terça-feira, 15 de agosto de 2023

Crítica Georgia : "Euphoric"

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Crítica

Georgia

 : "Euphoric"

Ano: 2023

Selo: Domino

Gênero: Synthpop, Electropop

Para quem gosta de: Romy, Shura e CHVRCHES

Ouça: Give It up for Love e It’s Euphoric

Lançado no início da pandemia de Covid-19, Seeking Thrills (2020), como muitos trabalhos revelados no mesmo período, é um desses registros que foram praticamente engolidos frente ao cenário turbulento e série de acontecimentos dos meses que se sucederam. Ponto de partida para uma nova fase na carreira da cantora, compositora, baterista e produtora Georgia Barnes, o álbum conta agora com uma chance de “redenção” ao mergulharmos no repertório de Euphoric (2023, Domino), obra que não apenas segue de onde a artista parou há três anos, como potencializa uma série de elementos de forma bastante efetiva.

Fruto da colaboração entre a artista inglesa e o produtor Rostam Batmanglij (HAIM, Carly Rae Jepsen), que enviou uma menagem para a cantora após se sentir encantado pela parceria entre Georgia e o conterrâneo Mura Masa, em Live Like We’re DancingEuphoric é um trabalho que se livra de possíveis excessos em favor de um repertório acessível e altamente radiofônico. Primeira composição do disco a ser produzida pela dupla, It’s Euphoric foi a escolhida para inaugurar o material, apontando a direção para o registro que se projeta a partir do uso de vozes radiantes, camadas de sintetizadores e batidas sempre calculadas.

É como se Batmanglij fosse de encontro ao vasto repertório acumulado como produtor nos últimos anos, vide o ainda recente The Loviest Time (2023), porém, preservando a identidade criativa e essência da artista inglesa. O resultado desse processo está na entrega de um material que parece dançar pelo tempo, compilando fragmentos de diferentes décadas da música. Exemplo disso fica bastante evidente em Give It Up For Love, composição que destaca o lirismo romântico de Georgia e ainda seduz pela percussão, pianos e camadas de guitarras que evocam a psicodelia inebriante do Primal Scream no início da década de 1990.

Embora aponte para o passado, Euphoric, diferente de outros lançamentos recentes, parece ir além de um simples pop retrô embriagado pelos anos 1970 e 1980. Perfeita representação desse resultado pode ser percebida em All Night, composição em que vai de encontro à EDM de nomes como Porter Robinson e Madeon, reforçando lado enérgico do material. São sintetizadores e batidas pulsantes que parecem saídas de alguma pista de dança em 2014. Nada que impossibilite a criação de faixas marcadas pelo reducionismo dos elementos, como na crescente Mountain Song, música que avança em uma medida própria de tempo.

Tamanha pluralidade de ideias em nenhum momento faz de Euphoric uma obra confusa. Do momento em que tem início, na já citada It’s Euphoric, evidente é o esforço da dupla em amarrar tudo dentro de um mesmo conjunto de ideias, timbres e estruturas rítmicas, direcionamento anteriormente testado por Batmanglij em Immunity (2019), bem sucedida colaboração com Clairo. Mesmo os versos orbitam uma base poética bastante característica, utilizando de reflexões sobre o amor e outros momentos de maior vulnerabilidade que ampliam tudo aquilo que foi apresentado pela artista nas canções de Seeking Thrills.

Ainda assim, tal qual o registro que o antecede, Euphoric começa a perder força assim que a segunda metade do trabalho tem início. Com exceção de Friends Will Never Let You Go, com suas batidas e sintetizadores ascendentes, além, claro, da letra que se aprofunda em relações pessoais e reflexões sobre amizade, tudo segue uma abordagem excessivamente cômoda a partir da delimitação explícita em Live Like We’re Dancing (Part II). Composições como The Dream e Keep On que, embora bem resolvidas, parecem incapazes de replicar a fluidez e grandiosidade explícita em toda a porção inicial do repertório.



The Kinks - You Really Got Me 1965

 


A estreia americana dos Kinks os encontrou sob o feitiço do mesmo rock & roll americano blues que alimentou as bandas Merseybeat e suas contrapartes mais corajosas (mais notavelmente  os Rolling Stones ). Mesmo com um par de números de Chuck Berry testados e comprovados   ,  a canção-título de Ray Davies e um punhado de outros notáveis ​​anunciaram o surgimento de uma voz confiante e original. Seu "Stop Your Sobbing" é uma verdadeira joia. "Just Can't Go to Sleep" e "I Took My Baby Home" mostram  Davies criando o pop dos Beatles  de primeira linha  . A banda em si é uma pequena máquina de ritmo difícil, com acordes do tamanho de um punho do guitarrista  Dave Davies agitando em conjunto com a bateria e o baixo.  passou a encontrar uma base mais ampla como compositor, os primeiros álbuns dos Kinks ainda são tão surpreendentes e convincentes quanto décadas atrás.











Willie Hutch - Fully Exposed [1973]


Uma figura versátil durante os "anos dourados" da Motown, Willie Hutch escreveu sucessos para outros artistas, além de lançar álbuns por conta própria. Nascido Willie McKinley Hutchinson em 1946 em Los Angeles, CA, Hutch foi criado em Dallas, TX, onde começou a cantar na adolescência (como membro de um grupo chamado  Ambassadors ). Foi também durante a adolescência que Hutch começou a escrever suas próprias canções e, em 1964, lançou um single solo de estreia, "Love Has Put Me Down". Logo depois, seu talento como compositor atraiu a atenção do grupo de pop-soul dos anos 60, que logo se tornaria conhecido,  o 5th Dimension , para quem Hutch escreveu várias faixas, além de ganhar um crédito de co-produção para o álbum de estreia do grupo em 1967. comprimento  Up, Up e Away Em 1970,  pediu a Hutch para ajudar a terminar uma música que ele precisava desesperadamente ser concluída para  o Jackson 5 , "I'll Be There". Hutch entregue; a banda gravou a versão de Hutch no dia seguinte, já que eventualmente se tornou um dos  maiores sucessos iniciais do 5 , e levou o chefe da Motown,  Berry Gordy  , a contratar Hutch para atuar como compositor / produtor para outros artistas da Motown regularmente.

Hutch então produziu álbuns para  Michael Jackson  e  Smokey Robinson  durante o início dos anos 70, período durante o qual Hutch escreveu a trilha sonora do filme blaxploitation de 1973, The Mack, por conta própria. A trilha sonora é frequentemente considerada uma das melhores da época, já que gerou clássicos do funk-soul como a faixa-título, "Brother's Gonna Work It Out" e "Slick". Hutch continuou a lançar lançamentos solo para a Motown, incluindo títulos como  Fully Exposed  (1973),  Foxy Brown , (1975),  The Mark of the Beast  (1975),  Concert in Blues  (1976) e  Color Her Sunshine (1976), entre outros. Depois de se mudar brevemente para a gravadora Whitfield para alguns lançamentos, Hutch voltou para a Motown, onde lançou mais álbuns solo e trabalhou com outros, incluindo um dueto entre  os Four Tops  e  Aretha Franklin  (de 1983 "What Have We Got to Lose" ),  "Hello Detroit" (1984) de Sammy Davis Jr. e um álbum da trilha sonora do filme de 1985 O Último Dragão. Hutch lançou esporadicamente mais conjuntos solo nos anos 90 (  From the Heart de 1994 e The Mack Is Back  de 1996  ), antes de retornar seis anos depois com  Sexalicious de 2002 Ele faleceu em 19 de setembro de 2005, em sua casa nos arredores de Dallas,

MUSICA&SOM 



BIOGRAFIA DOS Aqua

 

Aqua

Aqua é uma banda dinamarco-norueguesa de Europop, mais conhecida por seu single de 1997, "Barbie Girl". O grupo foi formado em 1995 com o nome Joyspeed e alcançou sucesso internacional em todo o mundo no final dos anos 1990 e início dos anos 2000. A banda lançou três álbuns: Aquarium em 1997, Aquarius em 2000 e Megalomania em 2011. O grupo vendeu cerca de 33 milhões de álbuns e singles, tornando-os a banda dinamarquesa mais lucrativa de todos os tempos.[6]

O grupo conseguiu liderar o UK Singles Chart com três de seus singles. O grupo também causou polêmica com os duplos sentidos em seu single "Barbie Girl", fazendo a Mattel entrar com um processo contra o grupo. O processo foi finalmente indeferido por um juiz em 2002, que decidiu "As partes são aconselhadas a relaxar".[7]

Os membros da banda são os vocalistas René Dif e Lene Nystrøm, o tecladista Søren Rasted e o guitarrista Claus Norreen. Durante a separação, Nystrøm, Dif e Rasted alcançaram sucesso solo nas paradas, enquanto Norreen remixou materiais de outros artistas. Em um evento para a imprensa em 26 de outubro de 2007, o grupo anunciou uma turnê de reunião, bem como o lançamento de um álbum de compilação com novo material. Seu terceiro álbum, Megalomania, foi lançado em 3 de outubro de 2011.[8]

Carreira

1994–1995: Formação

Soren Rasted e Claus Norreen venceram um concurso e foram contratados para produzir a trilha sonora de um filme intitulado Frække Frida og de frygtløse spioner.[9] Naquela época, René Dif trabalhava como DJ de boate; ele foi contratado para algumas das canções.[9] Depois de se dar bem, o trio decidiu que trabalhariam juntos novamente em um projeto futuro.[9] Alguns meses após o lançamento do filme, Dif avistou Lene Nystrøm cantando na balsa Noruega-Dinamarca, M/S Peter Wessel. Ele a abordou e a contratou como vocalista do Joyspeed.[10] A formação do Joyspeed foi baseada em que Norreen e Rasted fariam a produção para o grupo, com Dif fazendo rap e Nystrøm fazendo os vocais principais.[9] Uma pequena gravadora sueca os contratou em 1995, e seu primeiro single "Itzy Bitzy Spider" foi lançado na Suécia.[11] O single falhou em se tornar popular e, após uma semana na extremidade inferior das paradas suecas, desapareceu completamente. Os quatro cancelaram o contrato com a gravadora.

1996–1998: Aquarium e descoberta internacional

Com um novo empresário e sem contrato com gravadora, o grupo recomeçou. Os quatro começaram a produzir e escrever canções em um estilo diferente, atraindo a atenção de uma grande gravadora, a Universal Music Denmark. Eles se renomearam Aqua, escolhendo o nome por terem visto em um pôster em seu camarim, e aceitaram a oferta de um contrato de gravação da Universal Music Dinamarca em 1996. O primeiro lançamento do grupo com o novo nome foi "Roses Are Red", uma canção dançante com um som bubblegum pop.[12] Foi lançado na Dinamarca em setembro de 1996 e permaneceu nas paradas por mais de dois meses, vendendo cópias suficientes para ser certificado como platina.[13] O sucesso do single foi ainda mais comprovado quando Aqua recebeu uma indicação de "Melhor Ato de Dança Dinamarquesa", embora o grupo não tenha vencido.

single seguinte saiu em fevereiro de 1997 seguindo o mesmo estilo. Intitulado "My Oh My", o single quebrou todos os recordes de vendas dinamarqueses ao ser certificado como ouro em seis dias.[14] O single foi direto para o número um na Dinamarca e fez do Aqua um nome familiar no país. Aqua lançou seu primeiro álbum "Aquarium" na Dinamarca em 26 de março de 1997.[15] O álbum continha 11 faixas, incluindo seus dois primeiros singles e seu então terceiro single "Barbie Girl".[15] O Universal Music Group já havia começado a comercializar o grupo em outros países, lançando "Roses Are Red" no Japão em fevereiro de 1997 e em vários países da Europa. O single provou ser popular em todos os lugares em que foi vendido, convencendo a Universal de que o grupo poderia ser um sucesso internacional.

Aqua lançou seu terceiro single "Barbie Girl" em maio de 1997. A música, à primeira vista, parece ser sobre a boneca Barbie. No entanto, em um segundo olhar, a música contém vários tons sexuais, como "Você pode escovar meu cabelo, me despir em todos os lugares", "Você pode tocar, pode brincar" e "Me beije aqui, me toque ali, safadezas."[16] Apesar das reclamações sobre os duplos sentidos de "Barbie Girl", a Universal Music lançou o single em todo o mundo em 1997. O lançamento foi um grande sucesso, alcançando o primeiro lugar no Reino Unido por quatro semanas, na Austrália por três semanas e chegando ao topo dez da Billboard Hot 100, algo raramente alcançado na época por artistas pop europeus.[17]

Embora o álbum tenha vendido bem, muitos ainda consideram o grupo como one-hit wonder.[18] Apesar disso, e de muitas críticas da mídia, o Aqua fez sua descoberta internacional e agora era conhecido em todo o mundo. O sucessor de "Barbie Girl" na Austrália, Canadá e Reino Unido foi "Doctor Jones", embora outro single, "Lollipop (Candyman)", tenha sido lançado nos Estados Unidos pela MCA Records. "Doctor Jones" entrou em primeiro lugar em vários países, incluindo o Reino Unido, onde permaneceu no primeiro lugar por duas semanas, e a Austrália, onde passou sete semanas em primeiro lugar.[19][20] "Lollipop (Candyman)" se tornou o segundo hit do grupo no Top 40 dos Estados Unidos, alcançando a posição 23ª na Billboard Hot 100.[21] A canção alcançou a 3ª posição na Austrália.[22] No Japão, ambas as canções foram lançadas como lado A duplo e alcançaram um sucesso razoável na parada de singles.

"Doctor Jones" foi seguido por "Turn Back Time". A música foi incluída na trilha sonora do filme Sliding Doors, e alcançou uma grande quantidade de airplay de rádio e vídeo.[23] A música se tornou seu terceiro single a chegar ao primeiro lugar no Reino Unido.[24] Em outros lugares, a música também teve um bom desempenho, alcançando a 10ª posição na Austrália.

O segundo single dinamarquês do Aqua, "My Oh My", foi relançado em agosto de 1998. O single também foi lançado em vários outros países europeus onde não havia sido lançado inicialmente. Após o lançamento de "Good Morning Sunshine", que alcançou um sucesso limitado,[25] o Aqua se concentrou em seu segundo álbum e em uma turnê pela Austrália. O grupo também lançou um documentário em 1º de dezembro de 1998 contendo várias apresentações ao vivo de músicas do álbum Aquarium e entrevistas com os membros.

Lene Nystrøm foi premiada em 1998 com o "Preço Especial do Júri" no prêmio norueguês de música Spellemannprisen por suas contribuições para o Aqua no ano de 1997.[26]

1999–2001: Aquarius, processo e separação

Segundo entrevistas promocionais com o grupo, mais de 30 músicas foram gravadas para o Aquarius, das quais apenas doze chegaram à versão final. O grupo lançou seu segundo álbum em fevereiro de 2000. Aquarius continha vários estilos musicais diferentes. "Cartoon Heroes" foi lançado como primeiro single e vendeu bem na Europa e na Austrália, alcançando o primeiro lugar na Dinamarca,[27] o sétimo no Reino Unido e o décimo sexto na Austrália.[28][29] O single seguinte, "Around the World", foi lançado em junho de 2000 e alcançou a posição 26ª no Reino Unido e 35ª na Austrália.[30][31] Ela alcançou o primeiro lugar na Dinamarca.[27] "Around the World" foi o último single do Aqua no Reino Unido.

Aqua lançou "Bumble Bees" como single na Escandinávia, Europa e Austrália, alcançando um sucesso razoável. "We Belong to the Sea" seguiu como quarto single em menos nações, falhando nas paradas na maioria dos países. Aqua passou os primeiros meses de 2001 em turnê internacional e trabalhando no material para seu terceiro álbum. O grupo também se apresentou no Eurovision Song Contest 2001, colaborando com o Safri Duo e fornecendo música durante as fases de votação da competição. Essa performance também causou polêmica, já que várias frases e gestos ofensivos foram adicionados durante a performance de "Barbie Girl" (que estava envolvida em um grande processo judicial). Durante alguns eventos discretos na Dinamarca, o grupo apresentou versões ao vivo de canções destinadas a serem incluídas no terceiro álbum, incluindo "Couch Potato" e "Shakin 'Stevens Is a Superstar", esta última uma homenagem ao artista dos anos 80, Shakin' Stevens.

Em dezembro de 2000, a Mattel entrou com uma ação contra a gravadora do grupo, o caso Mattel v. MCA Records, 296 F.3d 894 9th Cir. 2002, alegando que "Barbie Girl" havia prejudicado a reputação da marca Barbie.[32] O juiz Alex Kozinski, escrevendo para o Tribunal de Apelações dos Estados Unidos para o Nono Circuito, sustentou a decisão do tribunal distrital de que o uso da marca registrada da Mattel em "Barbie Girl" se enquadrava na isenção de uso não comercial da Lei Federal de Diluição de Marcas. O juiz Kozinski concluiu sua opinião escrevendo: "Aconselha-se que as partes relaxem."[33]

Discografia

Álbuns de estúdio

Álbuns de remix e compilações

Singles

  • "Itsy Bitsy Spider" (1995) (sob o nome de Joyspeed)
  • "Roses are Red" (1996)
  • "My Oh My" (1997)
  • "Barbie Girl" (1997)
  • "Didn't I" (1997) (promocional)
  • "Doctor Jones" (1997)
  • "Lollipop (Candyman)" (1997)
  • "Turn Back Time" (1998)
  • "Good Morning Sunshine" (1998)
  • "Cartoon Heroes" (2000)
  • "Around the World"(2000)
  • "Bumble Bees" (2000)
  • "We Belong to the Sea" (2001)
  • "Back to the 80's" (2009)
  • "My Mamma Said" (2009)
  • "Hou R U Doin?" (2011)[34]
  • "Playmate to Jesus" (2011) (radio single)
  • "Like a Robot" (2011) (club single)

Camilo Sesto – Biografia e obra


O 8 de setembro de 2019, faleceu Camilo Blanes Cortés. Camilo Sesto, a figura artística por trás do homem, viverá enquanto sua música for ouvida. Ou assim dizem.

Meu pai, nascido onze anos depois do cantor e com idade para comprar discos e singles desde os anos 70, principalmente, teve dois crooners no topo de sua lista de ídolos musicais da juventude. Um era Roberto Carlos, o outro Camilo Sesto. Quão representativo de uma era é isso? Não faço ideia, mas a coleção de vinis da nossa casa se destacou, entre uma grande variedade de nomes, por esses dois compositores.

Você quer saber por que o cantor espanhol Camilo Sesto era tão famoso? Que outras músicas marcaram sua carreira além de seus maiores sucessos nunca esquecidos (Perdóname e Vivir así es morir de amor)? Siga a ler.

Vida

Dado que comecei com a morte de Camilo Sesto, e o vinculei ao meu pai, esta secção sobre a vida do artista de Alcoy deve sublinhar um momento decisivo da sua carreira: Mola mazo (2002), a canção que compôs depois de, se bem me lembro, ouvindo essa expressão frequentemente dos lábios de seu filho.

Por um lado, essa música fez dele motivo de chacota na televisão (até meu pai o deserdou, embora continuasse a ouví-lo cantar o resto de sua discografia); Não sei quantos singles venderia, mas até eu, que seria adolescente, lembro dele andando pelos sets cantando aquela música ridícula (talvez já então operado aos bares e cheio de botox), que parecia colocar ele ao nível das pessoas que “faziam sucesso” na televisão da época (Leonardo Dantes me vem à mente).

Por outro lado, a música melódica, a menos que você tenha nascido em determinada época (quando triunfava no mundo), cresceu ouvindo ou tem uma sensibilidade especial, quase sempre soa ridícula aos ouvidos modernos. Não estou falando só por falar: já fiz o teste com muita gente da minha idade, já adulta, e pouquíssimas conseguiram evitar rir ou tirar sarro de músicas como Hoy tengo ganas de ti ou Sabato Pomeriggio (para citar uma música que não é de Camilo).

Por fim, Mola mazo é como um gatilho em sua carreira e principalmente em sua vida. Meses antes de sua morte, por ocasião da apresentação do álbum Camilo Sinfónico, o próprio artista apareceu diante da imprensa, que ecoava uma cinomose que saía o tempo todo. De repente, o personagem por trás do cantor era alguém de quem todos riam. Quanta engenhosidade haveria por trás da máscara do artista e quanto ego? Ninguém viu aquele fiasco comercial chegando? E a deterioração da imagem do cantor?

No programa que aparentemente transmitia uma reportagem sobre o lançamento do álbum, mas na verdade era dedicado a fofocas (praticamente o único lugar onde seu nome ainda era mencionado), havia especulações sobre seu estado de saúde, principalmente mental, e sobre as pessoas que poderiam estar se aproveitando dele nessas circunstâncias.

Este artigo não tem interesse em falar sobre esses tópicos, embora coisas sobre isso possam ser mencionadas ao longo dele, porque é uma revisão do homem que existiu por trás do nome. Um homem que foi forçado a deixar a música quando seu sucesso estava no auge de sua carreira.

Nascido em Alcoy em 16 de setembro de 1946, Camilo Blanes Cortés pertencia a uma família de humilde extração social e sua vida logo foi ligada à música. Começou a cantar em coro, algo mais ou menos normal nos anos 50, embora sem muito interesse nisso. No entanto, quando chegou à adolescência, começou a se concentrar muito mais seriamente em progredir na carreira musical.

Em 1962 cantou com a banda Los Dayson em casamentos, batizados e comunhões sem sair de sua região. Foi um grupo pop com influências anglo-saxônicas, focado em covers de músicas dos anos 60 dos Beatles, do Dúo Dinámico e outros similares, incluindo ao longo do tempo outras músicas próprias escritas pelo próprio Camilo Sesto. Chegaram a editar um disco em 1965 e até apareceram no Salto a la fama, onde cantaram sua própria versão de Flamenco, tema inesquecível de Los Brincos.

Carreira musical de Camilo Sesto

Apesar do interesse que gerou nesse período, o grupo voltou a Alcoy, com exceção de Camilo Sesto, que ficou em Madrid, sobrevivendo com base em outros trabalhos artísticos que incluíam colaborar em coros para outros músicos, pintar ou tocar para outros artistas. Ficou assim até 1966, quando encontrou a oportunidade de fazer parte da banda Los Botines, desde então também conhecida como Camilo y Los Botines, com quem participou de um filme (Hamelín) e compôs o famoso Eres un vago.

O sucesso em sua carreira continuou quando ele participou como personagem principal do filme Los Chicos del Preu, dirigido por Pedro Lazaga, um dos maiores sucessos de bilheteria da cinematografia espanhola. A partir desse momento, a vida do artista foi total, o centro de tudo, primeiro como Camilo Sexto e finalmente com Sesto como sobrenome. Em 1970 ele se tornou definitivamente um cantor solo, participou de todos os tipos de festivais de música (com a ajuda de Juan Pardo em muitos casos) e não parou de lançar singles de sucesso, cruzando fronteiras e idiomas sem controle.

O seu sucesso e fama foram totais, assim como a sua ambição, triunfando ao nível de outros artistas internacionais como Charles Aznavour ou nacionais como Raphael, e então chegou o ano 1975.

Milagres (Jesus Cristo Superstar em espanhol)

Jesus Christ Superstar representa um ponto de virada total em sua carreira. De fato, aqui é necessário fazer um parêntese vital e de registro. Embora tudo esteja unido no artigo e na vida de um artista. O musical estrelado por Camilo Sesto ao lado do agora infame Teddy Bautista como Judas (e diretor musical) e Ángela Carrasco como María Magdalena foi um sucesso retumbante na Espanha. Camilo Sesto se encarregou de produzi-lo depois de assistir a várias apresentações em Londres, e realmente colocou todo o seu interesse e esforço neste trabalho, cuidando de sua realização até o final.

Este esforço para alcançar o nível do musical original levou a um sucesso teatral de 4 meses ininterruptos na Espanha. Tal foi o sucesso então, que o próprio Andrew Lloyd Webber, autor de Jesus Christ Superstar, disse que a versão em espanhol era a que mais se assemelhava ao original em qualidade. Você apenas tem que olhar para as letras traduzidas do original. Getsemaní (Oración del Huerto), por exemplo, mas qualquer outro vale para mostrar a qualidade de cada tema na versão em espanhol. Há apenas um ponto negativo nisso: aquele “cuéntanos, dino lo que va a pasar” (sic).

Mas houve uma troca. O esforço para trazer Jesus de Nazaré para a cena espanhola deixou suas cordas vocais bastante deterioradas, a ponto de seu estilo ser cada vez menos. É verdade que ele permaneceu na ribalta musical até meados dos anos 90 com a gravadora Ariola, mas o musical de Webber marcou um antes e um depois em sua carreira para sempre. Neste mesmo ano, para falar de outros milagres, dedicou-se a promover a carreira de Miguel Bosé, que dois anos depois triunfaria com Linda e, desde então, evoluiria da canção melódica para outros novos lugares.

Camilo Sesto em inglês

Como um fato curioso que explica perfeitamente por que Camilo Sesto é um nome tão importante na música espanhola e ao mesmo tempo não foi, vale lembrar seu esforço para alcançar outros idiomas além do espanhol. É óbvio que, em meados dos anos 70, o artista já era tão famoso na América Latina quanto na Espanha, mas também a tentativa de sucesso em outros mercados.

Porque sim, Camilo Sesto cantou em inglês, como muitos outros artistas famosos do mesmo período (que, além do inglês, alternavam suas músicas em outros idiomas). sua carreira.

Ele foi bem sucedido? Não realmente, mas pelo menos ele tentou.

Discografía em destaque de Camilo Sesto

 

De nossa parte, vamos destacar o que parece mais marcante em sua carreira, tanto para álbuns quanto para singles. Se você ainda não conhece ao Camilo Sesto, ou se você só ouviu duas ou três músicas dele, esperamos que você descubra outras músicas que gostar aqui.

Camilo Sesto é de outra época, uma que existiu apesar de não existir agora, e como muitos outros cantores do momento, sua música soa tão anacrônica nos dias de hoje quanto se torna imortal quando você a ouve mais de perto.

Sua carreira consiste em mais de 20 álbuns originais e mais de 100 singles. Estes são os nossos favoritos para você começar/ouvir Camilo Sesto novamente:

Álbums

  1. Camilo (1974)
  2. Sentimientos (1978)
  3. Memorias (1976)
  4. Camilo Sesto (1973)
  5. Jesucristo Superstar (1975)
  6. Algo de mí (1972)
  7. Amor libre (1975)
  8. Solo un hombre (1972)

Singles

  1. Fresa salvaje (1972)
  2. Vivir así es morir de amor (1978)
  3. Melina (1975)
  4. Algo de mí (1971)
  5. Jamás (1975)
  6. Getsemaní (oración del huerto) (1976)
  7. Algo más (1973)
  8. Amor… amar (1973)
  9. Perdóname (1980)
  10. Piel de Ángel (1975)
  11. Mi mundo, tú (1983)

 

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