As escolhas do abaixo-assinado para os melhores discos de 1989.
- Steve Reich: Different Trains / Electric Counterpoint (US) ****½
- Peter Gabriel: Passion (UK) ****½
- Bob Dylan: Oh Mercy (US) ****½
- Magma: Mekanïk Kommandöh (FR) ****
- Thinking Plague: In This Life (US) ****
- Anderson Bruford Wakeman Howe: s/t (UK) ****
- John Williams: Indiana Jones and the Last Crusade (US) ****
- Allan Holdsworth: Secrets (UK) ****
- Miles Davis: Aura (US) ****
- The Work: Rubber Cage (UK) ****
1. Steve Reich: Different Trains / Electric Counterpoint
A chamada música minimalista nasceu no início dos anos 1960 nos EUA. É caracterizado pela repetição e uma linguagem tonal rítmica, melódica e harmônica deliberadamente simplificada. A música minimalista foi, de certa forma, uma reação à tendência cada vez mais complexa e complexa da música artística atonal e serial representada por Arnold Schönberg.
Os quatro principais compositores da tendência minimalista em seus primórdios foram La Monte Young, Terry Riley, Philip Glass e Steve Reich . Depois de um começo difícil, os dois últimos se tornaram as novas estrelas da música artística. Enquanto a música de Glass foi gradualmente se tornando cada vez maior, Reich permaneceu mais fiel à ideia do minimalismo...
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****½
2. Peter Gabriel: Passion
Na virada dos anos 60/70, Peter Gabriel chamou a atenção dos garimpeiros como um cara que conta e canta histórias estranhas durante a música tortuosa do Genesis . Naquela época, Gabriel conseguia chocar até mesmo seus companheiros de banda ao usar inesperadamente um vestido vermelho e uma capa de raposa quando subia ao palco. Em pouco tempo, Genesis se revelou um ambiente muito restritivo para Gabriel, que sempre segue seu próprio caminho, e deixou a bandaapós The Lamb Lies Down On Broadway (1974).
No final da década de 70, Gabriel iniciou lentamente sua carreira solo. Seus primeiros quatro álbuns estavam cheios de rock artístico original e muitas vezes muito inovador. Eles eram apreciados pela imprensa musical e pelos entusiastas da música, mas não eram a música de toda a nação; em vez disso, Gabriel poderia ter sido descrito principalmente como um artista cult com um perfil relativamente alto.
Tudo isso finalmente mudou em 1986…
****½
3. Bob Dylan: Oh Mercy
Oh Mercy é o 26º álbum de estúdio de Bob Dylan .
Bob Dylan (n. 1941), que lançou seu primeiro álbum solo em 1962, é sem dúvida um dos compositores mais respeitados do mundo. A fase historicamente mais significativa de Dylan, que até recebeu o Prêmio Nobel de Literatura por suas letras, é provavelmente a dos anos 1963-1966, quando começou a introduzir instrumentos eletrônicos e influências do rock em sua música, para horror de seu antigo público folk. . Naquela época, por ex. os aclamados álbuns Bringing It All Back Home , Highway 61 Revisited e Blonde on Blonde .
Dylan também fez excelentes discos em meados dos anos 70, quando surgiram meus favoritos Blood On The Tracks e Desire , por exemplo . No final dos anos 70, porém, começou o longo declínio de Dylan (coincidentemente, Dylan também descobriu o cristianismo naquela época...) e ele lançou vários álbuns ruins, dos quais Down On The Groove, que apareceu em 1988, é frequentemente considerado o seja o mais fraco .
A continuação de Down On The Groove foi gravada uma vez com o guitarrista do The Rolling Stone, Ronnie Wood , mas Dylan não ficou feliz com o resultado. Dylan decidiu refazer completamente o álbum…
****½
4. Magma: Mekanïk Kommandöh
Mekanïk Destruktïw Kommandöh, lançado em 1973, é provavelmente a gravação mais significativa do Magma, fundado quatro anos antes . Nesse álbum, o baterista Christian Vander usurpou a autoridade do Magma, e o disco deu origem ao estilo "zeuhl" pelo qual a banda ainda é conhecida 50 anos depois.
Contudo , Mekanïk Destruktïw Kommandöh (doravante apenas MDK ), que apareceu nas prateleiras das lojas em 1973 , não foi a primeira vez que Magma tentou gravar sua magnum opus. Aparentemente, uma espécie de versão curta da composição já foi feita por volta de 1971, mas no início de 1973 a peça foi realmente gravada, e foi aí que nasceu esta versão, que estreou apenas em 1989. Reza a história que a gravadora rejeitou essa versão e mandou a banda de volta ao estúdio para aprimorar o trabalho.
A versão MDK conhecida por todos os fãs de Magma é de fato um lançamento muito mais refinado e completo do que este primeiro esforço. A versão chamada Mekanïk Kommandöh é mais despojada e áspera, mas muito emocionante à sua maneira. A brutalidade do álbum tem seu próprio charme.
Em termos de composição, Mekanïk Kommandöh não difere muito da versão do MDK , mas as diferenças estão no arranjo e na orquestração. Os fãs que desempenharam um papel importante no MDK se foram, e em "Mekanïk Kommandöh" a instrumentação é muito parecida com a de Ẁurdah Ïtah (1974), lançado um ano depois, ou seja, bateria, órgão/piano e baixo estão no Centro. E, claro, os vocalistas ( Klaus Blasquiz e Stella Vander nos papéis principais, junto com Vander ), que ocasionalmente são reforçados por um pequeno coral, acariciam na própria linguagem da banda. Infelizmente, o assustador e careca Jannick Top ainda não estava lá, e Mekanïk Kommandöho baixista Jean Pierre Lambert é provavelmente o menos baixista que já tocou no Magma. Um dos aspectos mais agradáveis da versão Mekanïk Kommandöh é que sua instrumentação despojada eleva a requintada bateria de Vander a um papel mais central do que o normal. No entanto, os sons da bateria infelizmente são sem brilho e parecem mortos.
Mais uma diferença notável na versão Mekanïk Kommandöh em termos de estrutura é que o disco começa com um monólogo absolutamente impressionante da fúria apaixonada de Vander, que ele coloca sobre uma introdução atonal de piano - isso não é ouvido na versão MDK . Quase se poderia dizer que o Mekanïk Kommandöh vale o preço só por esse momento! A principal diferença estética é que, enquanto o MDK é indexado em sete partes diferentes, o Mekanïk Kommandöh é um todo de quase 39 minutos.
Mekanïk Kommandöh não pode ser considerada uma compra necessária exceto para os mais apaixonados entusiastas do Magma, pois outros se dão mais do que bem com a versão MDK , mas para quem já conhece a versão definitiva de dentro para fora, Mekanïk Kommandöh oferece uma alternativa muito interessante para ouvir.
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5.Thinking Plague: In This Life
In This Life é o terceiro álbum de estúdio do Thinking Plague .
Thinking Plague é uma banda americana de vanguarda formada em 1982 pelo guitarrista Mike Johnson e pelo multi-instrumentista Bob Drake , e In This Life é seu terceiro álbum de estúdio.
Em In This Life, ao lado de Johnson (guitarra) e Drake (bateria, baixo, violino), Shane Hotle (teclados), Maria Moran (baixo, guitarra), Mark Harris (sopros) e Lawrence Haugseth (clarinete e sintetizador) fazem música . Além disso, há vários visitantes, muitos dos quais tocam instrumentos de sopro.
Estilisticamente, In This Life j retoma naturalmente de onde o álbum anterior da banda, Moonsongs , parou. Embora as influências pós-punk desse álbum sejam em grande parte históricas, Thinking Plague moveu-se mais na direção do rock de câmara de vanguarda. No entanto, as composições ainda são em grande parte construídas em torno das músicas, e In This Life é bastante acessível como vanguardista.
Minhas favoritas das sete composições de 3 a 12 minutos do álbum são "Lycanthrope", "Run Amok" e "Organism".
A longa "Lycanthrope" de sete minutos começa com um violão acústico de som estridente e torto, que logo é acompanhado por um clarinete de som refinado e uma percussão estridente. A atmosfera é como um mercado medieval. Porém, a guitarra elétrica, que usa um bom sustentação, leva seus pensamentos para outro lugar. Sobre a música tocada intensamente paira a voz de Lewis e os vocais deliberadamente sem emoção.
Como você pode imaginar pelo nome, "Run Amok" é uma música muito cativante. É uma miniatura de três minutos em ritmo acelerado que tem tempo para passar por muitas reviravoltas diferentes durante sua duração e me lembra um pouco Art Bears .
Com quase 12 minutos de duração, “Organism” é a parte mais vanguardista do álbum. O ex- guitarrista do Henry Cow, Fred Frith, faz uma aparição especial na introdução atonal da composição, que lembra o início do Univers Zero . Após a introdução de dois minutos, a música torna-se fortemente percussiva por um tempo até que os vocais de Lewis se juntam. Os tambores silenciam e em seu lugar surge uma tabla estrondosa. Depois disso, numerosas seções complexas diferentes seguem até chegarmos a uma estranha seção minimalista de cerca de seis minutos, que é construída quase exclusivamente em percussões persistentes.
Em termos de composição e instrumentação, In This Life é um trabalho forte, mas o lado vocal deixa um pouco a desejar. Os vocais competentes, mas um tanto monótonos, de Lewis são adequados para algumas músicas como "Lycanthrope", mas às vezes seria necessário um cantor muito mais colorido. É fácil imaginar como uma vocalista mais pessoal como Dagmar Krause teria elevado ainda mais o nível das músicas. Especialmente o final do álbum, "Fountain Of All Tears", teria se beneficiado de uma performance vocal um pouco mais animada. No entanto, é a faixa mais fraca do álbum de qualquer maneira.
A versão original em CD de In This Life de Chris Cutler , publicada pela RēR Megacorp, também incluía as longas composições "Moonsongs" e "Possessed" como faixas bônus. Essas músicas estavam no álbum anterior Moonsongs", mas como esse álbum só foi lançado em fita C para um público bastante limitado, a ideia era dar às músicas em questão uma nova chance de encontrar um público. Da reedição Cuneiform de 2015, essas faixas foram retiradas e hoje você pode ouvi-las em formato de CD na compilação Early Plague Years ( 2000).
Após o lançamento de In This Life, Thinking Plague desapareceu por quase dez anos até retornar em 1998 com o grande álbum In Extremis. In This Life foi o último álbum do Thinking Plague em que Bob Drake foi membro oficial da banda. Começando com In Extremis, a banda ficou sob o controle exclusivo de Mike Johnson.
Melhores músicas: "Lycanthrope", "Run Amok", "Organism", "The Guardian"
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6. Anderson Bruford Wakeman Howe: s/t
Em setembro de 1988, o cantor/compositor Jon Anderson estava farto. Ele deixou mais uma vez o Yes, que fundou 20 anos antes, batendo as portas .
Anderson (n.1944) retornou ao Yes em 1983, e o álbum 90125 , lançado no mesmo ano sob a liderança de Trevor Rabin e Trevor Horn , levou a banda a um novo boom comercial. Na verdade, a banda se tornou mais popular do que nunca graças ao seu novo estilo moderno e simplificado. Big Generator (1987) , nascido após um processo difícil , não teve tanto sucesso, mas depois de uma turnê mundial de sucesso promovendo aquele álbum, o Yes ainda era uma das bandas de rock mais populares do mundo. Então, por que Anderson abandonou a nave-mãe novamente…
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7. John Williams: Indiana Jones and the Last Crusade
Indiana Jones e a Última Cruzada é a terceira trilha sonora de Indiana Jones de John Williams .
Como sempre acontece com os filmes Indiana Jones de Steven Spielberg e George Lucas , Last Crusade é quase constantemente acompanhado pela música de Williams. No entanto, apenas 59 minutos de toda a partitura acabaram no disco da trilha sonora. A música não aparece no disco na ordem dos acontecimentos do filme, mas Williams a organizou de maneira ideal em termos de experiência auditiva. (Em 2009, foi publicada uma edição ampliada da partitura para 92 minutos.)
A genialidade de Williamson está amplamente cristalizada em sua capacidade de evocar melodias simples, mas interessantes, que ele frequentemente compõe sobre uma estrutura de fundo muito complexa. O ouvinte pode cantarolar junto com a melodia e ao mesmo tempo os carrinhos da orquestra fazem barulho ao fundo, combinando e apoiando precisamente os acontecimentos do filme.
Falando em melodias fortes: em 1989, a “Marcha dos Raiders” apresentada no primeiro filme de Indiana Jones havia se tornado um dos temas mais reconhecidos do cinema, mas Williams não descansou sobre os louros e desenvolveu uma enorme quantidade de músicas novas com novos temas para a Última Cruzada . O tema clássico da Indy "Raiders March" aparece apenas ocasionalmente no filme e apenas duas vezes na própria trilha sonora.
"Escape From Venice" e "Belly Of The Steelbeast" são os destaques da partitura rápida e virtuosa tocada pela grande orquestra sinfônica do Hollywood Studio (esta não é uma orquestra sinfônica tradicional, mas um grupo de elite de músicos de estúdio). Ambas são a música de fundo das cenas de ação, mas apesar disso não permanecem apenas a meca, você pode sentir o arco do drama apenas ouvindo a música. A rápida e rápida “Escape From Venice” contém uma divertida seção de bandolim e “Belly Of The Steelbeast”, por outro lado, nos lembra que Williams é um mestre na criação de música orquestral bélica semelhante a uma marcha. Avançando de forma agressiva e ritmicamente implacável, "Belly Of The Steelbeast" é um de seus maiores sucessos neste setor.
Indiana Jones e a Última Cruzada rendeu a Williams sua 26ª indicação ao Oscar.
Sem tomar uma posição adicional sobre como a trilha sonora de Indiana Jones And The Last Crusade apoia o filme, sua trilha sonora é, na minha opinião, claramente a experiência auditiva mais coerente das três primeiras trilhas sonoras de Indiana Jones. Indiana Jones e a Última Cruzada é a nobreza das trilhas sonoras de filmes orquestrais.
Melhores músicas: "Indy's Very First Adventure", "Scherzo For Motorcycle And Orchestra", "Escape From Venice", "Belly Of The Steelbeast", The Penitent Man Shall Pass"
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8.Allan Holdsworth: Secrets
Segredos é o oitavo de Allan Holdsworth . disco solo. Ou sétimo se você perguntar ao próprio Holdsworth, porque o debut Velvet Darkness (1976) foi lançado sem a permissão do maestro da guitarra.
Como banda básica, Secrets tem um trio formado por Holdsworth, Jimmy Johnson (baixo) e Vinnie Colaiuta (bateria), mas em termos de música a formação varia um pouco e algumas músicas também incluem um tecladista. A forma de tocar de Holsworth está novamente em um nível insondável, mas o som do sintetizador de guitarra Synthaxe às vezes é irritante.
O álbum começa de forma explosiva com a composição acelerada de Gary Husband (o baterista / pianista Husband não toca neste álbum) "City Nights". A bateria de Chad Wackerman soa extremamente hiperativa e controlada ao mesmo tempo. O baixo pulsante e emborrachado de Jimmy Johnson cria uma base harmônica saborosa e tudo é, claro, complementado pela guitarra absolutamente incrível e rápida de Holdsworth, onde as notas se conectam umas com as outras de maneira incrivelmente suave. Infelizmente, a música, que descreve perfeitamente a noite agitada da cidade grande, termina rápido demais em alguns minutos.
Em "City Nights" também é agradável que a guitarra de Holdsworth soe como uma guitarra e não como um sintetizador, como é frequentemente o caso no disco. A guitarra de Holdsworth tocando com o sintetizador de guitarra SynthAxe também é incrível de ouvir, como mostrado por suas linhas de acordes penetrantes e contínuas na faixa-título do álbum, "Secrets". Extremamente autocrítico e admirador de saxofonistas, Holdsworth sempre quis que sua guitarra soasse como algo diferente de uma guitarra, mas eu pessoalmente gosto mais de ele tocar quando é mais orgânico. Mas agora estou saindo um pouco do assunto.
Na música-título, a soprano de formação clássica Rowanne Mark canta ao lado do tímido SynthAxe . Seu canto é lindo de ouvir, embora a melodia vocal às vezes funcione um pouco estranha com o fundo complexo. No entanto, o uso de vocais é uma atração refrescante em um disco principalmente instrumental. Os vocais também são ouvidos na última música, mas a atuação de Craig Copeland não é particularmente interessante.
Junto com "City Nights" e "Secrets", os destaques do álbum incluem a lírica "54 Duncan Terrace", que é definida não apenas pela bela execução de piano de Alan Pasqua , pela bateria estrondosa de Wackerman beirando o overdubbing e pelo saboroso solo curto de baixo de Johnson, mas também, é claro, pelos solos absolutamente incompreensíveis de SynthAxe de Holdsworth.
Talvez o melhor solo de guitarra do álbum possa ser ouvido na composição de Steve Hunt, "Joshua". O estranho primeiro solo de Holdsworth é algo completamente incompreensível e infelizmente não posso dizer nada inteligente sobre isso. Ele ultrapassa a balança e é alto, mas impressionante de ouvir. O segundo solo da música de Holdsworth também é bonito, mas mais convencional em seu lirismo. Então, na escala de Holdsworth, mais convencional! Qualquer outro guitarrista também mereceria um grande incenso por isso.
É difícil considerar Secrets um álbum particularmente forte emocionalmente , mas é um dos melhores remédios para a fome de jazz de fusão acompanhado de uma execução rápida e virtuosa. Junto com iou (1982), Secrets é provavelmente a coleção de álbuns mais forte da carreira de Holdsworth.
Melhores músicas: "City Nights", "Secrets", "54 Duncan Terrace"
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9. Miles Davis: Aura
Miles Davis é inegavelmente uma das maiores lendas da história do jazz. Davis foi um pioneiro do bebop, cool jazz, jazz modal e jazz-rock e um dos mais significativos inovadores no som do trompete de seu instrumento. Em meados dos anos 70, porém, sua carreira diminuiu ou realmente atingiu um muro de tijolos.
A vida privada de Miles Davis (1926-1991) sempre foi turbulenta e, em meados dos anos 70, talvez tenha chegado o período mais sombrio de sua vida. Davis desapareceu do mundo da música e preencheu o vazio deixado pela música com álcool e drogas. Miles (me parece estranho escrever sobre músicos pelo primeiro nome, mas como todo mundo parece estar fazendo isso com Miles Davis, que assim seja!) a espiral descendente foi tão íngreme que muitos amigos não pensaram que ele algum dia sairia. disso. Contrariando as expectativas, porém, Davis conseguiu retornar no início dos anos 80. Man With The Horn, lançado em 1981, foi o primeiro álbum de estúdio de Miles com material novo em sete anos. No entanto, ele conseguiu se livrar do vício em drogas apenas em 1982...
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10. The Work: Rubber Cage
Rubber Cage é o segundo álbum de estúdio do The Work .
The Work, fundado em 1980, lançou seu primeiro álbum dois anos depois, mas o próximo álbum, Rubber Cage, teve que esperar, por um motivo ou outro, até 1989.
Apesar da longa pausa, Rubber Cage é feito pelo mesmo quarteto da estreia. Então há Bill Gilonis (guitarra, samples, voz), Mick Hobbs (baixo, guitarra), Tim Hodgkinson (guitarra, teclado, metais, voz) e Rick Wilson (bateria, percussão).
Quando o membro fundador do Henry Cow, Tim Hodgkinson , está envolvido, não é surpreendente que a música do Rubber Cage também seja muito complexa, com seus padrões de acordes labirínticos e ritmos irregulares. No entanto, o fato de a música ter fortes influências pós-punk traz um toque próprio ao avant-prog do The Work. As músicas curtas (1-6 min.) do Rubber Cage são em sua maioria bastante rápidas, agressivas e até ásperas.
Porém, em meio à meca dilacerante, também se ouve bastante melodiosidade, e por outro lado, às vezes a banda mergulha em agradáveis jams hipnóticas tipo krautrock que me lembram fortemente This Heat . Embora o tom geral seja sério e sombrio, às vezes também há humor, cuja indicação mais clara são os realmente estranhos vocais "nam-nam-nam" da música "Quack". Na mesma música, Hodgkinson também toca seu saxofone com um solo rouco.
Embora Hodgkinson seja um habilidoso tocador de metais, Torvet é largamente deixado de lado em Rubber Cage e é mais sobre uma banda de guitarras. As guitarras são usadas de diversas maneiras: muitas vezes são tocadas, arranhadas e dedilhadas várias vezes umas em cima das outras. A estridente e estridente "guitarra havaiana" de "Dangerfish" é particularmente interessante de ouvir.
É fácil pensar na década de 1980 como uma década plástica e polida em termos musicais, mas é possível encontrar músicas tão dolorosas nas margens.
Depois de Rubber Cage , The Work excursionou pela Europa por alguns anos e lançou seu último álbum de estúdio, See , em 1992 .
Melhores músicas: "Abdomen", "Commerce And Despair", "Dangerfish", "1992", "Trauma", "Jay"
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