100 músicas para aprender inglês

 

Entre os tópicos sobre os quais mais gostamos de escrever, as paradas musicais são o nosso principal favorito. Principalmente se pudermos dedicar as 100 músicas escolhidas a um propósito específico. Neste caso, recomendamos 100 músicas para aprender inglês levando em consideração as memórias da escola e do ensino médio, mas também a capacidade de vocalização dos cantores e o nível de dificuldade das letras.

Nesse sentido, você verá que há uma evolução ao longo das músicas. Isso porque a música para aprender inglês que escolhemos e ordenamos busca que o ouvido acostumado ao português se familiarize aos poucos com as novas palavras. Assim, se você tiver tempo, você aproveitará mais de 6 horas para aprender inglês com músicas que vão do pop mais clássico ao rap, passando pelo rock e R&B, tudo para você não perder nada.

Caso o que você realmente esteja procurando sejam músicas fáceis em inglês por exemplo para aprender o alfabeto inglês que ouvimos tantas vezes em filmes e até mesmo na Vila Sésamo, temos o prazer de informar que acabamos de finalizar a playlist com ela. Porque embora a ideia seja que a dificuldade cresça a cada música, o fechamento de The Alphabet Song tem que servir como uma união com o início da lista, caso você queira voltar novamente para rever.

As melhores músicas para aprender inglês

Como sempre, além do link para a playlist, abaixo deixamo-vos com as cinco primeiras músicas da lista, já que foram escolhidas primeiro propositalmente. Mas como dissemos antes, nesta seleção, além de começar com algumas músicas para aprender inglês no nível básico, também levamos em consideração quais nossos professores de inglês escolheram na época, deixando para seus cálculos os anos que temos agora se fôssemos crianças com músicas como Big Big World.

O principal é que a música ajuda seus objetivos, mas se você não tem tempo e o que procura é aprender inglês com música e aprender a pronunciar, nas linhas a seguir deixaremos mais links para você ouvir música sem ter que abrir qualquer aplicativo ou programa Spotify.

Big Big World, de Emilia

A Big Big World de Emilia é uma daquelas músicas fáceis para aprender inglês que muitos associam quando pensam em músicas para estudar inglês. Pelo menos aqueles alunos que tinham um professor com alguma apreciação musical. Todos os papéis impressos em cada mesa da aula, ouvindo seu Big Big World repetidamente enquanto seguíamos a letra com os dedos.

Mas por que fez tanto sucesso entre os professores de inglês? Provavelmente porque todos gostaram e a letra era simples e clara, perfeita para o ensino fundamental ou médio, pois é uma das primeiras músicas do presente simples que vêm à mente.

Best Day of My Life, de American Authors

Antes de pensar em músicas para treinar inglês, decidimos que o mais importante é a variedade, tanto nos estilos quanto nas datas de lançamento. Se a primeira pertence ao final dos anos 90, essa música de American Authors é muito mais atual, dentro da década de 2010.

A razão pela qual faz parte está em nossa experiência pessoal, ouvindo um parente quando tinha menos de 10 anos cantando com dicção perfeita a letra em inglês de Best Day of My Life. Não porque falasse inglês, nem entendesse nada do que o grupo estava dizendo. Isso foi o mais impressionante, porque não tem nada a ver com ser um gênio ou não; foi simplesmente ouvido (como também aconteceu com My Neighbor Totoro em japonês). Assim que a música parou de tocar no carro da família, tudo foi esquecido.

Murder on the Dancefloor, de Sophie Ellis-Bextor

Se falamos de músicas boas para aprender inglês, agora não temos escolha para não falar sobre Sophie Ellis-Bextor, que bateu forte há mais de 10 anos. A graça de aprender inglês com a música dessa cantora é que a letra tem isso e pode ser tão divertida quanto o ritmo e até mesmo o videoclipe, se você quer recuperá-lo ou nunca o viu.

Billie Jean, de Michael Jackson

Logicamente, dedicar a seguinte música para aprender inglês aos anos 80 era o mais previsível… e não queríamos decepcionar. Seguindo os mesmos critérios de seleção dos American Authors, o motivo de ter Billie Jean é o mesmo, mas contando uma anedota de 20 anos antes.

Beautiful That Way, de Noa

Finalmente, antes de fechar a lista com uma faixa bônus, terminamos exatamente como começamos. Beautiful That Way foi mais uma daquelas músicas que fez muito sucesso naquele difícil período de mudança que o novo século representou, graças principalmente à popularidade do filme Life is Beautiful. No entanto, o seu aparecimento aqui não se deve tanto à data da sua publicação, mas sim ao facto de ter sido utilizado por muitos professores para que os alunos possam aprender inglês com música.

Portanto, se você quiser começar a ouvir nossa playlist de 100 faixas para aprender inglês com música online grátis em ordem, esperamos que goste das cinco primeiras. Se você continuar ouvindo, verá que há um pouco de tudo, então queremos que você goste tanto quanto gostamos de fazê-lo. E se você quiser continuar navegando na web, não esqueça que temos muitas mais listas de músicas projetadas para você.

The Alphabet Song, de Big Bird

Agora sim, terminamos o artigo dedicando algumas palavras à famosa The Alphabet Song, a canção do alfabeto inglês por excelência que Big Bird cantou na Vila Sésamo, que muitos de nós  pensamos é música fácil para aprender inglês, para rapazes e raparigas.

 

Black Widow - Black Widow 1971

 

O segundo álbum homônimo do Black Widow foi uma tentativa consciente da banda de reduzir as armadilhas satânicas que dominaram sua estreia e, no processo, redirecionar o foco da mídia da controvérsia para a música do grupo. Pena que sua visão de composição permaneceu, na pior das hipóteses, sem foco, na melhor das hipóteses, um enigma: um amálgama incompleto de rock progressivo, música folk, blues britânico e - menos de tudo - algumas noções muito tênues de hard rock e proto-metal. que desde então formaram erroneamente um equívoco comum da banda, devido aos seus laços comerciais com o  Black Sabbath e, claro, seu interesse intermitente nas artes das trevas. O último só é realmente sentido aqui no apelo gótico e assustador de "Mary Clark", e o mais próximo que a Viúva Negra chega de realmente agitar é com o formato refrescantemente direto de "Wait Until Tomorrow". Em outros lugares, infelizmente, trata-se de exemplos esquecíveis ("The Journey", "Poser", "Legend of Creation") ou derivados ("Tears and Wine" com sua vibração suave de King Crimson) de prog-lite,  com um alguns interlúdios musicais inúteis ("Bridge Passage", "An Afterthought") lançados como preenchimento. Mas talvez o mais revelador de tudo seja a segunda música, "The Gypsy", que, por destacar a  flauta de Clive Jones , , mas nunca chega nem perto de replicar  a intensidade de olhos arregalados de Ian Anderson , não importa suas frases eloquentemente elípticas. Se alguma música aqui poderia resumir sozinha o status de fracasso da Viúva Negra, é isso, mas então, a totalidade deste LP também faz o truque. 

MUSICA&SOM

Jefferson Airplane - Surrealistic Pillow 1967

 

O segundo álbum de Jefferson Airplane, Surrealistic Pillow, foi uma peça inovadora de psicodelia baseada no folk-rock e atingiu como um tiro ouvido em todo o mundo; onde os esforços posteriores de bandas como  Grateful Dead ,  Quicksilver Messenger Service e, especialmente,  os Charlatans , foram inicialmente não muito mais do que sucessos de culto, Surrealistic Pillow liderou as paradas pop durante a maior parte de 1967, subindo naquela região rarefeita do Top Five ocupada por nomes como  os Beatles ,  os Rolling Stones , e assim por diante, aos quais poucos artistas de rock americanos além  dos Byrds foi capaz de reivindicar desde 1964. E décadas depois, o álbum ainda é tão forte quanto qualquer um dos melhores trabalhos desses artistas. Dos singles Top Ten "White Rabbit" e "Somebody to Love" ao sublime "Embryonic Journey", as sensibilidades são ferozes, o material consegue ser melódico e complexo (e arrasa também), e as performances, despertadas pelo novo membro  Grace Slick  na maioria dos vocais principais, são inspirados, ajudados por  Jerry Garcia  (servindo como conselheiro espiritual e musical e às vezes guitarrista). Cada música é um diamante perfeitamente lapidado, perfeito demais aos olhos dos membros da banda, que sentiram que seguindo a direção do produtor  Rick Jarrard e trabalhando em tempos de execução de três e quatro minutos e entregando acompanhamentos cuidadosamente cantados e solos sucintos, resultou em um registro que não representava seu som real. Independentemente disso, eles fizeram coisas maravilhosas com a música dentro dessa estrutura, e a única pena é que a RCA não gravou para lançamento oficial nenhum dos shows do grupo da mesma época em que esse material compunha a maior parte de seu repertório. Assim as versões ao vivo, com a criatividade da banda à solta, podiam ser comparadas e contrastadas com o disco. A composição foi distribuída entre  Marty Balin ,  Slick ,  Paul Kantner e  Jorma Kaukonen , e  Slick  e  Balin (que nunca teve uma música mais bonita do que "Today", que ele realmente escreveu para  Tony Bennett ) compartilhou os vocais; todo o álbum resplandeceu em um feliz equilíbrio de todos esses elementos criativos antes que a experimentação excessiva (musical e química) começasse a afetar a capacidade da banda de fazer uma música direta. O grupo nunca fez um álbum melhor, e poucos artistas da época o fizeram. 

MUSICA&SOM

Funkadelic - America Eats Its Young 1972

 

Um álbum duplo e que vale cada minuto dele, America Eats Its Young é um bom momento estranho, funky e consciente. Comparado com as lajes intermináveis ​​de lixo de álbum duplo que saíram na mesma época de todas as fontes, aqui o Funkadelic trouxe vida, alma e muito mais para a festa. Com  George Clinton  creditado apenas pelos arranjos e produção, aqui o elenco louco que ele reuniu deu tudo de si. Bernie Worrell  em particular agora tinha uma nova importância, creditado como co-arranjador com  Clinton bem como lidar com gráficos de cordas e trompas em várias canções. Seus teclados crescentes e ininterruptos, entretanto, assumiram o controle desde o início, com sua magnífica quebra de liderança na abertura "You Hit the Nail on the Head", resultando em uma das melhores apresentações de todos os tempos no órgão Hammond. Bootsy Collins  (creditado como William) também está em algum lugar na multidão no baixo e nos vocais, enquanto velhos favoritos como  Eddie Hazel  e  Tiki Fulwood , entre muitos outros, podem ser encontrados. Talvez para preencher o tempo, alguns números do primeiro  álbum do Parliament  ,  Osmium, dois anos antes surgiram, ou seja, "Loose Booty" e a hilariante e desprezível "I Call My Baby Pussycat", aqui executada com um groove visivelmente mais lento e sujo. O apelo social direto às armas aparece por toda parte, com o título de uma música dizendo tudo - "Se você não gosta dos efeitos, não produza a causa". Outros vencedores incluem a cruel faixa-título, combinando tudo, desde vozes misteriosas carregadas de desgraça e lamentos chorosos a música lenta e triste, e a conclusão "Wake Up", enquanto "Everybody Is Going to Make It This Time" é um adorável gospel balada informada que vai para os céus e corações. Também existem preocupações mais mundanas, como "There Was My Girl", um choro peculiar e o estranho, embora suave, "Miss Lucifer's Love,

MUSICA&SOM

ROCK ART

 

Luiza Lian : "7 Estrelas | Quem Arrancou O Céu?"

 

Crítica

Luiza Lian

 : "7 Estrelas | Quem Arrancou O Céu?"

Ano: 2023

Selo: Risco / ZZK Records

Gênero: Art Pop, MPB, Experimental

Para quem gosta de: Céu e Xênia França

Ouça: Eu Estou Aqui, Desabriga e Deságua

Do solo lamacento de um cenário consumido pelas incertezas e o caos urbano, floresce o repertório de 7 Estrelas | Quem Arrancou O Céu? (2023, Risco / ZZK Records). Quarto e mais recente álbum de estúdio de Luiza Lian, o registro que teve suas músicas compostas ainda em 2019, antes do período pandêmico, pinta um retrato sombrio do Brasil em seus anos mais recentes, profetiza o óbvio diante de um governo vil e perverso (“Todo mundo morto / Todo mundo morto“), porém, estabelece na força dos sentimentos uma importante ferramenta de transformação poética que acolhe, envolve e conduz a experiência do ouvinte.

Sequência ao material entregue em Azul Moderno (2018), o registro produzido e composto em parceria com Charles Tixier funciona tanto como uma crônica da época em que vivemos, como um mergulho na mente e nas inquietações de Lian. “Pode ser que eu esteja aqui por todos os motivos errados / Mas eu estou aqui“, reflete na já conhecida Eu Estou Aqui, música que levanta uma série de questões (“Onde é o fim do mundo? / Que horas chega o futuro? / Qual altura desse muro?“), porém, segue firme em suas convicções (“Por mais fundo que seja o fundo do mar o mar tem fundo“). Um misto de insegurança e necessidade de seguir em frente, dualidade que fatia o disco em duas metades, mesmo preservando sua homogeneidade.

Partindo dessa abordagem, Lian reserva ao primeiro bloco de canções uma crueza poucas vezes antes vista em suas obras. São composições que passeiam em meio a cenas descritivas, transbordam conflitos pessoais e mergulham em temas políticos com a exaustão de quem assiste com incredulidade ao absurdo. Mesmo quando estreita laços com outros colaboradores, como Céu, em Tecnicolor, ou se aprofunda em temas sentimentais, caso de Homenagem, há sempre um elemento de desconforto e ruptura, tensionando a experiência do ouvinte. Ideias e atravessamentos de informações que mudam de direção a todo instante.

Vem justamente dessa delirante combinação de elementos que orienta a formação dos versos o estímulo para o som retorcido que Tixier busca desenvolver ao longo da obra. É como um imenso pano de fundo abstrato em que texturas, filtros e batidas sempre fragmentadas surgem e desaparecem a todo instante, tornando impossível prever qualquer movimento da dupla. A própria voz de Lian, sempre carregada de efeitos, acaba se transformando em um instrumento ruidoso nas mãos do produtor, conceito reforçado no som industrial de Forca e Cobras Na Sua Mesa, dobradinha que pontua a primeira metade do trabalho.

Passado esse momento de maior inquietação, como um remix torto de tudo aquilo que Lian e Tixier têm explorado desde Oyá Tempo (2017), Viajante abre passagem para a porção seguinte do trabalho. Ainda que a faixa em questão pareça incapaz de replicar a mesma riqueza de detalhes e potência do material entregue minutos antes, esbarrando em pequenas repetições estruturais, o que se revela em sequência é uma sucessão de pequenos acertos. São melodias tão radiantes quanto distorcidas, estímulo para a formação de músicas que ora esbarram em temas existenciais, ora resgatam o romantismo agridoce do disco anterior. Exemplo disso pode ser percebido no afoxé desconstruído de Desabriga. “Eu não cheguei aqui sozinha / Não quer brigar / Não desabriga“, canta em uma delicada reflexão sobre cumplicidade amorosa, evidenciando a busca por aproximação frente ao distanciamento espelhado em Homenagem.

É como se a artista partisse de um ambiente soturno em direção à luz, fazendo da sequência de faixas um respiro aliviado após a jornada poética e emocional que se inicia com o convite da introdutória A Minha Música É (“Pra você entrar / E fazer sua viagem“). O próprio fechamento dado ao disco, com a ascensão cósmica de 7 Estrelas, seguida pelo pagodão baiano e tom festivo de Deságua, parece contribuir ainda mais para esse resultado. Uma lenta transição que parte dos sentimentos, dores e angústias vividas pela cantora na época em que o trabalho foi composto, mas que busca e encontra um espaço particular de libertação.

Fabiano do Nascimento : "Das Nuvens"

Crítica

Fabiano do Nascimento

 : "Das Nuvens"

Ano: 2023

Selo: Leaving Records

Gênero: Jazz, Instrumental, Eletrônica

Para quem gosta de: Baden Powell e Hermeto Pascoal

Ouça: Yûgen e Das Nuvens

Depois de uma década dedicado ao estudo do violão e produção de obras marcadas pelo refinamento acústico, Fabiano do Nascimento amplia o próprio campo de atuação com o lançamento de Das Nuvens (2023, Leaving Records). Concebido em parceria com Daniel Santiago, que também assumiu a arte do trabalho, o registro de onze faixas chama a atenção pelo inusitado diálogo do violonista carioca radicado em Los Angeles com a música eletrônica. São canções marcadas pelo caráter exploratório e uso sempre calculado das batidas e bases sintéticas, como o princípio de uma nova fase na carreira do compositor.

Com base nesse proposta, toda a porção inicial do registro parece pensada para introduzir o ouvinte ao novo território criativo explorado pelo artista. Em Babel, são camadas de sintetizadores e fragmentos rítmicos que se revelam ao público em uma medida própria de tempo, sem pressa, como um ensaio para o que parece melhor resolvido na posterior Thrdwrld, quando não apenas as batidas reverberam com maior destaque, como o violão, principal ferramenta de trabalho do músico, ecoa de forma cristalina. É como se cada canção servisse de passagem para a faixa seguinte, vide o desenho completo em Train to Imagination.

Uma vez apresentadas todas as regras e estruturas que caracterizam o registro, o compositor carioca se permite brincar com as possibilidades. Faixa-título e canção escolhida para anunciar a chegada do disco, Das Nuvens funciona como uma boa representação desse resultado. São pouco mais de três minutos em que o artista contrasta a atmosfera jazzística com o atravessamento das batidas e teclas futurísticas. É como um ensaio para o que se revela de forma menos compacta e totalmente fluida em Yûgen, música que detalha, mesmo em um curtíssimo intervalo de tempo, diferentes camadas e sobreposições instrumentais.

Minutos à frente, com a chegada de Aurora, Do Nascimento abre passagem para o lado contemplativo do disco. Com o violão em segundo plano, o músico carioca destaca o uso das texturas e ambientações eletrônicas, como um convite a se perder em um cenário marcado pela flutuação dos elementos. Embora atrativa em uma primeira audição, esse reducionismo excessivo e uso de estruturas bastante similares aos poucos evidencia as pequenas rachaduras do trabalho. Exemplo disso pode ser percebido em Eterno, faixa que soa como uma reinterpretação pouco expressiva do material apresentado logo na introdutória Babel.

Mesmo quando oferece maior destaque ao violão e preenche possíveis espaços com as batidas, como em Stranger Nights, prevalece a sensação de uma obra arrastada, por vezes cíclica, como se o ouvinte fosse confinado a um ambiente que pouco evolui conceitualmente. Falta ao disco a mesma riqueza de detalhes e pequenos improvisos incorporados aos antigos trabalhos do violonista que, em diversos momentos, esbarra em um resultado puramente paisagístico, vide a sequência formada por Blu’s Dream e 3 Pontas. Composições que parecem dar voltas em torno de um mesmo conjunto de ideias e formatações rítmicas.

Nesse sentido, Das Nuvens soa muito mais como um estudo do que necessariamente um trabalho completo. A própria duração das faixas, resolvidas em um intervalo de poucos minutos, bem como o uso pequenas repetições estruturais, parece contribuir para esse resultado, conceito que se reflete até os momentos finais, na esquelética Amoroso. São ideias interessantes e naturalmente corajosas quando observamos o vasto repertório consolidado pelo artista carioca, mas que parecem incapazes de causar a mesma sensação de impacto percebida em qualquer outro registro, antigo ou recente, produzido pelo violonista.