Esse é um ótimo... não, um gigante da música e há muito tempo eu queria publicar algo dele, agora parece que todos concordaram em rever um pouco da discografia desse monstro e quem ganha somos eu e você . É bom ressaltar que em ambos os álbuns existe a música “Hoochie Coochie Man”, você vai dizer qual versão gostou mais. Deste lado, um trabalho só, embora dito apenas com os músicos que o acompanham é quase um sacrilégio, mas vocês sabem o que quero dizer. Peguei emprestado do Som Mutante que por sua vez pegou do Pirata do Rock, então ladrão que rouba de ladrão... Algumas músicas vão soar extremamente familiares para quem conhece de perto a carreira de Jon, algumas até vão levantar a sobrancelha para dizer algo sobre o que ouvem aqui, mas não levem isso em conta, afinal a mesma banda diz; "The Blues Project é um grupo de velhos amigos que oferece ritmo e blues britânico de alta qualidade do jeito que sempre deveria soar." Jon Lord Blues Project Live
Jon Lord Blues Project Live 01. Back At The Chicken Shack 02. Hoochie Coochie Man 03. Wishing Well 04. It Never Rains But It Pours 05. Fog On The Highway 06. Lazy 07. Walkin' Blues 08. Way Down In The Hole 09. Houston (Scotland) 10. Respect Yourself 11. When A Blind Man Cries 12. I'm A Man
Músicos Jon Lord: Órgano Hammond Miller Anderson: Guitarra y coros Maggie Bell: Voz Colin Hodgkinson: Bajo y coros Zoot Mone: Teclado y coros Pete York: Batería
Hoochie Coochie Men é um grupo de blues formado na Austrália no final dos anos 90. A história da banda começa em 1997, quando o baixista Bob Daisley (ex-Ozzy, ex-Rainbow) se mudou para Sydney e conheceu o guitarrista Tim Gaze. Daisley, Gaze e o baterista Bob Grosser formaram o Hoochie Coochie Men e lançaram seu primeiro álbum em 2000. Em 2003, Jon Lord estava em turnê pela Austrália, Daisley o convidou para alguns shows com o Hoochie Coochie Men, que eventualmente resultou no álbum/DVD ao vivo " Viva no porão". A parceria deu um resultado muito bom e em 2007 Jon Lord aparece gravando este segundo álbum de estúdio, “Danger: White Men Dancing”. Os músicos convidados merecem uma nota à parte, todos ex-alguma coisa, todos de alto nível e todos de alto nível.
The Hoochie Coochie Men com Jon Lord 01. The Blues Just Got Sadder 02. Gotta Find Me Some Fire 03. Twisted System 04. Over & Over 05. Let It Go 06. Heart Of Stone 07. If This Ain't The Blues 08 Danger White Men Dancing 09. Dead Presidents 10. Hoochie Coochie Man 11. Bottle O' Wine 12. Everybody Wants To Go To Heaven 13. Tell Your Story Walkin'
Musicians Jon Lord: Hammond Organ Bob Daisley: Baixo, gaita, backing vocals Tim Gaze: Guitarra, Vocais Bob Grosser: Bateria, Percussão Músicos Convidados Ian Gillan: Vocais em 4 e 7 Jimmy Barnes: Vocais em 6 e 10 Jeff Duff: Vocais em 9 e 11
Segundo a própria Wikipedia, Jon Douglas Lord, nascido em 9 de junho de 1941 em Leicester, é um músico britânico. Ele toca órgão Hammond e piano e é considerado um dos melhores da história em sua área. Começou a praticar este último instrumento aos 9 anos, quando seu pai decidiu que o pequeno Jon deveria ser um pianista clássico recebendo instrução de piano clássico e, após se adaptar ao instrumento, encontrou no jazz e no blues uma fonte de música mais variada, assim formando seu primeiro grupo nos anos sessenta: The Bill Ashton Combo. Mais tarde, em 1963, juntou-se a uma banda liderada por Art Wood, irmão mais velho do atual membro dos Rolling Stones, Ron Wood, que se chamava The Art Wood Combo e a partir de 1964 The Artwoods. Em 1968 começou a trabalhar na Roundabout banda que meses depois ficou conhecida como Deep Purple, uma das maiores bandas de toda a história do rock mundial. De 1978 tocou no Whitesnake até abril de 1984, quando retornou ao Deep Purple, onde permaneceu até 2003. Nesse ano se separou novamente do Deep Purple e em 2005 começou a trabalhar como solista na Jon Lord & The Gemini Band.
Prólogo: O início de uma nova era artística e criativa do TesseracT
A evolução como artista vem acompanhada de maior maturidade para enfrentar caminhos impensáveis e com a vantagem de ter o que evoluiu a nosso favor para percorrê-los. O crescimento, claro, vem da experiência anterior que o permite e aos poucos vai forjando uma marca que se torna cada vez mais sólida e consistente. Para a TesseracT, no entanto, esse crescimento teve inevitavelmente de incluir desaprender e desligar-se do que vinham fazendo; para reconstruir e fazer com que essa crença marque uma nova marca na banda.
O referido ser de crença, portanto, torna-se um ser de poder diferente; aquele que se distancia não só do seu passado e de outras bandas, mas daquilo que até agora entendíamos por “composição musical”. Eles atingiram esses níveis de complexidade com o tão esperado “T5” que irei analisar com o máximo de detalhes possível. A título de antevisão - e como a própria banda vinha anunciando - é um álbum conceptual que, pela sua compreensão abrangente, inclui elementos audiovisuais de carácter cinematográfico e animação por computador de alto nível.
War Of Being é o nome do quinto álbum da banda, que foi trabalhado assim que terminaram as gravações do já clássico PORTAL S. Foi gravado no Middle Farm Studios no Reino Unido com Peter Miles (Architects/Sylosis/Dodie ) , co-produzido ao lado de Katherine Marsh do Choir Noir (Bring Me The Horizon / Architects / Marillion). Randy Slaugh (Periphery, Architects, Devin Townsend) juntou-se à banda para ajudar com programação e produção adicionais. Com engenharia adicional da Forrester Savell (Karnivool). A arte, que apresenta os personagens ‘ex’ e ‘the’ , foi criada em colaboração entre IA e humanos.
Análise Musical do álbum: Musicalização de uma história introspectiva e transformadora
Começamos com Natural Disaster, que nos mostra um início poderoso, agressivo e chocante; onde a banda nos apresenta musicalmente essa jornada. Embora já o tenhamos ouvido ao vivo, a versão de estúdio é mais épica, solene e colorida, com vozes que harmonizam alguns trechos de Daniel. Um tema com uma atmosfera predominantemente perturbadora, misteriosa, com padrões alongados que geram tensão e suspense, que utilizam muito bem, tendo em conta que utilizam um Si maior que geralmente irradia mais clareza e brilho do que o seu homólogo menor. O final é mais épico e decisivo, onde predominam padrões rítmicos e riffs densos e sólidos.
A música é imediatamente conectada a Echoes , uma música mais plana e ampla que muda para um dó maior aprimorado por riffs curtos e precisos, que contrastam com a voz mais livre de Daniel que direciona a estrutura da música. Da mesma forma, destaca as linhas melódicas nítidas e penetrantes que são adicionadas nas pontes, proporcionando uma camada sonora mais complexa. O tema em geral é de fácil digestão, por vezes “simples”, mas com um final mais enigmático no piano e na guitarra, com Daniel a alterar a aura da sua voz, conduzindo-a a uma espécie de manifesto ou confissão mais nostálgica.
É seguido continuamente por The Gray , segundo single promocional lançado, onde um poderoso Dom se instala com um riff que toca principalmente com Ré, Mib e Dó. Destaca-se a versatilidade de adicionar padrões rítmicos sutilmente complexos, com maior rapidez e habilidade na execução, mas a serviço da base do tema. Ao transitar para um Bb o tema se expande e dá uma sensação de grandeza requintada, que é ainda emoldurada pela voz de Daniel, que sabe os momentos precisos onde cantar mais sussurrado e quando cantar com mais profundidade. Nos últimos segundos da música, a faixa torna-se atmosférica, trazendo novamente sons opacos e misteriosos, com nuances futurísticas.
Naturalmente, continua com Legion, uma das músicas mais apaixonadas, enérgicas e penetrantes não só do álbum, mas de toda a discografia do TesseracT. Assumo a responsabilidade pelo que digo; Bom, em 6 minutos acontecem tantas coisas, que no começo foi difícil assimilá-las. Honestamente, a primeira vez que ouvi isso tive que pausar por enquanto porque era demais para o meu coração.
Começa com um G#m ritmicamente marcado por bateria e baixo, com Acle acrescentando melodias de fundo com sons distantes e levemente opacos. Os minutos continuam a contar e o padrão rítmico continua sem parar, o que acrescenta mais tensão e, até certo ponto, desespero. Depois, a música aumenta de intensidade, onde esse padrão é fortalecido com o riff de guitarra, e depois passa para o primeiro clímax onde tudo faz uma pausa e depois muda o padrão rítmico para um mais selvagem, distorcido e que toca com versatilidade. entre grito e voz limpa. O tema volta a diminuir a sua intensidade, onde as melodias iniciais de fundo permanecem dando uma sensação de calma perturbadora.
Um terceiro parágrafo é necessário para descrever o que vem a seguir, que é certamente um dos momentos vocais mais sublimes e avassaladores de Daniel Tompnkis em toda a sua carreira e que figura entre as melhores performances vocais da história do Metal Progressivo. E o segundo clímax chega até nós como um turbilhão de emoções e intensidades difíceis de suportar. Com uma voz limpa e perfeitamente afinada estendida por alguns segundos, ele a transforma fugazmente em uma espécie de “grito lírico”, onde com sua voz rouca - mas com uma técnica primorosa - ele continua cantando, onde também a entrelaça com pequenos agudos -músicas com vibratos solenes e momentos onde ele adiciona rosnados profundos e sérios ao fundo. Tudo vindo das mesmas cordas vocais. O resultado é um contraste timbral imensamente superior e tremendamente exorbitante. Tudo sob a liderança de Daniel Tompkins, que aposta a sua vida nesta música, na maturidade artística mencionada no início, no seu ego, nos seus medos e em tudo o que aqui é transmitido. De alguma forma, a energia acumulada desde o início do álbum é decantada para esta parte da música, e depois fecha com os habituais sons atmosféricos e absorventes de fundo.
Se depois de ouvir essa música você ficar emocionalmente esgotado, tudo bem. É preciso limitar pontos a nível perceptivo e, sobretudo, emocional; especialmente se você é fã da banda.
Para encerrar a análise da Legião é necessário abrir esta questão:
Como Daniel Tompkins vai cantar ao vivo?
Continuamos com o Concurso.Uma pausa necessária. É o ponto de equilíbrio que precisávamos depois dos minutos anteriores que foram perturbadores. Uma pausa linda, nostálgica, atmosférica e profundamente emocional. Há várias coisas em jogo aqui, muito do que foi desenvolvido até agora está sendo removido. Uma espécie de balada em Lam onde transita entre do-fa-sol-lam com sons de guitarra sem distorção; onde a mesma voz que antes nos deixava atordoados, inquietos e nos fazia quebrar, agora aparece como uma voz calmante e angelical. Ferir e curar ao mesmo tempo. A música continua nesse tom até que no final é acrescentado um padrão mais potente, com gritos ao fundo e maior presença de distorção nas cordas, onde o fechamento também toca com uma melodia em uníssono que funciona como um alerta,
Segue-se a canção homónima, emblemática e a mais marcante do álbum: War of Being. A música começa com um fraseado de guitarra frágil e sutil em Fá#, que se tornará a linha melódica principal do primeiro riff de todos os instrumentos. Depois disso, temos constantes mudanças de intensidades, onde a voz marcante de Daniel se entrelaça como protagonista desta peça; deixando espaços instrumentais onde a potência é mantida com mudanças em ambas as tonalidades (agora em Bb), e técnicas de digitação (posterior uso de slap e ghost notes nas cordas; mostrando um fraseado semelhante ao da introdução de Lament do nosso querido álbum One ) .
Já chegando aos 5 minutos, o predomínio é vocal, onde diferentes efeitos são tocados nas vozes, demonstrando distorção, inquietação e poder de partir o coração. Da mesma forma - e transversalmente ao tema - a banda toca com bending constante (notas esticadas para subir meio tom), demonstrando elementos semelhantes a Beneath My Skin. De vez em quando, a música fica mais atmosférica e calma, passando então por aqueles riffs sólidos e com uma estética única que costumamos ouvir do TesseracT. Já encerrando a música, a partir dos 8 minutos, um fraseado comovente começa a surgir, que se destaca pela beleza e suavidade que o timbre de Acle utiliza em sua guitarra, transportando a paisagem musical para o que The Arrow irradia .Sim. Chorei nos últimos 40 segundos da música.
Depois da epopeia e master class de metal progressivo moderno que a banda nos trouxe com a sua música homónima, temos agora uma segunda pausa dos Sirens, mais ambiente, com maior destaque de sintetizadores e com uma aura mais serena e calma. Com um Mi menor pacífico que não contém aquela escuridão e mistério que o caracteriza. Pelo contrário, este é um tema delicado, emotivo e sincero. Além do mais, contém um dos trechos mais belos e puros do álbum, onde toda a música se detém para que, sob o balanço melódico de Acle, Daniel (provavelmente junto com Cestra, artista próximo da banda), cante baixinho em uníssono e ternura; e depois feche uma parte mais intensa.
Burden persegue o mesmo tom calmante, mas inserindo uma linha de baixo principal sutil, mas requintada, com aquele som metálico, envelhecido e opaco de Amos Williams, enquanto ao fundo acrescentam efeitos sonoros com as já citadas conotações industriais-futuristas. O que chama a atenção também são os jogos vocais de Daniel tanto na forma quanto na substância (fazendo parte da atmosfera que emoldura sua voz principal). Uma música mais “minimalista”, com toques sutis na bateria e predomínio constante de sintetizador e vozes. No meio da música, as melodias clássicas de Acle começam a ocupar o centro do palco; e então inicia um momento mais intenso, onde novamente Daniel se encarrega de definir a intensidade da música através de seus gritos, vozes agudas e limpas ou sussurros.
Por fim, temos um riff incrível de todos os instrumentos. Provavelmente são aqueles que ficam muito tempo na nossa cabeça e podem até ser "dançados"... Um daqueles clássicos do TesseracT que funcionam como um loop (como em Proxy, Tourniquet, Smile, para dizer alguns), que é difícil fugir. Sem dúvida um dos grandes momentos do álbum que ficará na memória dos fãs. Provavelmente já disse isso em alguma outra análise, mas nunca deixa de me surpreender como o TesseracT é capaz de fazer linhas tão profundas, complexas e variadas, sem a necessidade de recorrer a fragmentos desnecessários ou caminhos escalares mais previsíveis.
O álbum termina com Sacrifice.Nove minutos para terminar uma história bem contada. Com a atmosfera aquosa, calmante e mística ao fundo, o início de um encerramento já está acontecendo. Um daqueles que nos é difícil assimilar. Claro que depois de 50 minutos multissensoriais e absorventes, terminar esta experiência naturalmente dói. Este tema é mais complexo na sua estrutura, funcionando por vezes como um labirinto musical, repleto de pontos surpreendentes, com excertos belos e sublimemente decorados. As linhas melódicas em geral não são algo extraordinário ao que temos ouvido, mas contém diferentes partes que fazem a música soar mais “cheia” (por exemplo, o pequeno solo de baixo slap de Amos Williams, algo semelhante ao que ouvimos em Singularity), ou aqueles momentos em que tocam com pausas e riffs intensos. Os silêncios e as camadas sonoras mais decoradas. Os chutes duplos e os rompimentos com aqueles sons de fundo futuristas.
É assim que terminam Sacrifice, o álbum e a narrativa... Aquele silêncio após a digitação da última nota é muito ensurdecedor. A banda sabe disso e decide adicionar um pequeno trecho de solo de Acle, onde insere a atmosfera planetária e solene que ouvimos no início de The Grey, onde finalmente se delineiam as últimas melodias de guitarra, com aquele mistério e paz que é difícil para entender. Como é difícil tolerar aquele silêncio que, como uma cortina, cobre o que havíamos descoberto; deixando-nos apenas pensando e tentando digerir o que vivenciamos. Dessas obras que levam à introspecção. Para insatisfação e desejo.
Epílogo e comentários finais: O método mais progressivo de fazer música progressiva atual
Este álbum, dada a amplitude do que procuram abranger através da história contada pela tecnologia CGI e do subsequente livro que irão lançar, faz-nos perceber que o álbum não é suficiente. Mesmo que tivéssemos apenas o álbum (com o que ouvimos), o álbum continuaria mas nas nossas mentes; em tudo o que nos produz e nos faz concluir. Como Daniel e Amos comentaram em alguns comentários promocionais: este álbum busca ser aquele que desafia e vai além, pois agrega conceitos como medo, ego e por fim, tudo o que se é.
Musicalmente, posso dizer que o álbum está completo. Claro, é difícil compreendê-lo sem a narrativa lírica e de fundo que o sustenta. Isso será material para análise em uma revisão futura. Da mesma forma, parece que todas as músicas estão a serviço desse fio condutor; tornando-se assim figura e fundo ao mesmo tempo. Portanto, embora nos álbuns anteriores as músicas tivessem suítes como "Of Matter" e "Concealing Fate", no geral eram músicas que brilhavam por si mesmas. Eles continham aquela substância que os tornava completos e autoexplicativos. No entanto, as músicas deste álbum mostram-nos uma imagem que se torna mais completa à medida que a ouvimos; cada extrato sendo uma parte fundamental, mas não autoexplicativa.
Mencione também que alguns temas são para a alma; enquanto outros são para o corpo. Algumas músicas fazem você mexer em todas as suas emoções e outras fazem você querer levantar os braços no ar enquanto balança a cabeça agitadamente. Essa é, finalmente, a essência do TesseracT: uma banda perfeitamente equilibrada que, quando se abre à possibilidade de percorrer novos caminhos, o faz com sabedoria e temperança. Sem arriscar muito, mas sem permanecer na conformidade e no conforto do que já foi criado.
Um álbum conceitual, videoclipes com uso de CGI e Inteligência Artificial com um tremendo trabalho artístico. Uma concepção da música como mais uma ponte para nos levar, finalmente, a uma experiência multissensorial da arte. Redefinindo assim a forma de compreender as artes musicais com base nos novos recursos tecnológicos e cinematográficos disponíveis, ao serviço da imaginação seleta das - com tudo dito - referências musicais do Metal Progressivo moderno.
Análise de músicos: Compositores e composição ao mesmo tempo
Esperava-se que os 5 membros mostrassem uma qualidade proeminente neste álbum que, inevitavelmente, os levou a níveis de exigência mais elevados; porque precisavam de musicar uma história e que tudo estivesse ao serviço da sua história. Além disso, tiveram que fazê-lo sob a já citada marca original, onde também optaram por novas possibilidades sonoras como a inclusão de componentes mais pop e ambientais, gritos e recursos vocais variados e suas já tradicionais harmonias atmosféricas e tremendamente absorventes que, acompanham por faixa, são parte fundamental do álbum que é um todo no todo.
Ao mesmo tempo, concluo que este álbum não é apenas um material novo criado por eles, mas, além disso, esse material é um gestor de uma nova forma de ser banda; de fazer música. A partir de agora, a banda sabe que tem a capacidade de unir diferentes expressões de arte e tecnologia, que sem dúvida continuarão a utilizar; o que leva a elevar os parâmetros de apreciação e - de alguma forma - de avaliação e diversão da banda. Não poderíamos esperar um T6 ou um PORTALS 2 de qualidade inferior ao material atual. Uma mudança epistemológica do TesseracT. Uma evolução, como eu disse antes.
Jay Postones: Como sempre, um herói em sua forma de carregar ritmo, com recursos que refletem o equilíbrio entre poder e calma, sendo o protagonista sem exagerar em seus padrões; em vez disso, trazendo prudência e consistência em primeiro lugar. O fio condutor de toda a arquitetura musical do grupo. Moldura e paisagem ao mesmo tempo.
James Monteith: Membro fundamental da banda e deste álbum, responsável por fornecer a componente mais intensa e rítmica dos riffs e padrões melódicos mais profundos que se desenvolvem. Acrescenta aquela solidez que permite fixar a bateria e o baixo. Complemento unívoco da guitarra principal e que agrega o caráter mais pesado à banda.
Acle Kahney: O líder e principal mente organizadora do álbum que, através de seus riffs, progressões de acordes e padrões melódicos muito reconhecíveis, emocionais e profundos, tornam cada música bela e definida por sua emotividade e amplitude. Seu som único se destaca em praticamente todas as músicas do álbum.
Amos Williams: Segunda mente criativa do álbum instrumentalmente, onde seu caráter está impresso em suas falas que, como sempre, acrescentam muito mais do que a definição das notas; porque o seu estilo de tocar o instrumento é uma unidade de análise quase separada das restantes mas que - ao mesmo tempo - está integrada de forma única naquilo que compõem. Em algumas ocasiões, parece que as músicas giram em torno da sua execução. O que dizer sobre seu som. Solidez, profundidade, pastosidade e brilho. Tudo em um.
Daniel Tomkins:Se há um artista cuja carreira está em ascensão com o passar dos anos, é justamente Daniel. Que caráter e sabedoria interpretar cada música deste álbum. Que ligação com o que ele narra (já que é ele quem nos conta essa história musicalizada em CGI); e sobretudo o que foi dito: Qual a qualidade vocal em cada uma das técnicas utilizadas. Oscila entre a calma, o emocional e a agressividade e intensidade. O verdadeiro barômetro emocional deste álbum. Tal é o sentimento de propriedade e compromisso com este material que às vezes o álbum parece um álbum solo de Daniel. Fazendo uma revisão sistemática da sua discografia como artista individual e membro de outros projetos musicais, este álbum é provavelmente aquele em que mais qualidade vocal tem demonstrado. Daniel Tompkins está no seu auge.
Reitero novamente a pergunta: Como o Legion cantará ao vivo?
Proposta de novo conceito: CGI Musical:
Uma ideia que não queria ficar é precisamente o que de novo trouxeram para a indústria musical normativa: Uma experiência multissensorial e integradora, onde a história é contada a partir do que se ouve mas, sobretudo, pelo que se visualiza. Como disse, é impossível compreender este álbum sem a compreensão temática que o rodeia. Na verdade, pode-se dizer que o álbum é mais uma engrenagem deste conceito, e não a sua substância única e final.
Perante isto, e como tem sido historicamente o desenvolvimento de alguns “musicais” ao longo dos últimos 2 séculos (por exemplo: o Fantasma da Ópera); O que estamos testemunhando atualmente no TesseracT é um salto qualitativo nesse sentido. E, valendo-se da tecnologia atual, a banda utilizou recursos de IA, animações computadorizadas com motores gráficos, imagens fotorrealistas e direção de arte ajustada à qualidade que vemos atualmente em alguns videogames. Por isso, dado esse novo caminho que abriram como banda e como artistas (num sentido mais amplo), poderíamos procurar um rótulo para o que estão fazendo e, por isso, proponho chamar isso de CGI Musical. certo?
Nexus, a banda mexicana de Metal Progressivo-Alternativo formada em 2004, lançou recentemente “Liar”, single com quase seis minutos de duração disponível em todas as plataformas, e acompanhado de um lyric video oficial no YouTube. O grupo conta com dois álbuns de estúdio, seis singles até 2023 e quatro turnês nacionais, e conseguiu se posicionar como uma das bandas de rock mais representativas do México. Passaram assim a actuar nos locais mais importantes do seu país de origem, como o Lunarium do Auditório Nacional e o Autódromo Hermanos Rodríguez, participando em diversas feiras e festivais para partilhar a conta com bandas como Opeth 2023 GDL, Caligulas Horses 2023 GDL, Soen 2023 GDL, Katatonia 2023 MTY, Riverside 2022, Judas Priest, Carcass, Overkill, System of a Down, Alice in Chains, Bush, Rob Zombie, Godsmack, In Flames entre outros, no Force Fest (2 ocasiões) , Knot Fest México e Cervantino Internacional, Hell And Heaven 2022. Atualmente em turnê no Road To Hell And Heaven com sua turnê PunkGresivo 2023, que acontecerá em diversas cidades da República Mexicana. O seu estilo progressivo particular cheio de acordes poderosos e dedicação levou-os a abrir concertos para Alcest em 2018 (Gdl), Leprous em 2019 (Gdl) e Soen em 2020 (Mty), integrando-se assim na nova onda do mundo progressivo com o seu últimas criações e resultando numa digressão europeia de 14 datas em França, Croácia, Sérvia, Montenegro, Bósnia, Hungria e Alemanha, tendo nesta última pela primeira vez um festival europeu, o Stadjfest. que será realizado em diferentes cidades da República Mexicana. O seu estilo progressivo particular cheio de acordes poderosos e dedicação levou-os a abrir concertos para Alcest em 2018 (Gdl), Leprous em 2019 (Gdl) e Soen em 2020 (Mty), integrando-se assim na nova onda do mundo progressivo com o seu últimas criações e resultando numa digressão europeia de 14 datas em França, Croácia, Sérvia, Montenegro, Bósnia, Hungria e Alemanha, tendo nesta última pela primeira vez um festival europeu, o Stadjfest. que será realizado em diferentes cidades da República Mexicana. O seu estilo progressivo particular cheio de acordes poderosos e dedicação levou-os a abrir concertos para Alcest em 2018 (Gdl), Leprous em 2019 (Gdl) e Soen em 2020 (Mty), integrando-se assim na nova onda do mundo progressivo com o seu últimas criações e resultando numa digressão europeia de 14 datas em França, Croácia, Sérvia, Montenegro, Bósnia, Hungria e Alemanha, tendo nesta última pela primeira vez um festival europeu, o Stadjfest.
A faixa começa com uma aura de mistério, fundindo inicialmente alguns sons e efeitos enquanto o conjunto se aproxima. A voz de Jorge Vargas se conecta de forma orgânica e natural, e não há trégua para pensar. Apenas a mensagem da letra de cada estrofe é importante: “Falamos sobre mentir, e todos nós já mentimos em algum momento, desde não dizer a verdade para evitar que alguém se sinta mal, até a traição e fraude da manipulação em nosso benefício. A arte nos mostra como o ser humano usa máscaras o tempo todo sem deixar transparecer seu verdadeiro ser por medo de ficar vulnerável e cai na ironia do julgamento que fazemos a um animal como o porco que na realidade tem mais virtudes do que defeitos e por sua vez “É geneticamente semelhante aos humanos.” A guitarra solo de Jack Tale, Ele então se apresenta com um solo abismal e a bateria de Jair Huerta o acompanha com um groove enorme. Alex Lamía como guitarra rítmica, também consegue frequentar o espectro sonoro com potência, somando-se ao conjunto de texturas distorcidas. A voz gutural vem dar ainda mais força a todo o turbilhão desencadeado nestes minutos aparentemente curtos. A composição transcende com energia até o limite e aumenta de intensidade com muita força. Realmente um ótimo trabalho realizado. A composição transcende com energia até o limite e aumenta de intensidade com muita força. Realmente um ótimo trabalho realizado. A composição transcende com energia até o limite e aumenta de intensidade com muita força. Realmente um ótimo trabalho realizado.
Definitivamente, caracterizam-se pela veemência, expondo em seus versos as ideias que consideram necessárias expor. É mais do que claro que a intenção deles é criar mensagens realmente intensas. Com todo o seu material até agora, eles não pararam para continuar criando mais músicas com fúria, caráter e criatividade. Decididamente, libertaram um arsenal completo de variedades polifónicas que são tão cerebrais quanto viscerais. São, conclusivamente, ritmos montados a partir de uma imaginação em permanente atividade, que leva ou seleciona, verdadeiros estímulos de rebeldia e elevado rigor no estilo de criação. É uma proposta que se depara com uma sonoridade desafiadora, acima de tudo, para atrair a atenção de quem aguarda mais produções deste agitado projeto.
O Radiohead é uma das bandas mais adoradas da década de 90, e uma das mais respeitadas pelos críticos e entendedores do meio musical. Desde a sua estréia, a banda de Tom Yorke chamou atenção e há exatos 25 anos, eles lançavam o disco mais icônico de suas carreiras, o gigante ”OK Computer”!
Até então o Radiohead havia lançado 2 discos, o ”Pablo Honey” de 1993 e o ”The Bends” de 1995, dois discos que possuem um som mais cru eu diria, com uma sonoridade semi-definida que a banda viria a abordar posteriormente. Em seguida, a banda trabalhou mais em cima de uma sonoridade um pouco menos introspectiva e incrementou um refinamento na produção que fez a diferença, na minha opinião.
Esse terceiro disco lançado em 1997 seria o ”OK Computer” e a primeira reação que quase todo mundo deve ter, eu acredito que seja por conta do título do disco, que é bem curioso. O motivo da escolha seria de uma frase da série de rádio do Guia do Mochileiro das Galáxias de 1978.
Falando um pouco sobre o conteúdo do disco, já adianto que estamos tratando de um dos melhores discos da década e 90, então logo quase todas as faixas são fantásticas, eu gosto da abertura ”Airbag”, ela mostra uma disco com uma proposta diferente e até ousada. A seguir, ”Paranoid Android”, uma das melhores faixas do disco, um épico, grandiosa e marcante, com quase 6 minutos e meio de duração, uma obra prima! ”Exit Music” também é outro grande clássico, ovacionada pelos fãs da banda. Já a faixa mais famosa do disco, muito provavelmente seja ”Karma Police”, que eu confesso que não está entre minhas preferidas. Já a balada ”No Surprises” eu simplesmente adoro, sensível, linda e muito bem produzida, talvez a que eu mais gosto!
De considerações finais, ”OK Computer” é um verdadeiro clássico da década 90, é um trabalho extremamente autêntico, autoral e até revolucionário, por que não? É o tipo de disco que basta ouvir uma vez para nunca mais esquecer das faixas, é impressionante! Espero que a galera que ainda não conhece, corra atrás de conhecer melhor esse disco e o Radiohead, uma banda com um conteúdo muito interessante!
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