Hugh Banton "Gustav Holst. The Planets" (2009)

 

Hugh Banton tem um papel especial na família Van der Graaf Generator . Um cavaleiro da melodia, ele sempre se esforça para elevar os cálculos sombriamente expressivos do carismático Hammill . E esta união única está funcionando – é assustador dizer! - há 45 anos. O trabalho solo do Sr. Banton é incomumente pequeno: apenas alguns álbuns. Contudo, para o intelectual inveterado eles são de interesse independente. O que quer que se diga, o modesto Hugh é um pássaro que voa muito alto. Quando criança, ele não se fazia de bobo, mas dominava o piano diligentemente. Quando estudante, Banton também foi aluno de Percy Sanders , o organista da Catedral de Wakefield (West Yorkshire). Mais tarde, devido ao despertar da paixão pela eletrônica, nosso gênio musical trabalhou como engenheiro na BBC Corporation. Bem, desde o final dos anos sessenta, o refúgio do Sr. Banton tornou-se o “conjunto de música e dança” em homenagem a Van der Graaff . No entanto, esta é apenas a parte frontal da biografia. Poucas pessoas percebem o raro hobby do homem calado inglês. Ele projeta e constrói órgãos digitais desde a década de 1980. Durante mais de um quarto de século, a The Organ Workshop, sob a estrita liderança de Hugh, tem produzido unidades apropriadas para igrejas, salas de reuniões e uso doméstico. Uma ilustração impressionante das vantagens das ferramentas digitais sobre os habituais colossos tubulares são as notas do autor de Banton. Sua experiência inicial nesta área foi a transcrição original de “As Variações Goldberg” de I.S. Bach (2002). E em 2005, Hugh decidiu dar uma tacada no clássico britânico Gustav Holst (1874 - 1934), famoso pelo poema sinfônico “The Planets”. Composta em 1913, a composição foi concebida como um dueto de piano. No entanto, cinco anos depois, o próprio Holst traduziu “Os Planetas” para a linguagem orquestral. Desde então, a suíte em grande escala tem sido ouvida com sucesso em versão polifônica em todos os países e continentes. Banton, pelo contrário, tornou a tarefa muito mais difícil. Ele tinha uma oficina cheia de órgãos à sua disposição. E havia muito trabalho pela frente na adaptação do enorme bloco sonoro para performance em formato solo.

O trabalho durou dois anos da vida de Hugh. As sessões terminaram em 2007. E, atrevo-me a assegurar-vos, foram coroados de vitória. O veterano da frente progressista conseguiu mostrar sua visão sutil da essência dos planos de Holst e, ao mesmo tempo, demonstrou notável talento artístico e incrível domínio da arte do arranjo. Usando a rica biblioteca de samples coletada no The Organ Workshop, Banton criou uma mini-orquestra em uma pessoa por meio de multi-tracking. A mais ampla gama de som. De latão a cordas e seções de latão. É difícil imaginar que todo esse poder tenha origem nas profundezas de um gerador de tons digital. Para ser sincero, ao conhecer o conteúdo, você não se lembra muito da formação técnica do ato: o encanto espontâneo do lançamento com suas harmonias incríveis, delícias tímbricas e características estritamente individuais de cada “planetário-astrológico “O ciclo é tão bom.

Os fãs de música séria são fortemente aconselhados a ouvir repetidamente.     

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Birth Control "Backdoor Possibilities" (1976)

 

Birth Control é um dos mais antigos conglomerados de rock alemães. O conjunto foi formado em 1968 e, ao longo de um período interminável de actividade, conseguiu passar por várias fases do seu próprio desenvolvimento. Começamos, como sempre, com jazz-rock e psicodelia. Então eles mudaram para um disco rígido de estilo britânico (aos olhos de um público devoto, Birth Control parecia a resposta alemã ao Deep Purple - nem mais nem menos). E em meados dos anos setenta, os teutões dominaram tão bem o espaço musical que começaram a compor e gravar sofisticadas obras progressivas do tipo inglês. O álbum inovador nesse aspecto foi "Plastic People" (1975). As estruturas pesadas desenvolvidas anteriormente mostraram repentinamente uma tendência a degenerar em suítes intrincadas, e as ranhuras do órgão, com o apoio fugaz do violino, da flauta e do violoncelo, começaram a tocar de uma maneira completamente nova. Em novembro do mesmo ano, a equipe percorreu as cidades de Foggy Albion com shows. Isto confirmou indiretamente o fato de seu reconhecimento internacional. Em casa, o time foi consistentemente incluído no cadastro dos mais populares, porém, o status de “estrela” adquirido não afetou particularmente o caráter dos quatro lutadores. Os membros da banda estavam seriamente preocupados com o problema do crescimento criativo. Portanto, o BC continuou a funcionar em constante modo de brainstorming. Como resultado de outra explosão intelectual, nasceu um programa chamado “Backdoor Possibilities”. Proponho focar nisso com mais detalhes.

O conceito do disco é original. Um certo empresário, preso em um elevador, experimenta a morte metafísica. Depois disso, ele começa a ver claramente, percebe a inutilidade de sua existência passada e novamente corre em direção à vida. Em geral, do ponto de vista ideológico, a história é interessante. No aspecto composicional também há aqui muitas coisas notáveis. Assim, a estrutura de "Physical and Mental Short Circuit" assemelha-se a uma mistura de motivos Gentle Giant misturados com jazz sinfônico e ocasionais ângulos de teclado semelhantes aos do Genesis (não há nada de surpreendente aqui, já que o disco foi produzido pelo experiente David Hitchcock , cujos clientes também incluiu Gênesis ). No entanto, seria errado negar a engenhosidade do controle da natalidade . As partes instrumentais são cheias de entusiasmo, brilhando com soluções novas e verdadeiramente intrigantes (“Subterranean Escape”). As revelações filosóficas transformam-se num colapso operático-dramático, contextualmente diluído com estudos de fusão espacial (“Filme da Vida”). A exuberante paleta sonora contém excelentes estudos sinfônicos de cunho neobarroco-romântico (“Futile Prayer”), progressões serpenteantes da série “with a bigode” (“The Farrockaway Ropedancer”), esquisitices astral-cósmicas típicas dos alemães ( “Le Moineau De Paris”), ataques de jazz cortados com um saxofone solo para arrancar ("Cha Cha D'Amour"), números artísticos arrebatadores com inserções de introdução pianística técnica ("Behind Grey Walls") e experimentos de coral-bufões em mosaico de natureza teatral ("No Time to Die").
Em outras palavras, temos diante de nós um ato artístico brilhante, extraordinário e generoso em eventos, nas melhores tradições do rock progressivo clássico da década de 1970. Eu não recomendo ignorá-lo.

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Wolf "Saturation Point" de Darryl Way (1973)

 

A estrela de Darryl Way nasceu em novembro de 1970. Em seguida, foi lançado o longa-metragem de estreia do britânico Curved Air "Air Conditioning" . E a imprensa imediatamente notou os recém-chegados. Elogiado pela abordagem não convencional dos arranjos e pela base pró-clássica de uma série de faixas (especialmente o afresco épico "Vivaldi"), claramente discernível graças ao virtuoso toque de cordas do maestro Way. Até mesmo o colunista da equipe do Melody Maker, Chris Charlesworth, achou necessário notar o aparecimento de um “músico inteligente e pedante” no horizonte do rock. No entanto, Darryl nunca sofreu com falta de atenção. Aos 16 anos, ele foi laureado em um concurso de violino anunciado na Darlington School of Art. A vitória garantiu ao jovem o direito de continuar os estudos no Royal College of Music sob a orientação do eminente mentor Antonio Brosa . Porém, Way não se deixou seduzir pela carreira acadêmica. Em troca, ele mergulhou no redemoinho vivo do crescente rock artístico. E com a sua presença enriqueceu a multidão de jovens intelectuais londrinos. Em 1972, Darryl despediu-se do Curved Air , após o que organizou seu próprio projeto, Wolf . Os companheiros de festa de Way incluíam três artistas promissores - o baixista/vocalista Dec Messecar (futuro membro do Caravan ), o guitarrista John Etheridge (mais tarde Soft Machine ) e o baterista Ian Moseley (pré -Trace , Marillion ). Tendo lançado o programa "Canis Lupus" (1973), o quarteto coletou uma boa colheita de críticas dos principais críticos britânicos. E no mesmo ano, os membros do Wolf apresentaram ao público outro trabalho completo - o álbum de estúdio "Saturation Point". Vamos tentar ver isso em detalhes.   

A jornada começa com "The Ache". Mas não cruel e, em alguns casos, até elegante (perdoe-me por um epíteto tão paradoxal). A seção rítmica motriz, combinada com o violino elétrico incendiário de Darryl e os solos igualmente sofisticados de Etheridge, apresentam-nos uma imagem atraente de rock sinfônico de alta velocidade de um estilo francamente elegante. Em uma palavra, um começo brilhante. "Two Sisters" com sua base musical parece mais simples. Embora também aqui o mentor, aproveitando o momento, produza várias passagens marcantes. A superfície de "Slow Rag" combina os reflexos da guitarra eletroacústica de John e os monogramas barrocos ornamentados de Way; uma verdadeira festa para os fãs de estudos-humores no âmbito do “grande estilo”. A síntese da música progressiva com os floreios de salão de câmara apresenta-se graciosamente no contexto da "Abertura de Mercado". Em seguida - uma mistura selvagem de ataques fortes e assertivos e curvas artísticas delicadas ("Game of X"). A peça do título é uma reivindicação justificada de fusão; em alguns lugares é pastoral, em alguns lugares é cercado, mas no geral é tecido com muito profissionalismo. A “Toy Symphony” final é um rico caldo de ingredientes energeticamente ricos, permitindo ao líder da banda vagar ao máximo. Para a “sobremesa”, há alguns bônus divertidos: o rock'n'roll de cordas carbônicas "A Bunch of Fives" + o incrivelmente revigorante gabarito progressivo "Five in the Morning". Um bônus adicional é a versão única do único número vocal "Two Sisters". Em geral, não cria o clima, mas também não o estraga. 

Resumindo: um excelente exemplo de rock artístico sinfônico ousado, encarnado com entusiasmo no mais alto nível de desempenho. Eu recomendo.  

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Jean-Philippe Goude ‎ "Rock De Chambre" (2001)

Na verdade, “Rock De Chambre” é difícil de equiparar a um típico disco solo. O elenco diversificado de intérpretes evoca associações involuntárias com uma performance musical. Sim, há apenas um “dramaturgo” e “diretor” aqui – Jean-Philippe Goude ; autor de todas as composições sem exceção. Porém, em sua maior parte, o programa é uma performance beneficente da formação L'Ensemble , na qual, além do Maestro Goode (mellotron, texturas, regência), aparecem mais nove pessoas. Forças adicionais são uma orquestra combinada, incluindo o quarteto de violoncelos do Conservatório de Paris, os eminentes bateristas de “fusão” Bill Bruford e François Lezo , além de vinte e cinco pessoas dos campos acadêmico e de jazz-rock. Naturalmente, o grupo não atua em massa, mas por sua vez, dependendo das tarefas formuladas pelo idealizador. E certamente é necessário debruçar-nos sobre eles com mais detalhes. Mas primeiro, algumas frases gerais sobre a direção artística do lançamento.

No trabalho de Goode, o tradicionalismo e a inovação coexistem em igualdade de condições. A base canônica é o legado de Cesar Frank , Claude Debussy , Erik Satie . Existem também cronovetores próximos - Michael Nyman , Philip Glass , Terry Riley ... No entanto, é inútil procurar conexões específicas. As telas sonoras de Jean-Philippe são refinadas, lacônicas e marcadas por aquela beleza especial inerente, digamos, às revelações pictóricas modernistas de Alphonse Mucha . Se quiser, temos diante de nós o Art Nouveau em sua personificação sonora. Tomando isso como ponto de partida, vamos tentar nos aproximar do principal.

O disco começa com "Picnic Music" - uma peça de câmara em uníssono para seções de sopro e cordas. Oboés, clarinetes, fagotes, trompas, violinos e violoncelos tecem um padrão decorativo contra o fundo de um groove de contrabaixo. E embora a Penguin Cafe Orchestra tenha produzido algo semelhante em significado , qualquer analogia aqui seria inadequada. (A propósito, o respeito pessoal de Jean-Philippe pelos britânicos acima mencionados é atestado separadamente, como parte da edição "Tributo a um pinguim".) Bom é Bom, original e único. Ele acrescenta sequências de ruído ao minimalismo filarmônico de “Vies actives - vie fictive”, ousadamente constrói a peça do título no contraste entre o desenvolvimento suave da câmara e inserções rítmicas cativantes, e inspira-se para “Immer wieder” no impressionismo do piano, onde outros instrumentos são usado apenas como ambiente por causa de. "La dernière marche" é um exemplo de vanguardismo refinado; Junto com um rico arsenal "ao vivo", são usadas texturas eletrônicas e registros de flauta Mellotron. A combinação não é comum, o efeito é óbvio. Pela vontade do instigador do evento, a melodia de rua do acordeão torna-se o leitmotiv do afresco "La ligne claire" (um grande olá ao quarteto de baile belga !); a combinação de elementos folk com academicismo e prog minimalista dá origem ao esquete híbrido “Lieber Hans”; as conotações lúdicas dos tempos do cinema mudo são refratadas de forma arrojada no contexto de um estilo de arranjo severo (“Fonquitude”); e a colagem “L'entrain m'égoisse” exala o devaneio de um verdadeiro mestre da imagem. Na faixa "Pensée inique", a poderosa escória das cordas simboliza a explosão de emoções do tímido intelectual Goode. O segmento final “Soliloque” é uma isca para os espertos; a reflexão pianística do solo ao longo da jornada de 3 minutos é minada internamente pelas tendências caóticas do acordeão, Mellotron e outros dispositivos eletroacústicos.

Resumindo: um panorama artístico refinado, complexo e expressivo à sua maneira, projetado para um ouvinte esteta atencioso. Eu aconselho você a ler.  

PAVEMENT – WOWEE ZOWEE (1995)

 

 Bolha-total na arrumação e audição dos discos que chegaram durante a semana aqui no pedaço. Uns 40, vindos diretamente da Falência Records.  Rolando agora o primeiro álbum que escutei desta banda de rock alternativo americana, liderada pelo músico Stephen Malkmus.  Lembro que comprei o CD nos anos 90, atraído pela arte da capa que, diga-se de passagem, poderia perfeitamente estampar um disco do Zappa, hehe. Som classe!  Pavement? Wowee Zowee! Uau, vinil duplo Matador! Tô me sentindo um indie sinistro

GAL COSTA – GAL TROPICAL (1979)

Essa doeu demais! Meio que sem acreditar ainda. Obrigado, Gal! Descanse em paz. 

ROLANDO BOLDRIN – VIOLEIRO (1982)

 

 Caramba! RIP Rolando Boldrin. Não dá nem para acreditar. Que a terra lhe seja leve, mestre.