Como um aficionado por música, tenho fascínio pelos créditos dos álbuns. Costumava ser meu método principal de fazer conexões entre artistas, álbuns e músicas que amo. Quando ouço um ótimo acompanhamento de piano ou uma faixa de bateria, imediatamente navego pelas notas do encarte e créditos para descobrir quem pode ser o músico. Na época em que as lojas de discos permitiam reuniões improvisadas de amantes da música com ideias semelhantes, um tópico favorito era compartilhar esse conhecimento com outras pessoas e encontrar mais pistas nas capas dos álbuns para me levar ao próximo álbum. Muitos álbuns omitiam esses créditos, especialmente quando os músicos eram profissionais de estúdio contratados. Algumas exceções a isso na década de 1970 são os álbuns de dois dos meus artistas favoritos, que eram únicos em fornecer listas detalhadas de todos os músicos que tocaram em seus discos: Steely Dan e Joni Mitchell. E um nome continuava aparecendo nas notas da capa de ambos os álbuns, enquanto eu examinava as letras miúdas para descobrir quem era o guitarrista que tocou todos esses licks e solos magníficos. Esta é minha homenagem ao trabalho incrível de Larry Carlton em seus álbuns dos anos 1970.
Carlton tocou pela primeira vez com Steely Dan no álbum Katy Lied de 1975. A banda se tornou uma entidade de estúdio neste ponto, contratando os melhores músicos de estúdio em Los Angeles e Nova York. Ele tocou apenas em uma música, Daddy Don't Live in that New York City No More. Uma boa performance, mas nada comparado ao que ele contribuiria para o próximo álbum da banda, The Royal Scam. Nada menos que quatro guitarristas de estúdio foram convidados para a gravação daquele álbum, e Carlton toca em muitas das músicas.
Don't Take Me Alive, uma música cuja letra sempre me lembrou do filme Dog Day Afternoon de Al Pacino, lançado no ano anterior, é um dos melhores momentos de Carlton no álbum. Dois de seus melhores recursos musicais, os solos melódicos e o tom da guitarra, estão em exibição aqui. Se você estava se perguntando sobre o longo acorde que inicia a música, Carlton lembra: “Não havia acorde na frente do começo da música, nada. Apenas 'wham'. Não sei o que mais tentamos, mas Donald foi quem finalmente disse: 'Por que não colocamos um acorde grande na frente?' Era simples assim. Fui até a sala onde estava meu amplificador, fiquei na frente dele e ajustei até que houvesse o tom certo e então fiz quatro, cinco ou seis desses acordes para onde tudo soasse. Eles ajustaram o limitador e tudo para que realmente ficasse como eles queriam. Mas Donald estava certo.”
O melhor momento de Carlton no álbum e o que muitos consideram seu melhor solo no catálogo da banda, está na abertura, Kid Charlemagne. A música sobre a ascensão e queda de um traficante de drogas, provavelmente inspirada por Owsley Stanley III, o químico underground que sozinho assustou a cidade de São Francisco na década de 1960, foi uma ótima abertura para o álbum mais sombrio da banda. Carlton está em toda parte nessa música, com um solo de 50 segundos que começa em 2:18, cheio de reviravoltas. Ele também não desiste no outro, com licks mais saborosos conforme a música desaparece. Donald Fagen: “Ele é um verdadeiro virtuoso. Na minha opinião, ele consegue tocar seu instrumento melhor do que qualquer guitarrista de estúdio. Ele também é um bom tocador de blues. Ele fez os solos em 'Kid Charlemagne'. O solo do meio ele fez em duas tomadas e usamos partes de ambas. O último solo foi improvisação direta.”
Em um álbum cheio de excelentes trabalhos de guitarra de outros músicos como Denny Dias, Dean Parks e Elliott Randall, o papel de Larry Carlton neste álbum se destaca como o mais crítico. Walter Becker: "Se esse é o álbum de guitarra definitivo do Steely Dan, então Larry Carlton é a razão. Ele contribuiu bastante para as músicas. Haveria muitas pessoas voláteis com estilos musicais voláteis na sala e, em muitos casos, me pareceu que Larry, mais do que qualquer outra pessoa, estava mantendo as coisas unidas ritmicamente e de outras maneiras." Carlton relembrou as sessões para Kid Charlemagne: "Uma vez que encontramos um tom com o qual todos concordamos, Donald Fagen e Walter Becker diziam: 'Sim, isso é legal', então realmente era apenas um caso de 'Você quer tentar um?' E eles apertavam o botão vermelho e talvez fosse: 'Como vai?' e eu dizia: 'Sim, vamos tentar de novo.' Então, de repente, alguma mágica começa a acontecer. Muito paciente, não houve sugestões de licks ou algo assim. Fiz duas horas de solos que não mantivemos. Então toquei a primeira metade da introdução, que eles adoraram, então eles mantiveram. Eu marquei para a segunda metade, então foi feito em duas partes e o solo que desaparece no final foi feito de uma só vez.” Tudo em um dia de trabalho.
Algumas palavras sobre o famoso timbre de guitarra de Larry Carlton são necessárias. Começamos com o amplificador. Lembrando daquela sessão, ele também lembrou: "Não consigo lembrar por que, mas decidi levar meu pequeno Tweed Deluxe com meu 335 e esse se tornou meu som principal com Steely Dan." Fazendo parte da lista dos 50 melhores timbres de guitarra de todos os tempos da revista Guitar Player, ele deu uma luz sobre sua técnica: "Eu tenho a coisa da garra acontecendo lá embaixo nas cordas quando toco. Isso me deixa saber onde estou, mas eu teria uma técnica melhor se mantivesse minha mão livre das cordas. Eu dedilho forte. Na verdade, eu toco o instrumento demais. Eu aperto uma palheta desde os seis anos, e a pressão curvou meu dedo indicador. Neste ponto, minhas mãos se moldaram para se encaixar na guitarra." Sobre o Tweed Deluxe: “Esse é o amplificador que usei nas sessões do Steely Dan e nem me lembro por que e como trouxe o Tweed, porque não o usei em nenhuma outra sessão, apenas no Royal Scam, Aja e no álbum Nightfly do Donald.”
Outra parte importante do seu equipamento era o pedal de volume, que ele começou a usar durante seu trabalho como membro dos Crusaders no início dos anos 1970: “Em 1971, ganhei meu primeiro pedal de volume e o usei no primeiro álbum dos Crusaders, e isso se tornou um som identificável de Larry Carlton, então era uma maneira de tocar onde eu não estava apenas dando ritmo ou tocando licks. Nas mãos certas, isso pode realmente melhorar uma faixa sem que seja uma guitarra tão típica.” Ouça sua guitarra na versão dos Crusaders de So Far Away de Carole King para ter uma ideia.
E, claro, a guitarra, a icônica ES-335 da Gibson, que agora fabrica uma guitarra exclusiva em homenagem a ele . Carlton tocou a maior parte de seu trabalho de sessão ao longo de sua carreira com essa guitarra. Descrevendo a guitarra em um resumo do equipamento: "Quando comecei a fazer trabalho de sessão no final de 1969, nunca sabia que tipo de música teria que tocar na próxima sessão, então tive que levar muitos tipos diferentes de guitarras - uma Fender Telecaster, uma Stratocaster, uma guitarra de jazz de algum tipo, uma guitarra acústica e geralmente uma Les Paul - e desejei e encontrei uma guitarra que pudesse cobrir muitos desses sons para que eu não tivesse que carregar sempre tantas guitarras. Para mim, a 335 é uma guitarra na qual posso tocar música country, música pop, eu poderia tocar blues, jazz direto, então parece que essa guitarra é tão versátil quanto minha forma de tocar poderia ser - um achado realmente bom." Ele relembrou a primeira vez que colocou as mãos na guitarra: “A pequena loja onde fui em 1969 para comprar uma 335 tinha três 335s penduradas na parede, e eu escolhi esta porque soava melhor para mim, e o resto é história.”
Larry Carlton teve um papel ativo no próximo álbum do Steely Dan e sua maior conquista, Aja, de 1977. Celebrado por seus arranjos ricos e excelente produção, é menos um álbum de guitarra do que seu antecessor, mas o papel de Carlton nele não é menos importante. No episódio Classic Albums dedicado ao álbum, Carlton fala sobre seus deveres além dos de um guitarrista: "Eu penso em mim como a pessoa que eles queriam que fosse o elo entre eles e os músicos de estúdio. Eles me davam sua fita demo e tinham aquelas partes maravilhosas de piano nela e muitas das partes de baixo também estavam lá. E eu seria a pessoa que tiraria essas notas da fita, preencheria as lacunas quando eles não tivessem certeza do que queriam que fosse tocado, e então eu levaria aquele gráfico para a sessão e eu seria a pessoa que estava familiarizada com a música no estúdio com os músicos de estúdio. Então, se Donald ou Walter dissessem: 'Larry, quando formos para a ponte com tal e tal', eu seria capaz de dizer aos músicos: 'compasso 19, Si bemol 7 com um bemol 9…'.
O álbum produziu uma série de singles de sucesso, incluindo Peg (no qual ele não tocou), Josie e Deacon Blues, que Walter Becker descreveu em seu humor seco: "O protagonista não é um músico. Ele apenas imagina que essa seria uma das formas míticas de perdedor a que ele poderia aspirar, e quem pode dizer que ele não está certo?". No entanto, suas melhores partes, na minha opinião, estão na faixa-título épica Aja, para a qual dediquei o artigo completo , e Home At Last, onde ele toca junto com Bernard Purdie, Chuck Raney e Victor Feldman. O álbum é único em sua capacidade de atingir o sucesso mainstream junto com a maestria artística. Carlton sobre isso: "Donald e Walter amavam harmonias sofisticadas, mas eles são caras do rock n roll. Somos contemporâneos em termos de idade, então todos fomos criados ouvindo os anos 60. Eu sei que eles amam rock n roll, mas eles também têm uma paixão pela harmonia, assim como eu. Todos os músicos que eles usaram, nós amamos música rock n roll de ótima sensação, mas amamos harmonia."
O último álbum do Steely Dan do período foi Gaucho, um álbum gravado após seu retorno a Nova York. Carlton não fez parte das sessões que incluíam principalmente veteranos de estúdio de Nova York. O grande sucesso foi Hey Nineteen, um momento brilhante para outro grande guitarrista, Hugh McCracken . No entanto, minha faixa favorita do disco é Third World Man, uma das músicas mais lentas que o Steely Dan já gravou e apresentando o melhor solo de Larry Carlton para a banda, na minha opinião.
Como seu solo foi parar na música se ele não participou das sessões de gravação do álbum? A faixa começou sua vida alguns anos antes, na época chamada Were You Blind That Day e com letras diferentes. Em 2011, Carlton relembrou: “Quando a revista Billboard saiu... sobre Gaucho, ela está escrevendo sobre a notícia 'Steely Dan lançou... blá blá blá... e ótimo solo de guitarra de Larry Carlton', e eu disse, 'mas eu não toquei em Gaucho!, eles cortaram em Nova York, eu não toquei nele!'. Então eu descobri mais tarde: eles tinham terminado de mixar em Nova York, e um dos segundos engenheiros apagou uma de suas faixas master. Então 'Third World Man' estava na lata do The Royal Scam e eles tiveram que voltar às fitas antigas e encontrar algo para terminar o álbum, e foi assim que acabei em Gaucho tocando Third World Man”. O acompanhamento e o solo, muito diferentes do resto de seu trabalho durante o período do Royal Scam, são uma classe ao seguir e realçar o clima da música.
Jon Herington, que atuou como guitarrista principal da banda em suas turnês desde 1999, foi questionado em uma entrevista sobre qual é seu solo de guitarra favorito em seu repertório. Um homem bastante qualificado para responder a essa pergunta, e ele não hesitou: “Sem dúvida, meu solo favorito em qualquer disco do Steely Dan é Third World Man, de Larry Carlton. Donald e Walter devem ter pensado que era uma ótima tomada, porque originalmente, nem estava na música. Foi feito em uma sessão de gravação anterior. E eu acho que a única razão pela qual eles mantiveram e tentaram escrever uma nova letra mais tarde que se tornou Third World Man foi porque eles amavam muito aquele solo. Eu também amo esse solo. É um dos maiores solos de guitarra pop já gravados. É tão melódico, e o som é fantástico. Tem uma ótima forma, todo o jeito que se move e chega ao clímax.”
Resumindo as contribuições de Larry Carlton para a banda, Walter Becker disse: “Com Larry, cada passe que ele fazia era algo bom. Sua disposição era tão equilibrada que sempre parecia bastante fácil, mesmo que demorasse um pouco para conseguir o que você finalmente queria. Era principalmente uma questão de declarar claramente qual era a ideia que você tinha em mente. Se tivéssemos algo em mente que fosse remotamente apropriado para Larry, ele conseguia fazer bem. Nunca foi como arrancar dentes com Larry, como tinha sido com muitos outros músicos.”
E chegamos ao segundo artista com quem Carlton trabalhou repetidamente durante os anos 1970. A adoção do jazz por Joni Mitchell na segunda parte da década foi o ajuste perfeito para o estilo de Larry Carlton e sua habilidade de misturar rock e jazz. O relacionamento musical entre os dois começou quando Mitchell conseguiu o Tom Scott's LA Express como banda de apoio. Carlton fez parte da banda desde sua criação em 1973, e mais tarde naquele ano participou da gravação de Court and Spark de Mitchell, sua primeira incursão na terra do jazz. Um ótimo exemplo de seu trabalho naquele álbum está no single Help Me, a música de melhor desempenho da cantora nas paradas dos EUA, chegando ao 7º lugar na Billboard Hot 100, e seu único hit no top 10.
Carlton disse sobre seu trabalho naquele álbum: “Você tem que ser capaz de improvisar arranjos na hora para ser um ótimo acompanhante. É o que você faz com as frases em torno do vocal que pode fazer a coisa toda soar mais conectada. Acho que esse é um ótimo exemplo de como pensar como um arranjador. Quando Joni canta, 'Help me, I think I'm falling', eu passo um ancinho nas cordas, e isso faz com que sua próxima frase – 'in love again' – seja muito legal porque ela tem um acorde para sentar.”
Carlton deixou o LA Express após a gravação de Court and Spark e foi substituído por Robben Ford. A banda continuou a se apresentar com Joni Mitchell em suas turnês pelos EUA em 1974 sem ele, resultando no álbum ao vivo Miles of Aisles. Mas em 1975, quando Mitchell voltou ao estúdio de gravação para gravar o álbum The Hissing of Summer Lawns, ela convidou Carlton para tocar em várias faixas, incluindo a magnífica Edith and the Kingpin, uma música que Mitchell descreveu como: "Parte dela é de um cafetão de Vancouver que conheci e parte dela é Edith Piaf. É um híbrido, mas tudo junto faz uma verdade inteira."
Carlton também toca em Shades of Scarlet Conquering, o retrato de Mitchell de uma beldade sulista com as imagens de Gone with the Wind e Scarlett O'Hara. O quão importante suas contribuições para a música dela são evidentes por seu trabalho nesta faixa. Ele gravou duas faixas para a música e Mitchell, incapaz de escolher entre elas, pediu para incluir uma na faixa final e transcrever a outra como o arranjo orquestral. Um golpe de gênio de ambos os artistas.
Guardei o melhor para o final, pois o próximo álbum de Joni Mitchell é um dos meus álbuns favoritos de todos os tempos de qualquer artista. Chegamos a Hejira, o álbum para o qual Mitchell escreveu muitas das músicas na estrada, cruzando os EUA de costa a costa de carro. As letras parecidas com diários de viagem, com músicas compostas principalmente no violão, exigiam arranjos esparsos e na maioria das músicas há apenas dois ou três músicos acompanhando-a. Mitchell assume o papel de guitarrista base, enquanto Larry Carlton toca guitarra elétrica em quatro das músicas e violão em outra. Carlton disse o seguinte sobre o processo de gravação: "As sessões foram feitas uma pessoa de cada vez. Quando cheguei para tocar, tudo o que eu tinha que ouvir era o violão e a voz de Joni, e ela apenas me fez ir para o estúdio e reagir à música. Ela não me deu nenhuma direção, não havia tempo com antecedência para aprender as músicas - nunca foi assim que fizemos nossas sessões - chegamos frescos e reagimos às músicas na hora. Naquele disco, Joni me fez tocar três, quatro, talvez cinco takes de reação na guitarra, e então era o fim. Eu saía e ela depois escolhia e selecionava quais das minhas reações ela realmente queria e concordava naquela música, e eu acho que ela fez um ótimo trabalho editando minhas partes, elas se encaixavam como uma luva em suas músicas.”
Amelia é um dos destaques do álbum, tanto em termos de letra quanto de música. Mitchell disse sobre a música: “Nesta música, eu estava pensando em Amelia Earhart e abordando isso de um piloto solo para outro, meio que refletindo sobre o custo de ser mulher e ter algo que você deve fazer.” Carlton realmente brilha aqui, optando por deixar os licks musicais para trás e, em vez disso, usar notas longas e únicas que às vezes soam como uma guitarra slide. Não consigo pensar em uma maneira melhor de acompanhar a voz e a guitarra base de Mitchell.
Carlton mantém essa técnica em Black Crow, uma música muito mais energética com execução magistral de Mitchell, Jaco Pastorius e Carlton. É realmente incrível como os três instrumentos soam juntos aqui. Muitos músicos de rock lutaram com as afinações estranhas de Mitchell na guitarra, não Carlton: “Para ela usar essas afinações… era como tocar com um músico de jazz que usa vozes diferentes. Eu ainda ouço qual é o acorde – mesmo que soe único e bonito do jeito que ela afinou sua guitarra. Mas, não, não foi um desafio especial.”
Talvez o melhor elogio à forma de tocar de Larry Carlton venha de uma história da turnê de Joni Mitchell pelos EUA em 1979, resultando no álbum ao vivo Shadows and Light. Ela convocou o talentoso guitarrista Pat Metheny para a turnê. Metheny estava há alguns anos em sua carreira solo e já era um guitarrista estrela. Hoje ele é considerado um dos melhores e mais bem-sucedidos guitarristas de jazz moderno. Ele também é um dos músicos mais melódicos em qualquer estilo de música, com muitas melodias memoráveis espalhadas por seus álbuns. Quando ele se deparou com a tarefa de criar um acompanhamento de guitarra para a turnê, que continha muitas músicas tocadas originalmente por Larry Carlton, ele estava tentando criar suas próprias partes originais. Por mais que tentasse, ele não conseguia criar partes melhores e, mais tarde, disse que o trabalho de Carlton não era apenas as partes, ele simplesmente definia as músicas. Edith and the Kingpin foi um dos exemplos que ele deu. Metheny teve uma participação solo na turnê e no álbum, uma improvisação linda e emocionante no final de Amelia.
Larry Carlton disse melhor: “Acho que solos em um disco vocal têm que ser muito melódicos. A música que eu ouvia e gostava durante meus anos de formação era muito melódica. Então, quando toco violão, ouço melodias.”
.jpg){kind=spacer}
.jpg){kind=spacer}
