Jefferson Airplane - Takes Off (1966 US)

 

Decir rock psicodélico é pensado nos californianos Jefferson Airplane. A banda foi a pioneira no San Francisco Sound e a primeira conseguiu o sucesso comercial de todos os que operaram naquela época e lugar. Em 1962, Marty Balin, nascido em Cincinatti, emigrou para a Costa Oeste e agarrou dois líderes sem sucesso aos 20 anos. Luego se uniu a um grupo de folk chamado Town Criers de 1963 a 1964. Depois da British Invasion se inspirou no sucesso de Byrds e Simon & Garfunkel para fundir o folk com o rock e decidiu formar outro grupo com esse estilo. Comprou uma pizzaria antiga na Fillmore Street que se juntou a um clube de música, The Matrix, e começou a procurar amigos para seu grupo. Balin conheceu o músico folk Paul Kantner em outro clube local, o Drinking Gourd. Kantner, originário de São Francisco, começou atuando no circuito popular da região da Bahia no início da década de 1960, junto com seus companheiros Jerry García, David Crosby e Janis Joplin. Ele se mudou brevemente para Los Angeles, Califórnia, em 1964, para trabalhar em uma dupla folk com o futuro membro de Airplane / Starship, David Freiberg (que posteriormente se uniu ao Quicksilver Messenger Service). 

Balin e Kantner reclutaram outros músicos para formar a banda de Matrix. Depois de ouvir o vocalista Signe Toly Anderson em Drinking Gourd, Balin foi convidado para ser o co-cantante principal do grupo e estudou com a banda durante um ano participando de seu primeiro álbum antes de outubro de 1966, após o nascimento de seu primer hijo. Kantner recluiu um velho amigo, o guitarrista de blues Jorma Kaukonen, que foi originário de Washington, DC. Kaukonen mudou para a Califórnia aos 60 anos e conheceu Kantner enquanto estava na Universidade de Santa Clara em 1962. Foi convidado a tocar com a nova banda, e inicialmente se mostrou reacio a unir-se, todos sabemos que no final ele hizo. O baterista Jerry Peloquin e o bajista Bob Harvey completaram a formação original. O grupo fez sua primeira aparição pública como Jefferson Airplane na noite de abertura de Matrix, em 13 de agosto de 1965. Nas semanas seguintes, depois que o grupo se formou, Peloquin foi, em parte devido ao seu destino pelo uso de drogas dos demais. Embora não fosse baterista, o cantor e guitarrista Skip Spence (que mais tarde fundou Moby Grape) foi convidado para substituir o Peloquin. Em outubro de 1965, depois que os outros membros decidiram que o baixo de Bob Harvey não chegaria à altura, foi substituído pelo guitarrista e bajista Jack Casady, um velho amigo de Kaukonen de Washington, DC.

As habilidades de interpretação do grupo melhoraram rapidamente e imediatamente ganharam um grande número de seguidores em São Francisco e seus arredores, com a ajuda das críticas veteranas do periodista musical Ralph J. Gleason, o crítico de jazz do San Francisco Chronicle que, depois de verlos no Matrix no final de 1965, eles proclamaram "uma das melhores bandas de todos os tempos". O apoio de Gleason elevou consideravelmente o perfil da banda, e em três meses seu empresário Matthew Katz recebeu ofertas de empresas discográficas. Em novembro de 1965, Jefferson Airplane firmou um contrato de captura com a RCA Victor, que incluía um adiantamento sem referência de 25.000 dólares. Antes disso, ele gravou uma demo para a Columbia Records de "The Other Side Of This Life" com Bob Harvey no canto inferior, que foi imediatamente rejeitada pelo vendedor. A primeira frase do grupo foi "It's No Secret" de Balin (uma melodia escrita por Otis Redding na mente); la cara B era "Runnin' 'Round The World", a canção que conduziu ao primeiro choque da banda com RCA Victor pela letra "las noches que he pasado contigo han sido viajes fantásticas" . Depois de seu LP de estreia ter sido completado em março de 1966, Skip Spence abandonou a banda e finalmente foi substituído por Spencer Dryden, que havia tocado anteriormente com uma banda de LA chamada The Ashes, que mais tarde se converteu em The Peanut Butter Conspiracy. Também após a publicação do primeiro LP, Signe Toly Anderson deixou a banda e foi substituída por Grace Slick. O próximo álbum é um tal travesseiro surrealista.

Cara A

1. "Blues from an Airplane" (M. Balin, S. Spence)-2:10

2. "Let Me In" (M. Balin, P. Kantner)-2:55

3. "Bringing Me Down" (M. Balin, P. Kantner)-2:22

4. "It's No Secret" (M. Balin)-2:37

5. "Tobacco Road" (C. Warnick)-3:26

Cara B

1. "Come Up the Years" (M. Balin, P. Kantner)-2:30

2. "Run Around" (M. Balin, P. Kantner)-2:35

3. "Let's Get Together" (C. Powers)-3:32

4. "Don't Slip Away" (M. Balin, S. Spence)-2:31

5. "Chauffeur Blues" (L. Melrose)-2:25

6. "And I Like It" (M. Balin, J. Kaukonen)-3:16

Edición 1996 

(incluye versiones en stereo y mono, con el tema "Runnin' 'Round This World" al final de la primera cara, de donde fue retirado poco antes de la publicación) 

1. "Blues from an Airplane" (M. Balin, S. Spence)-2:10

2. "Let Me In" (M. Balin, P. Kantner)-2:55

3. "Bringing Me Down" (M. Balin, P. Kantner)-2:22

4. "It's No Secret" (M. Balin)-2:37

5. "Tobacco Road" (C. Warnick)-3:26

6. "Runnin' 'Round This World" (M. Balin, P. Kantner)-2:25

7. "Come Up the Years" (M. Balin, P. Kantner)-2:30

8. "Run Around" (M. Balin, P. Kantner)-2:35

9. "Let's Get Together" (C. Powers)-3:32

10. "Don't Slip Away" (M. Balin, S. Spence)-2:31

11. "Chauffeur Blues" (L. Melrose)-2:25

12. "And I Like It" (M. Balin, J. Kaukonen)-3:16

Temas 13-24 versiones en mono.

Edición 2003

12. "Runnin' 'Round This World" (M. Balin, P. Kantner)-2:25

13. "High Flying Bird" (B.E. Wheeler)-2:17

14. "It's Alright" (M. Balin, S. Spence)-2:17

15. "Go to Her" (P. Kantner, I. Estes)-4:09

16. "Let Me In" (original uncensored version) (M. Balin, P. Kantner)-3:31

17. "Run Around" (original uncensored version) (M. Balin, P. Kantner)-2:35

18. "Chauffeur Blues" (alternate version) (L. Melrose)-2:49

19. "And I Like It" (alternate version) (M. Balin, J. Kaukonen)-8:16

20. "Blues from an Airplane" (instrumental, hidden track) (M. Balin, S. Spence)-2:10

Marty Balin - voz principal (exceto 2, 7, 10), coros, guitarra rítmica

Signe Toly Anderson - voz principal (8, 10), coros, percussão

Jorma Kaukonen - guitarra solista

Paul Kantner - guitarra rítmica, voz principal (2, 7, 8), coros

Jack Casady - baixo

Skip Spence - bateria

Spencer Dryden - bateria (em "Go to Her", versão alternativa de "And I Like It" e versão alternativa de "Chauffeur Blues")

Wendy McNeill - For The Wolf, A Good Meal (2011 CAN)

Comprei este disco de Wendy McNeill e suponho que você tenha uma grande surpresa para mim. Com esse som baseado (creo) na percussão e no baixo, não poderia menos que eu gravasse Tom Waits (¡además toca o acordeón!) ou Aidan Bartley. Esse tipo de música "rara" que me encanta. Eu chamo Indie ou Alternativa, mas eu criei que ela marca seu próprio estilo. Não é nada predecível e eu o recomendo vivamente.

Wendy nasceu em Edmonton, Canadá e cresceu com as influências do country e do folk dos discos de seus padres e com a música progressiva dos 70 de sua irmã (Pink Floyd, Supertramp). Com os anos passados ​​​​a Sisters of Mercy, Velvet Underground, Siouxsie and the Banshees, The Cure, Blondie. Trabalhou como camarada, depois recebeu a influência da música minimalista de Steve Reich, a poesia sonora de jazz de Meredith Monk, além de Laurie Anderson e Tom Waits. Com nossos primeiros trabalhos orientados ao folk/americana, sua música foi evoluindo até chegar a esta maravilha de 2011.

Seu quinto álbum, For The Wolf, A Good Meal, mostra sua maravilhosa mistura de estilos em todas as suas facetas. Fábulas e relatos de hadas imaginativos, mas arraigados na vida real sobre desvalidos, vagabundos e valentes cavaleiros do coração. Escuro, excêntrico e revelador. Cheio de alma e giros e tacones altos pisando forte. Depois de algumas giras, bandas sonoras, produções de dança e teatro, agora ele é conhecido e apreciado como um grande intérprete ao vivo que nunca enviou a seus fanáticos uma casa decepcionada e nada menos que animada. Ama os forasteros, os gatos loucos e os corações intrépidos; todos entre os temas dos que cantam de uma maneira trágica, hermosa e inimitável. Ella é fã de perdedores, frikis e valentes, que pelo geral são os protagonistas de suas canções, criadas com vozes loopeadas, acordeão e guitarra. Com uma mistura emocionante de crueza e vulnerabilidade com aroma, cabaré e palavra falada, Wendy McNeill faz música para sonadores de coração escuro.

1. Intro-0:34

2. Our Time-3:23

3. Animal-3:30

4. Flick Of The Wrist-2:21

5. Picking Up Pieces-3:07

6. Black / White-4:04

7. Oldest Dance-1:08

8. Beyond All Reason-3:33

9. Eddy (Why Don't You Put Your Gun Down?)-4:13

10. Lions And Lambs-3:10

11. Toss It Away-4:16

12. Grey Eyes-4:41

13. Giver-4:32

14. All These Wishes-3:40

15. Longest Dance-1:05

Bushmaster - Funky Blues Rock (USA)

 

Gary Brown (Guitarra/Vocal) é um nativo da área de DC (Palmer Park) com mais de 30 anos de experiência como músico. Depois de pegar sua primeira guitarra (uma acústica Guild antiga) aos 14 anos, Brown, de 45 anos, rapidamente progrediu para a elétrica e depois de passagens por várias bandas locais, mais notavelmente The Spoilers, e tocando em clubes da área de DC, ele decidiu dar o salto e formar seu próprio grupo em 1992. 

Bushmaster - Afogamento em Terra Seca 

Escrito, produzido e interpretado por Gary D. Brown, da banda Bushmaster: com Jay Turner e Anthony Setola no baixo; Greg Phillips, El Toro Gamble e Nick Bertling na bateria/percussão; e Henry "Rusty" Morton, Lori Rudolph, Allie e Megan Bannigan, Trudi Brown, Max Muller e Charlene Brown nos vocais convidados/backup. 

Lançado de forma independente em 25 de agosto de 2006, o segundo CD do Bushmaster é uma coleção inspiradora de músicas originais variando de Blues, Rock, Funk e Rap. O estilo de guitarra ardente de Gary é ainda mais fascinante (se isso é possível) do que suas cativantes performances ao vivo, você ficará grudado em seu aparelho de som durante todo o álbum. Influenciado por Jimi Hendrix, Robin Trower, Frank Marino, Freddy King e Funkadelic, a música neste CD certamente agradará a um amplo espectro de amantes da música.

Drowning On Dry Land  [2006]

MUSICA&SOM

Frank Zappa History - Obscure Concerts

 

Frank Zappa era um gênio; não há como negar esse fato. E como muitos gênios, a inteligência de Zappa veio com uma personalidade que era tão excêntrica quanto sua mente era brilhante, uma combinação que rendeu algumas das peças musicais mais únicas já feitas. As páginas da história estão repletas de tipos de gênios excêntricos semelhantes, a maioria dos quais estava à frente de seu tempo e/ou era incompreendida, assim como Zappa frequentemente era. Embora o enorme corpo de trabalho de Zappa seja, em uma palavra, polarizador, seria difícil para qualquer um ignorar o impacto duradouro que o talentoso guitarrista, compositor e humorista teve na maneira como pensamos sobre o que é e o que não é aceitável na música. Independentemente da tolerância de alguém para escalas de guitarra atonais e músicas sobre doenças venéreas, Zappa tornou o mundo um lugar mais seguro para os sonoramente desequilibrados, e pode ser considerado um fio importante no DNA de toda a música experimental feita após sua ascensão à (mais ou menos) popularidade.

No entanto, este não é um artigo sobre as contribuições sonoras do homem, ou a carta branca que ele emprestou aos artistas em todos os lugares para serem tão estranhos quanto seus caprichos artísticos desejam: o corpo de trabalho de Zappa é simplesmente muito grande e variado para fazer justiça sem o luxo de escrever um livro. Este é um artigo sobre o homem que defendeu sua liberdade de expressão e o direito dos artistas de criar o que quer que seja que eles tenham para expressar sem censura.

Frank Zappa nunca foi alguém que você poderia caracterizar como um seguidor; ele vivia por seu próprio conjunto de ideais e se mantinha extremamente fiel ao que acreditava ao longo de sua carreira — algo imediatamente óbvio para qualquer um que já tenha ouvido uma peça de sua música. Ao longo do lançamento de seus 85 discos, o trabalho de Zappa frequentemente operava no reino da sátira, oferecia uma dose saudável de críticas sobre quase tudo que despertava seu interesse em um determinado momento e também poderia ser considerado um tanto picante. Então, quando o PMRC, ou Parents Music Resource Center — liderado pela esposa do (então) senador Al Gore, Tipper Gore — procurou regular o que eles viam como música que estava corrompendo mentes jovens com temas satânicos (e, você sabe, todas as outras coisas que tornam a música divertida), Zappa (junto com John Denver e Dee Snider do Twisted Sister) testemunhou contra a proposta de censura de álbuns, fazendo uma declaração com uma quantidade estranha de graça, eloquência e, claro, inteligência.

Obviamente, essa foi uma época antes das mídias sociais colocarem todos a um clique de distância de uma opinião expressa publicamente, antes de haver um palanque eletrônico internacional que permitisse a todos nós articular opiniões sobre coisas como a legislação SOPA e PIPA, ou a interação complexa e complicada entre sanduíches de frango frito e a definição de casamento "tradicional", mas os artistas encontraram um azarão no politicamente inclinado Zappa. Tão profundo era o interesse de Frank Zappa no funcionamento do governo que ele levou cabines de registro de eleitores com ele em suas últimas turnês e anunciou uma candidatura à presidência antes de lutar contra o câncer de próstata que eventualmente tirou sua vida. Você conhece aqueles pequenos rótulos divertidos em CDs (discos compactos) que informam que o álbum que você está prestes a comprar contém algumas palavras obscenas? Esses foram o resultado final do que o Sr. Zappa estava lutando contra: a censura desnecessária da arte em nome dos valores familiares castrados que um punhado de esposas de Washington sentiam que eram universalmente aplicáveis.

Embora a própria existência desses adesivos (que, na experiência de muitos, tornaram o álbum automaticamente mais desejável) possa parecer uma perda nessa batalha épica contra a censura, eles estão muito longe do conceito inicial de avisos mais descritivos exigidos pelo PMRC, um rebaixamento no qual Zappa foi fundamental para incitar por meio de suas declarações absolutamente devastadoras antes do 99º Congresso de 1985. E embora a história da posição de Zappa, Denver e Snider contra a restrição frívola dos direitos dos artistas seja familiar para muitos, é uma história que merece ser passada de geração em geração, mesmo que seja apenas para adicionar um pouco de perspectiva ao clima de censura de hoje.

Assim como a discografia de Zappa, destilar suas declarações em sinopses e trechos seria remover a potência dessas palavras. Como fãs de música em uma era de liberdade de expressão quase absoluta, uma era em que as ondas de rádio estão cheias de referências sexuais flagrantes e outras coisas supostamente lascivas, pode-se considerar uma obrigação ler a declaração do Sr. Zappas, digerir seu peso e manter em mente o ditado de que se não aprendermos com a história, estamos condenados a repeti-la.

E agora, The Obscure Concerts...

(1967-09-30) Konserthuset, Stockholm, Sweden

MUSICA&SOM

FZ, Ray Collins, Roy Estrada, Jimmy Carl Black, Billy Mundi, Ian Underwood, Don Preston, Bunk Gardner, Motorhead Sherwood.

01 You Didn't Try To Call Me

02 Petrouska (Stravinsky)

03 Bristol Stomp (Appel-Mann)

04 Baby Love (Supremes)

05 Big Leg Emma

06 No Matter What You Do (Tchaikovsky's 6th)

07 Blue Suede Shoes

08Hound Dog

09 Gee

10 King Kong

11 It Can't Happen Here

(1967-10-02) Olympen, Lund, Sweden

01 intro

02 No Matter What You Do

03 Blue Suede Shoes

04 Hound Dog

05 Gee

06 Orange County Lumber Truck intro

07 Orange County Lumber Truck Medley

(1968-04-20) Fillmore East, NYC, NY Late Show

FZ, Ray Collins (quit before the European tour in September), Roy Estrada, Jimmy Carl Black, Arthur Dyer Tripp III, Ian Underwood, Don Preston, Bunk Gardner, Motorhead Sherwood.

(1968-10-20) Concertgebouw, Amsterdam, Netherlands

(1969.05.17) Ford Auditorium - Detroit - MI

FZ, Lowell George, Roy Estrada, Ian Underwood, Don Preston, Bunk Gardner, Motorhead Sherwood, Buzz Gardner, Jimmy Carl Black, Arthur Dyer Tripp III.

1 Didja Get Any Onya 

2 Hungry Freaks Daddy 

3 The String Quartet 

4 King Kong 

5 Octandre 

6 Eric Dolphy Memorial Barbecue 

7 Undaunted, The Band Plays On 

8 Igor's Boogie 

9 Introduction 

10 Valerie 

11 Lonely, Lonely Nights 

12 Corrido Rock 

13 Bacon Fat 

14 Trouble Every Day 

15 Cruising For Burgers 

(1969-05-24) Rockpile Toronto Canada

Previously listed as Massey Hall, 1969 05 19. These are the last known tapes featuring Lowell George.

Early Show

i

01 Intro/Interlude

02 Boogie In G*

04 Improvisations*/ My Music* (including Chucha)

04 Uncle Meat 

05 Drum Duet

06 Run Home Slow

07 Gas Mask

08Little March

09 Sqweezit

10 Right There/Teddy Bears' Picnic

11 Lohengrin 

12 Begin The Beguine

Late Show

01 My Guitar Wants To Kill Your Mama

02 Charles Ives

03 Jam

04 Some ballet music

05 Uncle Meat

06 Drum duet

07 Eye of Agamoto

08 Lonely, lonely nights

(1969) The Artisan Acetate

"Arranjado, compilado, editado e produzido por Frank Zappa, este acetato de gravações originais ao vivo, projetado por Dick Kunc, foi gravado entre outubro de 1968 e maio de 1969, e masterizado na Artisan Sound Recorders em Hollywood, CA., em meados de 1969. Ele contém gravações originais únicas das Mothers of Invention tocando "Wipe Out", "East LA", "Weasels Ripped My Flesh", "Kung Fu", "Igor's Boogie", "Passacaglia", "Copenhagen Night Music", "Help, I'm A Rock", "Chocolate Halvah", "Prelude To The Afternoon Of A Sexually Aroused Gas Mask", "The Cookie Jar Lecture" e "It Must Be Your Breath". Este acetato, conhecido oficialmente como The Artisan RS 6406 Test Pressing (acetato), foi extraído por seu proprietário e generosamente doado"

(1967) We're Only In It For The Money (demos) - Unreleased versions

MUSICA&SOM

 1. Lonely Little Girl (Instrumental)

    2. Oh No

    3. Lonely Little Girl (Reprise)

    4. Theme from Burnt Weenie Sandwich

    5. Mom & Dad

    6. Bow Tie Daddy

    7. Harry, You're a Beast [01:14]

    8. What's the Ugliest Part of Your Body? / What's the Ugliest Part of Your Body? (Reprise)

    9. Guitar Solo

    10. Take Your Clothes Off When You Dance

    11. Mother People

    12. The Idiot Bastard Son

    13. Who Needs the Peace Corps?

The Bob Meighan Band ‎- Country Folk Rock (USA)

 

Bob Meighan Band Bio

The Band:

Bass – Dick Furlow

Drums – Milt Miller

Guitar, Lead Vocals, Backing Vocals – David Dodt

Keyboards – Richard Howard (8)

Lead Vocals, Guitar – Bob Meighan

Producer – David Plehn (2), Jerry Riopelle, Jim Bastin

Violin, Mandolin, Synthesizer – Rodney Bryce (2)

The Dancer [1976]

MUSICA&SOM

Andrew Gabbard – Ramble & Rave On! (2024)

 

Em seu lançamento solo anterior, Cedar City Sweetheart de 2023 , Andrew Gabbard se concentrou em adicionar mais elementos country/americana à sua base de indie rock. Desta vez, ele retorna principalmente aos seus pontos fortes, usando guitarra vibrante e sua voz cheia de alma para trazê-la para casa com Ramble & Rave On!
Tocando todos os instrumentos sozinho (exceto o pedal steel de Sven Kahns em "I'm Bound to Ride"), Gabbard entrega um álbum sincero baseado no rock amigável ao rádio dos anos 60/70. O disco abre com guitarra vibrante e batidas de bateria boom-bap em "Just Like Magic", enquanto os vocais doces de Gabbard atingem falsete enquanto ele harmoniza consigo mesmo habilmente, começando Ramble & Rave On! em uma nota alta.
Gabbard empurra para a terra do soul retrô com guitarra e piano bem posicionados para "If I Could Show You...

MUSICA&SOM

…(Then You Would Know What I Mean),” enquanto a faixa-título é encantada com a confiança inspirada no glam-rock, exibindo-se orgulhosamente. Outra vencedora é “All Right Mama,” que é estrondosa, vibrante e ligeiramente desequilibrada em todos os melhores sentidos, uma reminiscência do Beck principal. O álbum termina com mais duas faixas que brincam com esse estilo digital/buzzy, “I'm Bound to Ride” e “Mulberry”. Embora não sejam tão bem-sucedidas quanto “All Right Mama,” ambas misturam o som direto de Gabbard.

Para a maioria de Ramble & Rave On!, as influências de Gabbard são mais da variedade do rock clássico. “Magic Taxi” parece inspirado por Wings, enquanto “Everywhere I Go I Don't Belong” também tem toques de Paul McCartney fluindo por toda parte. Gabbard fica firme e dirige com um cover acelerado do excelente corte profundo de Neil Young, “Barstool Blues”, enquanto “Again and Again” é um pop rock cativante e distorcido que lembra os sons principais de Laurel Canyon com guitarra ecoante.

No geral, Andrew Gabbard explora seus pontos fortes vocais e de guitarra, sugerindo ainda mais com batidas e vibrações digitais durante a viagem agradável que é Ramble & Rave On

Electric Eye – Dyp Tid (2024)

 

Dyp Tid , o quinto álbum do grupo norueguês de psych-rock Electric Eye, é uma contemplação do desconhecido e do inefável. Criado em uma paisagem onde o tempo e o espaço entram em colapso, o disco é o projeto mais ambicioso e experimental do Electric Eye até o momento. Originalmente encomendado pelo Sildajazz – o Festival Internacional de Jazz de Haugesund – e estreando lá em 2022, 'Dyp Tid' (norueguês para 'Tempo Profundo') é uma jornada meditativa e uma exploração do que significa existir em um universo onde o tempo se estende muito além do alcance da humanidade.
Apresentado pela primeira vez ao vivo em Skåre Kirke, uma igreja octogonal de madeira em Haugesund, Noruega, construída em 1858, essas seis composições atmosféricas centralizam órgãos de igreja…

MUSICA&SOM

…sintetizadores e vocais corais sobre qualquer instrumentação tradicional de 'rock'. Gradualmente passando pelo minimalismo ambiente, improvisações kosmische e psych-jazz experimental, 'Dyp Tid' não é apenas um álbum, mas um espaço; uma paisagem mental onde som e tempo se cruzam. Falando sobre o álbum, Øystein Braut do Electric Eye diz: "Sempre fomos atraídos pelo cinematográfico, pela sensação de que algo parece maior que a vida, e no Dyp Tid nós entrelaçamos esses elementos em algo profundamente pessoal e totalmente evasivo."

Instalado no Duper Studio de Bergen, o espaço de gravação se tornou um laboratório para desenvolver ainda mais essas novas ideias e transformar a peça 'Dyp Tid' em um álbum de estúdio completo: "Nós nos aprofundamos na tecnologia analógica, exploramos máquinas vintage e experimentamos o que estava no limite do nosso controle. Buscamos o som das profundezas do tempo, algo que parecia infinito e incontrolável. Em uma era em que tudo parece algorítmico e previsível, buscamos criar algo que se recusasse a ser encaixotado – algo que vive e respira por suas próprias regras. O álbum entrelaça intrincadamente gravações ao vivo da igreja de madeira e sessões de estúdio, frequentemente oscilando entre as duas no curso de uma única faixa.”