1960 foi um ano interessante para a música clássica, assumindo que olhamos para o termo 'música clássica' em lentes mais amplas do que seu escopo convencional. Alguns compositores ainda estavam escrevendo obras na tradição do romantismo tardio ou impressionismo, outros estavam cobrindo novos campos que colocavam em questão o que exatamente é música clássica, ou mesmo o que é música. Neste artigo, focamos no primeiro grupo, iniciando a análise com um par de quartetos de cordas de um dos compositores icônicos da música do século XX .
Dmitri Shostakovich
1960 foi o ano em que Shostakovich estreou duas de suas obras mais pessoais, ambas na forma de um quarteto de cordas. Ele começou a explorar esse cenário de música de câmara em 1938 e completou um ciclo impressionante de 15 quartetos em 1974. É uma das coleções mais celebradas de quartetos de cordas e sua forma de expressão mais frequente ao lado de suas 15 sinfonias.
Em março de 1960, Shostakovich concluiu a composição do quarteto de cordas n.º 7, com uma dedicatória à memória de sua falecida esposa Nina Varzar, que faleceu em 1954 após ser diagnosticada com câncer. Ele começou a compô-lo em 1959, ano em que Nina teria comemorado seu 50.º aniversário . É o mais curto de seus quartetos, com menos de 12 minutos no total, seus três movimentos tocados continuamente, sem pausa.
O quarteto foi estreado no Glinka Concert Hall de Leningrado pelo Beethoven Quartet em 15 de maio de 1960. Esse conjunto tocou a maioria dos quartetos de Shostakovitch e um de seus membros, o violinista Dmitri Tsyganov, relembra uma conversa que teve com o compositor enquanto ensaiava o sétimo quarteto. Ele informou Shostakovich que a gravadora Melodiya desejava gravar seu último quarteto.
O compositor ficou lívido: “Último quarteto? Quando eu tiver escrito todos os meus quartetos, então falaremos sobre meu último quarteto!”
Quando Tsyganov perguntou quantos quartetos seriam lançados, o compositor respondeu: “Vinte e quatro. Você não percebeu que eu nunca repito uma tonalidade? Vou escrever 24 quartetos, para ter um ciclo completo.” Isso seria verdade se ele tivesse escrito um quarteto para uma tonalidade maior e menor em cada uma das escalas musicais. Isso não aconteceria.
Quarteto de cordas de Shostakovich número 7:
Cinco meses após a estreia do Quarteto n.º 7, os mesmos artistas retornaram ao local em Leningrado para estrear o próximo quarteto. O Quarteto n.º 8 é de longe o quarteto mais popular de Shostakovich, composto durante um ano difícil para o compositor. Em 1960, ele se juntou ao partido comunista, um movimento estranho depois de evitar esse ato durante o regime de Stalin. Há rumores de que ele assinou a admissão quando estava muito bêbado. Seu relacionamento complexo com o partido viu altos e baixos durante as décadas de 1930 e 1940, e ele estava constantemente sob ameaça de rebaixamento, denúncia e situações piores. Seu amigo Lev Lebedinsky se lembra dos comentários miseráveis de Shostakovich sobre se tornar um membro do partido: "Estou morrendo de medo deles", "Desde a infância, tenho feito coisas que não queria fazer", "Fui uma prostituta, sou e sempre serei uma prostituta".
Em julho de 1960, Shostakovich foi contratado para escrever a trilha sonora do filme soviético 'Five Days – Five Nights', um documentário sobre as ruínas de Dresden. A cidade, antes conhecida como a Florença do Elba, foi arrasada durante um bombardeio sem precedentes por aviões aliados no final da Segunda Guerra Mundial em fevereiro de 1945. Ele examinou a cidade em ruínas, conversou com moradores locais que sobreviveram à experiência infernal e se retirou para um spa resort próximo para compor a música. Depois de três dias, ele completou a composição, mas o resultado se tornou o Quarteto de Cordas nº 8.
Shostakovich falou mais tarde sobre esta composição: "Quando escrevi o Oitavo Quarteto, ele também foi designado para o departamento de 'exposição do fascismo'. Você tem que ser cego para fazer isso, porque tudo no quarteto é tão claro quanto uma cartilha. Cito 'Lady Macbeth', a Primeira e a Quinta Sinfonias. O que o fascismo tem a ver com isso? O Oitavo é um quarteto autobiográfico, ele cita uma canção conhecida por todos os russos: 'Exausto pelas dificuldades da prisão'."
O quarteto ficou conhecido como 'The Dresden Quartet', e Shostakovich acrescentou a dedicatória 'In Remembrance of the Victims of Fascism and War'. No entanto, ele disse a amigos pessoais: "Comecei a pensar que se um dia eu morrer, ninguém provavelmente escreverá uma obra em minha memória, então é melhor eu escrever uma eu mesmo." Uma carta que ele escreveu ao amigo Isaak Glikman revela a natureza autobiográfica do Quarteto nº 8: "O tema principal é o monograma D, Es, C, H, ou seja, minhas iniciais (na notação musical alemã, Es(S) é Mi bemol e H é Si natural). O quarteto faz uso de temas de minhas obras e da canção revolucionária 'Tormented by Grievous Bondage'. Meus próprios temas são os seguintes: da Primeira Sinfonia, da Oitava Sinfonia, do Trio para Piano, do primeiro Concerto para Violoncelo e Lady Macbeth. Há também algumas alusões à Marcha Fúnebre de Wagner, de Götterdämmerung, e ao segundo tema do primeiro movimento da Sexta Sinfonia de Tchaikovsky. E eu esqueci – há também um tema da minha Décima Sinfonia. Algo e tanto – essa pequena miscelânea!”
O quão afetado o compositor foi por sua própria obra é revelado em outra seção da mesma carta: “Enquanto a compunha, minhas lágrimas fluíam tão abundantemente quanto urina depois de beber meia dúzia de cervejas. Ao chegar em casa, tentei tocá-la duas vezes e derramei lágrimas novamente.”
Benjamin Britten
1960 foi o ano em que Shostakovich conheceu o compositor britânico Benjamin Britten. A ocasião, que semeou uma amizade duradoura, ocorreu no Royal Festival Hall em Londres, quando Mstislav Rostropovich tocou o Primeiro Concerto para Violoncelo de Shostakovich. Poucos anos depois, Shostakovich passou a admirar o War Requiem de Britten, colocando-o no mesmo nível de Song of the Earth de Mahler. Em 1968, Britten dedicou sua ópera The Prodigal Son a Shostakovich, que retribuiu o gesto no ano seguinte com sua 14ª Sinfonia.
Em 1960, Britten retornou a um dos gêneros musicais pelos quais é mais conhecido, a ópera. Sete anos antes, ele encenou a grande ópera Gloriana durante as celebrações da coroação da Rainha Elizabeth. Em 1954, ele compôs a ópera The Turn of the Screw, baseada na novela de Henry James, para uma pequena companhia de ópera. Em contraste com a mistura de tonalidade e dissonância e um uso recorrente de um tema dodecafônico encontrado em The Turn of the Screw, sua composição para a ópera de 1960 A Midsummer Night's Dream é cheia de melodias graciosas e harmonias agradáveis.
A ópera foi encomendada para celebrar a conclusão de um Jubilee Hall em Aldeburgh, cidade de residência de Britten desde 1947. Foi estreada no Festival de Aldeburgh em junho de 1960 com uma dedicatória a Stephen Reiss, gerente geral do festival. O libreto, adaptado da peça de William Shakespeare por Britten e Peter Pears, apresentou 14 papéis principais de canto, percussão, harpas, cravo e cordas. Uma banda de palco toca flautas doces soprano, pequenos pratos e blocos de madeira, e uma apresentação completa leva 144 minutos.
Britten levou sete meses para compor a ópera. Em uma entrevista uma semana antes de sua primeira apresentação, ele disse: “Isso não está à altura da velocidade de Mozart ou Verdi, mas hoje em dia, quando a linha da linguagem musical é quebrada, é muito mais raro. É a mais rápida de qualquer grande ópera que escrevi.”
Britten fez uma escolha interessante para o papel de Oberon, Rei das Fadas, escrevendo-o para o contratenor Alfred Deller. É raro que um papel principal masculino de ópera seja escrito para uma voz de contratenor. Em uma carta a Deller em agosto de 1959, Britten escreveu: “Eu me pergunto como você reagiria à ideia de interpretar Oberon? É para um grande elenco, e cada grupo de pessoas tem que ser cuidadosamente calculado vocalmente. Eu vejo você e ouço sua voz muito claramente nesta parte.”
Deller fez uma performance fantástica na estreia, mas suas habilidades de atuação não combinavam com sua maestria vocal. O crítico do Sunday Times, Desmond Shawe-Taylor, escreveu que Deller “ofereceu um canto suave e requintado, mas sua personalidade não é dramática”. Em performances posteriores, ele foi substituído pelo contratenor americano Russell Oberlin e quando a ópera se mudou para Covent Garden em 1961, foi dirigida por John Gielgud.
Francisco Poulenc
Mudamos para a França e o compositor Francis Poulenc, que em 1960 completou uma de suas composições mais queridas, a obra coral Gloria. Foi composta para solo de soprano, grande orquestra e coro, com base no texto Gloria da missa ordinária. Esta foi uma encomenda da Fundação Koussevitsky em homenagem a Sergei Koussevitzky e sua esposa Natalia. Poulenc relatou mais tarde a cadeia de eventos que levou a essa encomenda: “Primeiro, eles me pediram uma sinfonia. Eu disse a eles que não era feito para sinfonias. Então eles me pediram um concerto para órgão. Eu disse a eles que já tinha escrito um e não queria escrever outro. Finalmente eles disseram: 'Tudo bem, então faça o que quiser!'”
Koussevitzky, conhecido por seu longo mandato como diretor musical da Orquestra Sinfônica de Boston, de 1924 a 1949, naturalmente pediu que a estreia fosse realizada por aquela orquestra, então regida por seu sucessor Charles Munch.
Com carta branca, Poulenc teve a ideia de compor um Gloria no estilo de Vivaldi com um texto litúrgico dividido em seis seções. Ele não tinha certeza se sua ideia seria apropriada para a encomenda, e em sua carta a Munch em 1959 ele escreveu: “Eu sugeri escrever um Gloria para coro misto, solo de soprano e orquestra, com 20 ou 25 minutos de duração. Talvez você consiga balançar a balança a meu favor se houver alguma hesitação.”
A estreia foi marcada para janeiro de 1961 no Boston Symphony Hall para ser tocada pela cantora soprano Adele Addison, o Chorus Pro Musica e a Boston Symphony Orchestra. Trabalhar com os músicos no primeiro ensaio provou ser uma experiência desgastante para o compositor, mas Poulenc manteve seu humor em uma carta que escreveu ao amigo, o cantor Pierre Louis Bernac: "Se eu não tivesse vindo aqui, que música peculiar teria sido ouvida! O querido, adorável e requintado Charlie (maestro Charles Munch) não tinha entendido precisamente nada. Chegando atrasado para o primeiro ensaio do coro, ouvi algo tão diferente de mim que minhas pernas quase falharam na escada. Todos os tempos de Munch estavam errados, muito rápidos. Eu te digo, eu queria correr uma milha." Mas as coisas melhoraram dramaticamente alguns dias depois no ensaio final. Poulenc ficou especialmente impressionado com a soprano: "Addison te deixa louco, ela é o paraíso puro, com aquela pureza negra calorosa."
Tudo está bem quando acaba bem. Resumindo a performance, Poulenc escreveu: “A Glória é sem dúvida a melhor coisa que já fiz. A orquestração é maravilhosa. O final, entre outras coisas, é surpreendente.”
Aqui está uma gravação dessa apresentação histórica em Boston:
William Walton
Em 1955, o compositor inglês William Walton recebeu uma encomenda da Royal Liverpool Philharmonic Society para uma nova sinfonia. A ocasião foi o 750º aniversário da cidade de Liverpool, com o objetivo de estrear a obra durante sua temporada de 1957/58. Walton, um trabalhador lento e um perfeccionista notório, só concluiu a obra em julho de 1960, 25 anos após publicar sua primeira sinfonia.
A Sinfonia nº 2 de Walton é realmente uma ponte entre composições orquestrais românticas tardias e impressionistas e novas tendências na música clássica, como sistemas atonais e dodecafônicos. Alguns disseram que é um cruzamento entre Ravel e Schoenberg, se tal coisa é possível.
Michael Kennedy, em seu livro 'Portrait of Walton', escreve que "esta é uma música que é curiosamente relutante em revelar seus segredos e significados internos por meio de algumas audições. Não que seja uma música difícil, mas precisa de audição concentrada e frequente antes que, de repente, os véus se abram e a pessoa seja admitida no círculo interno de seu mundo sonoro altamente distinto."
A sinfonia foi finalmente executada pela Royal Liverpool Philharmonic, mas não em sua cidade. Em 2 de setembro de 1960, John Pritchard conduziu a orquestra no Festival Internacional de Edimburgo. Em fevereiro de 1961, Walton voou para Nova York para ouvir o maestro George Szell com sua Orquestra de Cleveland executar a sinfonia e ficou muito impressionado. Um mês depois, Szell liderou a primeira gravação da composição, para a alegria de Walton. Ele enviou uma carta a Szell, dizendo: "Esta manhã recebi o disco da sua gravação da minha 2ª Sinfonia e já a toquei várias vezes. Faltam-me palavras! É uma performance fantástica e estupenda de todos os pontos de vista. O virtuosismo da performance é bastante impressionante. Tudo é fraseado e equilibrado de uma forma inacreditável, pelo que devo felicitá-lo e à sua magnífica orquestra."
Após a morte do maestro em 1970, Walton rededicou a partitura "à memória de George Szell".
Aqui está o belo segundo movimento da sinfonia, Lento assai, interpretado pela Orquestra de Cleveland, regida por George Szell:
Alan Hovhaness
Atravessamos o oceano e terminamos esta análise nos Estados Unidos e no compositor Alan Hovhaness. Nascido em 1911, filho de pai armênio e mãe de ascendência escocesa, Hovhaness compôs 67 sinfonias em um período de quase 60 anos, uma conquista produtiva que poucos compositores na história da música podem reivindicar. Em 1960, ele compôs sua décima primeira sinfonia, intitulada 'All Men Are Brothers'. A obra foi encomendada para o 25º aniversário da Filarmônica de Nova Orleans e estreada por essa orquestra sob Frederick Fennell em 21 de março de 1961.
Hovhaness explicou o título da sinfonia como uma tentativa de “expressar uma fé positiva no amor cósmico universal como o único objetivo final possível para o homem e a natureza. Que todos se unam em nosso pequeno planeta, nossa vila flutuante, nossa pequena nave espacial enquanto viajamos através da misteriosa infinitude”.
A sinfonia passou por uma série de revisões ao longo dos anos e tem referências a algumas das obras anteriores do compositor. Em uma entrevista de 1971, Hovhaness explicou que “A Décima Primeira Sinfonia na verdade remonta ao meu estilo anterior no sentido de que o primeiro movimento realmente veio da época em que acabei de ganhar uma bolsa de estudos no Conservatório da Nova Inglaterra, e era parte da sinfonia que ganhou um prêmio naquela época. Isso foi em 1932. Então o Primeiro Movimento foi de 1932, com algumas mudanças aqui e ali. O Segundo Movimento foi de cerca de 1960. O Terceiro foi de 1969, eu acho, embora o tema possa ter sido um dos primeiros do período de 1932.”
Em 1963, Hovhaness fundou o selo Poseidon Society como uma forma de recuperar o controle artístico total sobre sua produção gravada. A Sinfonia nº 11 foi a primeira obra que ele gravou para esse selo.
.jpg){kind=spacer}
.jpg){kind=spacer}
Sem comentários:
Enviar um comentário