Por que você deve ouvir os Estados Unidos da América?

 Os Estados Unidos da América - 'Os Estados Unidos da América'

(1968, Columbia Records)

Os Estados Unidos da América foi uma banda que durou apenas entre 1967 e 1968, mas o seu álbum auto-intitulado continua a ser destacado e analisado, dada a ousadia, inovação e vanguarda da época, uma vez que géneros musicais como a psicodelia e o progressivo já estavam lançando as bases para seu desenvolvimento posterior, mas o grupo superaria todas as paredes para criar um álbum que desafiaria tudo o que foi proposto e que ainda hoje continua a soar diferente de qualquer trabalho anterior ou posterior.

Quem são os Estados Unidos da América?

Para entender a sonoridade e as influências do único disco do grupo nascido em Los Angeles, é preciso mergulhar na história de seu líder e principal compositor: Joseph Byrd . Ele era musicólogo, estudou música e composição na Universidade do Arizona e também fez pós-graduação no mesmo assunto em Berkeley, na Universidade da Califórnia. Depois disso, ele se mudaria para Nova York para trabalhar e aprender com dois compositores: Morton Feldman e John Cage , que se destacaram como figuras e acadêmicos que desenvolveram seu trabalho em torno da música eletrônica e do minimalismo, além de serem influenciados por outro músico que Karlheinz Stockhausen estava experimentando na Alemanha . Seria nesse contexto que Byrdele conhece outro membro do futuro grupo: Dorothy Moskowitz com quem eles trabalham na Capitol Records em diferentes projetos.

No final de 1963, Byrd e Moskowitz partiram para Los Angeles, onde o primeiro desenvolveria uma prolífica carreira artística na cidade da Costa Oeste, além de cursar doutorado em Etnomusicologia onde abordou disciplinas como história da música, acústica, psicologia de música e música indiana na UCLA, ele ficaria até 1967, ano em que decidiu formar seu grupo.

Para financiar a banda, ele se aproximou de Art Kunkin , jornalista e fundador do Los Angeles Free Press abertamente radical e liberal , onde escreveu anos antes. Os objetivos de Byrd eram principalmente criar um "grupo de rock político/musical de vanguarda combinando sons eletrônicos, radicalismo e performance". E é que para entender essa afirmação, é preciso entender que o musicólogo se aproximou do comunismo e de seus representantes desde sua chegada a Los Angeles.

Antes da gravação de seu único trabalho, o grupo teve uma primeira formação que não durou muito. No final, a formação que lançou o único álbum da banda foi Joseph Byrd (teclados, efeitos eletrônicos, cravo, órgão, calíope, piano e vocais), Dorothy Moskowitz (vocais), Gordon Marron (violino elétrico, modulador de anel, vocais) . ) Rand Forbes (baixo elétrico) e Craig Woodson (bateria elétrica e percussão).

A banda experimentou usar o modulador de anel, um dispositivo eletrônico que recebe dois sinais e como saída gera a soma e diferença das frequências dos sinais recebidos, alterando completamente a nota do instrumento ou da voz . Além disso , eles usaram molas nos pratos de bateria para produzir sons aleatórios para serem incluídos nas gravações. Além disso, Gordon Marron acrescentou ao seu violino um modelo de pedais do tipo “divisor de oitava” que aumentam ou diminuem o sinal de entrada em uma oitava .

Quanto ao gênero que eles atribuíram, Byrd foi muito claro em uma entrevista de 2013 para a revista It's Psychedelic Baby: “Minha influência foi o jazz. Primeiro Duke Ellington, depois Stan Kenton, depois o jazz da Costa Oeste que os músicos de jazz "sérios" desprezavam (...) Estávamos cientes de que estávamos entrando no rock sem nenhum conhecimento ou experiência real . Durante a nossa formação tocamos John Cage, Karlheinz Stockhausen, música africana e indiana e pensámos que poderíamos trazer tudo isto para o rock , mas não sabíamos quase nada sobre as raízes do rock 'n roll”.

A primeira demo da banda garantiu-lhes um contrato com a Columbia, graças a um amigo de Byrd , David Rubinson , que havia começado a trabalhar na gravadora, despertando o interesse do produtor Clive Davis, um dos atuais executivos da Sony Music Entertainment que contratou talentos como Janis Joplin, Santana, Bruce Springsteen, Pink Floyd , entre outros.

Para a gravação do álbum, o orçamento foi muito curto. Um sintetizador Moog da época custava mais de US$ 20.000 para ser obtido, então, usando seu conhecimento de produção de música eletrônica, Byrd usou três geradores de ondas um contra o outro para criar os sons que ele queria. para gerar os sons que esperavam obter.

Da mesma forma, Byrd introduziu temas políticos em suas letras, sendo ' Love Song for the Dead Ché ' o mais explícito nesse sentido. A Columbia Records queria que ele mudasse o nome da música, mas ele recusou, acredita-se que as ideias do líder da banda influenciaram o pouco interesse do produtor na divulgação e promoção do álbum.

Por outro lado, Byrd se interessou muito pela música americana desde o início do século 20, então essas influências estão muito presentes, como no uso do calíope, instrumento musical que, por meio do fluxo de vapor através de diferentes apitos , produz som, como uma velha locomotiva.

O único trabalho da banda

O trabalho lançado em 1968 começa com " The American Metaphysical Circus ", faixa que mistura a fanfarra americana do início do século 20, usando o Calliope, para depois mudar e dar lugar à voz distorcida de Moskowitz junto com os sons eletrônicos gerados pelos geradores de ondas do Byrd , os efeitos sobrecarregaram violino e bateria, criando uma aura psicodélica que se complementa com letras que falam de dor e prazer, de sonhos induzidos, onde a frase “ E o preço é justo. O custo de uma admissão é a sua mente ” é o que é usado como refrão. No final voltamos para a fanfarra e calíope que se desvanecem para dar lugar à próxima música.

Na segunda composição encontramos algo totalmente diferente da primeira composição: “ Hard Coming Love ”, uma peça que é muito mais rock. Ao fundo, ele continua com os experimentos sonoros, com um baixo potente e bem funky . Existe um instrumento que não difere se é um violino ou um violão passado pelo modulador , que soa bem agressivo e será ouvido ao longo da música, o que às vezes deixa espaço para Byrd brincar com seus experimentos, acompanhado pelo inteligível distorcido instrumento, sendo uma composição que vai de um clássico rock-blues , a um experimental cheio de sons cuja origem é desconhecida, terminando com este violão ou violino distorcido, além de efeitos e sons no máximo com a voz de Moskowitz dizendo “ Hard Coming Love ”.

“ Cloud Song ” é uma música muito melódica, que usa a voz de Moskowitz , o violino, alguma percussão de fundo e um cravo, instrumento que tem a forma de um piano, mas em sua mecânica interna, por meio de cordas tensionadas, produz o som de uma harpa, que adquire destaque. Todos os três passam por distorções não tão profundas, criando uma passagem etérea que soa influenciada pela música indiana. Podemos ver que o grupo não tem limites na hora de adicionar mais texturas e variáveis ​​aos sons de suas composições ignorando algum tipo de barreira criativa .

Em “ The Garden of Earthly Delights ”, soa algo como um pulso contínuo que se desvanece e aparece em diferentes seções da faixa, além de Moskowitz que é claro e sólido. Além disso, temos um baixo persistente que combina perfeitamente com a bateria. Nesse sentido, vale a pena notar que Byrd mostra um talento especial para usar sons eletrônicos de uma forma que os incorpora totalmente e nunca parece forçado ou artificial.

Influenciado pela música americana do início do século XX, surge “ I Won’t Leave My Wooden Wife for You, Sugar ”, que tem duas partes, uma como uma espécie de blues que incorpora instrumentos de cordas, um efeito sonoro que enriquecem e acompanham, especialmente no solo de violino de Marron, bem como algumas percussões que soam como panelas e frigideiras. Pela primeira vez não ouvimos Moskowitz, mas o próprio Byrd cantando letras humorísticas, mas mordazes, sobre infidelidade , como fez Frank Zappa , aquele que criticou Byrd publicamente e vice-versa.. A segunda parte é uma marcha que soa sozinha, sem outros aditivos, tocada por Don Ellis em seu trompete como uma espécie de canção patriótica com um subtexto irônico.

Na sexta faixa encontramos a experimental “ Where is Yesterday ” que abre com uma espécie de canto gregoriano, que nada mais é do que as vozes da banda distorcidas com um órgão e o violino modificado, para dar lugar à voz de Marron . , acompanhado por Moskowitz e alguma percussão, além de diferentes efeitos de fundo. E é que a carta parece ser um reflexo da passagem do tempo e do passado que ficou para trás. O melhor do álbum, o uso de diferentes instrumentos, pois as camadas e texturas são acopladas e mescladas para fazer desta uma peça que pode ser ouvida repetidas vezes.

“ Coming Down ” é uma combinação frenética de baixo, violino, bateria, e cada um é enriquecido por efeitos e distorções que o tornam inovador. E é que os Estados Unidos da América, nesta obra, tem a capacidade de transitar por diferentes registos e espaços, passando de temas reflexivos e lentos, para depois estar em composições aceleradas como esta.

No final do tema com o violino escuro e a voz de Moskowitz , perde-se e funde-se para abrir “ Love Song for the Dead Ché ”, a letra mais política e declarativa de Byrd , mas a mais limpa. Sin efectos, dedicada obviamente a Ernesto Ché Guevara, que había sido fusilado en 1967. El tema es una balada hermosa con el violín, el órgano, algunas percusiones muy bajas de fondo y la melosa voz de Moskowitz que hacen de esta canción un oasis en o deserto. Depois de tanto rock, eletrônico e avant-garde, este pode parecer deslocado, mas pelo contrário, não se choca, mas complementa o álbum.

No penúltimo tema temos “ Stranded in Time ” uma peça que lembra imediatamente os Beatles em “ Eleanor Rigby ” por causa dos violinos e da voz, que soam solo, onde Marron canta, que continua sozinho até que uma bateria forte seja introduzida. e órgãos distorcidos com uma aura muito psicodélica como um vale que depois termina e retorna à seção de cordas. Apenas um 1:50, não se estende desnecessariamente.

Finalizamos com o ambicioso “ The American Way of Love ” onde o grupo libera todo o seu gênio criativo, mais se Byrd teve algum efeito e distorção para ocupar, aqui ocupa tudo . Para começar, começamos com um ritmo de rock da época, também muito ad hoc para aquele gênero, que mais tarde é transformado pelo solo de violino distorcido junto com a bateria e o baixo que soam poderosos, mas que depois de um tempo desaparecem com os sons A eletrônica de Byrd e o violino fortemente modificado que toca uma nota até que ela desapareça, então abre uma espécie de canto doo-woopde pouco menos de um minuto continuando com a bateria, músicas estridentes, um fundo distorcido e uma colagem de diferentes seções das músicas anteriores e outros instrumentos aleatórios que vão e voltam por vários minutos até o final que se fecha com a fanfarra e calíope de o começo com Byrd dizendo “ Como foi divertido ” várias vezes.Totalmente psicodélico!

O álbum é um amálgama que não é coxo nem fraco, pelo contrário, tem muito a se destacar, sendo em primeiro lugar a criatividade de seus integrantes, além da ousadia pelos arranjos e pelas diferentes camadas que foram acrescentadas. ao fato de como este trabalho se move por vários gêneros.

O fim da banda e seu legado

Este álbum foi o início e o fim da banda, que não teve continuidade devido a problemas internos e confrontos de egos, além do pouco interesse da Columbia em divulgar o grupo. Byrd saiu quando os outros membros começaram a se inclinar para algo mais comercial , além de rumores que circulavam de que a gravadora queria promover a carreira solo de Dorothy Moskowitz . No entanto, este último negou em várias entrevistas posteriores, além de falar das "lutas de poder" internas. Byrd reconheceria que "a ideia era criar uma experiência radical, mas não deu certo (...) Juntei muitas personalidades e se uma banda quer ter sucesso precisa de uma identidade única e mutuamente aceitável".

Em 1968 Moskowitz e o produtor David Rubinson tentaram manter o grupo vivo e com novos membros gravaram novo material que foi adicionado na reedição de 2004, bem como músicas inéditas compostas por Byrd que não foram incluídas em 1968.

De acordo com Joseph Byrd, seu erro foi “criar uma banda de rock sem músicos de rock foi uma má decisão da minha parte. Ainda assim, considerando-me o compositor mais eclético do planeta, eu tinha certeza de que tudo o que os outros não pudessem fazer, eu poderia escrever."

Mas se você me perguntar, acho que não foi uma decisão ruim, é mais que eles criaram um material único que se destaca por ser eclético, vanguardista, mas acima de tudo experimental. O rock, embora esteja lá, é um adorno, tanto pelo rótulo quanto pela quantidade e qualidade do material mais rock da chapa única dos Estados Unidos da América. O álbum não pode ser enquadrado em um único gênero, mas este por sua vez não busca ser algo assim, algo fácil de rotular ou rotular e que o torna ainda mais atraente.