Crítica: "Mercury" do Psygnosis, uma nova obra-prima do death metal progressivo instrumental, muito sinfônico, com atmosferas etéreas e elementos barrocos. (2023)

Formado em 2009 em Màcon, França. Originalmente era um projeto individual, onde seu fundador  Rémi Vanhove  era responsável pelos vocais, guitarras, programação de baixo e bateria, samples, composição, produção e até mesmo sua arte visual. Depois do primeiro EP, “Phrases” em 2009, eles se tornaram um verdadeiro grupo. De qualquer forma, nos lançamentos publicados entre 2011 e 2014,  Psygnosis  era uma banda que incluía a voz como instrumento permanente e que incorporava musicalmente muitos elementos progressivos dialogando com conotações de metalcore e pós-nu-metal. Somente quando seu vocalista  Yohan Oscar  , que os acompanhou entre 2012 e 2014, se aposentou, Raphael Verguin se juntou ao violoncelo  . como novo instrumento e “substituto” da voz, dando assim uma nova roupagem à banda; traje que sugere uma mistura de metal progressivo extremo, atmosférico e instrumental, com nuances de death metal, black metal e, em seus aspectos mais melódicos, metal sinfônico. 

O Psygnosis  é atualmente composto por  Rémi Vanhove  na guitarra e design de som,  Elise Masliah  na segunda guitarra,  Raphael Verguin  no violoncelo e  Thomas Crémier  na bateria, que no último dia 15 de setembro nos presentearam com seu 5º álbum de estúdio: “Mercury”, que consiste em 5 músicas e duração total de aproximadamente 56 minutos.

“ Öpik-Oort ”, faixa de abertura, apresenta-se como uma continuação fiel da atmosfera com que nos impregnaram no álbum anterior, “Neptunes” de 2018, que além de ter aquela mistura mencionada cruza-se com toques de doom metal e shoegaze . A peça é uma daquelas peças particulares da música progressiva que, pela sua duração, neste caso 12 minutos e 30 segundos, tem introdução, interlúdio e coda próprios: Com uma entrada falsa de 20 segundos liderada por um zumbido quase silencioso, como em “L' Via L'Viaquez do  The Mars Volta  somos surpreendidos por algumas melodias diretas, aqui com tons de doom e death metal que poderiam remeter a uma música instrumental do  mais recente trabalho do Alcest no seu melhor, e eles nos acompanham por cerca de 5 minutos.  De repente nos encontramos imersos no que corresponderia a um interlúdio de aproximadamente 2 minutos apresentando um diálogo entre o fantasma do violoncelo que aos poucos se perde no nevoeiro, algumas melodias efêmeras de guitarra em formato loop e algumas notas sutis de teclado que servem como um descanso ou trégua na sua nuance mais introspectiva para depois retomar a energia e a força da “primeira parte”, embora agora com influências mais djentes. No minuto 11h14 aparece uma reprise do interlúdio que nos avisa do final da música.

“ Eclipse ” parece um pouco mais melancólico do que a peça anterior. Notas leves no piano que desenham uma melodia lenta acompanham e sinalizam a entrada de   Raphael Verguin. Aos poucos a faixa vai construindo suas complexidades harmônicas ao incorporar os demais instrumentos, instrumentos que por sua vez transformam aos poucos a atmosfera e delimitam, na segunda metade, um espaço repleto de elementos que cruzam aqueles aspectos melódicos executados pelo violoncelo com o mais técnico. e pesado na linguagem djent no comando das guitarras. Tal como em “Öpik-Oort”, “Eclipse” também sugere uma interrupção da potência das guitarras para indicar um regresso da calma e reentrada do violoncelo, que é mais uma vez o protagonista e nesta ocasião fechando a música.

“ Sunshine ” é aquele belo ponto de encontro entre o doom metal e o que poderia ser uma ode à música clássica contemporânea de  Raphael Weinroth-Browne . A estrutura desta faixa, nas suas características mais amplas, é criada de forma muito semelhante a “Eclipse”, pois embora seja provavelmente o clímax e ponto de viragem de Raphael Verguin onde se expressa no seu mais protagonista e monólogo possível,  como  o a música continua, como se o volume fosse aumentando gradativamente até aquela emoção inaudível, surge o poder e a força comovente dirigida pelas guitarras e bateria, como se fosse um duelo entre elas e o violoncelo. *

Tal como acontece entre os álbuns “Deliverance” e “Damnation” do  Opeth,  “ Caloris Basin ” surge como o contraste sonoro a “Sunshine”, fazendo também uma subtil retomada da densidade e força que nos deram na faixa de abertura do álbum . É uma música que faz uma excelente condensação e fusão da paleta de cores que vinham utilizando desde o início, citando ao mesmo tempo uma versão metal precisa de uma referência a composições de clássicos como Johann Sebastian Bach  .

 “ Uranometria ” manifesta-se por um momento como um remix sinfônico imaginário de um possível  outtake do Tool  para seu último álbum  “Fear Inoculum”, que nos submete àquela atmosfera pura e densa característica da música homônima “Fear Inoculum” ou “7embest”. ”mas com sussurros de death metal. É uma peça de 15 minutos e 23 segundos que fecha o álbum e, como é habitual na construção de “Mercúrio”, tem dois momentos principais em tonalidade densa-progressiva que são interferidos por prelúdio, interlúdio e coda; interferências que se vestem com uma brisa ambiente de trip-hop, permitindo assim a criação de espaços e pausas que compõem uma complementaridade entre essa rivalidade de ambientes sonoros.

Tal como o ruído branco, “Mercury” é um daqueles álbuns que, por mais extremos e rápidos que sejam, talvez, sendo uma massa que não tem voz, torna-se uma excelente música ambiente que acalma e tranquiliza. É também um dos que testemunham que o metal pode ser a evolução mais direta da música clássica. É, com efeito, uma obra que nos mostra um quadro onde aquelas cores do death metal, do black metal, do metal progressivo e do metal sinfónico se misturam na perfeição com aquela ode aos compositores do barroco.