‘There Goes Rhymin’ de Paul Simon: melodias americanas

Facebook

No outono de 1972, impulsionado pelo sucesso de seu primeiro álbum pós-Simon and Garfunkel e seus singles de sucesso “Mother and Child Reunion” e “Me and Julio Down By the Schoolyard”, Paul Simon estava pronto para gravar o LP seguinte com seu antigo e confiável produtor-engenheiro Roy Halee. Eles já haviam co-produzido uma faixa chamada “Tenderness”, gravada na cidade de Nova York uma semana depois que a esposa de Simon, Peggy, deu à luz seu filho Harper. Simon escolheu os músicos de sessão de Nova York e conseguiu um arranjo de sopro da lenda de Nova Orleans, Allen Toussaint. Ele também trouxe o enraizado Dixie Hummingbirds para fazer backing vocal. Simon estava preparado para estender seu interesse por gospel, jazz, reggae, ritmos latinos, R&B e doo-wop para o resto do LP.

Mas Halee estava atolado em terminar outro projeto, o que irritou Simon sem parar, especialmente quando ele descobriu que o obstáculo era seu velho amigo e inimigo Art Garfunkel. “Fui pego no meio”, disse Halee a Robert Hilburn, biógrafo de Simon. “Se eu soubesse que o álbum de Art [ Angel Clare ] demoraria tanto, nunca teria concordado em fazê-lo. Paul era aquele com quem eu queria trabalhar. Mas agora que comecei o álbum, me senti obrigado.”

Simon voltou-se para outro engenheiro especialista que virou produtor, Phil Ramone, que também tinha um grande alcance, tendo trabalhado com Peter, Paul & Mary, Quincy Jones, The Band, Dusty Springfield, Frank Sinatra e muitos outros, ganhando Grammys por projetar o Fusão de jazz brasileiro-americano de Getz/Gilberto em 1965 e a gravação do elenco original da Broadway de Promises, Promises, de Burt Bacharach , em 1970.

Simon ficou entusiasmado ao ouvir o hit dos Staple Singers "I'll Take You There" na primavera de 1972 e queria gravar com os músicos de apoio do disco, que ele presumiu serem afro-americanos de Memphis, onde os Staples ' rótulo Stax notoriamente operado. Em vez disso, ele foi dirigido por Al Bell da Stax para o Muscle Shoals Sound Studio na zona rural do Alabama, onde os jovens brancos inicialmente apelidados de “os Swampers” (e agora conhecidos pelo nome mais profissional de Muscle Shoals Rhythm Section) estavam localizados. Eram os jogadores que Simon queria.

O tecladista Barry Beckett, o baterista Roger Hawkins, o baixista David Hood e os guitarristas Pete Carr e Jimmy Johnson haviam trabalhado com Aretha Franklin, Percy Sledge, Wilson Pickett, Rolling Stones e um zilhão de outros, e eram conhecidos como estudos rápidos, adaptáveis ​​a qualquer situação. Quando Simon quis que o estúdio fosse reservado por alguns dias para gravar uma nova música chamada “Take Me to the Mardi Gras”, os caras lhe disseram que estavam acostumados a nocautear qualquer música em uma hora. Eles estavam sendo modestos - eles acertaram a alegre e leve faixa de fundo do reggae em 30 minutos, depois de ouvir o instrumental jamaicano “Liquidator” pouco antes da gravação da fita. “Paul ficou pasmo por termos levado tão pouco tempo para entender o ritmo e a atitude da música”, disse Beckett mais tarde. “Paul aposta na atitude, depois no groove, depois na cor, e pegamos todos esses ingredientes muito rápido.

Simon é muitas vezes elogiado com razão por suas letras, mas ao longo de sua carreira ele tem muito mais probabilidade de começar a compor com uma ideia melódica ou rítmica e preencher as palavras mais tarde. Outra música nova que Simon trouxe para Muscle Shoals começou com um fragmento de melodia junto com a frase temporária “indo para casa”. A busca por um melhor equivalente rítmico, algo que pudesse evitar clichês, o levou a “Kodachrome”, a marca do filme colorido de Eastman Kodak. As imagens da infância e do ensino médio sugeridas por “ir para casa” se transformaram em uma meditação poética sobre como nossas memórias “colorem” o passado e como a tecnologia o “exagera”: “Kodachrome/Eles nos dão aquelas belas cores vivas/Eles nos dão o verde do verão/Faz você pensar que o mundo inteiro é um dia ensolarado.”

“Kodachrome”, que a seção rítmica tocou logo após “Take Me to the Mardi Gras”, começa com uma das aberturas mais sardônicas de Simon (“Quando penso em todas as porcarias que aprendi no colégio/É uma maravilha poder pense em tudo”) e depende mais uma vez da leveza do piano elétrico de Beckett, da bateria reggae-ish de Hawkins e da interação do violão de Simon com Johnson e Carr.

Simon ficou tão emocionado com as contribuições da Seção Rítmica que deu a eles crédito de co-produtor nesses dois mais “St. Judy's Comet", "One Man's Ceiling is Another Man's Floor" e "Loves Me Like a Rock", todas gravadas quando Simon voltou a Muscle Shoals em março de 1973.

Ele também gravou parte de "Was a Sunny Day" lá, mas sem os Swampers tocando (ele trouxe parte da equipe de Nova York para o sul). Supervisionando overdubs na Columbia e A&R Studios em Nova York, Simon e Ramone adicionaram meticulosamente pequenos, mas cruciais toques nas faixas básicas. Ao todo, quase 30 músicos participaram, incluindo o baixista Bob Cranshaw, o baterista Grady Tate, o tecladista Bob James e as irmãs cantoras Maggie e Terre Roche (que aprenderam composição com Simon em uma aula que ele deu na NYU).

“St. Judy's Comet” é uma canção de ninar para Harper (não há nenhum cometa envolvido, Simon recebendo o título do baterista da banda zydeco de Clifton Chenier, Robert St. Judy), e mostra a maneira hábil de Simon de mostrar humor mesmo dentro de melodias dolorosamente ternas (“I 'vou cantar mais três vezes/Vou ficar até que sua resistência seja superada/Porque se eu não conseguir cantar meu filho para dormir/Bem, isso faz seu pai famoso parecer tão burro').

“One Man's Ceiling is Another Man's Floor” começa com uma cativante linha descendente de piano de Beckett, então se transforma em um groove funky e blues, Simon se divertindo declamando suas letras em uma variedade de vozes. No momento em que atinge a ponte total (“Há um beco nos fundos do meu prédio / Onde algumas pessoas se reúnem com vergonha”), as raízes melódicas da música em “St. James Infirmary” são claras.

“Learn How to Fall”, gravado em outro marco histórico do R&B, o Malaco Recording Studios em Jackson, Miss.

“Something So Right”, gravada em Nova York antes das sessões de Muscle Shoals, começou como “Let Me Live In Your City” (Simon a havia tocado no programa de TV de Dick Cavett em julho de 1972), mas em There Goes Rhymin' Simon concentra-se completamente no relacionamento de Simon com sua esposa. Ele contém uma série crua de confissões, tão poderosas quanto as letras autobiográficas de Simon para "I Am a Rock", "Kathy's Song" ou "Homeward Bound". Ele canta: “Eu estava em movimento louco/Até você me acalmar”, “Quando algo dá certo/É provável que me perca/É capaz de me confundir/É uma visão tão incomum/Não consigo me acostumar com algo tão certo” e “Eu tenho uma parede ao meu redor/Que você nem consegue ver.” Simon contratou Quincy Jones para o arranjo de cordas, e de alguma forma ecoa e amortece a doce ambivalência da letra.

Em um álbum cheio de tesouros, “American Tune” ainda se destaca, e só ganhou ressonância desde que Simon escreveu a letra como “minha canção dolorido perdedor de Nixon”, colocando-a em uma linha melódica de um coral em “St. Matthew Passion” de JS Bach. Ironicamente gravado no Morgan Studios em Londres, traz Simon na guitarra com James, Cranshaw e Tate como apoio, com um arranjo de cordas de Del Newman. Olhando para trás em 2017, Simon disse a Hilburn: “Eu estava escrevendo sobre o que senti ser o fim das crenças dos anos 60 - aquele idealismo ... Tenho certeza de que estava ciente da ironia de ser tão exagerado para chamar uma música de 'América' - como se você pudesse encerrar o país em uma música - então chamar a nova música de 'melodia' em vez de 'canção' tem o efeito oposto. A música é tão espiritual quanto “Bridge Over Troubled Water”, mas é mais rígida e modesta em sua abordagem.

A letra é brutalmente honesta nos versos (“Não conheço alma que não tenha sido espancada/Não tenho amigo que se sinta à vontade”) e surreal na ponte (“E eu sonhei que estava voando/E bem acima dos meus olhos pude ver claramente/A Estátua da Liberdade navegando para o mar”). No final, seu vocal delicadamente controlado afirma claramente seu papel simples como compositor entre concidadãos: “Chegamos na hora mais incerta da era/E cantamos uma música americana/Mas está tudo bem, está tudo bem/Não podemos ser para sempre abençoado/Ainda assim, amanhã vai ser outro dia de trabalho/E estou tentando descansar um pouco.” Como muitos originais de Paul Simon, a música não tem refrão repetido.

There Goes Rhymin' Simon , lançado em 5 de maio de 1973, foi um enorme sucesso, alcançando a posição #2 na parada de álbuns da Billboard ( Living In the Material World, de George Harrison , venceu em #1). O álbum gerou seis singles pop, os dois primeiros quase no topo da Billboard Hot 100 : “Kodachrome” e “Loves Me Like a Rock” ambos chegaram ao segundo lugar, superados apenas por “Will It Go Round in Circles” de Billy Preston e “Half” de Cher. - Raça." O álbum ganhou disco de platina várias vezes; em 2004, uma reedição expandida do CD incluiu demos interessantes de "Let Me Live in Your City", "Take Me to the Mardi Gras", "American Tune" e "Loves Me Like a Rock".

A continuação de Simon, Still Crazy After All These Years , continuou sua seqüência de vitórias, mas foi feita em circunstâncias mais turbulentas, quando ele e Peggy se divorciaram e o escândalo Watergate finalmente levou à renúncia de Nixon em agosto de 1974. Simon fez música vital e desafiadora em um variedade de estilos nas últimas quatro décadas, e perseguiu uma série de empreendimentos filantrópicos, raramente fora dos holofotes. No momento em que escrevo, ele ganhou 16 Grammys, foi introduzido no Hall da Fama do Rock and Roll e continua a fazer álbuns excelentes, embora, ao contrário de seu único rival sério em composição ainda ativo, Bob Dylan, ele finalmente desistiu das incessantes turnês de concertos. em 2018. Não chame Paul Simon de "aposentado" - como ele disse: "Adoro fazer música e minha voz ainda é forte".