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Future Days (1973)
Future Days (1973) é um dos álbuns mais significativos da discografia de Can. Por um lado, ajudou a consolidar o fim da 'era de ouro' da banda, sendo o último disco com a participação do lendário vocalista Damo Suzuki. Por outro lado, ajudou a cimentar uma espécie de novo começo, apresentando à banda uma mudança radical no som em relação aos seus esforços anteriores. Além de tudo isso, Future Days continua sendo o mais consistente e unificado dos álbuns clássicos do Can, e é sem dúvida aquele que exalou maior influência em sucessivas gerações de músicos (particularmente músicos de ambiente, eletrônica e pós-rock da década de 1990). em diante).
Claro, ninguém saberia de tudo isso simplesmente olhando as notas de lançamento do álbum. Future Days foi lançado apenas um ano depois do relativamente convencional Ege Bamyasi (1972) – um álbum muito emblemático do clássico Can sound – e apresenta exactamente o mesmo conjunto de instrumentação e formação de músicos. Na verdade, suspeito que se você ouvisse cada uma das partes dos músicos separadamente em Future Days , provavelmente também não notaria nenhuma mudança radical em relação ao trabalho anterior. Holger Czukay ainda fornece suas linhas de baixo minimalistas e pulsantes; Michael Karoli ainda fornece seus floreios melódicos de guitarra blues; Jaki Liebezeit ainda fornece sua bateria contagiante e metronômica; Irmin Schmidt ainda fornece suas texturas de teclado glaciais; e Damo Suzuki ainda fornece seus cantos de forma livre e sem sentido. O que torna este disco tão único, na verdade, não é nenhum aspecto musical em particular, mas sim a forma como tudo se encaixa.
Uma das mudanças significativas na dinâmica da banda, que pode não ser evidente na primeira audição, é que há pouco espaço para o individualismo. Certamente, é difícil lembrar de algum momento do álbum em que um dos músicos salte para o centro do palco. Em vez disso, os instrumentos individuais parecem simplesmente se transformar em um todo orgânico e inseparável. Em nenhum lugar isso é mais perceptível do que nas performances de Damo Suzuki. Em álbuns anteriores, como Tago Mago (1971), Suzuki frequentemente saltava da música, gritando como um maníaco imprevisível. Esta abordagem, embora pouco convencional, certamente o apresentava como um testa-de-ferro individualista. Em Future Days , no entanto, Suzuki parece passar a maior parte do tempo flutuando suavemente “dentro” da música, quase como se fosse apenas mais uma camada de texturas de teclado de Schmidt.
Essa falta de individualidade também é evidenciada pela falta de improvisação no disco. Particularmente durante a era Malcom Mooney e seus primeiros dias com Damo Suzuki, Can era uma banda conhecida por suas jams extensas e improvisadas. As faixas de Future Days, em comparação, parecem muito com 'composições', com cada nota soando perfeita e calculada. Para mim, a guitarra de Michael Karoli é a demonstração mais clara dessa mudança sutil. Nas faixas anteriores da banda, Karoli frequentemente preenchia passagens longas com macarrão Hendrixiano detalhado em uma escala pentatônica ou de blues. Em Future Days , no entanto, Karoli prefere uma abordagem mais esparsa e melódica, não muito diferente do estilo cristalino de David Gilmour no meio do período do Pink Floyd.
O resultado destas mudanças é uma mudança de foco do ritmo e da energia dos músicos para o ambiente geral da paisagem sonora musical. Para esclarecer, embora o Can sempre tenha sido uma banda que misturou o psicológico com o físico (por exemplo, o monstruoso e complexo funk de Halleluhwah ), Future Days é certamente muito mais música para a mente do que música para o corpo. Esta abordagem à produção musical é certamente comum hoje em dia, mas vale a pena lembrar que Future Days foi lançado antes mesmo de o termo “música ambiente” ser inventado. Na verdade, é difícil pensar em um álbum de rock antes de Future Days onde o foco esteja tão fortemente sintonizado com a 'sensação' geral da música, em vez das performances individuais, melodias ou letras, etc...
A sensação geral, ou O ambiente que permeia o álbum é de natureza impressionista. Cada uma das faixas parece evocar suavemente uma paisagem única. Embora nenhuma dessas paisagens pareça mundana, ou mesmo desta época (daí Future Days ), todas elas parecem inteiramente naturais e cheias de vida. Ao longo das quatro faixas do álbum, ouço prados gramados, selvas pantanosas e oceanos profundos, só para citar alguns. Estas impressões tornam-se vívidas com o uso de onomatopeias musicais (de forma semelhante à 6ª Sinfonia 'Pastoral' de Beethoven), mas também através do uso de efeitos sonoros amostrados. Ouça a introdução de Future Days , por exemplo, e você poderá ouvir o assobio dos pássaros e o barulho da água.
Em certo sentido, Future Days é um precursor direto de Another Green World (1975), de Brian Eno, na medida em que utiliza instrumentação fria e eletrônica para evocar sentimentos de natureza pacífica. Robert Christgau usou o termo “tecno-pastoral” para descrever Outro Mundo Verde , e acredito que o termo é igualmente adequado para descrever os Dias Futuros . Esta não é uma mudança pequena, considerando que apenas dois anos antes, Can estava lançando faixas como Mushroom e Peking O , que estavam encharcadas de paranóia e loucura, mais parecidas com uma guerra nuclear do que com um prado pacífico. Além disso, os momentos mais 'pesados' ou intensos de Future Daystendem a ser misteriosos e impressionantes, em vez de aterrorizantes como no Tago Mago .
A faixa de abertura do disco, Future Days , cimenta imediatamente a noção de 'tecno-pastoral' com uma colagem sonora introdutória de quase 4 minutos. Embora delicada ao toque, esta colagem está repleta de efeitos sonoros, muitos dos quais difíceis de decifrar. Acredito que posso ouvir alguns sinos em espiral, alguns pratos embaralhados (potencialmente tocados ao contrário?), algum sintetizador suave e gorduroso, o chamado de um acordeão e, claro, os já mencionados samples de respingos de água e ondas quebrando. Embora a composição desta introdução seja obscura, a impressão de litoral que ela cria é maravilhosamente clara. No meio do caminho, a banda se infiltra na mixagem como a maré chegando. Ouvimos uma figura de baixo de colcheia dançando constantemente, repleta de carícias harmônicas. Isto é levado adiante pelo movimento sensual da percussão de Liebezeit e alguns tons de sintetizador lânguidos e pulsantes. Enquanto isso, a colagem sonora colorida continua a crescer. Eventualmente ouvimos o tamborilar das gotas de chuva, o assobio dos pássaros, uma melodia (de violino?) Que soa como pássaros e o murmúrio subaquático de um Suzuki taciturno. Na marca de 3:48, a colagem sonora se dissipa e a banda continua seu arrastamento lânguido. Acordes suaves de guitarra introduzem a melodia narcotizada de Suzuki e depois um breve solo de Karoli. Às 5:53, a banda explode no plano astral com ondas de sintetizador e algumas guitarras incrivelmente edificantes de Karoli. Após uma reprise da melodia, a banda eventualmente desapareceu com alguns tons celestiais de teclado, guitarra e baixo ressoando nos céus. A faixa termina, estranhamente, com uma represália silenciosa ao tema principal em velocidade dupla.
A próxima faixa, Spray , é ainda melhor. Embora tenha uma duração semelhante a Future Days e seja igualmente impressionista, o efeito é totalmente diferente. A primeira metade da faixa é um banquete delirante de jazz-funk em compasso 6/8, não muito diferente da fusão de Miles Davis da era Bitches Brew . Liebezeit é a estrela clara aqui, com sua implacável colcha de retalhos tribal de uma gama aparentemente infinita de sons de percussão dominando os procedimentos. O maior baterista de rock de todos os tempos? Sem dúvida! Além disso, a seção é “pulverizada” com alguns suspiros de arrepiar do órgão xamânico de Schmidt e alguns gemidos ritualísticos de Suzuki. É uma pena que o Creedence Clearwater Revival já tenha nomeado uma música, ' Run Through the Jungle ', pois é precisamente essa a impressão que tenho desta jam densa e sem fôlego. Eventualmente, um silêncio varre a pista à medida que gradualmente se transforma na segunda seção mais lenta. Se a primeira seção do Sprayera um ritual tribal fervoroso, então esta seção é uma cerimônia inebriante de oração. Somos brindados com outro mantra hipnótico de Suzuki que é apoiado por um coro de tons de órgão angelicais. Durante todo o tempo, as notas espiraladas da guitarra de Karoli acentuam cada batida e os graves agudos de Czukay suspendem a música no ar.
A última faixa do lado A é Moonshake , um breve número melódico que reconhecidamente parece um pouco deslocado entre outros épicos impressionistas. Uma coisa que posso dizer sobre a faixa é que o título é simplesmente perfeito; Não consigo pensar em nenhuma maneira melhor de descrever a música aqui, especialmente o estranho solo de efeito sonoro que aparece no meio da faixa.
Apesar de toda a música incrível que ouvimos até agora, tudo empalidece em comparação com a grandiosa Bel Air , que ocupa todo o lado B e é, sem dúvida, uma das melhores composições da história do rock. música. Basicamente um sonho de 20 minutos, Bel Airtem tantos subtemas lindos que se entrelaçam tão facilmente que é fácil se perder e perder a noção do tempo. A impressão que a trilha cria é a de viajar pelas profundezas do oceano ou pela extensão infinita do espaço sideral. Não consigo decidir qual é o mais preciso, mas a sensação de vastidão é inegável de qualquer maneira. A faixa começa serenamente com uma interação ensolarada entre guitarra, baixo e teclado. Suzuki logo entra com outra de suas melodias de contos de fadas, enquanto um groove vertiginoso entre baixo e bateria aumenta lentamente a energia. Em pouco tempo, os solos deslumbrantes de Karoli e o baixo persistente de Czukay lançam a música para as estrelas. Ótimo como sempre, Liebezeit adiciona golpes imprevisíveis de ênfase na caixa, um efeito que realmente alimenta o fogo. Depois que esta impressionante primeira seção se dissolve, o som de uma guitarra wah abafada pode ser ouvido brevemente. De repente, o próximo tema explode nos alto-falantes – outro groove galáctico entre baixo e bateria que é acompanhado por uma melodia crescente e harmonizada entre guitarra e vocais lamentosos. Segue-se então uma extensa passagem instrumental, após a qual tudo se dissipa novamente e ficamos com o canto das gaivotas (semelhante à abertura do álbum). Ouvimos então uma represália à interação ensolarada que abriu a faixa, perfeitamente complementada pelos pássaros ao fundo. Aquela seção exuberante e gramada então se transforma novamente na melodia principal, desta vez tocada tão enfaticamente por Suzuki e Liebezeit que não pode deixar de trazer um sorriso ao seu rosto. A melodia se repete e se repete com camadas hipnotizantes de pratos, sintetizador e guitarra melódica adicionados um por um até que a banda explode de volta ao doloroso tema de estrela de antes. Segue-se uma passagem instrumental lindamente intensa, mas desta vez a banda não se dissolve. Em vez disso, os riffs de baixo de Czukay deslizam para baixo no registro mais grave e Liebezeit aumenta a marcha, criando um nível de movimento que parece quase perigoso em sua velocidade. A forma de tocar de Czukay fica cada vez mais esquizofrênica, saltando registros para todos os lados, mas nunca cedendo ao ritmo persistente. Schmidt expande a sensação de espaço com drones colossais de teclado celestial. Esta passagem inspiradora é quase demais para suportar e a banda eventualmente explodiu em uma nuvem de detritos espaciais, não deixando nada para trás além de um assobio suave e satisfeito. A faixa então termina com uma represália linda e lenta do tema de estrela que sangra nos alto-falantes e desaparece antes que você perceba. Tirar o fôlego.
Reconheço que não há muito que eu possa dizer que realmente critique Future Days . Com a possível exceção de Moonshake , é um álbum impecável do início ao fim. Na verdade, o sentimento mais negativo que posso sentir ao ouvir isso é que ocasionalmente anseio por mais coisas contundentes,Tago Mago tão irresistível. Mas é claro que isso não é uma crítica, já que o fato de Future Days ser tão diferente de seus antecessores é uma das coisas que o torna tão único e lendário. Independentemente de você preferir este período do Can ou o Can anterior, Future Days certamente continua sendo um dos melhores álbuns de rock progressivo de todos os tempos e um dos meus favoritos. Se você ainda não ouviu o álbum, não espere mais!
Claro, ninguém saberia de tudo isso simplesmente olhando as notas de lançamento do álbum. Future Days foi lançado apenas um ano depois do relativamente convencional Ege Bamyasi (1972) – um álbum muito emblemático do clássico Can sound – e apresenta exactamente o mesmo conjunto de instrumentação e formação de músicos. Na verdade, suspeito que se você ouvisse cada uma das partes dos músicos separadamente em Future Days , provavelmente também não notaria nenhuma mudança radical em relação ao trabalho anterior. Holger Czukay ainda fornece suas linhas de baixo minimalistas e pulsantes; Michael Karoli ainda fornece seus floreios melódicos de guitarra blues; Jaki Liebezeit ainda fornece sua bateria contagiante e metronômica; Irmin Schmidt ainda fornece suas texturas de teclado glaciais; e Damo Suzuki ainda fornece seus cantos de forma livre e sem sentido. O que torna este disco tão único, na verdade, não é nenhum aspecto musical em particular, mas sim a forma como tudo se encaixa.
Uma das mudanças significativas na dinâmica da banda, que pode não ser evidente na primeira audição, é que há pouco espaço para o individualismo. Certamente, é difícil lembrar de algum momento do álbum em que um dos músicos salte para o centro do palco. Em vez disso, os instrumentos individuais parecem simplesmente se transformar em um todo orgânico e inseparável. Em nenhum lugar isso é mais perceptível do que nas performances de Damo Suzuki. Em álbuns anteriores, como Tago Mago (1971), Suzuki frequentemente saltava da música, gritando como um maníaco imprevisível. Esta abordagem, embora pouco convencional, certamente o apresentava como um testa-de-ferro individualista. Em Future Days , no entanto, Suzuki parece passar a maior parte do tempo flutuando suavemente “dentro” da música, quase como se fosse apenas mais uma camada de texturas de teclado de Schmidt.
Essa falta de individualidade também é evidenciada pela falta de improvisação no disco. Particularmente durante a era Malcom Mooney e seus primeiros dias com Damo Suzuki, Can era uma banda conhecida por suas jams extensas e improvisadas. As faixas de Future Days, em comparação, parecem muito com 'composições', com cada nota soando perfeita e calculada. Para mim, a guitarra de Michael Karoli é a demonstração mais clara dessa mudança sutil. Nas faixas anteriores da banda, Karoli frequentemente preenchia passagens longas com macarrão Hendrixiano detalhado em uma escala pentatônica ou de blues. Em Future Days , no entanto, Karoli prefere uma abordagem mais esparsa e melódica, não muito diferente do estilo cristalino de David Gilmour no meio do período do Pink Floyd.
O resultado destas mudanças é uma mudança de foco do ritmo e da energia dos músicos para o ambiente geral da paisagem sonora musical. Para esclarecer, embora o Can sempre tenha sido uma banda que misturou o psicológico com o físico (por exemplo, o monstruoso e complexo funk de Halleluhwah ), Future Days é certamente muito mais música para a mente do que música para o corpo. Esta abordagem à produção musical é certamente comum hoje em dia, mas vale a pena lembrar que Future Days foi lançado antes mesmo de o termo “música ambiente” ser inventado. Na verdade, é difícil pensar em um álbum de rock antes de Future Days onde o foco esteja tão fortemente sintonizado com a 'sensação' geral da música, em vez das performances individuais, melodias ou letras, etc...
A sensação geral, ou O ambiente que permeia o álbum é de natureza impressionista. Cada uma das faixas parece evocar suavemente uma paisagem única. Embora nenhuma dessas paisagens pareça mundana, ou mesmo desta época (daí Future Days ), todas elas parecem inteiramente naturais e cheias de vida. Ao longo das quatro faixas do álbum, ouço prados gramados, selvas pantanosas e oceanos profundos, só para citar alguns. Estas impressões tornam-se vívidas com o uso de onomatopeias musicais (de forma semelhante à 6ª Sinfonia 'Pastoral' de Beethoven), mas também através do uso de efeitos sonoros amostrados. Ouça a introdução de Future Days , por exemplo, e você poderá ouvir o assobio dos pássaros e o barulho da água.
Em certo sentido, Future Days é um precursor direto de Another Green World (1975), de Brian Eno, na medida em que utiliza instrumentação fria e eletrônica para evocar sentimentos de natureza pacífica. Robert Christgau usou o termo “tecno-pastoral” para descrever Outro Mundo Verde , e acredito que o termo é igualmente adequado para descrever os Dias Futuros . Esta não é uma mudança pequena, considerando que apenas dois anos antes, Can estava lançando faixas como Mushroom e Peking O , que estavam encharcadas de paranóia e loucura, mais parecidas com uma guerra nuclear do que com um prado pacífico. Além disso, os momentos mais 'pesados' ou intensos de Future Daystendem a ser misteriosos e impressionantes, em vez de aterrorizantes como no Tago Mago .
A faixa de abertura do disco, Future Days , cimenta imediatamente a noção de 'tecno-pastoral' com uma colagem sonora introdutória de quase 4 minutos. Embora delicada ao toque, esta colagem está repleta de efeitos sonoros, muitos dos quais difíceis de decifrar. Acredito que posso ouvir alguns sinos em espiral, alguns pratos embaralhados (potencialmente tocados ao contrário?), algum sintetizador suave e gorduroso, o chamado de um acordeão e, claro, os já mencionados samples de respingos de água e ondas quebrando. Embora a composição desta introdução seja obscura, a impressão de litoral que ela cria é maravilhosamente clara. No meio do caminho, a banda se infiltra na mixagem como a maré chegando. Ouvimos uma figura de baixo de colcheia dançando constantemente, repleta de carícias harmônicas. Isto é levado adiante pelo movimento sensual da percussão de Liebezeit e alguns tons de sintetizador lânguidos e pulsantes. Enquanto isso, a colagem sonora colorida continua a crescer. Eventualmente ouvimos o tamborilar das gotas de chuva, o assobio dos pássaros, uma melodia (de violino?) Que soa como pássaros e o murmúrio subaquático de um Suzuki taciturno. Na marca de 3:48, a colagem sonora se dissipa e a banda continua seu arrastamento lânguido. Acordes suaves de guitarra introduzem a melodia narcotizada de Suzuki e depois um breve solo de Karoli. Às 5:53, a banda explode no plano astral com ondas de sintetizador e algumas guitarras incrivelmente edificantes de Karoli. Após uma reprise da melodia, a banda eventualmente desapareceu com alguns tons celestiais de teclado, guitarra e baixo ressoando nos céus. A faixa termina, estranhamente, com uma represália silenciosa ao tema principal em velocidade dupla.
A próxima faixa, Spray , é ainda melhor. Embora tenha uma duração semelhante a Future Days e seja igualmente impressionista, o efeito é totalmente diferente. A primeira metade da faixa é um banquete delirante de jazz-funk em compasso 6/8, não muito diferente da fusão de Miles Davis da era Bitches Brew . Liebezeit é a estrela clara aqui, com sua implacável colcha de retalhos tribal de uma gama aparentemente infinita de sons de percussão dominando os procedimentos. O maior baterista de rock de todos os tempos? Sem dúvida! Além disso, a seção é “pulverizada” com alguns suspiros de arrepiar do órgão xamânico de Schmidt e alguns gemidos ritualísticos de Suzuki. É uma pena que o Creedence Clearwater Revival já tenha nomeado uma música, ' Run Through the Jungle ', pois é precisamente essa a impressão que tenho desta jam densa e sem fôlego. Eventualmente, um silêncio varre a pista à medida que gradualmente se transforma na segunda seção mais lenta. Se a primeira seção do Sprayera um ritual tribal fervoroso, então esta seção é uma cerimônia inebriante de oração. Somos brindados com outro mantra hipnótico de Suzuki que é apoiado por um coro de tons de órgão angelicais. Durante todo o tempo, as notas espiraladas da guitarra de Karoli acentuam cada batida e os graves agudos de Czukay suspendem a música no ar.
A última faixa do lado A é Moonshake , um breve número melódico que reconhecidamente parece um pouco deslocado entre outros épicos impressionistas. Uma coisa que posso dizer sobre a faixa é que o título é simplesmente perfeito; Não consigo pensar em nenhuma maneira melhor de descrever a música aqui, especialmente o estranho solo de efeito sonoro que aparece no meio da faixa.
Apesar de toda a música incrível que ouvimos até agora, tudo empalidece em comparação com a grandiosa Bel Air , que ocupa todo o lado B e é, sem dúvida, uma das melhores composições da história do rock. música. Basicamente um sonho de 20 minutos, Bel Airtem tantos subtemas lindos que se entrelaçam tão facilmente que é fácil se perder e perder a noção do tempo. A impressão que a trilha cria é a de viajar pelas profundezas do oceano ou pela extensão infinita do espaço sideral. Não consigo decidir qual é o mais preciso, mas a sensação de vastidão é inegável de qualquer maneira. A faixa começa serenamente com uma interação ensolarada entre guitarra, baixo e teclado. Suzuki logo entra com outra de suas melodias de contos de fadas, enquanto um groove vertiginoso entre baixo e bateria aumenta lentamente a energia. Em pouco tempo, os solos deslumbrantes de Karoli e o baixo persistente de Czukay lançam a música para as estrelas. Ótimo como sempre, Liebezeit adiciona golpes imprevisíveis de ênfase na caixa, um efeito que realmente alimenta o fogo. Depois que esta impressionante primeira seção se dissolve, o som de uma guitarra wah abafada pode ser ouvido brevemente. De repente, o próximo tema explode nos alto-falantes – outro groove galáctico entre baixo e bateria que é acompanhado por uma melodia crescente e harmonizada entre guitarra e vocais lamentosos. Segue-se então uma extensa passagem instrumental, após a qual tudo se dissipa novamente e ficamos com o canto das gaivotas (semelhante à abertura do álbum). Ouvimos então uma represália à interação ensolarada que abriu a faixa, perfeitamente complementada pelos pássaros ao fundo. Aquela seção exuberante e gramada então se transforma novamente na melodia principal, desta vez tocada tão enfaticamente por Suzuki e Liebezeit que não pode deixar de trazer um sorriso ao seu rosto. A melodia se repete e se repete com camadas hipnotizantes de pratos, sintetizador e guitarra melódica adicionados um por um até que a banda explode de volta ao doloroso tema de estrela de antes. Segue-se uma passagem instrumental lindamente intensa, mas desta vez a banda não se dissolve. Em vez disso, os riffs de baixo de Czukay deslizam para baixo no registro mais grave e Liebezeit aumenta a marcha, criando um nível de movimento que parece quase perigoso em sua velocidade. A forma de tocar de Czukay fica cada vez mais esquizofrênica, saltando registros para todos os lados, mas nunca cedendo ao ritmo persistente. Schmidt expande a sensação de espaço com drones colossais de teclado celestial. Esta passagem inspiradora é quase demais para suportar e a banda eventualmente explodiu em uma nuvem de detritos espaciais, não deixando nada para trás além de um assobio suave e satisfeito. A faixa então termina com uma represália linda e lenta do tema de estrela que sangra nos alto-falantes e desaparece antes que você perceba. Tirar o fôlego.
Reconheço que não há muito que eu possa dizer que realmente critique Future Days . Com a possível exceção de Moonshake , é um álbum impecável do início ao fim. Na verdade, o sentimento mais negativo que posso sentir ao ouvir isso é que ocasionalmente anseio por mais coisas contundentes,Tago Mago tão irresistível. Mas é claro que isso não é uma crítica, já que o fato de Future Days ser tão diferente de seus antecessores é uma das coisas que o torna tão único e lendário. Independentemente de você preferir este período do Can ou o Can anterior, Future Days certamente continua sendo um dos melhores álbuns de rock progressivo de todos os tempos e um dos meus favoritos. Se você ainda não ouviu o álbum, não espere mais!
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