As 15 principais colaborações de R&B-Rap

 

Ao longo dos anos, artistas de R&B e hip-hop uniram forças para produzir músicas incríveis. Mesmo que a linha entre os dois estilos seja muitas vezes confusa hoje em dia, a sensação urbana e corajosa do hip-hop e as melodias suaves do R&B podem se unir em uma única faixa com resultados incríveis.

Artistas de ambos os gêneros frequentemente colaboram entre si, mas algumas duplas simplesmente funcionam melhor do que outras. Estes são os sucessos memoráveis, as músicas que nunca esqueceremos e os confrontos que transformaram a música moderna. 

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'I'll Be There for You,' Method Man/Mary J. Blige (1995)

Imagens de Brian Killian /Getty

'I'll Be There For You / You're All I Need to Get By' é o melhor dos melhores quando se trata de colaboração. Reúne duas estrelas brilhantes, Method Man, que fez seu nome com o Wu-Tang Clan , e a única Mary J. Blige .

A música foi lançada em 1995 no primeiro álbum de estúdio do Method Man, "Tical". Ele subiu rapidamente nas paradas, alcançando o terceiro lugar na  Billboard  Hot 100 nos primeiros meses. No Grammy de 1996, recebeu o prêmio de Melhor Performance de Rap por Duo ou Grupo.​

Por que esta ainda é a dupla mais quente depois de tantos anos? Não há dúvida do talento de nenhum dos artistas e juntar os dois foi simplesmente engenhoso. A voz suave de Blige que mistura o hit de 1968 “You’re All I Need to Get By” com os ritmos líricos de Method Man é o mais atemporal possível.

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'No Diggity', façanha de Blackstreet. Dre e Queen Pen (1996)

“No Diggity” é outro clássico do gênero e preparou o terreno para inúmeras colaborações que se seguiriam. Como você pode deixar passar uma música que reúne Blackstreet, Queen Pen e o icônico Dr.

Do álbum "Another Level" do Blackstreet, este também foi um sucesso instantâneo, liderando a  Billboard  Hot 100 e inúmeras outras paradas em todo o mundo. Levou o Grammy, desta vez em 1997, para R&B Duo e ficou em 32º lugar nas 100 melhores músicas dos anos 90 da VH1.

Essa mistura de estilos não poderia ter sido melhor feita. O estilo rap característico de Dr. Dre está entrelaçado com a suave melodia R&B de Blackstreet. Acrescente algumas linhas de Queen Pen e nasce um sucesso que permanecerá um favorito nas próximas décadas.

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'Let's Get Down,' Tony! Toni! Toné! feat. DJ Quik (1996)

Outra joia de 1996, “Let’s Get Down” é cheia de funk. Este vem do álbum "House of Music" do Tony! Toni! Tom! e apresenta DJ Quik. O combo certamente trouxe o funk para a faixa, e há até um pequeno riff de “Smells Like Teen Spirit” do Nirvana.

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'If I Ruled the World (Imagine That),' Nas feat. Lauryn Hill (1996)

Ilya S. Savenok /Getty Images

Você pode notar um padrão aqui: as melhores duplas de rap-R&B surgiram no final dos anos 90. Com a batida de fundo e os sensuais "ohs" de abertura de Lauryn Hill, outro belo exemplo de colaboração rap/R&B é encontrado em "If I Ruled the World (Imagine That)". Lançada em 1996 no álbum "It Was Written" de Nas, o groove dessa música atingirá qualquer um exatamente onde for importante.

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'Home Alone,' R. Kelly feat. Keith Murray (1998)

Uma das melhores músicas de festa em casa, "Home Alone" do álbum "R." de R. Kelly. é uma música que vai ficar na sua cabeça, e isso é uma coisa muito boa. Este hit tem aquele estilo suave e sexy de R. Kelly, e o rap de Keith Murray tem uma batida excelente. No entanto, não vamos esquecer aquele vocal de fundo sensual vindo de Kelly Price. Ela mantém o fluxo em movimento e nos lembra de “dançar a noite toda”.

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'You Got Me,' The Roots feat. Erykah Badu and Eve (1999)

Kevin Winter/APOSTA /Getty Images

Smooth nem sequer começa a descrever "You Got Me" do álbum "Things Fall Apart" do The Roots. É uma música suave para rap, mas muito bem feita, assim como tudo que o The Roots produziu ao longo dos anos. O estilo do grupo é um ajuste natural para uma colaboração R&B, e adicionar Erykah Badu e Eve à mistura funcionou perfeitamente. Além disso, você deve apreciar qualquer música com uma rainha etíope na história.

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'Fantasy (Remix),' Mariah Carey feat. Ol' Dirty Bastard (1995)

Imagens de Mychal Watts /Getty

"Fantasy" original de Mariah Carey não tem nada no remix com Ol 'Dirty Bastard (ODB). Trazê-lo para a mistura fez uma grande diferença e adicionou um estilo cru ao hit do cantor pop. Há outro remix, o "Bad Boy Mix" produzido por Sean Combs, mas não chega nem perto do funk da versão ODB, e é por isso que as pessoas gostam mais deste.

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'I'll Be Missing U,' Puff Daddy and Faith Evans (1997)

Kevin Winter /Getty Images

Se 'I'll Be Missing U' não tocar seu coração, verifique seu pulso. Ele era “Puff Daddy” na época, mas esta é a assinatura de Sean Combs. A homenagem a seu amigo Christopher “The Notorious BIG” Wallace, poucos meses após seu assassinato, torna tudo inesquecível.

Este hit do álbum "No Way Out" de Combs usa letras do hit de 1983 "Every Breath You Take" do The Police. Os vocais gospel de Faith Evans combinam perfeitamente com um nível de emoção encontrado em poucas outras músicas. Não é de admirar que isto tenha se tornado uma homenagem a tantos outros que também foram tragicamente perdidos nos anos seguintes.

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'Can't Deny It,' Fabolous feat. Nate Dogg (2001)

Se você está procurando uma batida, "Can't Deny It" tem exatamente o que você precisa. Este hit de estreia de Fabolous estava em seu álbum “Ghetto Fabolous” e, mesmo sendo um novato na época, rivaliza com qualquer uma das faixas dos veteranos desta lista. Este é notável porque é uma mistura do hip-hop da Costa Leste de Fabolous com a vibração da Costa Oeste de Nate Dogg, e funciona incrivelmente bem, possivelmente melhor do que qualquer outra dupla desse tipo.

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'All That I Got Is You,' Ghostface Killah feat. Mary J. Blige (1995)

Outro veterano do Wu-Tang Clan, a estreia solo de Ghostface Killah, “All That I Got Is You”, foi um sucesso instantâneo. Trazer Mary J. Blige para esse rap emocionante e difícil com uma faixa de fundo ultra-suave foi simplesmente brilhante. Pode ter sido lançado em 1995 (o álbum “Ironman”), mas é atemporal e uma história com a qual muitas pessoas podem se identificar. A luta continua para muitos, e essa música ainda fala muito.

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'Break You Off,' The Roots feat. Musiq Soulchild (2002)

Arquivo Maury Phillips / Imagens Getty

The Roots adora exibir outros artistas. Desta vez é o artista de funk-gospel-hip-hop Musiq Soulchild. Do álbum “Phrenology”, “Break You Off” é a música mais sexy da lista, com os raps elegantes do The Roots apoiados por doces vocais de R&B. É fantástico e inesquecível.

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'Can't Knock the Hustle,' Jay-Z feat. Mary J. Blige (1996)

Kevin Mazur /Getty Images

Jay-Z instantaneamente se tornou uma estrela com o lançamento de seu álbum de estreia “Reasonable Doubt”, e essa música ajudou a torná-lo um vencedor. Provavelmente não fez mal que ele trouxesse a Rainha do R&B, Mary J. Blige, para cantar o refrão. Este tem aquele estilo de rap pesado pelo qual Jay-Z se tornou conhecido, e o apoio sensual da “Queen” leva isso ao topo.

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'The Way You Move,' OutKast feat. Sleepy Brown (2003)

Jeff Kravitz /Getty Images

Big Boi do Outkast levou sua parte do álbum “Speakerboxxx” ao grande momento quando gravou “The Way You Move” com Sleepy Brown. É divertida, quente e muitas vezes considerada uma das melhores músicas da primeira década deste século. Sleepy Brown traz um vocal estilo Motown que contrasta com o rap acelerado de Big Boi, e isso torna essa música hipnotizante e diferente de qualquer outra na lista.

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'Why?' Jadakiss feat. Anthony Hamilton (2004)

Jason Squires /Getty Images

Uma música polêmica, é difícil esquecer "Por quê?" que foi lançado em seu álbum "Kiss of Death". As perguntas que ele faz em seu estilo hip-hop da velha escola são definitivamente políticas e abrangem tudo, desde drogas até raça e os ataques de 11 de setembro. Embora outros artistas tenham assumido o refrão em vários remixes, o original com o comovente Anthony Hamilton é sem dúvida o melhor.

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'The Seed (2.0),' The Roots feat. Cody Chestnutt (2002)

Também de seu álbum “Phrenology”, The Roots trouxe Cody Chestnutt para o single “The Seed (2.0)”. É um híbrido de estilos que se baseiam no rock 'n' roll e no soul de Chestnutt, e é fabuloso. Ao contrário de quase todas as outras músicas que você ouviu do The Roots, “The Seed 2.0” é frequentemente descrita como soul psicodélico e é um experimento de hip-hop que só poderia ser realizado por este grupo de artistas talentosos.

CRONICA - GARY WRIGHT | Gary Wright’s Extraction (1971)

 

O tecladista americano Gary Wright, vocalista do Spooky Tooth, faleceu em 4 de setembro deste ano.

Nascido em 26 de abril de 1943 em Cresskill, Nova Jersey, Gary Wright, antes de se tornar músico, começou como ator infantil na televisão aos sete anos de idade no programa Captain Video and His Video . Ele apareceu em comerciais de televisão e rádio antes de receber uma oferta de um papel na produção da Broadway de 1954 do musical Fanny . Ele faz o papel de Cesário, filho de Fanny que tem a oportunidade de aparecer no Ed Sullivan Show.

Na adolescência estudou piano e órgão. Com influência do rhythm & blues, integrou vários grupos locais. Em 1959, ele fez sua primeira gravação comercial com o cantor/guitarrista Billy Markle nos estúdios da Rádio NBC em Nova York. Creditado a Gary & Billy, o single "Working After School / Liza" foi lançado pela 20th Century Fox Records em 1960.

Porém, achando a vida musical instável, estudou psicologia que o levou para a Europa. Em 1967, no velho continente, ele abandonou seu plano de se tornar médico e montou um combo chamado New York Time, que abriu para Traffic em Oslo, onde conheceu o produtor da Island, Chris Blackwell. Este último o convidou a vir a Londres para apresentá-lo ao grupo Art (antigo The VIP's, que incluía em suas fileiras um certo Keith Emerson, organista que havia partido para fundar Nice) que acabava de publicar o Lp Supernatural Fairy Tales em novembro. 1967 .

Art, que consiste no vocalista Mike Harrison, no guitarrista Luther Grosvenor, no baixista Greg Ridley e no baterista Mike Kellie, inclui Gary Wright como tecladista. Na Island, o quinteto lançou o LP It's All About em julho de 1968 sob o nome Spooky Tooth. ^{Em 1970, o combo se separou após o lançamento do 4º álbum} ( The Last Puff ) em julho do mesmo ano . Gary Wright então participou do álbum triplo de George Harrison, All Things Must Pass, antes de seguir carreira solo. Em 1971, o tecladista/vocalista lançou seu primeiro trabalho pela A&M Records, Extraction, de Gary Wright.com a participação dos guitarristas Hugh McCracken e Mick Abrahams, do baixista Trevor Burton, do baterista Alan White e também dos backing vocals Doris Troy, Madeline Bell e Nanette Newman.

Composto por 9 músicas, Gary Wright inicia seu disco com “Get On The Right Road”, um country de cheiro forte pontilhado de guitarras blues, órgão cavernoso, soul e coros gospel por vezes celestiais. O tom está dado, para um excelente vinil de ritmo & blues furioso e grandes espaços com sabores rústicos. Não estamos muito distantes do que a CSN&Y faz.

A sequência confirmará isso com a pesada “Get Hold Of Yourself”, a batida “Too Late To Cry”, a nervosa “Know A Place” por  5 minutos de funk/soul doentio, a revigorante “The Wrong Time” onde seis cordas elétricas e violão se entrelaçam, no meio o mágico órgão Hammond de Gary Wright que faz todos concordarem.

Ao longo do caminho somos presenteados com baladas como "We Try Hard" inspirada em George Harrison, a dolorosa mid-tempo "Sing A Song", a sonhadora "Over You Now" e na conclusão "I've Got A Story" para 5 minutos nostálgicos.

Enfim, na chegada um bolo que pode ser ouvido sem complicações.

Títulos:
1. Get On The Right Road
2. Get Hold Of Yourself
3. Sing A Song
4. We Try Hard
5. I Know A Place
6. The Wrong Time
7. Over You Now
8. Too Late To Cry
9. I’ve Got A Story

Músicos:
Gary Wright: teclados, vocais
Hugh McCracken: guitarra
Mick Abrahams: guitarra
Alan White: bateria
Trevor Burton: baixo
Doris Troy: backing vocals
Madeline Bell: backing vocals
Nanette Newman: backing vocals

Produzido por: Andy Johns

“VENHAM MAIS CINCO” DE JOSÉ AFONSO NOMEADO PARA PRÉMIO DISCOGRÁFICO NA ALEMANHA

 

O German Record Critics’ Award (PdSK) acaba de publicar a longa lista de todas as nomeações para os Prémios Anuais de 2023.

O álbum de Zeca Afonso “Venham Mais Cinco”, que celebra no final deste ano 50 anos desde a sua 1ª edição, foi nomeado entre outros grandes nomes que editaram discos no mercado Alemão e GSA (Germany / Switzerland / Austria). Os 10 Prémios anuais serão anunciados no dia 27 de Setembro.

 

Para os críticos musicais e jornalistas da Alemanha, Áustria e Suíça do “Preis der deutschen Schallplattenkritik” (Prémio dos Críticos de Discos Alemães; abreviado: PdSK) é importante reunir regularmente para homenagear gravações musicais de destaque. Composto por um máximo de 160 membros, o júri do PdSK dá grande importância à obtenção de julgamentos independentes, não afetados pelos interesses da indústria fonográfica.

CRONICA - GENESIS | Live (1973)

Essa live os integrantes do Genesis não quiseram por medo de mostrar no palco as deficiências do grupo. É verdade que as melodias, por vezes muito complexas e rápidas, não eram necessariamente interpretadas com perfeição em concerto.

Mas o chefe da gravadora Charisma, Tony Strtton-Smith conseguiu convencer os músicos da utilidade deste LP para preencher a separação excessiva entre Foxtrot e o álbum de estúdio que se seguiria.

No meio da turnê Foxtrot , são as apresentações feitas em fevereiro de 1973 no De Montfort em Leicester e no Free Trade em Manchester que servirão de material para este Genesis Live .

Este Lp de concerto foi publicado em julho do mesmo ano com uma foto enganosa como ilustração. Com efeito, podemos observar o Gênesis no palco e no centro Peter Gabriel com um dos seus famosos disfarces usados ​​em “Supper's Ready”. Mas não haverá dúvida de “A Ceia está Pronta”. O que é uma pena de qualquer maneira. Porque este vinil será por enquanto o único testemunho vivo do anjo Gabriel. Falta de tamanho, portanto.

Apesar disso, esta performance ao vivo é um resumo perfeito do tríptico essencial do rock sinfônico que é Trespass , Nurcery Cryme  e Foxtrot . Um melhor ao vivo do melhor do Gênesis apresentado cru.

O quinteto apresenta os cinco títulos mais ricos de seu repertório em uma selvageria sem limites. Aqui com distorção total, Steve Hackett parece majestoso e agressivo com suas seis cordas elétricas.

Se este disco revela algumas falhas e em alguns pontos constrangimentos (razões que fazem com que eu adore este disco) permanecemos no entanto nos delírios complicados e teatrais do cantor/flautista. Encontramos ali o lado rural e misterioso. Mas diante de um público animado, a atmosfera é muito mais quente e metálica do que nos estúdios de vinil. Estamos tratando de um álbum de… de… digo sim ou não! Vamos, eu me atrevo! Não tenho medo de nada e vá se foder! Esta é uma obra de stoner rock antes do tempo.

Começa com "Watcher Of The Skies", onde o órgão sombrio de Tony Banks e o mellotron vagamente perturbador transformam o De Montfort em uma catedral cósmica. O público depois de alguns aplausos respeita um silêncio quase religioso. Até que guitarras arrasadoras cheguem para fazer o inferno reinar.

Segue-se "Get 'Em Out By Friday" onde a flauta se destaca por um final que suspende os espectadores. Chega “The Return Of the Giant Hogweed” onde Steve Hackett e Mike Rutherford (que também fornece baixo) estão diabolicamente em uníssono com sua guitarra elétrica.

A seguir vem o lado B deste vinil onde ganha ainda mais intensidade com a épica “Musical Box” e a apocalíptica “The Knife”. Na heróica e feroz “Caixa Musical” todos se deixam chorar, principalmente Peter Gabriel, Steve Hackett sem esquecer Phil Collins atrás da bateria. Quanto ao guerreiro e sangrento “The Knife”, acaba por ser uma faixa poderosa de hard rock progressivo devastador. Steve Hackett mais uma vez nos dá um solo de pistoleiro. Chama a atenção, pois o guitarrista não está presente na versão de estúdio. Ele se juntará ao combo após o lançamento de Trespass .

Odiado pelos músicos que viram um álbum que não destacava o talento artístico do grupo e denegrido pela crítica, Genesis Live obteve algum sucesso entre os primeiros fãs.

Uma performance ao vivo humana, irada e rock'n roll.

Títulos:
01. Watcher Of The Skies
02. Get ‘Em Out By Friday
03. The Return Of the Giant Hogweed
04. Musical Box
05. The Knife

Músicos:
Peter Gabriel: vocais, flauta, percussão
Steve Hackett: guitarra
Tony Banks: teclados
Mike Rutherford: baixo, guitarra
Phil Collins: bateria

Produção: John Burns, Gênesis

CRONICA - THE ROLLING STONES | Beggars Banquet (1968)

 

A tentativa dos Stones de seguir os amigos rivais dos Beatles no reino da psicodelia não teve o sucesso esperado. Chegou, portanto, a hora de nos concentrarmos em águas mais rochosas. Isso é bom, porque os Beatles fizeram exatamente o mesmo com o seu Álbum Branco . Em maio de 1968, o single "Jumpin' Jack Flash" tranquilizou os fãs ao oferecer um hino do calibre de "Satisfaction", nada menos. Poucos meses depois, no final do ano, Beggars Banquet foi lançado, gravado sob a orientação do produtor Jimmy Miller. Nos bastidores, infelizmente as coisas começaram a azedar. Brian Jones está cada vez menos confiável, tendo caído em um grave vício em drogas. Se suas relações com Mick Jagger sempre foram conturbadas (cada um lutando para ser a figura de proa do grupo), o acordo com Keith Richards se deteriora quando este rouba sua namorada, Anita Pallenberg. Não ficaremos, portanto, surpresos ao ver que a participação do anjo loiro naquele que é o primeiro álbum major do grupo será esporádica. E geralmente além do violão (pelo qual perdeu o interesse - com exceção do slide que sempre foi seu ponto forte - “No Expectations”), privilegiando instrumentos adicionais como a gaita, o Mellotron ou a cítara.

O álbum começa com um dos títulos mais lendários do repertório dos Stones. Conduzida em grande parte pela percussão e também pelo piano do músico Nicky Hopkins, “Sympathy For The Devil” não tem nada de Rock convencional, mostrando que os experimentos psicodélicos deixaram rastros e permitiram que Jagger e Richards 'expandissem seu espectro'. Aqui, porém, voltamos ao básico, deixando de lado os arranjos e os efeitos psicodélicos que desconcertaram os fãs. Mick, em grande forma, encarnando o diabo numa época em que este era ainda mais que subversivo, assina talvez o seu melhor texto. Quanto a Keith, mais frequentemente um riffer do que um solista, ele realiza aquele que é sem dúvida o seu solo mais memorável. Para a História Jean-Luc Godard registará em filme as sessões que levaram à criação da peça

Depois de uma faixa tão eletrizante, a tensão cai com a balada acústica de Blues “No Expectations” cujas partes de slide guitar funcionam como um testemunho da participação de Brian no grupo que ele havia formado e do qual agora estava despossuído. Momento de devaneio melancólico que já prenuncia Exile On Main St. Este tom Country Blues continua em “Dear Doctor” um pouco mais rítmico mas menos fascinante antes de regressar a um Blues mais cru e muito clássico na sua construção com “Parachute Woman, um pastiche assumido das obras de Muddy Waters e Howlin' Wolf. Se se desviar das influências do Blues antigo apesar de uma guitarra slide (desta vez tocada por Keith), "Jigsaw Puzzle" acaba por ser menos realizado que os títulos anteriores, algo ainda mais notável por ser a faixa mais longa do álbum. Continuamos com fome e, no final das contas, ficamos entediados rapidamente, porque, apesar de algumas ideias interessantes, não podemos deixar de pensar que o resultado está estagnado.

Já com “Street Fighting Man” temos o outro pico, o outro clássico atemporal de Beggars Banquet. Um riff cativante ao estilo Keith, um vocal vingativo de Mick, um golpe quadrado de Charlie e até alguns efeitos de cítara de Brian. Um título obviamente inspirado nos acontecimentos de protesto de 1968, dos quais pode facilmente reivindicar ser a banda sonora. A cativante acústica “Prodigal Son” é uma daquelas pequenas joias escondidas nos álbuns dos Stones que encantam os ouvintes com a curiosidade de olhar além dos sucessos, enquanto “Stray Cat Blues” nos oferece um Blues imundo misturado com aromas de psique. Beneficiando da participação de Ric Grech (Family and Blind Faith) no violino e Dave Mason (Traffic) no bandolim para compensar a ausência de Brian e Bill, “Factory Girl” é mais uma joia acústica que merece toda a nossa atenção, misturando Western Folk e ritmos indianos. Terminamos com outra balada acústica melancólica no estilo “No Expectations” (só que fica irritada no meio). “Salt Of The Earth” porém tem a particularidade de ver Keith cantar o início, o que marca sua segunda participação vocal significativa.

Com Beggars Banquet , os Stones tornam-se finalmente um grupo de álbuns, oferecendo-nos um disco capaz de competir na sua totalidade com a qualidade dos seus singles. Se, claro, pudermos apontar alguns títulos mais fracos, não podemos negar que o resultado é muito homogêneo e que nada deve ser realmente jogado fora. Notaremos também o crescente lugar do violão na música do grupo, algo que se confirmaria nos próximos anos. Se a crítica da época estava dividida, o sucesso do álbum foi eloquente, dando um verdadeiro fôlego à carreira dos Stones. Desde então, claro, consolidou-se como um clássico do Rock em geral e do grupo em particular, e os críticos altivos foram obrigados a rever o seu exemplar...

Títulos:
1. Sympathy For The Devil
2. No Expectations
3. Dear Doctor
4. Parachute Woman
5. Jigsaw Puzzle
6. Street Fighting Man
7. Prodigal Son
8. Stray Cat Blues
9. Factory Girl
10. Salt of the Earth

Músicos:
Mick Jagger: Vocais, gaita, percussão
Keith Richards: Guitarra, baixo
Brian Jones: Guitarra, percussão, gaita, cítara, Mellotron
Bill Wyman: Baixo, percussão
Charlie Watts: Bateria, percussão
+
Nicky Hopkins: Piano
Ric Grech: Violino
Dave Pedreiro: Shehnai, bandolim
Rocky Dzidzornu: Congas

OS DEVO ASSINALAM MEIO SÉCULO DE DE-EVOLUÇÃO

Os DEVO assinalam meio século de de-evolução e recomeçam a sua digressão mundial no outono. A Rhino presta homenagem a esta influente banda com uma nova edição retrospetiva da sua carreira que engloba todos os grandes êxitos dos DEVO e uma seleção de raridades em “50 Years of De-Evolution (1973-2023)”

 

Mark Mothersbaugh refere sobre esta edição ” this box set represents a great cross section of early experiments and later creations.  I was looking to create a new sound, a concept in art and music that represented a new way of thinking about life on planet earth.   With Devo, I think we did just that. Farewell to the first 50, Let’s get the next 50 started!”

 

A celebração dos 50 anos da banda não se fica pelas edições discográficas e os DEVO fizeram uma parceria com a marca Brain Dead, que organizará um evento especial DEVO e lançará uma linha de merchandising.

Os DEVO foram formados em 1973 pelos irmãos Bob e Gerald Casale, Bob e Mark Mothersbaugh e, ainda, Alan Myers. A banda tirou o seu nome do conceito de “de-evolução” – a ideia de que a sociedade, em vez de progredir, está a regredir. Foi a resposta ao massacre na Kent State University, em 1970, ao qual alguns membros da banda assistiram por serem alunos da universidade.

Os DEVO começaram a atuar na zona de Akron, no Ohio, e foram apoiados por David Bowie e Iggy Pop, que ajudaram a banda a assinar um contrato com a Warner Bros. Records. Pouco depois, a banda começou a trabalhar com o lendário produtor Brian Eno no seu álbum de estreia, em 1978, “Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!” O álbum foi um sucesso no mundo do underground, mas a imprensa musical convencional ignorou a perspicaz sátira cultural dos DEVO.

Um ano depois, a banda regressou com “Duty Now for the Future”, e em 1980 foi reconhecida pelos meios mais convencionais e mainstream com o seu terceiro álbum, “Freedom of Choice”, que inclui o single de grande sucesso “Whip It.” O vídeo da canção tornou-se uma presença constante na MTV e contribuiu para a crescente popularidade dos DEVO nos anos 80. Nesta década, a banda lançou ainda “Beautiful World” e “That’s Good”, e uma série de álbuns de estúdio: New Traditionalist (1981), Oh No! It’s Devo (1982), Shout! (1984) e Total Devo (1988).

  

THE ROLLING STONES REVELAM NOVO SINGLE… “ANGRY”

Os Rolling Stones acabam de anunciar o lançamento do single “Angry”. O single chega juntamente com o anúncio do novo álbum do grupo, intitulado “Hackney Diamonds”, que será lançado a 20 de outubro.

A notícia foi partilhada por Mick, Keith e Ronnie num evento especial no histórico Hackney Empire, epicentro da arte pioneira no leste de Londres durante quase 125 anos.

O lançamento foi apresentado pelo apresentador norte-americano Jimmy Fallon e transmitido mundialmente via YouTube.

https://www.youtube.com/live/NSzJhzfDtS4?si=OWLM4ZdUJ2-QHxid

O álbum de 12 canções, cujo alinhamento completo será revelado oportunamente, foi gravado em vários locais em todo o mundo, incluindo os Henson Recording Studios, em Los Angeles; os Metropolis Studios, Londres; os Sanctuary Studios, Nassau, Bahamas; os Electric Lady Studios, Nova Iorque; e os The Hit Factory/Germano Studios, também em Nova Iorque.