CRONICA - BRAINTICKET | Cottonwoodhill (1971)

 

Sediado na Suíça, este combo foi fundado pelo organista/flautista Joel Vandroogenbroeck, um belga que estudou piano e que aos quinze anos recebeu o prémio Art Tatum como “jovem pianista de jazz”. Rapidamente, saiu em digressão pela Europa e África com, entre outros, a Orquestra Quincy Jones.

Atraído por novos sons do krautrock, inspirados em Can, Amon Düül e Tangerine Dream, nosso amigo belga recrutou o guitarrista Ron Bryer e o percussionista Wolfgang Paap no início dos anos 1970. O trio se autodenominava Brainticket, completando a formação com Werner Frohlich no baixo, Hellmuth Kolbe nos efeitos sonoros, Cosimo Lamps na bateria e o cantor Dawn Muir.

Em nome da gravadora Bellaphon, em 1971 toda essa gente bonita se encontrou em estúdio e produziu um primeiro LP chamado Cottonwoodhill , um disco experimental do qual foi difícil voltar.

Este LP no entanto começa de forma tranquila com este órgão cavernoso, esta guitarra ácida e esta voz fornecida por Vandroogenbroeck através de um vocoder em “Black Sand”. A suíte “Places Of Light” com seu som groovy, parece mais tranquila com essa flauta e as narrações sensuais de Dawn Muir também no vocoder. Resumindo, nada muito ameaçador.

Mas é com a faixa “Brainticket” em duas partes que as coisas dão errado.

Crashhh!!! Começa de forma estilhaçante: janelas quebradas e uma ambulância em plena loucura. Vai sangrar! Chega o órgão com o seu som saturado que hendrixiza, repetindo incansavelmente o mesmo motivo. Entre efeitos sonoros industriais e uma Dawn Muir em pleno transe orgásmico, Ron Bryer tenta impor um ritmo funk. Aqui estamos imersos em uma viagem tecnóide e ácida para nos tornar esquizofrênicos a ponto de bater com a testa na parede. Estamos à beira da exaustão, é limítrofe!!!

Uma aparência de calma aparece na segunda parte, quando uma máquina repete a palavra “brainticket”. Mas tudo termina em uma cacofonia delirante.

Observe que dentro da capa estão escritos conselhos e outros avisos, como "Se você ouvir este disco pela primeira vez, seus amigos não o reconhecerão mais", "Se você ouvir este disco uma vez por dia, seu cérebro será destruído". Além disso, pode-se ler também LSD, Haxixe, Joint… Resultado das corridas: Cottonwoodhill criou uma grande polêmica e foi banido em alguns países inclusive nos EUA. Ao nos esforçarmos demais para procurar problemas, acabamos encontrando-os.

Convido você a obter a reedição do CD pela Purple Pyramid porque originalmente "Brainticket Parte 1" estava em duas etapas: "Brainticket Parte 1" no lado A e "Conclusão da Parte 1 do Brainticket" no lado B. Hoje, graças à Purple Pyramid, este título é uma pedaço. Um conselho após uma primeira audição no dia 18.

Títulos:
1. Black Sand
2. Places Of Light
3. Brainticket (Part One)       
4. Brainticket (Part One Conclusion)
5. Brainticket (Part Two)

Músicos:
Hellmuth Kolbe: Eletrônica
Werni Fröhlich: Baixo
Cosimo Lampis: Bateria
Ron Bryer: Guitarra
Joel Vandroogenbroeck: Órgão, Flauta
Wolfgang Paap: Tabla
Dawn Muir: Vocais

Produção: Bischof, Kolbe

Crítica: «The Embryo» de Deep Limbic System, um prog EP com atmosferas carregadas de emoção e expressividade da cidade, Juárez

Deep Limbic System é um projeto musical que tem origem em duas cidades irmãs: Ciudad Juárez, Chihuahua no México e El Paso, Texas nos EUA. Foi fundado em 2012 por Sergio Sunga e Efraín Faire, que se juntaram a Antonio Alva, José Armengol e Carlos Bárcenas para reunir uma fusão de influências que vão desde o rock, metal, jazz e até música latina. 

É em 2014 que a banda (agora com a inclusão de Ángel Daniel) lança oficialmente seu EP de estreia intitulado The Embryo, um trabalho bem recebido pela crítica europeia e americana que gerou tamanho impacto que os faria assinar com a gravadora mexicana. .especializada em música experimental e progressiva Azafrán Media. 

Vale ressaltar que o nome do grupo é inspirado no sistema límbico profundo, uma das partes do cérebro responsáveis ​​pela criação e gestão das emoções no ser humano. 

Como essa característica da função cerebral poderia ser transferida para a música?

Amniotic tem um início elegante em que o saxofone tocado pelo maestro Beto Valtierra constrói uma atmosfera taciturna e sóbria na companhia de violão e piano. É uma peça introdutória que cumpre abrindo com maestria o que será uma bela experiência auditiva. 

Dysania continua a inércia da elegância com notas de piano de onde emerge a distorção das guitarras e se apresenta a sutil e leve execução vocal. A sincronia entre as melodias de voz e violão dão um toque lindo ao conjunto; e é justamente a guitarra que brilha em toda sua glória com solos melódicos, riffs e seções de grande fabricação. Os efeitos eletrônicos funcionam como uma camada decorativa que amplia o fundo e dá amplitude ao som geral. As mudanças de intenção e transições são guiadas com liderança pela entonação das guitarras, cujo peso imprime um ar de metal na dose perfeita. 

Orison começa suave e sereno com um acorde de guitarra que é rapidamente complementado por bateria e baixo, tecendo um ritmo contemplativo carregado de emoção que é exaltado e elevado por um solo de guitarra arrepiante devido ao seu conteúdo altamente expressivo. O sax volta a aumentar ainda mais o intenso fluxo de emoções, que evoluem para um ambiente muito próximo do experimental e induzem a uma profunda e comovente tranquilidade introspectiva. O baixo toca uma bela linha que inicia a seção atmosférica, que absorve o ouvinte em uma camada de sons cálidos e catárticos que aos poucos conseguem subir de forma sublime graças ao intenso e climático solo de teclado. 

Owls mantém a atmosfera de calor e expressividade com um violão envolvente que exalta a sutileza e delicadeza da voz. Esta música inclui uma percussão totalmente latina que confere um traço único ao seu ADN, sendo melancólica mas com uma vibe dançante, criando uma combinação surpreendente e funcional. 

Farewell tem um ar de grandeza desde sua introdução pontuada por guitarras, percussão e teclados. A voz injeta um motivo melódico que é replicado pelas teclas e cordas, tudo pontuado por um ritmo mid-tempo que enfatiza a calma e a progressão. O piano e a guitarra são o coração e a alma desta peça, elevando os seus níveis de emoção e impacto, especialmente com um solo memorável. O saxofone volta a dar um último vislumbre de beleza e presença que se prolonga pela performance vocal, mas é a guitarra que num momento de total inspiração fecha o EP com um momento sublime e catártico. 

The Embryo é um trabalho elegante, emocional e altamente expressivo, cheio de coração e dedicação. Cada peça flui sutilmente, transmitindo uma atmosfera de calma e serenidade que toca suavemente o ouvido do ouvinte, convidando-o a se deixar envolver pelos belos sons. 

Há uma grande elegância na composição, arranjo e apresentação de cada um dos elementos, o que faz com que cada melodia, solo, mudança de intenção e transição se encaixem perfeitamente e se desenvolvam de forma orgânica e natural, criando uma atmosfera acolhedora e contemplativa. 

Uma coleção de peças que mostram o grande potencial da banda e que vão agradar aos amantes do prog com atmosferas carregadas de emoção e expressividade. 

DISCOGRAFIA - AEONS Progressive Metal • United Kingdom

 

AEONS

Progressive Metal • United Kingdom

Biografia de Aeons

AEONS é uma banda de metal da Ilha de Man tocando metal progressivo técnico com vocais de hardcore melódico e áspero

AEONS discografia

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AEONS top albums (CD, LP)

4.00 | 1 ratings A Tragic End 2019

Crítica do álbum: Gary Clark Jr. – This Land

 

O homem do blues Gary Clark Jr. com seu terceiro álbum de estúdio, This Land , trazendo seu som para fora do escaninho…

Nos quatro anos desde seu álbum anterior, Gary Clark Jr. libertou-se dos limites de seu som característico de blues-rock em busca de algo maior. Tem sido um hábito persistente dele lançar um álbum ao vivo entre cada gravação de estúdio. Isso nos diz que seus fãs estão ansiosos pelo som áspero e não polido de seus shows ao vivo, com solos de guitarra sujos e releituras de suas próprias músicas como status quo. Portanto, a última coisa que alguém esperava ouvir é que Clark puxou sua guitarra para fora da vanguarda (na maior parte) e, em vez disso, está preenchendo a lacuna entre seus dois primeiros álbuns de blues e o som dos dias atuais. “Você vai ser analógico ou vai ser digital? Estamos em um mundo onde a única coisa natural a fazer é juntar tudo.”

A inspiração para a faixa de abertura “This Land” veio depois que Clark comprou um rancho no Texas – “Right in the middle of Trump country” ele cospe no primeiro verso – 0/10 para sutileza. Na música, seus novos vizinhos dizem para ele “voltar para onde você veio”. A letra da faixa permanece politicamente carregada, com o refrão fechando com uma réplica igualmente transparente: ' Foda-se você, sou filho da América/ É de onde eu venho. ' O videoclipe do single não é menos direto, com Clark tocando seu violão na varanda de uma casa decadente, mas suspeitamente branca (trocadilho intencional), bandeiras americanas e confederadas voando por toda parte.

A política ressurge por toda parte, mas nunca é tão direta quanto na faixa de abertura. Em vez disso, Clark aborda temas como estar na estrada na ausência de sua família, bem como a mitologia inerente às canções clássicas de blues. De muitas maneiras, este é o álbum de rock perfeito para 2019. A primeira escuta nos diz que Clark estudou mais estilos de música do que você pode imaginar, e aqui ele tenta derramar um pouco de cada um em seu trabalho. Cada música caminha na linha entre seu blues liderado pela guitarra e outro subgênero diferente da música popular. Há algo para todos aqui. Preparar?

Se você quiser ouvir a interpretação de Gary Clark Jr. de Marvin Gaye, ouça “Feed the Babies”. Você gosta do príncipe? Tente "Pearl Cadillac". “When I'm Gone” poderia ser um cover de Smokey Robinson gravado no século XXI .

Foto: Joey Martinez

E há até acenos para nosso amigo onipresente, profeta e polímata visionário Kanye West na penúltima “Don't Wait Til Tomorrow” – completo com samples vocais da lenda do blues Elmore James. O último, junto com “What About Us” (contagiantemente simples e legal sem esforço) são os destaques deste crítico.

Não termina aí. Os sabores de King Tubby, Manu Chao, Air e inúmeros outros podem ser destacados neste livro gigante de receitas sônicas. Apesar da vasta gama de gêneros percorridos nesta viagem, o triunfo está no gel reunindo os elementos periféricos, um senso de coesão. O tom de guitarra de Clark, as nuances de composição e a devoção intrínseca à cultura do blues ajudam a manter tudo colado. E no final de tudo, o álbum fecha o círculo com “Dirty Dishes Blues”, um adorável aceno despojado para o clássico livro de canções de blues de Muddy Waters – e um lembrete de que o coração pulsante deste álbum ainda é o blues. .

Há momentos em que mergulhar em tantos gêneros musicais pode parecer muito abrangente para suportar qualquer peso e, portanto, os sentimentos geralmente se perdem antes de ressoar com o ouvinte. No entanto, This Land é um importante trampolim na carreira deste artista e estabelece um caminho a seguir. Os dois lançamentos completos anteriores de Clark foram muito mais dedicados ao blues, com muito poucas faixas explorando além dos mesmos quatro instrumentos, então brincar com baterias eletrônicas, sintetizadores e samples vocais é um golpe de mestre estilisticamente para qualquer músico que queira ser levado a sério.

Folk Rock. Tudo sobre a história da música folk-rock, artistas, álbuns e influências

 

Bob Dylan pode ser creditado por empurrar a música folk para o mundo do rock quando ele se tornou elétrico em um festival folk (inédito na época). A década de 1970 foi o verdadeiro advento de artistas Folk Rock como The Mamas & the Papas, Simon & Garfunkel e Neil Young. Mais recentemente, pessoas como Ryan Adams, Head and the Heart, Mumford and Sons, The Lumineers e outros artistas de mentalidade semelhante estão lançando sua energia para manter a estética folk-rock viva e bem.

Instrumentos Folk-Rock de Escolha

Assim como os cantores e compositores, os folk-rockers tendem a centralizar suas canções em torno de um violão. Geralmente, eles também apresentam uma banda de rock completa, que inclui guitarra elétrica, baixo elétrico e bateria. Algumas bandas também incorporam instrumentos de bluegrass como violino, banjo e bandolim em sua formação, enquanto outras usam instrumentos de blues mais tradicionais, como gaita e lap steel. Nos últimos anos, bandas que pegaram a tradição do folk-rock desenvolveram o gênero em algo mais conhecido como "folk indie". Este novo portador da tradição folk-rock inclui bandas como os Lumineers e Mumford & Sons, que fazem música rock popular para o rádio usando instrumentos folk e informados pela tradição de contar histórias inerente à música folk tradicional.

Álbuns clássicos de folk-rock recomendados

Bob Dylan - (Columbia, 1966)
The Byrds - (Columbia/Legacy 1965)
Paul Simon - (Warner Bros., 1987)

Informações básicas sobre Folk-Rock

O Folk Rock nasceu na década de 1960 , quando artistas como Bob Dylan & the Band e os Byrds - sem dúvida dois dos maiores pioneiros da evolução do gênero - começaram a responder à invasão britânica de bandas criativas de rock como The Beatles e The Who , usando suas influências folclóricas. Esses jovens intelectuais e compositores politicamente experientes cresceram influenciados pelos cantores folk das décadas de 1930 e 1940, como Leadbelly e Woody Guthrie .

Pode-se argumentar que Bob Dylan criou o folk rock quando puxou sua guitarra elétrica no Newport Folk Festival em 1965, ofendendo os mais tradicionais tradicionalistas da música folk. Mais tarde, bandas como The Mamas & The Papas, Peter Paul & Mary, The Turtles e Crosby Stills Nash & Young ajudariam ainda mais o movimento folk rock, tendo sido influenciados por nomes como Dylan e o cantor/compositor britânico Donovan.

A década de 1970 viu o verdadeiro advento de artistas folk-rock como The Mamas & the Papas, Simon & Garfunkel e Neil Young. Mais recentemente, pessoas como Dan Bern, Ryan Adams e Hammel on Trial estão mantendo a cena folk-rock próspera.

Música de Academia: As melhores dicas para malhar motivado!

A música de academia é algo que pode realmente tornar o momento de exercícios ainda mais prazeroso. Afinal, durante todo o esforço, nada melhor do que contar com aquela trilha sonora que vai te manter animado, não é mesmo?

Mas claro, além de levar seu smartphone e um fone de ouvido, não se esqueça de montar uma boa playlist. É por isso que neste conteúdo, trouxemos dicas de melhores músicas para malhar e lhe explicamos os benefícios dessa prática.

Assim, confira a lista de empresas, procure a melhor academia perto de você e acompanhe nosso conteúdo para tornar esse momento ainda melhor. Boa leitura!

Confira nossas dicas de música de academia e monte sua playlist

Na hora de montar sua playlist com música de academia, é sempre interessante buscar aqueles hits que podem te manter motivado. Assim, a melhor alternativa é escolher entre músicas mais alegres, com boas batidas e ritmos acelerados.

Dessa forma, reunimos várias opções na lista a seguir, para que você aproveite esses ritmos e faça seu treino de forma ainda melhor. Veja!

• Don’t Start Now – Dua Lipa
• Bad Guy – Billie Eilish
• Goosebumps REMIX – Travis Scott, HVME
• Melody – Lost Frequencies ft. James Blunt
• Tokyo Drift – KVSH
• Higher Power – Coldplay
• Do It To It – ACRAZE
• Wolves – Selena Gomez ft. Marshmello
• Believer – Imagine Dragons
• Brisa – IZA
• Banana – Anitta ft. Becky G
• ON – BTS
• Heartbreak Anthem – Galantis, David Guetta e Little Mix
• Savage Remix – Beyonce ft Megan Thee Stallion
• Juice – Lizzo
• Abcdefu – GAYLE
• Lights Up – Harry Styles
• I Don’t Care – Ed Sheeran & Justin Bieber
• Piece Of Your Heart – Meduza, Alok
• All The Way Up – Fat Joe, Remy Ma ft. French Montana, Infared

Viu só como reunimos 20 dicas muito animadas? A partir dessas músicas você pode encontrar ainda mais opções que podem lhe agradar e que vão tornar sua playlist única.

Criando uma playlist versátil você tem a chance de ter músicas para lhe ajudar nas corridas, pedaladas e até no momento de tonificar os músculos.

Música de academia: veja os benefícios de treinar com trilha sonora

Depois de conferir nossas dicas de música de academia, você já pode montar sua playlist e preparar o momento do dia para se exercitar. Mas sabia que contar com música nesse momento pode ser muito vantajoso?

Pois é, a música tem um poder incrível em nossas vidas e durante a prática de atividades físicas não seria diferente. Assim, explicamos mais sobre esse benefícios para que você adote a música como grande aliada na hora de manter seu corpo em movimento.

Você não percebe o esforço

Um dos principais pontos positivos de se exercitar escutando música é que ela ajuda a diminuir a sua percepção de esforço. Afinal, de acordo com o ritmo você estará fluindo com a atividade e curtindo o som.

Ou seja, a música deixará o clima ainda mais leve e ao escutar aqueles hits que você ama, ficará mais fácil se manter animado e sem se preocupar com o esforço que estará fazendo.

É justamente ao ter essa leveza durante o treino que você poderá chegar a um desempenho ainda melhor.

Por isso, ao contar com um bom instrutor que passará as atividades adequadas e uma boa playlist, melhor será sua experiência na academia.

É possível manter um ritmo

Na hora de fazer exercícios físicos, é normal que seu corpo vá cansando ao longo da atividade e você acabe perdendo o ritmo. No entanto, com a música de academia fica ainda mais fácil se manter motivado.

Isso porque, a música acaba sendo um estimulante para a região motora do cérebro e lhe ajuda a criar uma consciência corporal. Logo, o ritmo da música se torna um verdadeiro combustível para que seu corpo continue em movimento.

   

Ao treinar escutando uma boa playlist, você pode perceber como é possível continuar com um bom ritmo durante todo o movimento.

Seus níveis de prazer durante o treino ficam maiores

Escutar música, de forma geral, é algo que nos ajuda a relaxar e durante o treino é algo que pode manter seus níveis de prazer.

Isso porque, ao escutar uma música que lhe agrada, as chances do seu corpo liberar hormônios de estresse são menores.  Por isso, a tendência é que você não sinta raiva, cansaço ou qualquer outro tipo de tensão durante a prática.

Ou seja, a música pode ser um elemento ideal para manter o seu ânimo e tornar as atividades mais prazerosas.

Melhorias no seu humor

Se você é aquele tipo de pessoa que não gosta muito de atividades físicas, e só pratica pela necessidade, a música de academia também pode te ajudar.

Por meio da música, você não precisa ir mais para o treinamento de mau humor, uma vez que estará escutando bons hits. Com isso, contando com uma trilha sonora que lhe agrada, maiores são as chances de você se manter mais alegre e disposto.

Isso tudo tem a ver com o próprio poder da música de impactar em nosso humor e influenciar no nosso estado de espírito.

A música serve como estimulante

Após todas essas informações, foi possível notar como a música de academia é um verdadeiro estimulante, não é?

Dessa forma, ao escutar um ritmo animado, como indicamos, é bem provável que você não vai querer ficar parado. E mesmo durante aqueles exercícios mais chatos, seu cérebro estará recebendo um bom estímulo.

Logo, sua energia durante toda a atividade tende a durar e sua experiência será ainda melhor.

Conclusão

Viu só como é possível criar uma boa playlist de música de academia com vários hits? Depois das nossas dicas, você tem referências para montar uma lista ainda mais completa para embalar seus treinos.

E claro, agora você também já sabe como a música é um grande estimulante e pode te ajudar a ter ainda mais bom humor durante os treinos. Sem notar todo o esforço e se mantendo motivado durante toda a atividade.

Por isso, na hora de se inscrever na academia, separe a roupa adequada e não deixe de criar aquelas playlists que vão tornar o momento ainda melhor.

Leve o celular, o fone de ouvido e sempre mantenha aquelas músicas animadas que você gosta por perto. Aposto que seu treino vai ser muito produtivo!