Open Your Eyes You Can Fly é o terceiro disco solo internacional da cantora de jazz Flora Purim e o quarto se considerarmos o primeiro disco dela lançado nos anos 60 no Brasil numa sonoridade mais bossa nova.
Synthesizer [Arp String Ensemble, Arp Odyssey, Moog] – George Duke (tracks: A2 to B3)
Contracapa
Da esquerda para direita: Georke Duke, Nbulu, Alphonso Johnson, Flora,David Amaro, Hermeto (o bruxo mór) e Airto Moreira.
Um disco com uma sonoridade mais elétrica e funk que os outros da grande Flora, destaque para as performances de Hermeto nos solos de flauta e do super baixista Alphonso Johonson e dua pegada jazz funk.
V.A. – Trindade, Curto Caminho Longo (OST-Música Instrumental Brasileira)
1978 Tapecar/ SOM LIVRE 611.6001
Trilha do documentário “Trindade: Curto Caminho Longo”, de Tânia Quaresma e Luiz Keller, onde os compositores Luiz Keller, Waltel Blanco, Joyce, Nivaldo Ornelas, Egberto Gismonti, Novelli, Hermeto Pascoal, Edson Maciel, Mestre Di Mola, Marcos Resende, Luiz Cláudio Ramos, Franklin da Flauta, Wagner Tiso e Sapaim, Aiupú e Aritana Yawalapiti, indígenas das etnias Kamayurá e Ywalapiti, gravaram faixas que representavam diversas imagens do Brasil.
Trechos da matéria publicada na revista Filme Cultura nº 32, fevereiro de 1979:
“Com o objetivo de deflagrar um movimento, “uma atitude dos próprios músicos que, vendo que é possível, partem para o trabalho por eles mesmos”, foi fundada a Trindade Produções Artísticas. O projeto principiou a se tornar realidade em fevereiro de 76, com as filmagens do carnaval carioca. No mês de julho, iniciaram-se as gravações das faixas, no estúdio Vice-Versa, em São Paulo. Em setembro de 77, Trindade montou no posto Leonardo Villas-Boas, no Alto Xingu, um insólito espetáculo: a exibição do Ballet Stagium, dançando para uma plateia de mais de 800 índios o tema de Egberto Gismonti Conforme a Altura do Sol/Conforme a Altura da Lua. Em novembro de 1977, Hermeto Pascoal e Seus Músicos tocaram em plena feira de Caruaru, num espetáculo registrado em som direto. Já em setembro do mesmo ano, no dia 17, tinha sido iniciada uma série de shows no cine Ópera, do Rio, reunindo o grupo Index e os músicos/compositores Edu Lobo e Nivaldo Ornellas. No mês seguinte, dia 14, um novo show no Ópera, com Wagner Tiso, Joyce e Maurício e o grupo Azymuth. No dia 12 de novembro, tocaram Antônio Adolfo, Toninho Horta, Márcio Montarroyos e Pomoja e o grupo Mandengo. A série teve seu encerramento com um concerto na Concha Acústica da UERJ, com a participação de Wagner Tiso, Toninho Horta, Paulo Moura e a Rio Jazz Orchestra, Nivaldo Ornellas, Egberto Gismonti e Hermeto Pascoal, no dia 25 de março de 78. E, de abril a agosto, foram concluídas as filmagens e gravações. A pré-estreia nacional foi realizada no dia 20 de dezembro último.”
Faixas: 1. Trindade (Luiz Keller) 00:00 2. Minuano (Waltel Blanco) 06:33 3. Pega Leve (Joyce) 17:07 4. Memória das Minas (Nivaldo Ornelas/Marcio Borges) 21:40 5. Conforme a Altura do Sol (Egberto Gismonti) 33:05 6. Baião de Acordar (Novelli) 37:40 7. Agreste (Hermeto Pascoal) 42:44 8. Música da Manhã (Sapaim Kamayurá) 51:39 9. Mr. Keller (Edson Maciel) 54:39 10. Capoeira (Mestre di Mola) 01:00:30 11. Festa Para um Novo Rei (Marcos Resende) 01:03:45 12. Ladeira de Santo Amaro (Luiz Claudio/Franklin/Aldir Blanc) 01:14:20 13. Tragicômico (Wagner Tiso/Luiz Keller) 01:17:20
1- Wagner Tiso – teclados, arranjo e regência Luiz Alves – baixo acústico Jamil Joanes – baixo elétrico Nivaldo Ornelas – sax tenor, flauta Frederyko – guitarra solo Paulo Braga – bateria e percussão Luiz Keller – voz
2- Waltel Branco – violão, arranjo e regência Santino Parquinelli – 1º violino Jackes Nurenberg – 2º violino Henrique Nurenberg – viola Eugen Ranewsky – violoncello Chico Batera – percussão Jane Duboc – voz
3- Joyce – violão, voz e arranjo Mauro Senise – piccolo Toninho Horta – guitarra Ricardo Canto – baixo acústico Tutti Moreno – bateria Kaito – percussão
4- Nivaldo Ornelas – flauta, violão, vocal, arranjo, regência Frederyko – violão Jamil Joanes – viola de 12, vocal Wagner Tiso – teclados Luiz Alves – baixo acústico Paulo Braga – percussão Luiz Keller – voz
Superfluous Motor - 'Idiossincrasias' (25 de junho de 2017, produção própria)
Nesta ocasião nos deparamos novamente com SUPERFLUOUS MOTOR , o projeto one-man fundado em 2012 pelo aposentado Greg Chambers, uma pessoa incansavelmente criativa que com seu arsenal de teclados cria seu próprio microcosmo progressivo marcado pelo requinte, elegância e musicalidade em suas expressões mais ricas . “Idiossincrasias” é o título de seu novo trabalho, publicado em sua página no Bandcamp no final de junho passado. Em 2016, SUPERFLUOUS nos deu um ótimo par de álbuns bombásticos intitulados “Scatterbrain” e “Kaleidoscópio”, respectivamente. Agora, com “Idiossincrasias”, o bom Sr. Chambers se dedicou principalmente.
Com duração de pouco menos de 5 minutos e meio, 'Delusions' inicia esta viagem musical com uma aura sóbria sustentada sobre um lema perpétuo no piano eléctrico, que aproveita bem a sua configuração para estabelecer uma atmosfera obsessivamente onírica. As vibrações etéreas imparáveis dão as boas-vindas a um ar refrescante e moderadamente denso quando o esquema rítmico termina de se estabelecer. Segue-se então 'Anxiety', uma canção que apesar do título não se deleita com extremismos expressionistas; Sim, é uma peça visivelmente mais extrovertida que a de abertura, focada numa confluência de influências do WEATHER REPORT da segunda metade dos anos 70 e do JAN HAMMER dos dois primeiros álbuns. Com a dupla 'Avoidant Personality Disorder' e 'Mania', a abordagem sonora de SUPERFLUOUS MOTOR projecta-se no sentido do aprofundamento dos dinamismos ecléticos e multicoloridos que sempre foram o seu motivo de criatividade: no caso da primeira destas canções mencionadas , O foco tem sido na música eletrônica hipnótica e imponente que reconhecemos nos álbuns do início dos anos 80 de TANGERINE DREAM e VANGELIS; no segundo, a estratégia criativa tem sido orientada para uma mistura de sinfonia (à la CAMEL) e jazz-rock (à maneira do CHICK KOREA ELEKTRIC BAND), pelo que a sua exibição de folia contrasta eficazmente com a parcimónia reflexiva de ' Eviteant Transtorno de Personalidade'. O papel do piano é bastante relevante e o enquadramento rítmico é suficientemente desafiante para que o ouvido do ouvinte empático o mantenha num interessante suspense contemplativo. Sendo a peça mais curta do álbum com duração de minutos e segundos, 'Attention Deficit Hyperactivity Disorder' consegue chamar a atenção pelo seu caráter acentuadamente assertivo: o groove complexo com raízes funky ajuda muito nesse aspecto. Quando chega a vez de 'Nostalgia', o bloco sonoro de SUPERFLUOUS MOTOR fica mais lírico, mas basicamente o que se faz aqui é retornar a uma síntese dos dinamismos e atmosferas das músicas #2 e #4. Já está ficando muito claro para onde está indo a abordagem predominante deste novo álbum.
Assumimos que as coisas se voltam para uma orientação cínica quando surge o sétimo tema do repertório, intitulado “Cinismo”. Na verdade, apreciamos aqui mais um exercício suave de lirismo precioso baseado num groove marcante e tipicamente complexo do estilo jazz-progressivo, mas de qualquer forma é perceptível que uma espiritualidade sombria bate aqui em comparação com o calor que havia sido destacado no álbuns anteriores.tópicos #4 e #6. Vale ressaltar o quão esplêndido é o solo de sintetizador que se estende na longa passagem final, uma das mais acrobáticas do álbum. Uma peça intitulada 'Schizophrenia' não pode faltar no conceito deste álbum e é precisamente esta que ocupa o oitavo lugar no repertório: o seu desdobramento de molduras melódicas esparsas e um dinamismo sóbrio permite que ornamentos dissonantes e pausas razoavelmente rítmicas surjam em certas estratégias lugares perturbadores. As coisas ameaçam tornar-se mais pungentes com a chegada de 'Psychotic Break', uma peça que desenvolve uma espécie de tensão misturada com exaltação de um vitalismo distorcido e vertiginoso que faz desta peça um motivador de arrepios incendiários neste ponto do álbum. Com efeito, ‘Vício’ segue o mesmo caminho, embora seja justo salientar que o seu desenvolvimento temático apresenta uma maior dose de luminosidade. Na verdade, a secção final aborda seriamente os padrões clássicos da tradição sinfónica progressiva, embora evidentemente o esquema rítmico seja disciplinadamente orientado para o padrão jazz-rock. 'Denial', por sua vez, centra-se no dinamismo alegre e gracioso que já desfrutamos nas passagens jazzísticas de várias peças anteriores. A atmosfera espiritual que este tema parece pretender captar é a de uma vivacidade que se espalha como uma fachada que encobre frustrações inquietas.
Aproximamo-nos do final de “Idiosyncrasies” quando surge 'Autophobia', uma canção bastante sóbria cuja estrutura temática simples nos proporciona um dos poucos momentos de genuína introspecção do álbum. A dupla 'Depression' e 'Serenity' dá o toque final ao álbum. O primeiro destes temas capitaliza a herança introspectiva da peça anterior e transporta-a para um minimalismo romântico em colcha de retalhos numa atmosfera que parece etérea e angustiante ao mesmo tempo. Como gotas de orvalho que se acumulam enquanto cai uma garoa de outono, a monótona sequência de piano deixa-se envolver por acréscimos harmônicos e densas cortinas que nos remetem ao mundo de TANGERINE DREAM. Com duração de pouco mais de 2 ¼ minutos, ‘Serenity’ cria um ambiente descontraído baseado no piano, que cria um recurso de charme discreto como se a cada nota tivesse medo de fazer um barulho desnecessário. A verdade é que esta última tríade serviu como um oportuno bálsamo de relaxamento espiritual depois da fabulosa e imperativa demonstração de vivacidade multicolorida que permeou a grande maioria das melodias e atmosferas do repertório anterior. Esta foi a experiência de “Idiossincrasias”, uma magnífica experiência de música progressiva para o ano de 2017: a presença de SUPERFLUOUS MOTOR continua a ter relevância nos atuais círculos de música progressiva no mundo de hoje.
Hoje é a oportunidade de provar e comentar o mais recente trabalho fonográfico da veterana banda japonesa de espaço progressivo ACID MOTHERS TEMPLE , associada como em muitas ocasiões anteriores ao THE MELTING PARAISO UFO , álbum intitulado “Wandering The Outer Space”. Um detalhe curioso é que a gravadora responsável pela publicação deste álbum é a Buh Records, gravadora peruana dirigida pelo estudioso Luis Alvarado, um dos mais notáveis historiadores e divulgadores da música de vanguarda no meio latino-americano. Sem dúvida, a presença do ACID MOTHERS TEMPLE no catálogo da Buh Records desde 17 de novembro é um grande ponto a favor para ambas as instâncias. O conjunto completo responsável pela criação e gravação do repertório de “Wandering The Outer Space” é composto por Makoto Kawabata [guitarra, bouzouki, baixo fretless, órgão, sintetizador e efeitos de fita], Hiroshi Higashi [sintetizadores e Theremin], Mitsuru Tabata [ guitarra, sintetizador de guitarra, voz], Satoshima Nani [bateria] e Wolf [baixo, efeitos de fita], junto com contribuições vocais de Jyonson Tsu e Cotton Casino. O ACID MOTHERS TEMPLE é uma instituição viva dentro da vanguarda do rock da Terra do Sol Nascente e, em particular, o guitarrista Kawabata Makoto é uma figura notável dentro das diversas modalidades do rock psicodélico e experimental que conquistou mérito suficiente para ter o título individual renome que ele tem, tanto dentro quanto fora da cabine da AMT. A carreira deste grupo começou em 1995 a partir de iniciativas conjuntas de alguns músicos (incluindo Kawabata) que já se conheciam há vários anos. Muitos anos e miríades de gravações se passaram desde que as primeiras fitas foram publicadas em 1996 e 1997 sob o título coletivo de “Acid Mother's Temple & The Melting Paraiso UFO”, e neste catálogo exaustivo – típico dos malucos trabalhadores siderais – lançaram álbuns como “Absolutely Freak Out (Zap Your Mind)”, “Minstrel In The Galaxy”, “Electric Heavyland”, “Are We Experimental?”, “Acid Motherly Love”, “Crystal Rainbow Pyramid Under The Stars” e um longo etc. . Só no ano passado, o ACID MOTHERS TEMPLE lançou dois álbuns ao vivo (“Last Concert Of The First Chapter” e “Live At Cabaret Victoria 2016”) e dois álbuns de estúdio (“Wake To A New Dawn Of Another Astro Era” e “La Nòvia ”), e ainda por cima, pouco antes do lançamento de “Wandering The Outer Space”, o mesmo foi feito com “Those Who Never Came Before” pelo selo Nod and Smile Records. Mas ei, seria complicado continuar nos aprofundando em tantos detalhes históricos, então agora vamos ao que há de mais produtivo neste momento: comentar os detalhes do repertório de “Wandering The Outer Space”.
Com duração de pouco mais de quinze minutos e meio, 'Anthem Of The Outer Space' abre o set com um sentido generosamente expansivo de expressionismo cósmico na arte do som. Durante seus primeiros 4 minutos, a banda se concentra em uma jam razoavelmente intensa apoiada por um marcante tema de guitarra de inspiração árabe, que se repete como um mantra sutilmente comovente em meio ao magnífico enquadramento entre o esquema rítmico, as camadas do sintetizador e os fragmentos teimosamente psicodélicos da primeira guitarra. Num segundo momento, o bloco instrumental transita para um novo jam onde o groove opera de forma mais solta enquanto o vigor do rock contínuo ganha densidade e incandescência. Passamos do terreno do AMON DÜÜL II ao do GURU GURU com enorme facilidade, mas quando ainda não chegamos à fronteira do oitavo minuto e meio, começa uma dupla de trechos aleatórios onde se impõe a lógica da expectativa indefinida : primeiro há uma passagem solo de guitarra cujas cortinas flutuam no ar sem decidir tocar, e depois há uma interferência de outra guitarra que parece estar montando uma ideia para um riff por tentativa e erro. Assim, a passagem que ocupa os últimos minutos do álbum surge e desenvolve-se como uma solução sob o pretexto de um enquadramento onde se unem os paradigmas do HAWKWIND e do CAN: desta forma, regressamos ao clima de exaltação com que se iniciou a peça enquanto coleta um pouco da misteriosa densidade adquirida nos dois interlúdios sucessivos. Segue-se 'The Targeted Planet', cujo plano de trabalho consiste numa elaboração anárquica de ambientes espaciais e diálogos vaporosos que exibem uma espécie de tensão misteriosa. Só a meio caminho se estabelece um recurso de musicalidade, e aquele que surge neste momento particular desenvolve um cenário traiçoeiramente lânguido onde se recuperam simultaneamente os espíritos do PINK FLOYD do período 68-69 e do TANGERINE. era, ao mesmo tempo que as linhas elegantemente alucinadas da primeira guitarra exalam um inconfundível tenor Frippiano.
O repertório do álbum que aparece publicado na página do Buh Records Bandcamp termina com os pouco mais de 11 ¼ minutos que 'Forsaken Moonman' ocupa. Este tema reflecte em grande medida a aura lânguida e contemplativa do tema imediatamente anterior, mas confere-lhe um toque mais arredondado, preservando ao mesmo tempo a graciosidade espacial e o halo de luminosidade internalizada. Pouco antes de cruzar a fronteira dos nove minutos, o grupo está imerso em uma demonstração de vigor que parece extravagantemente calorosa. Conseguindo criar o híbrido perfeito entre o AGITATION FREE do segundo álbum e o PINK FLOYD de “Ummagumma”, os músicos impõem uma verve imponente e uma musculatura requintada a esta viagem psicodélica que, aos poucos, se retroalimenta do fogo inerente ao sua densidade essencial para criar um crescendo meticuloso e inteligente. Embora possam parecer escondidos sob os intermináveis toques da bateria e os floreios cintilantes da primeira guitarra, as camadas minimalistas de sintetizador e órgão preservam o núcleo central do caráter etéreo desta peça. Mas ainda há uma faixa bônus que só aparece no álbum físico, e ela se chama 'Golgotha 13 Choise Électrique', sendo uma composição conjunta dos dois guitarristas do grupo. Com uma atmosfera tão musculosa quanto benevolente dentro de um esquema de trabalho luminoso e denso, o grupo exorciza de forma inteligente as influências do ASH RA TEMPLE GONG e do HAWKWIND da etapa 71-73, com alguns toques do GONG da pré-fase -1973. A bateria impõe sua força de caráter com aquelas batidas enfaticamente contundentes, mas também sabe criar um swing um pouco mais gracioso em algumas passagens estratégicas do intervalo, ou seja, antes da explosão sonora que revelará seu encanto lisérgico envolvente durante os dois últimos minutos.
Tudo isto foi “Wandering The Outer Space”, um álbum intenso e tremendamente vitalista que é muito agradável de ouvir e, de facto, ousamos afirmar que é um dos trabalhos de estúdio mais inspirados e elevados que os artistas já fizeram. TEMPLO DAS MÃES ÁCIDAS nos últimos anos. Nesta viagem errante pela música do espaço sideral desfrutamos muito do que nos foi oferecido neste novo repertório: enquanto esta crítica é publicada, o espantado conjunto japonês está imerso em sua primeira turnê sul-americana que o leva a etapas no Peru, Chile, Argentina e Brasil. Que a maquinaria ATM continue nos palcos e nos estúdios de gravação!... Queremos mais!
Os Besta Bode foram formados em 2009 no Porto por Jonathan Saldanha (voz, órgãos, programação) e Filipe Silva (guitarra) com vista a navegarem nos caminhos da música mais profundas do grindcore e do doom metal. Os seus membros quiseram ainda dar-lhe um carácter matemático e preciso, com laivos de busca psicanalítica. As influências assumidas pelo próprio grupo remetiam para as profundezas já exploradas por bandas resistentes como Berserkergang, Stress, Black Sabbath, Gyorgi Ligeti, Claviceps Purpurea, Magma, Hyperventilation, Napalm Death, Circle Of The Dead ou Olivier Messiaen. Com vista a alcançarem o seu graal sentiram necessidade de recrutar um outro músico, o baixista Rui Leal. Contam ainda com um membro convidade: Manuel Morge (guitarra). A cacofonia é apenas aparente, vislumbrando-se um tecnicismo algébrico nas estruturas das suas composições. Tematicamente, as letras assentam na numeralogia e na exploração dos segredos da mente humana aquando distorcida ou na sua vertente mais animalesca. Pretenciosismo? Espreitem vocês mesmos...
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