parados para aproveitar este item estupendo!

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- Amostras de 'Freeze! Viva na Europa 2020':

The Ballad of Bonnie e Clyde:

Get It Like That (dedicado a Neil Peart):

Bush lança “All Things Must Change”

 Um dos nomes icônicos do rock nas últimas décadas, o Bush anuncia uma versão deluxe de seu nono álbum de estúdio, “The Art of Survival”, via BMG. O disco foi inspirado em histórias de resistência e resiliência das pessoas no meio de um mundo cada vez mais caótico e chegará com faixas inéditas no dia 09 de junho. A primeira delas é “All Things Must Change”, que ganha um lyric video.

Ouça “All Things Must Change”: https://bush.lnk.to/AllThingsMustChangePR

Assista ao lyric video “All Things Must Change”:

Faça pré-save de “The Art of Survival” (Deluxe Edition): https://bush.lnk.to/TheArtOfSurvivalDeluxePR  

 “Todas as coisas devem se transformar e isso é a única coisa que temos certeza. Essa música é uma celebração ao desconhecido, como um sutil hino budista”, conta o cantor e guitarrista Gavin Rossdale sobre a pesada nova faixa.

Assista ao clipe “More Than Machines”:

Assista ao visualizer “Heavy is the Ocean”:

Em mais de três décadas de carreira, a banda tem mais de 20 milhões de álbuns vendidos e mais de 1 bilhão de streams, sem perder a vontade de se reinventar. “The Art of Survival” tem produção de Erik Ron (Panic! At The Disco, Godsmack) e colaborações em duas faixas com o compositor de trilhas sonoras Tyler Bates (300, Guardiões da Galáxia). 

“All Things Must Change” está disponível para streaming.

Rick Wakeman: Journey To The Centre Of The Earth

 

Em maio de 1974, o mago dos teclados lançava essa preciosidade gravada ao vivo

Na esteira do Progressive Music Awards, parece ter havido um apetite renovado para reavaliar o prog como música que opera sem regras inerentes.

De fato, para citar o próprio Sr. Wakeman, “eu sempre digo que se trata de quebrar as regras. Mas o segredo de quebrar as regras de uma maneira que funcione é saber quais são as regras em primeiro lugar.”

Esta é uma aproximação tão boa da maneira como a música progressiva funciona, que até mesmo Steve Hackett percebeu isso em uma edição recente da Prog. E certamente este é um modelo muito melhor para a música que todos amamos do que qualquer simples regurgitação de algo que já foi feito antes? ‘Aha!‘, podem gritar os pessimistas (do qual o progressivo parece ter o dobro de qualquer outro gênero), ‘mas certamente uma regravação de Journey To The Center Of The Earth é simplesmente uma regurgitação do que aconteceu antes?!‘. Eles têm razão.

(…) Claro, não vamos esquecer que o original era um álbum ao vivo gravado no Royal Festival Hall de Londres em janeiro de 1974. A Orquestra Sinfônica de Londres exigia pagamento duplo se ambas as apresentações fossem gravadas, e Wakeman, que havia hipotecado muito do que possuía apenas para cobrir a noite, não podia pagar os dois. Apenas um foi gravado, resultando em uma versão malfeita da seção “The Battle“, que foi devidamente copiada e usada duas vezes no original. Aqui temos a primeira versão de estúdio de Wakeman, criada depois que a partitura original do regente há muito perdida ressurgiu.

Dados os avanços da tecnologia, Wakeman agora pode gravar tudo como ele imaginou, com música extra para inicializar. Ele deveria fazer? Como o original não foi lançado em estúdio, ficamos tentados a pensar, por que não? Depois de ouvir várias vezes a nova versão, a resposta é um sonoro sim!

Muito parecido com o próprio rock progressivo, se você escrevesse uma explicação sobre o que era esse projeto, a maioria das pessoas diria que você é louco ou simplesmente riria da ideia. E inferno, talvez Rick seja um pouco louco, mas isso, alinhado com seu talento incontestável, é o que faz dele, e “Journey To The Center Of The Earth“, uma parte tão vital do firmamento do rock progressivo. Vale lembrar que a A&M praticamente o expulsou de seu escritório no Reino Unido quando ele entregou o original a eles e disse que não o lançariam; felizmente, o co-proprietário da gravadora Jerry Moss, com sede nos Estados Unidos, teve um pouco mais de visão.

Como o original, este é, alternadamente, absurdo, pomposo e profundo. Claro, tudo isso é positivo no progland. Esta nova versão está repleta de uma vitalidade que este revisor às vezes achou que faltava no original. Soa soberbo, uma mistura perfeita de nostalgia e modernidade. O English Rock Ensemble de Wakeman impregna a música com uma nova energia, enquanto a orquestração da Orion Symphony Orchestra é exuberante.

A mistura, feita em Abbey Road, é densa e colorida, cintilante de vida. A narração de Peter Egan é ousada e elegante, e Ashley Holt, ao lado de Wakeman, o único intérprete do original, lida com suas partes vocais com firmeza. O melhor de tudo, no entanto, é Hayley Sanderson, ex-vocalista do Think Floyd (e a voz por trás dos anúncios de TV do Something In The Air para TalkTalk). Sua leitura de “Echoes“, uma das novas canções apresentadas aqui, é impressionante, a composição em si também é um lembrete perfeito de que, além de todo o seu prog bombástico, Wakeman ainda pode escrever uma música considerada quando a musa ataca. No papel, pode parecer que esse projeto simplesmente não funcionaria, mas a realidade é que funciona e é nada menos que um triunfo.