Sem ignorar os dois álbuns anteriores da banda que continham doses semelhantes de Funk, Soul e R&B, é neste álbum que se afastam daqueles sons mais puros e experimentam alguns sons mais pesados. Essa pequena virada para a experimentação e a guitarra mais suja e distorcida muda o Funk para sempre.
Fale sobre Funkadelic ou George ClintonSão grandes palavras, este é o terceiro álbum da banda. Conta a história do Funk que George contou a Eddie Hazel (guitarrista da banda); "Jogue como se sua mãe tivesse acabado de morrer." O resultado foi "Maggot Brain", dez minutos de guitarra angustiante no estilo Hendrix. Este é o álbum mais rock que a banda P-Funk já criou.
Uma experiência e tanto para mim, mesmo tendo passado 30 anos desde o lançamento do álbum, e colocado no contexto do disco original, fica claro que Hendrix não era o único guitarrista negro incrível da época. A busca começou há quase quinze anos a pedido do meu amigo Eduardo Sencer (QEPD) que o tinha ouvido por volta de 72 em Paris, infelizmente na época que comecei a procurá-lo o álbum já estava esgotado há vários anos. e encontrá-lo em uma loja de discos, mesmo que fossem discos usados, era impossível. Não foi até vários anos depois, graças à internet, que conseguimos encontrá-lo, encomendá-lo e, finalmente, ouvi-lo. Maggot Brain, a música que dá nome ao álbum, não é uma música que qualquer rádio toca com muita frequência, pelo contrário nunca, por mais que a rádio seja R&B ou Funk, só pela duração da música já fica difícil incluí-lo na programação e definitivamente não é um disco comercial.
Se você ainda não ouviu, esta é a oportunidade de sentir o que milhares de fãs já vivenciaram. Para alguns pode soar sujo, bruto, algo que hoje seria impensável com a tecnologia e o perfeccionismo dos engenheiros que correm para limpar cada nota ou tempo fora do lugar, mas é apreciado, é importante se colocar no contexto do ano, a banda e acima de tudo, o groove! A mixagem nesta cópia está a anos-luz do vinil original, o que é definitivamente mais uma vantagem para dar uma volta completa.
Funkadelic (1971) Maggot Brain
01. Maggot Brain 02. Você consegue chegar lá 03. Bata e pare 04. Você e seus pais, eu e meus amigos 05. Super estúpido 06. De volta às nossas mentes 07. Guerras do Armagedom
Músicos Eddie Hazel: Guitarra Tawl Ross: Guitarra Rítmica Bernie Worrell: Teclados Billy Bass Nelson: Baixo Tiki Fulwood: Bateria Vozes: Parliament (George Clinton, Fuzzy Haskins, Calvin Simon, Grady Thomas, Ray Davis), Garry Shider, Bernie Worrell, Tawl Ross, Eddie Hazel, Billy Bass Nelson
O grupo que se tornaria o Funkadelic foi originalmente formado por George Clinton, em 1964, como um backup musical sem nome de seu grupo The Parliaments, durante uma turnê. A banda originalmente consistia nos músicos Frankie Boyce, Richard Boyce e Langston Booth, além de ser acompanhada por cinco membros vocais do The Parliaments. Boyce e Booth se alistaram no Exército em 1966, então Clinton contratou o baixista Billy "Bass" Nelson e o guitarrista Eddie Hazel em 1967, adicionando também o guitarrista Tawl Ross e o baterista Tiki Fulwood. O nome "Funkadelic" foi cunhado por Nelson depois que a banda se mudou para Detroit. Em 1968, devido a uma disputa com a Revilot, empresa que detinha o nome "Parliaments", o grupo passou a tocar com o nome de Funkadelic. George Clinton reviveu o Parlamento em 1974 e assinou na hora com a Casablanca Records. Parliament e Funkadelic tinham a mesma maioria de funcionários estáveis, mas operando simultaneamente sob dois nomes. Em um ponto, de Parliament foi designado como um conjunto mais geral de vocais e arranjos, enquanto Funkadelic foi designado como um mais experimental e baseado em guitarra livre da banda. O conjunto geralmente fazia turnês sob o nome combinado de Parliament-Funkadelic, ou simplesmente P-Funk (que também se tornou o termo de George Clinton para o crescimento rápido e constante dos artistas do funk).
Desta vez, a ideia é oferecer a todos como se diz em português, e cada um contribuir com um álbum dos Gentle Giant, banda que foi criteriosamente escolhida entre tantas outras com o único propósito de se aproximarem e conheça melhor um dos grandes expoentes da música progressiva mundial e onde cada blog disponibiliza um título que considera especial. Escolhi Free Hand, para mim o 2º melhor álbum de estúdio da banda, o primeiro (para mim e só para mim) é "The Missing Peace", e é mais para um apego sentimental já que foi o primeiro LP que tive de Gigante gentil.
Em uma época em que ELP, Kansas e Styx eram enormes em vendas, a marca hipercomplexa de rock progressivo Gentle Giant ainda tinha uma pequena oportunidade comercial, pois havia feito uma descoberta nos Estados Unidos com seu álbum conceitual anterior, "The Power and the Glory". . De muitas maneiras, "Free Hand" é típico de sua produção de meados dos anos 70, o virtuosismo técnico que a banda exibia, em que todos os membros tocam uma ampla gama de instrumentos e onde as músicas são cheias de mudanças de tempo surpreendentes com contrapontos impressionantes e letras pensativas. . Como Dark Side of the Moon do Pink Floyd, Free Hand do Gentle Giant de alguma forma captura perfeitamente a fina mistura de inteligência e complexidade de melodia cativante que o torna um clássico. É também o álbum mais consistente e contém algumas das músicas mais pesadas de sua carreira de 11 anos. Inclui provavelmente algumas das melhores canções da banda assim como a instrumental Talybont, escrita para uma versão do filme Robin Hood, que tem um sabor mágico medieval, onde se misturam guitarras, sons clássicos e sintetizadores.
Gentle Giant nunca quebrou a barreira das bandas populares como eles esperavam, mas sua abordagem distinta deixou sua marca na música dos anos 70.
Este post tem uma pequena diferença oculta, talvez você consiga descobri-la. Uma pista, é bem aqui embaixo.
Gentle Giant (1975) Free Hand
01. Just the Same 5:33 02. On Reflection 5:43 03. Free Hand 6:14 04. Time to Kill 5:08 05. His Last Voyage 6:26 06. Talybont 2: 43 07. Mobile 5:03
De acordo com a Wikipedia, Free Hand é um álbum da banda britânica de rock progressivo Gentle Giant, lançado em 1975. Também marcou seu primeiro álbum sob seu novo selo, Chrysalis Records no Reino Unido. Este álbum é conhecido por altos valores de produção e uma sensação de ser mais acessível e um pouco menos dissonante do que o álbum anterior "The Power and the Glory". Foi o álbum de maior sucesso nos Estados Unidos e o único a entrar no Top 50 da parada de álbuns da Billboard. A versão de 1990 do CD lançada pela gravadora One Way Records de Albany, de Nova York, usa erroneamente uma versão de mixagem aproximada do álbum. Esta versão revelou alguns detalhes musicais diferentes.
Após quinze anos trabalhando com a Sire Records, a banda decide mudar de gravadora para lançar um álbum muito particular dentro de sua discografia: o primeiro pela Radioactive Records, o primeiro sem Dee Dee, o primeiro com CJ e seu primeiro trabalho dentro de uma nova revolução musical: os anos 90. Ao longo dos anos, entendemos que Mondo Bizarro alcançou um resultado muito auspicioso. Com a produção de Ed Stasium, pessoa muito ligada à gravadora da banda, toda a produção ficou perfeita porque ele soube trabalhar o som e tirar o melhor proveito de seus músicos.
Mondo Bizarro é uma festa rítmica altamente subestimada e super divertida. Existem guitarras poderosas e ardentes, melodias cativantes e refrões contagiantes. Ao nível lírico, o álbum faz os seus textos a partir da situação, com um tom divertido mas crítico, com a sua habitual reiteração sonora.
O álbum começa com “Censorshit”, uma festa ácida protagonizada pelo riff rápido de Johnny . Suas letras são sérias, fugindo um pouco das normas dos Ramones . Em apenas 3 minutos o ritmo aumenta e o refrão se torna uma bela abertura. Ótima composição de Joey contra a censura. “Job that ate my brain” é uma típica canção dos Ramonero, sem grandes pretensões. O baixo soa tímido, CJ tinha acabado de chegar. Não é rápido ou feroz, mas o refrão é bom e agradável em geral. “Poison Heart” representa um risco para Johnny naquele mini-solo no meio da música; não existe técnica perfeita mas por favor; Marky é impecável na bateria. O refrão é um dos mais memoráveis e lembrados pelos fãs.
"Ansiedade" tem uma bateria de alta velocidade; Marky continua a demonstrar toda a sua técnica. A música que o tema emite é da alma da banda e ao ouvi-la você se sentirá chutando o chão com o pé. Tópico curto, preciso, rápido. Se você está naqueles dias em que a raiva te vence, não dê ouvidos ao assunto, porque você vai destruir tudo. "Força para aguentar" é para mim a melhor faixa do álbum e está entre as dez primeiras da discografia dos Ramonera. CJ toca, tem um refrão cativante que faz você cantar junto com o baixista. A música foi escrita por Dee Dee, Johnny manda para si mesmo um tremendo riff simples e bem ritmado. Sem dúvidas esse é o melhor trabalho que CJ fez para a banda. “Vai ficar tudo bem” nos apresenta Joey ,na sua posição de cantora, interpretando uma das melhores canções do álbum. Seus primeiros versos são bem típicos, com riffs baixos e guitarras rápidas, enquanto a bateria dita a velocidade da música. O destaque é a ótima performance de Marky na bateria, fazendo um twist quando Joey canta o refrão. O riff da guitarra de Johnny também é interessante; Não é só mais uma música, é linda!
Em “Take it as it comes”, Joe McGinty toca os teclados com aquele solo bem rápido, para que a música não perca sua identidade punk. “Main Man” tem o riff de Johnny como personagem principal, aliás, faz o baixo de CJ sumir. A faixa não gera muito valor porque não é rápida o suficiente para ser punk, e não é uma música com uma boa melodia para ser considerada rock. A inspiração se perdeu um pouco. “Amanhã ela vai embora” é outra música “artesanal”, fugindo um pouco do barulho e da velocidade. Tema com riffs rápidos mas simples, bateria acelerada. O destaque fica por conta do refrão, que apesar de ter um riff forte e pesado, é cantado com a desenvoltura de Joey .
“Não vou deixar acontecer” nos mostra um violão usado de forma a dar conotações acústicas. Muitos fãs odeiam a música por isso, mas na minha opinião é uma boa música, com um refrão cativante cantado lentamente por Joey. “Cabbies on crack” nos apresenta riffs mais sujos e pesados, um dos melhores do álbum na minha opinião. Mais uma demonstração de que para fazer boa música não é preciso ser técnico no assunto, embora muito tenha a ver com a sabedoria do produtor. “Heidi é uma dor de cabeça” é outra composição de Joey, aquele que, longe das drogas e do álcool, vinha contribuindo muito para a banda. O tema é destacado pelas mudanças nos riffs de guitarra de Johnny ; há ummomento memorável do tema, que é um refrão cantado com um dos riffs mais acelerados; A bateria de Marky é tocada, como em todo o álbum.
A primeira coisa que chama a atenção em Mondo Bizarro é a convicção e atitude dos Ramones, algo que eles haviam perdido em trabalhos anteriores. O álbum representa o retorno do grupo às suas bases mais punk, com ritmos simples e repetitivos, com letras e refrões muito cativantes, mas mostrando uma complexidade maior do que nos primeiros álbuns. Mondo Bizarro foi Disco de Ouro na Argentina e no Brasil, foi elogiado pela crítica, foi um renascimento em uma nova era, onde alguns garotos de Seattle dominavam o mundo com seu neo-punk e com um Michael Jackson que ainda chacoalhava sua glória em primeiro lugar nas paradas. Tudo era novo para a lendária banda nova-iorquina, mas Mondo BizarroAbriu as portas para uma nova geração de fãs interessados em investigar o passado glorioso desses 4 imortais.
Joey, Johnny, Marky e CJ construíram o Mondo Bizarro com três acordes, a força de sempre e sua agressividade melódica, que neste álbum é reforçada em um excelente som, fruto de 24 anos de carreira e quase 2.000 shows dos eternos pais e punk inesquecível
Que grande ano para o punk rock foi 1994. E dessa lista não poderia faltar o eterno Bad Religion com "Stranger Than Fiction", álbum que permitiu a entrada deles no mainstream do punk rock da época. Apesar das idas e vindas e das mudanças de formação, continuam nas trincheiras gerando hinos e bons discos com impressionante regularidade. “Stranger Than Fiction” foi também a estreia com uma multinacional (Atlantic) o que gerou uma grande surpresa para os fãs acérrimos da banda, mas reconhecendo que não perderam um pingo do seu empenho, credibilidade e sonoridade. Um álbum clássico cheio de metáforas, vocabulário, iconografia e harmonias vocais; esta última viria a consagrá-los como pioneiros do nascente hardcore melódico .
“Incomplete” começa bem rápido e tem uma letra que se destaca muito, daquelas que ficam na sua cabeça na adolescência. A conjunção de guitarras é muito boa e acerta em cheio por ser o tema de entrada, pois prepara ansiosamente os ouvidos para o que virá a seguir; a melodia punk trabalhou em larga escala. “Live mine to me” é outra faixa interessante. Bom som de bateria para começar, as guitarras nas pausas se destacam pela precisão; bom conjunto de vozes nos coros. “Stranger than fiction” tem um começo poderoso, a bateria é mais protagonista e a voz mais saturada de Graffin faz você voltar, em alguns momentos, aos primórdios da banda; bom trabalho nos vocais do refrão. “Tiny Voices” soa mais comercial, mas há um bom trabalho de guitarra; é mais linear do que já ouvimos antes, mas tem seu quinhão de punk melódico. Onde ela se destaca de forma versátil é nas letras, que é pura poesia. “The Handshake” nos puxa para outro lado com aquela guitarra no começo e a entrada rápida da música; há pausas interessantes, outros andamentos dentro da música e que nos mostram outra proposta dentro do mesmo álbum; há outra união das vozes com as guitarras e outros decibéis. Bom tópico.
“Better off dead” segue a linha de inícios rápidos, com uma voz mais lenta, que deixa ouvir o rugido das guitarras. "Infected" é uma grande canção, é uma das peças que distingue o álbum. Parte mais lenta, com andamento mais próximo dos riffs de guitarra, que são ouvidos com muito mais clareza. A bateria descansa mais e segue o passo das cordas; bom jogo vocal no meio do tema, que se mistura com o precioso riff de Gurewitz. O jogo continua até o fim. “Television” retoma a velocidade imparável da primeira metade do álbum, a tensão é linear até ao fim, destacando-se o riff a meio. “Individual” é puro ritmo com uma mensagem que chega até o queixo nessa fase adolescente; vozes e guitarras se fundiram em uma boa dupla no meio da música.
“Slumber” tem uma introdução mais comercial e é mais lenta; audível. “Marked” deixa esse descanso para trás e retoma a velocidade do álbum e percorre os 2 minutos da música na ponta de boas guitarras. “Inner Logic” toca uma bateria interessante, é mais rítmica que várias anteriores; quando as guitarras entram identificamos a gravadora do disco. "What it is" é uma boa entrada para terminar com "21st Century " remasterizado e numa versão mais visionária. Uma grande música dentro da discografia da banda e que tem a versatilidade de resistir a dois olhares bem diferentes e ambos de tamanha qualidade.
Graças a “Stranger Than Fiction” havia muitos punk 'puristas' que não ouviam mais Bad Religion, mas foi a porta de entrada para muitos novos seguidores entrarem na festa através dessas simples (aparentemente) melódicas canções de punk rock. construído, com mensagens claras e refrões característicos. Por alguma razão, é o único álbum do grupo que foi certificado como "Ouro" nos Estados Unidos e Canadá. É um dos grandes objetivos do Bad Religion e que joga no primeiro A do punk dos anos noventa.
O Grunge havia morrido há alguns anos e um estilo muito peculiar chamado Nu Metal tomou conta da região em meados dos anos 90. Enquanto o Linkin Park representava uma ala comercial do Nu, o Korn o fazia na parte mais difícil. Onde, então, colocamos o Deftones nesse panorama?: em lugar nenhum.
E isso porque Deftones teve um som único desde o início. Passaram pelo rap, depois passaram por uma onda muito mais metal, mas sempre houve uma distinção do resto, são inconfundíveis com outros grupos da época. E mantendo esta fortaleza firmemente estabelecida, Deftones enfrentou o novo milênio com seu álbum "White Pony", no qual Chino Moreno, sua voz peculiar e suas propostas inovadoras, deu a mudança definitiva de direção que os consolidou como um dos mais criativos neste nova era da música.
“Feiticeira” é um grande começo. O riff sujo, distorcido e sinistro dá o começo perfeito para um álbum que não varia muito de música para música, mas em que cada um é uma contribuição. A letra fala de uma grande embriaguez. Voz épica para começar. “Digital Bath” embala você para dormir com seu ritmo lento e relaxante, que acelera até o final (muito emocionante). Chino Moreno simplesmente ótimo. “Elite” é cheia de gritos de partir o coração e grooves pesados; os efeitos de sintetizador vocal no refrão ultrapassam os limites da vibração para uma faixa de hard rock.
"RX Queen" é uma música curiosa porque soa muito Korn, muito estilo Jonathan Davis, e a letra não ajuda muito a diferenciá-la porque nos fala sobre um homem apaixonado por uma garota com uma doença terminal. Tragédia demais para ser Deftones. É melhor continuarmos com “Street Carp”, uma música que relata reencontros indesejados com pessoas que, apesar do tempo e dos nossos esforços, sempre aparecem de novo. Som interessante, boas pausas e subsequentes aumentos de velocidade; ótimo acompanhamento de bateria. “Teenager” se destaca como uma das grandes canções deste álbum por fazer uso da percussão eletrônica de Delgado e uma guitarra delicada, mas distorcida. Vá devagar, a pausa te leva a outro estado, mil sensações são alcançadas, "Knife Party" é outra coisa. Cunningham, com um soco limpo, injeta energia no álbum; o começo, com aquele dedilhado, é ótimo, para depois voltar ao som de sempre, potente mas melódico. No meio da música os tempos mudam e o prato entra com uma voz saturada e sofrida, fazendo a introdução para a parte final da música, enquanto Chino adormece novamente com o texto final.
“Korea” retorna à sua base ruidosa e aquele riff denso e sombrio. Chino usa sua voz mais rasgada, enquanto a música sobe e desce em decibéis. "Passenger" mostra-nos a voz de Maynard James Keenan (pessoalmente, acho que a voz dele é única) em mais uma música opressiva e dark, envolta num ar místico que nos incita ao deboche, ponha o volume no máximo e desfrute do mais puro Som Deftones. Grande música. “Change (In the House of Flies)” é outra descarga de poder. Ele nocauteia seus sentidos e o força a balançar ao som das pesadas notas graves deCheng. Uma história de vingança, de ver como a pessoa que odiamos se transforma em um ser insignificante, tudo acompanhado por guitarras potentes e uma bateria que acelera e desce conforme a tortura sofrida pelo condenado que é fruto dessa história. Voz pausada, trabalhada eletronicamente. “Pink Maggit” desaparece, soa magoado e suplicante, então bate no seu queixo em uma explosão de puro som Deftones. “The Boy's Republic” continua com aquele halo místico, mas o riff é um pouco mais animado do que o normal; É um recado para que antes de se jogar do décimo andar depois de tanta depressão, anime sua vida com essa música que soa otimista.
“White Pony” foi a mistura perfeita das duas principais características do estilo Deftones : a emoção extrema e a força explosiva de seus ritmos. Porém, a mistura é ótima considerando que tem rap metal em "Elite", tem outras com bastante clima como "Knife Party", tem músicas longas e calmas como "Passenger" (uma das melhores músicas deles, sem dúvida) ou os mais de 7 minutos de “Pink Maggit” (fundamental). “White Pony” é um álbum que não cabe em nenhum estilo. Foi um divisor de águas na carreira da banda e até dividiu os fãs. Neste álbum o grupo demonstra plenamente a sua validade a nível composicional e artístico e justifica a sua categoria como banda influente para toda a corrente do rock que viria a partir de 2000.
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Caetano Veloso
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