sábado, 22 de junho de 2024

BLACK SABBATH - SABBATH BLOODY SABBATH

 



Este é um álbum fantástico, cheio de composições complexas e produção incrível. O Sabbath ainda parece o Sabbath, mas traz alguns sintetizadores legais (Who Are You) e orquestra (Spiral Architect). Ótimas músicas pesadas e complexas (National Acrobat, Sabbra Cadabra) que levam você a uma jornada por um oceano infernal de sons com sabor progressivo. O design da capa também é doentio, com tantas mães lutando contra isso. Embora este álbum às vezes seja odiado entre os fãs do Sabbath por enfraquecer o som, acho que a experimentação funciona muito bem neste álbum. Grande álbum que se arrisca e expande sua sonoridade sem perder o contato com o que a banda realmente era. Um dos melhores deles!

Sabbath faz rock progressivo muito bem, há até alguns gostos de sintetizadores em Who Are You, eu adoro esse álbum. A maioria das músicas muda e assume novas formas quando poderiam facilmente ter permanecido as mesmas, como nos discos mais antigos. Todo mundo se adapta perfeitamente ao estilo e o faz de maneira incrível, Ozzy em menor grau, mas isso é simplesmente por causa de quão bons são os instrumentais que eles meio que o superam neste álbum. Álbum incrível, estou feliz que eles tenham tentado mais com seu som.

A banda alugou uma casa em Bel Air e começou a escrever no verão de 1973, mas, em parte devido ao abuso de substâncias e ao cansaço, não conseguiu completar nenhuma música. “As ideias não estavam surgindo como no Vol. 4 e estávamos muito infelizes”, disse o guitarrista e compositor Tony Iommi. "Todo mundo estava sentado esperando que eu pensasse em alguma coisa. Eu simplesmente não conseguia pensar em nada. E se eu não pensasse em nada, ninguém faria nada."

Álbum que se desenvolve em tempos de mudanças, revoluções e “posturas”. Tempos onde a arte foi parte essencial do rock e atingiu a sua máxima expressão artística; Eram os tempos dos mega singles, dos trabalhos conceituais e das mega bandas. 1973 foi um ano em que o germe progressivo se acentuou e a corrente musical estava no auge, razão pela qual o Black Sabbath optou por incorporar certos elementos da época e aproveitar o que é mais do que evidente. Para muitos este álbum  foi considerado um dos   canteiros estelares que abrirão o caminho para o surgimento do metal progressivo, embora para mim a verdadeira essência progressiva da banda seja a favor  do Sabotage - mas isso é uma questão diferente - por isso me concentro em este trabalho que se baseia na ideia seminal de incorporar certos dispositivos e estruturas complexas ao “selo do sábado”. Mudanças de tempo, arranjos graciosos, atmosferas sombrias, sintetizadores, passagens sombrias e sons proto-metálicos próximos de Doom são as manifestações que adornam esta obra que foi vaidosa sob tensões, problemas e excessos; O resultado foi um pastiche sonoro esmagador e cheio de ARTE. Capa, conceito e ideia captados sob a visão estilizada do espírito progressista se refletem em toda a obra, basta ouvir o encerramento do álbum Spira Architect para captar a dimensão artística da banda e o impulso criativo do Sabbath em um período de colapsos depois de abusos e ainda assim podemos apreciar nesta obra uma apresentação de sentido, delicadeza e maturidade.

As minhas impressões são altas, é um álbum perfeito dentro das suas dimensões e nele podemos apreciar o ar pesado que flutua em cada peça mas também podemos apreciar as insurgências da experimentação e aqueles ecos progressivos que foram denotados em alguns clássicos como o mítico  Sabbra Cadabra (música em que Rick Wakeman traz sua marca tocando piano e Minimoog). Sabbath Bloody Sabbath é um álbum sombrio, atmosférico, furioso, elegante e cheio de detalhes e gadgets que toda vez que você entra totalmente no trabalho você se perde entre aquelas camadas de texturas e sons, músicas como Who Are You? Eles levam a experiência a outro nível e te surpreendem, talvez porque como diz Ozzy: “eles alcançaram um equilíbrio perfeito entre seu antigo peso e seu novo lado experimental ” . Seja como for, o álbum é uma intensa odisseia de experiências e evocações rumo à entrega mais dura do HEAVY onde as apresentações bombásticas da vanguarda vão vingar-se na música do Sabbath e elevá-la aos mais altos limites, ultrapassando o CULT e transformando-o transformá-lo em uma OBRA-PRIMA. Álbum imortal com uma postura que cheira a futuro e se projeta   para novos caminhos de luz. O Sabbath dá mais um passo em sua evolução e eles se reinventam. Caramba, ainda me lembro da primeira vez que ouvi esse álbum, foi tudo uma explosão de sensações que marcariam meus gostos e  ampliariam ainda mais a visão que eu tinha deles, foi o álbum que despertou admiração pela banda, eu já tinha ouvi os Greatest Hits, o subestimado Never Say Die! e o hiperclássico Paranoid, pois já havia um caminho traçado, mas esse trabalho foi o trampolim para novas sensações pois  logo chegariam 2 discos que seriam pura droga boa. Até nos vermos novamente.

Minidatos:
*Inicialmente, para "Sabbath Bloody Sabbath", la banda se encerró en el estudio intentando componer los temas que formarían parte del álbum, sin embargo, el demacrado estado provocado por la adicción a drogas y sustancias psicotrópicas había hecho mella en los componentes do grupo. A situação chegou a tal ponto que Tony Iommi (guitarra e compositor) não conseguiu compor uma única nota nova, nem um único riff. Para remediar a situação, todo o grupo decide se trancar em um castelo no País de Gales (Reino Unido) para se inspirar. Como resultado dessas sessões, nasceram as músicas de "Sabbath Bloody Sabbath".

*A capa desenhada por Drew Struzan mostra-nos a imagem grosseira de um homem deitado na cama tendo um pesadelo ou a visão de ser atacado por demônios na forma de humanos. A morte o envolve em seu leito de sofrimento com o número 666 (o número da besta) gravado ao fundo.

*O álbum marcou o quinto álbum consecutivo da banda com vendas de platina nos Estados Unidos.

*O álbum contou uma história triste na carreira da banda porque seu empresário Jim Simpson os processou por demissão injusta. A banda percebeu que seu empresário os havia enganado em milhões de dólares. O processo durou dois anos. Como disse Osbourne, este álbum “Sabbath Bloody Sabbath” foi feito para pagar seus advogados. Através deste álbum, o Black Sabbath refletiu a realidade brutal do mundo da música. Killing Yourself To Live representou suas queixas no mundo da música.

*De acordo com o livro How Black Was Our Sabbath, a banda convidou uma orquestra para tocar em 'Spiral Architect' "mas não conseguiu encaixar todos os músicos e seus instrumentos no Morgan Studios. Eles acabaram no vizinho Pye Studio ao longo do caminho ." estrada, com Ozzy tentando explicar o que ele queria que eles tocassem como uma espécie de líder de banda maluco. Ele não tinha nenhuma música escrita para dar à orquestra, ele apenas cantarolava a parte e eles a pegariam."

01. Sabbath, Bloody Sabbath
02. A National Acrobat
03. Fluff
4. Sabbra Cadabra
05. Killing Yourself to Live
06. Who Are You
07. Looking for Today
08. Spiral Architect





Canhoto da Paraíba - Pisando em Brasa [1993]

 




Francisco Soares de Araújo, cujo nome artístico é Canhoto da Paraíba, nasceu em 1927 (embora só tenha sido registrado em 1928) na pequena cidade de Princesa Isabel, interior da Paraíba. Canhoto da Paraíba é um dos três raros casos de violonistas e virtuoses brasileiros que tocam violão canhoto sem inverter as cordas.

Ele nasceu numa família musical e o violão era tocado por seu pai e compartilhado com outros membros da família. Canhoto sempre se interessou em tocar, mas não conseguia fazê-lo como se fosse destro e nem podia trocar as cordas, de maneira que acabou aprendendo sozinho e desenvolvendo sua própria técnica.

Músico muito talentoso, começou a criar suas próprias composições ainda novo, e valsas e choros eram seus estilos preferidos. Quando Canhoto Paraíba se mudou para o Rio de Janeiro, todos ficaram assombrados com sua técnica e a qualidade das suas composições. Seus choros têm um sabor nordestino e suas idéias harmônicas eram deveras interessantes e incomuns naquela época.

Infelizmente, Canhoto parou de tocar e compor devido a um derrame que o deixou parcialmente paralisado e comprometeu sua capacidade de tocar o instrumento.



1 - Pisando Em Brasa (Temas Incidentais - Asa Branca E Vassourinhas)
2 - Tá Quentinho
3 - Reencontro Com Paulinho
4 - Memórias De Sebastião Malta
5 - Lá Vai Barreira
6 - 19 De Março
7 - Mulher Rendeira
8 - Glória Da Relâmpago
9 - Lourdinha
10 - Escadaria
11 - Ilha De Santo Aleixo
12 - Codão Amigo






Huey - ¡Qué No Me Chingues wey! [2011]

 




O HUEY é uma banda formada por cinco amigos que decidiram buscar um caminho diferente, fazendo música sem muitas regras e querendo sempre algo novo.

Em 2010 fizeram sua estreia nos palcos, o que rendeu à banda o primeiro lugar no festival Tech, Brands and Rock n’ Roll.

O HUEY era a única banda instrumental presente no festival. E a unanimidade entre jurados e público provou que muita gente se identifica com esta vertente musical.

Em novembro do mesmo ano participaram e conquistaram o primeiro lugar do Festival PIB. Um evento importante e inovador do circuito da vanguarda instrumental brasileira.

Em resposta, ocuparam por 6 semanas o TOP 40 do portal Trama Virtual, participaram dos programas Ensaio (TV Trama), Oi Novo Som e Showlivre.

Ainda em 2010, lançam ¡Que no me chingues wey!. Um EP com quatro músicas que teve todas as cópias esgotadas em apenas um dia e rendeu uma parceria com o selo Sinewave.

A gravação ficou nas mãos de Bernardo Pacheco (Elma), no estúdio Fábrica de Sonhos. Ele também gravou e produziu alguns artistas importantes e de diferentes vertentes como Ratos de Porão, Guizado, M.Takara e Are you God?

Já em 2011, o HUEY pôs no ar o novo site, com todo o material disponível da banda, como: músicas (EP em streaming e para download), vídeos, fotos, pôsteres. Em março iniciam a turnê brasileira de divulgação no sul do País, em pleno carnaval.

A cada show, uma nova arte visual é produzida em conjunto com diferentes artistas. Assim, no espírito coletivo, eles produzem um evento único em celebração à música.






TILBURI - Alcocebre (1976/Movieplay-Gong)

 

Lembro-me de ouvir a cassete original de "Alcocebre" na segunda metade dos anos 70, e não a compreendi. Uma das poucas fitas dele que não cabia em mim. O tempo conserta bagunças.



 Acho que o Tilburi veio de Madrid e foi uma influência direta do som do Laurel Canyon. Especificamente, Crosby, Stills, Nash & Young. Atrevido, mas muito bem feito. O fato de seu primeiro álbum, "Al Fin" (1975/ Gong-Movieplay) ser em inglês, rendeu-lhes críticas. 

Então para o segundo, menos psicológico e mais progressivo, eles já cantaram em espanhol. "Alcocebre" foi lançado no ano seguinte pelo mesmo histórico selo Movieplay. Curioso que a capa era do Máximo Moreno, mas dessa vez uma foto dos três. Restaram José Luis Barcelo (acústico, bandolim, baixo, violino, voz), Antonio Rentería (acústico, voz) e Nano Domínguez (baixo, elétrico e acústico).

Já em "El Espectador" (2'37) era possível ver uma engenhosa moldura CSNY aplicada à língua nativa. E misturado com uma nota feliz, que me sugere imediatamente o Sim no início. Maravilhoso em todos os aspectos. As harmonias são mais Anderson/Squire do que o lado dos EUA.  Um fio condutor conceitual comum é percebido. Assim, “The Musicians” (5’22), com magníficas linhas acústicas e de baixo, continuam a proporcionar uma sensação muito afirmativa ao ambiente. Com bandolim estilo Howe e vocais requintados.

"La Música" (8'33) inicia efeitos e lindos reflexos de delay na elétrica, quase em linha com Gottsching/Hillage. Jogos travessos entre pescoços que são vinhas de notas cheias de lirismo, poesia e delicadeza psico-prog. Coral celestial ao fundo e coluna vertebral muito progressiva. De certas nuances ao Agitation Free.

O segundo lado começa com a suíte de 10 minutos, “The Thoughts”. É composto por três partes: a) "Constantmente" (2'37), regressa às raízes californianas. A flauta convidada de Fernando Luna inicia b) "Se Busca" (3'27), com percussões, coros, violões e arranjos sofisticados. Tudo com um cuidado extremamente detalhado na composição. Finalmente c) “Serious Person” (4'18) fecha o medley com o protesto social da época, (que soa perfeitamente atual), e belos toques de espineta de Angel Muñoz. Uma maravilha para cada perspectiva apreciada, esta suíte. Cheio de ideias, decorações sugestivas, vozes deliciosas e mensagens que ainda hoje ressoam.  Pense em América, Seals & Crofts, Fools Gold ou Gladstone. 

Por fim “El Amor: Sylvia” (2'05) coloca o toque romântico com instrumentação densa em acústica astuta, flauta e aquelas vozes que envolvem tudo num delicioso manto hippie.



Como bônus, inserem no CD a música "La Cochambre" que foi incluída em "Viva el Rollo Vol. 1" (1975/Gong-Movieplay). Uma crítica justa à imprensa hostil e violenta que atacou intransigentemente o famoso festival hippie de Burgos.

 Tempos difíceis. Excelente música.


Temas

------Un recital en la playa------

1. El espectador

2. Los músicos

3. La música: Alcocebre

------De vuelta a casa------

4. El mar

5. Los pensamientos

* Constantemente

* Se busca

* Persona seria

6. El amor: Sylvia

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7. La cochambre (Bonus track)


Os Mundi – 43 Minuten (1972)

Com uma entrega altamente sugestiva, requintada e com uma certa vibração política, Os Mundi amadureceu e a sua fórmula tornou-se mais eclética, a sua postura é tingida de progressismo e a sua vitalidade ressoa profundamente. 43 Minuten consegue ser camaleônico, muito “ziguezagueante” e sua performance agora abraça uma onda mais progressiva, a banda amplia sua visão, repensa sua fórmula e o Krautrock se esgueira imoralmente para um conceito progressivo.


 Agora é possível perceber um som mais maduro, “limpo”, cheio de nuances, estilos e mudanças de tempo, a banda “muda” e o álbum se torna um trabalho eclético bastante marcante e com forte personalidade. É realmente um trabalho muito poderoso, intenso e divertido. Foi uma das poucas obras renomadas e claramente progressivas da Alemanha dos anos 70, infelizmente as críticas de sua época foram um pouco duras, mas para muitos este foi considerado essencial, tornando-se assim um álbum CULT e básico para qualquer proghead.

Minhas impressões são pura lisonja para este enorme álbum que foi criado em tempos difíceis, pois apareceu em um momento politicamente carregado (o ataque terrorista durante os Jogos Olímpicos de Munique, a ascensão de facções políticas de esquerda, etc.) portanto, o conceito do álbum ou melhor “a visão” que nos quer mostrar é todo aquele choque de carga que quer lançar, é um grito reprimido por tudo o que estava a acontecer, é um álbum rebelde, consciente e revolucionário, a mensagem fica claro o que há de forte em suas letras e na forma como querem se expressar mas OJO não é um álbum sombrio, decadente ou com postura “doom”, é muito pelo contrário, o som do álbum é vibrante, luminoso e muito rítmico, tem um brilho mágico e acima de tudo muita postura Jazz, nesse som você pode ver influências de bandas como Colosseum, Weather Report, Chicago e em pequena medida Jethro Tull e Santana, portanto é uma mistura de muitos elementos incluindo Jazz, Psicodelia. Folk e os ecos do selo nacional. Parece-me um álbum muito dinâmico, e ao mesmo tempo camaleónico, a forma de criar música e projectá-la é incrível, tem tanta vitalidade e tanta expressividade que nos perdemos no esplendor do ritmo, na as mudanças no tempo, nos estilos e na postura que assume o tornam uma obra 100% eclética.

Há algum tempo li um pequeno texto onde dizia: “Os Mundi não era uma banda com uma presença inovadora ou um temperamento incansável, a sua música resume muito o conceito de “sessões”, “experiências” e “ideias de revolução”” a certa altura é verdade que não é uma banda que tenha uma veia criativa e projete um som original, MAS o que torna a banda única e uma das bandas mais representativas do Jazz Fusion alemão é a influência de seus músicos, sendo uma banda de 6 integrantes cada um contribui com algo e experimenta isso, pois seu som é muito rico, variado e esse é o real valor da banda, Os Mundi não resume um conceito, Os Mundi explora esse conceito que é dito e em no final torna-se uma banda muito rica em nuances e concebe um som muito especial Então duvido um pouco que fosse uma banda sem temperamento, o que concordo é que não foi inovadora na sua música, mas isso não desacredita é uma banda de elite porque há uma diferença entre Missa Latina e 43 Minutos, tudo muda para melhor quando a banda se torna uma mega banda de 6 membros.

Voltando ao álbum, posso dizer que toda a experiência encontrada neste trabalho não é desperdiçada, todas as músicas são pequenas joias em uma coroa, e cada uma tem sua marca, portanto a experiência nunca se perde. O álbum tem muito a oferecer, nele você encontrará uma boa experiência, é uma fera eclética que libera ideias e estilos pelos seus poros e os projeta de forma eficaz. Um trabalho altamente recomendado para quem gosta de Jazz Rock/Fusion alemão. Se você ainda não teve a oportunidade de conferir esse álbum, reserve um tempinho e descubra o que ele tem a oferecer. Você ficará surpreso com sua capacidade de criar música.


Os Mundi são essenciais para a cena alemã e exemplificam melhor a ambientação do “krautJazz”, seu som é melhor e mais acessível que outras bandas do gênero, tomando como exemplo Kraan.  A formação do Os Mundi se expandiu para um sexteto com a adição de Buddy Mandler nos bongôs, congas, sinos e bateria e Mikro Rilling na percussão e violoncelo.  A banda assinou contrato com o selo Brain e o álbum 43 Minuten foi lançado em 1972.  O produtor Conny Planck também tocou guitarra neste álbum.

        


Arti & Mestieri - Quinto Stato (1979)

 



Depois de alguns anos de interrupção, em 1979, saiu um terceiro trabalho da banda chamado Quinto stato. O grupo estava sempre guiado por Chirico, entretanto com uma diferente formação e em um estilo jazz-rock mais tradicional, enquanto que os álbuns sucessivos se dirigiam sempre mais claramente em direção a um gênero fusão.

1. Quinto stato (emarginato) (4:35)
2. Vicolo (3:20)
3. Arterio (sclerosi) (3:08)
4. Torino nella mente (4:55)
5. Mercato (5:25)
6. D'essay (3:15)
7. Arti (2:25)
8. Sui tetti (6:05)

Gianfranco Gaza (voice)
Gigi Venegoni (guitar, synth)
Beppe Crovella (keyboards)
Giovanni Vigliar (violin, voice, percussions)
Arthur Vitale (sax, clarinet, vibraphone)
Mark Welsh (bass)
Furio Chirico (battery, percussions)




sexta-feira, 21 de junho de 2024

If - Double Diamond - 1973 (UK)

 



01. Play, Play, Play (Dick Morrissey/Kurt Palomacki) – 3:44
02. Pebbles On The Beach (Dick Morrissey/Brigitta Morrissey) – 4:33
03. Pick Me Up (And Put Me Back On The Road) (Cliff Davies) – 5:02
04. Another Time Around (Is Not For Me) (Cliff Davies) – 6:56
05. Groupie Blue (Everyday She's Got The Blues) (Dick
Morrissey/T.Preston) – 4:08
06. Fly, Fly, The Route Shoot (Kurt Palomacki) – 4:26
07. Feel Thing - Part 1 (Pete Arnesen) – 4:16
08. Feel Thing - Part 2 (Pete Arnesen) – 4:53
09. Feel Thing - Part 3 (Pete Arnesen) – 3:17


- Dick Morrissey - saxophones, flute, lead and backing vocals
- Cliff Davies - drums, percussion, backing vocals
- Kurt Palomacki - bass, backing vocals
- Fi Trench - piano, backing vocals
- Steve Rosenthal - guitar, lead and backing vocals
- Pete Arnesen - piano, organ, synthesizer, backing vocals







Destaque

Immaculate Fools - Searching For Sparks. The Albums 1985-1996 (2020 UK)

Immaculate Fools foi um grupo de pop/rock formado em 1984 em Kent (Reino Unido) e teve seu maior sucesso no Reino Unido em 1985 com o single...