MUSICA&SOM: Crítica ao disco de Dream Theater

Dream Theater - 'Distance Over Time' (2019)

(22 fevereiro 2019, InsideOut Music)

O grande evento de hoje é o comentário sobre o álbum da veterana banda americana DREAM THEATER , campeã histórica e ainda atual força da cena prog-metal mundial. Estamos nos referindo a 'Distância ao longo do tempo', seu novo álbum que foi lançado em 22 de fevereiro deste ano de 2019 pela gravadora Inside Out Music: o álbum em questão foi produzido por John Petrucci. O quinteto preserva firmemente a formação de Petrucci nas guitarras, James LaBrie nos vocais, John Myung no baixo, Jordan Rudess nos teclados e Mike Mangini na bateria e percussão. O local de gravação das músicas contidas em "Distance Over Time" foi uma cabana no interior de Monticello, Nova York, utilizando-a entre os meses de junho e setembro do ano de 2018. A ideia de se dedicar à gestação de um novo álbum depois de experimentar as narrativas teatrais e ambiciosas com a ópera-rock “The Astonishing” teve que ser seguido por uma estratégia de trabalho criativo diferente, e a decisão do grupo foi isolar-se em um local rural para criar a nova música em uma atmosfera de isolamento descontraído com muitos canais de comunicação entre os cinco membros, concentrando-se no rock enquanto redescobria a mentalidade progressiva que marcou vários dos grandes momentos. momentos inesquecíveis da longa carreira do DREAM THEATER.* O álbum teve uma recepção muito boa nas redes onde não só os críticos escrevem, mas também os fãs nos bons e maus momentos. Neste mesmo blog, demos as boas-vindas ao álbum duplo “The Astonishing”, mas é sincero admitir que foi uma obra que também conseguiu saturar porque nalgumas partes foi vítima das suas próprias ambições teatrais; por contraste, “Distance Over Time” contém um repertório onde tudo flui naturalmente sem ficar saturado em seus trechos mais agudos ou se perder em seus trechos mais suaves. Evocando o monólogo de Hamlet sobre a vaidade da vida com a caveira de Yorick, a arte da capa foi feita pelo colaborador constante da banda, Hugh Syme: a aparência robótica da mão sugere uma variante da meditação shakespeariana em que agora a questão é como prevenir a essência da o ser humano de se tornar algo vão em meio à crescente industrialização de nosso mundo atual. Bom, vamos aos detalhes das músicas incluídas neste álbum: 9 em sua edição oficial, com uma faixa bônus na edição especial. foi feito pelo colaborador constante da banda, Hugh Syme: o visual robótico da mão sugere uma variação da meditação shakespeariana, pois a questão agora é como evitar que a essência do ser humano se torne vã em meio à crescente industrialização de nosso mundo atual . Bom, vamos aos detalhes das músicas incluídas neste álbum: 9 em sua edição oficial, com uma faixa bônus na edição especial. foi feito pelo colaborador constante da banda, Hugh Syme: o visual robótico da mão sugere uma variação da meditação shakespeariana, pois a questão agora é como evitar que a essência do ser humano se torne vã em meio à crescente industrialização de nosso mundo atual . Bom, vamos aos detalhes das músicas incluídas neste álbum: 9 em sua edição oficial, com uma faixa bônus na edição especial.

Com quase 6 ¼ minutos de duração, 'Untethered Angel' abre o álbum exibindo um punch atraente com uma correta engenharia do metal e com um uso controlado de alarido progressivo ao longo de seu desenvolvimento temático. Depois de uma calma introdução de escalas de guitarra, emerge todo o estilhaço sistemático do conjunto. Claramente, seu gancho de rock direto a tornou a música escolhida para o primeiro single promocional do álbum, mostrando seu domínio de uma engenharia rítmica razoavelmente sofisticada que não parece avassaladora. Em seguida, segue 'Paralyzed', uma peça projetada para enquadrar o golpe de metal mais direto da banda, que faz bom uso do intervalo instalado por Mangini para exibir um ar de solenidade enquanto o motivo central toma conta. Quando é hora de 'Fall Into The Light', o grupo começa a nos revelar as dimensões mais luxuosas desse repertório: aproveita bem seu espaço de 7 minutos e pouco, e ainda, tem letras de Myung. O primeiro verso é simplesmente ótimo: “Escrito na água, as memórias se dissipam. / Os olhos começam a se abrir, a escuridão se afasta. / O tempo e o espaço como rosas, cujas pétalas caem e murcham / E caem na luz como se sonha com o ontem.” Parando no estritamente musical, notamos de imediato que existe uma ligação essencial com os modelos de "Images And Words", "Octavarium" e "A Dramatic Turn Of Events" tanto na brilhante estilização dos diálogos entre os instrumentos como na a predominância patente de um humor sinfônico, algo que acontece no seu mais alto nível de notoriedade na irrupção de um belo interlúdio solene sobre a barreira dos três minutos e um quarto. A partir daqui, cria-se uma aura majestosa com uma presença bem calculada que mais tarde projetará um regresso final ao motivo inicial com uma dose extra de senhorio, incluindo um dos melhores solos de sintetizador do álbum. Um zênite inquestionável do álbum! 'Barstool Warrior' segue em parte o caminho da imponência sinfónica dentro do paradigma prog-metal, algo muito ostentoso e cativante desde o início, um grande prólogo instrumental. A letra, centrada na calamidade experiencial de um alcoólatra devido ao ambiente de estranhamento fatal que ele cria em torno de seus seres mais próximos.

A quinta faixa do álbum intitula-se 'Room 137' e o seu esquema geral estabelece um groove ligeiramente mais hard-core do que o da canção anterior, embora tal como aconteceu com as duas primeiras canções do álbum, sem recorrer a um andamento furioso. . Alguns recursos eletrônicos no teclado e no tratamento da voz lembram um pouco os últimos discos do DREAM THEATER com Portnoy, mas aqui a potencial suntuosidade é levada por caminhos bem controlados. Curiosamente, a letra dessa música foi feita por Mangini. 'S2N' – outra música com letra de Myung – faz uso de passagens sonoras espetaculares em certos momentos estratégicos e, de fato, exibe uma espiritualidade mais extrovertida e mal-humorada do que qualquer uma das três músicas anteriores. O vitalismo sofisticado de sua complexa engenharia rítmica e os impetuosos estilos barrocos usados por Rudess e Petrucci fazem com que os momentos mais rudes não apelem para a crueza pura e dura. Citamos o parágrafo final: “Sinal para ruído define o motivo. / O mundo continua girando enquanto nós travamos a roda. / Nossas feridas começam a cicatrizar. / A tagarelice desaparece e a mensagem é revelada.” O solo de guitarra dominante antes do refrão final exala uma fúria erudita que remonta a um híbrido STEVE VAI/JOE SATRIANI, enquanto o solo de sintetizador final mostra Rudess em um novo estado de inspiração hiperbórea. As próximas duas músicas, intituladas respectivamente 'At Wit's End' e 'Out Of Reach', têm letras de LaBrie, com a primeira delas rodando pouco mais de 9 ¼ minutos, tornando-se a faixa mais longa do álbum. 'At Wit's End', cujas letras são inspiradas no perpétuo drama interior sofrido por mulheres vítimas de abuso sexual e que afeta todos os aspectos de suas vidas adultas, exibe uma das erupções de metal mais avassaladoras de todo o álbum durante suas seções mais temperadas. A letra é efetivamente comovente e citamos aqui o segundo movimento: “Você sente que estou pedindo muito de você, mas não consegue desistir. / O medo gera o ódio e sua apatia, vazio e oco. / Você perdeu a cara, não tem como passar. / Por que me fechar? / Frenético, perturbado, cheio de miséria, não consigo entender.” No meio do caminho, tudo se acalma para abrir caminho para um interlúdio introspectivo, que serve como LaBrie dando a ela um toque vulnerável após a assertividade agonizante que antes era dominante. Desta forma, a segunda metade da música se estabelece em um ritmo constante baseado nas bases harmônicas do piano e nos inquietos solos de guitarra, a caminho de seu fade-out emocional. Outro zênite do disco.

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Quanto a ''Out Of Reach', temos aqui uma balada estupenda onde os teclados ocupam o papel central dentro da primeira instância da amálgama instrumental. Uma vez que o bloqueio total dos instrumentistas entra em ação, a música adquire um domínio maior, mas sem distorcer ou superar a tragédia inerente à letra, a história de uma alma prestes a se perder no vazio, mas ainda pode se agarrar à força que tem. partiu para sair de seu abismo ameaçador. 'Pale Blue Dot', que ocupa um espaço generoso de mais de 8 ¼ minutos, fecha o repertório oficial de “Distance Over Time” com uma pomposidade absorvente e vitalista que segue o caminho iniciado por 'Fall Into The Light' para levá-lo rumo uma dimensão mais opulenta e labiríntica. Às vezes, nos lembra as seções mais complexas daquela inesquecível suíte 'Octavarium', e como um todo, nos lembra as árias de família com os momentos mais esplêndidos de seus álbuns de 1992 e 1999 (precisamos dizer seus títulos?). O final da letra de Petrucci contém este grito humanista: “Deuses criadores, destruidores de sonhos, / Buscadores de conhecimento e exploradores ousados, / Filhos, mães e pais esperançosos, / Fora deste lugar que chamamos de lar. / À deriva no espaço, estamos sozinhos, / Mas quem está lá fora para nos salvar de nós mesmos?” Desenhado para ser um destaque do disco, ele faz o trabalho com sucesso, mas ainda tem a faixa bônus, que se chama 'Viper King' e tem letra de LaBrie. A sua forma de combinar um swing marcante e o peso do metal com uma aura de distinção remete-nos para uma encruzilhada entre RAINBOW, o DEEP PURPLE dos anos 80 e início dos anos 90 e o projeto LaBrie MULLMUZZLER. Apesar de gostarmos bastante das duas primeiras músicas deste álbum, achamos que poderia muito bem substituir qualquer uma delas, e até se tornar um single promocional; exala um gancho monumental através de sua duração de mergulho de quatro minutos. Em suma, só podemos fazer um balanço final muito positivo neste novo álbum dos DREAM THEATER, um trabalho que nos mostra que os membros não nos estavam a enganar (ou a enganarem-se a si próprios) quando diziam que a abordagem musical e composicional de " Distance Over Time” foi o de um retorno ao núcleo essencial de seu legado ainda atual. Aqui temos uma grande amostra do ofício e da expertise que o quinteto tem na hora de criar um prog-metal bombástico, meticulosamente melódico e com um uso elegante da força viva do rock característico do gênero: uma força recuperada por sua essência vital. Aqui a pegada de “A Dramatic Turn Of Events” foi fielmente seguida mas com maior dose de frescura, aqui a magnificência melódica da ópera-rock “The Astonishing” perseverou sem cair nos seus excessos. Um álbum muito bom que por várias razões pode ser considerado o melhor que fizeram desde “Octavarium” numa final de fotografia com o já referido “A Dramatic Turn Of Events”. aqui eles perseveraram na magnificência melódica da ópera-rock “The Astonishing”, mas sem cair em seus excessos. Um álbum muito bom que por várias razões pode ser considerado o melhor que fizeram desde “Octavarium” numa final de fotografia com o já referido “A Dramatic Turn Of Events”. aqui eles perseveraram na magnificência melódica da ópera-rock “The Astonishing”, mas sem cair em seus excessos. Um álbum muito bom que por várias razões pode ser considerado o melhor que fizeram desde “Octavarium” numa final de fotografia com o já referido “A Dramatic Turn Of Events”.